Benicio del Toro y Tim Robbins ruedan “A Perfect Day“, a las órdenes de Fernando León de Aranoa. El filme es una adaptación de la novela “Dejarse llover“, escrita por Paula Farias (miembro de Médicos Sin Fronteras).

Benicio del Toro es uno de los protagonistas de la emotiva historia grabada en Andalucía por León de Aaranoa

Benicio del Toro es uno de los protagonistas de la emotiva historia grabada en Andalucía por Fernando León de Aranoa

Antes de que el director de “Barrio” comenzara el rodaje de “A Perfect Day”, las minas de Alquife eran testigos silenciosos de una prosperidad cargada de telarañas y sepultada por la crisis.

En 1996, el mencionado enclave de Sierra Nevada colgó el letrero de cierre endémico, dejando a sus habitantes en el más completo desamparo laboral. Desde entonces, esta población granadina deambuló por las mareas inciertas de la esperanza de reactivación.

Un condimento esencial con el que ha alimento la añorada supervivencia durante cerca de dos décadas, y que ha experimentado el hálito de los sueños cumplidos cuando León de Aranoa escogió la localidad como uno de los escenarios principales para su última película.

La película traduce a imágenes en movimiento la novela "Dejarse llover", de Paula Farias

La historia traduce a imágenes en movimiento la novela “Dejarse llover”, de Paula Farias

De esta manera, a partir del 17 de marzo, la región de Alquife ha lavado su faz y empolvado su fisonomía para comparecer frente a las cámaras como un miembro más del equipo artístico, transmutada conveniente en un Kosovo conflictivo y sobrecogedor. Paisaje belicoso y de arcilla anaranjada que marca el desarrollo escénico del largometraje producido por Reposado, MediaPro y RTVE.

BENICIO Y TIM, EN LAS CUMBRES DE LOS BANDOLEROS

El drama de los pueblos alejados del bienestar persigue cada una de las secuencias de “A Perfect Day”, cuyo libreto adapta la novela “Dejarse llover”, de Paula Farias (componente de la organización Médicos Sin Fronteras, desde 1999). Un argumento coral en el que un grupo de individuos intenta sacar un cadáver de un pozo de agua, con el objetivo de impedir la contaminación del líquido elemento.

Fernando León de Aranoa afronta en "A Perfect Day" su aventura más internacional

Fernando León de Aranoa afronta en “A Perfect Day” su aventura más internacional

No obstante, el asunto no es tan fácil como pudiera parecer a simple vista. El cuerpo ha sido introducido allí por los intereses de una etnia rival, y los problemas no hacen más que multiplicarse como efecto del odio ancestral que impera en un imaginado Kosovo.

Fiel a su tipo de cine profundamente sensitivo, León de Aranoa toma en sus manos el sorpresivo e inteligente texto de Farias, para crear a través de él una obra que toma su atmósfera de las relaciones entre los personajes. Tapiz de rostros amoratados por las bofetadas de la realidad, que guarda en las hebras de su dibujo los ecos atronadores del espíritu de la destrucción.

Precisamente, esa fuerza discursiva es una de las características esenciales por las que el creador capitalino de “Familia” y “Los lunes al sol” ha podido reunir a un elenco verdaderamente llamativo, y en el que se incluyen nombres tan conocidos como los de Benicio del Toro, Tim Robbins, Mélanie Thierry, Olga Kurylenko y Fedja Stukan.

Benicio del Toro expresó su interés por participar en el largometraje desde que leyó el guion

Benicio del Toro expresó su interés por participar en el largometraje desde que leyó el guion

Una vez que “A Perfect Day” acuda a las salas del planeta Tierra, la fisonomía avejentada de Alquife podrá codearse con las alfombras rojas y los fotogramas robados a la eternidad.

Justo en similar sintonía a la que protagonizaron hace demasiadas décadas otros escenarios de película made in Spain, tales como Colmenar Viejo (“Campanadas a Medianoche“), Segovia (“Doctor Zhivago“) o Sevilla (“Star Wars: El ataque de los clones“). Sin pasar por alto el vedetismo prolongado del desierto a lo Far West localizado en Tabernes (Almería).

Tim Robbins se mostró impresionado por la fuerza humana del libreto

Tim Robbins se mostró impresionado por la fuerza humana del libreto

Más información en http://www.reposado.net

Maria Callas regresa a la actualidad con la resmasterización (según grabaciones originales) de algunas de sus interpretaciones más famosas. Un material de indudable valor auditivo, que Warner Classics ha integrado en el álbum “Pure.

Maria Callas es una de las divas del bel canto más recordadas de la historia

Maria Callas es una de las divas del bel canto más recordadas de la historia

¿Puede ahogarse la perfección en un mar de inspiraciones diversas y una técnica sobrehumana?

La divinaprocedente del Egeo, aunque nacida en Nueva York, demostró a lo largo de su carrera que es perfectamente comprensible sacrificar las representaciones milimétricas de un texto, en favor de la pasión desatada.  Ana María Cecilia Sofía Kalogeropoúlou (más conocida como Maria Callas) nunca se esforzó excesivamente en alcanzar el compromiso exacto con una partitura, si con ello no rasgaba el espíritu de las féminas a las que siempre quiso dotar de lágrimas y risas, de desgarro y holgura, de hielo y fuego…

Mucho más que una diosa del bel canto en un sentido academicista, la amante del millonario Aristóteles Onassis vivió cada heroína con un estilo caracterizado por sentidas dramaturgias, que elevaron a los altares de lo inimaginable las arias de Verdi, Wagner, Rossini, Giordano, Bizet, Donizetti, Bellini, Puccini

La virtuosa técnica de Maria Callas ha sido recuperada con las mejores herramientas de la tecnología digital

La virtuosa técnica de Maria Callas ha sido recuperada con las mejores herramientas de la tecnología digital

Treinta y siete años después de su polémico fallecimiento (ocurrido el 20 de septiembre de 1977, en el domicilio parisino de la estrella), Warner Classics edita “Pure“: álbum que reúne algunas de las interpretaciones más famosas de la estrella helena. Un trabajo de orfebrería sinfónica que se ha llevado a cabo en los míticos estudios londinenses de Abbey Road.

MARIA CALLAS Y EL TRINO METÁLICO

La tecnología del siglo XXI, aplicada a la voz de la alumna aventajada de Elvira de Hidalgo, ha dado como resultado un disco especial, en el que la grandeza de la garganta de Callas adquiere las tonalidades polivalentes de alguien capaz de disfrazarse -a base de sobreagudos- de una soprano ligera, una protagonista de trágicas connotaciones, o una mezzo encubierta.

Maria Callas siempre arropó sus actuaciones con una dramaturgia espectacular/ Photo Credits: Erio Piccagliani, EMI Music

Maria Callas siempre arropó sus actuaciones con una dramaturgia espectacular/ Photo Credits: Erio Piccagliani, EMI Music

Así lo revela la experta elección de las composiciones que completan “Pure“, y que comienza con los acordes reconocibles de Norma (Costa Diva, de Bellini), para luego continuar con su diálogo estremecedor y épico, a través de la lírica apasionada de Carmen (L’amour est un oiseau rebelle “Habanera” y Les tringles des sistres tintaient).

Tras estos interludios de reflejos dorados, propios de una época de templos abarrotados, la dicción cristalina de esta dama de inagotables recursos abarca las elevaciones sonoras de Catalani (Ebben? Ne andrò lontana), Cilea (Ecco: respiro appena. Io son l’umile ancella) o Donizetti (Il dolce suono mi colpì di sua voce… , Spargi d’amaro pianto). Un vuelo sin más motor que el de los tupidos velos proporcionados por los ecos de la garganta de MC, y que se adentra por brumosos horizontes al compás de Puccini (O mio babbino caro, Vissi d’arte, Donde lieta usci) y Rossini (Una voce pocofa).

Warner Classics recuerda a Maria Callas al cumplirse los 37 años de su fallecimiento

Warner Classics recuerda a Maria Callas al cumplirse los 37 años de su fallecimiento

Todo para desembocar finalmente en el universo multicolor y profundo del Verdi de las rebeliones acaloradas. El mismo que inspiró la pólvora de La Traviata (Ah fors’è lui che l’anima, Sempre libere), Il Trovatore (D’amour sull’ali rosce) y Otello (Ave Maria).

Un camino en el que Callas también exhibe su magnetismo de hechicera contumaz, mediante las partituras de Giordano, Gluck y Saint-Saëns.

Warner Classicis firma de esta manera un acercamiento a la música de “la divina” como nunca antes se había efectuado, cocinado con mesura en los fogones de la perfección audible. Laboratorio de evocaciones artísticas en el que la dama del Egeo se eleva con la añeja pasión que la vistió de laureles en el siglo pasado, y con la que hizo suyas -al clamor de multitudes- algunas de las heroínas operísticas más determinantes en la escena internacional.

En "Pure" se dan cita muchos de los maestros a cuya música puso vida Maria Callas

En “Pure” se dan cita muchas de las heroínas a las Maria Callas interpretó en los escenarios

Más información en 

http://www.warnerclassics.com/release/333,0825646339945/callas-maria-pure-maria-callas-remastered

Albert Camus regresa a la Villa Y Corte con “Los justos“, una de sus obras más pesimistas. Javier Hernández-Simón dirige esta nueva versión, que traslada el argumento original a la España azotada por el terrorismo de ETA.

Albert Camus desarrolló la trama de "Los justos" en la época de la Rusia zarista/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

Albert Camus desarrolló la trama de “Los justos” en la época de la Rusia zarista/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

La diosa de la balanza siempre ha estado ciega ante las acciones de los individuos.

Cuando la supuesta legitimidad se transforma en violencia indiscriminada, y los oprimidos desbordan su dolor pretérito en la tortura de nuevas víctimas: ¿Dónde está la justicia?

Por mucho que se piense en la rotundidad dogmática de la Ley del Talión, ¿qué ocurre en el momento en que la culpabilidad transmuta su presencia en una ideología de barbarie generalizada?

Albert Camus expuso todas estas cuestiones, y muchas más, en su obra “Los justos“: un texto diseñado a partir de la visceralidad humana que el dramaturgo francés estrenó en 1949, y el cual desplegaba su discurso de pacifismo militante en la Rusia de 1905.

Albert Camus expuso en profundidad la transformación de los ideales en excusas para ejercer la violencia/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

Albert Camus expuso en profundidad la transformación de los ideales en excusas para ejercer la violencia/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

Sesenta y cinco años después, Javier Hernández-Simón (Bilbao, 1977) y José A. Pérez (Bilbao, 1979) recuperan la mencionada pieza del autor de “El extranjero” para trasladar la acción a la España de 1979. Una adaptación que ha dado como resultado el impactante montaje con el que la compañía 611Teatro aterriza en la sala 1 de las madrileñas Naves del Español (Paseo de la Chopera, 10), desde el 1 de octubre al 26 del mismo mes.

ALBERT CAMUS VISTO A TRAVÉS DEL TERRORISMO DE ETA

Como una especie de bucle en el tiempo a través de las décadas, “Los justos” analiza la práctica inmutabilidad de la naturaleza de los hombres y las mujeres, vistos como seres que vuelven una y otra vez a caer en los mismos errores.

Con semejante mensaje, los responsables de esta nueva versión del escrito de Camus exponen su tesis sobre los similares condicionantes ideológicos entre los revolucionarios rusos y la génesis de la banda terrorista ETA. Comparación un tanto forzada a primera vista, ya que ambos movimientos nacieron y evolucionaron de manera diametralmente distinta.

Albert Camus estrenó la obra en 1949/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

Albert Camus estrenó la obra en 1949/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

No obstante, Hernández-Simón y A. Pérez se esfuerzan por unir las direcciones divergentes de estos procesos históricos, más desde la perspectiva de los primigenios condicionantes ideológicos que por la parte del parecido en cuanto a sus etapas vivenciales.

A modo de una pesadilla sobre el carácter monstruoso de la violencia, “Los justos” que llega a las Naves del Español refleja la progresiva transformación de un grupo de resistentes contra la dictadura franquista, convertidos unas tres décadas después en unos meros fanáticos del terror.

Envueltos en un escenario desnudo de elementos distorsionadores, y con piedras que recuerdan a las de las canteras de los esclavos, los personajes van desgranando sus pensamientos con la cadencia de los espectros, siempre caminando por cementerios creados por la sinrazón y el culto a la sangre.

Albert Camus esgrimió en "Los justos" uno de sus discursos más pesimistas sobre la condición humana/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

Albert Camus esgrimió en “Los justos” uno de sus discursos más pesimistas sobre la condición humana/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

Unos fantasmas imaginarios del siglo XX que en el escenario toman la faz de Lola Baldrich (Maite), Álex Gadea (Mikel), Ramón Ibarra (El teniente), Rafael Ortiz (José/ Suárez), José Luis Patiño (Josu) y Pablo Rivero Mardiñán (Xabier).

Las palabras de Camus parecían más distantes cuando volaban por el tema de los revolucionarios de 1905; pero, en el momento en que describen el drama aún en carne viva de la sociedad española con el terrorismo armado, el asunto se convierte en un discurso demasiado real y amargo, doloroso y trágico, reconocible y traumático. Un universo donde la esperanza está tan ciega como la justicia.

El montaje traslada la pieza de Albert Camus a la España del terrorismo/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

El montaje traslada la pieza de Albert Camus a la España del terrorismo/ Photo Credits: 611 Teatro, Vector Fleming, Parra

Tráiler de “Los justos“, por 611 Teatro

Más información, entradas y horarios en

http://www.mataderomadrid.org/ficha/3714/los-justos-de-albert-camus.html

Yasmina Reza presenta “Felices los felices” (Editorial Anagrama), una novela coral sobre los males sentimentales que atenazan a dieciocho ciudadanos pertenecientes al confuso y tecnológico siglo XXI.

Yasmina Reza psicoanaliza a las clases medias contemporáneas

Yasmina Reza psicoanaliza a las clases medias contemporáneas

Las pequeñas cosas, esos seres legañosos que se esconden detrás de los rincones de la cotidianeidad, son las que verdaderamente marcan el camino de los hombres y de las mujeres.

Asuntos aparentemente tan triviales como el de la elección del queso de mesa en el supermercado, o los acordes imantados de una canción que se comparte en un trayecto en automóvil, hunden socavones de nostalgia cuando las bombillas de la memoria van apagando sus focos vitales.

Peleas y soliloquios, lágrimas de soledad y desencuentros, amores y rencillas, venganzas y montañas rusas de emociones epidérmicas, ilusiones y desvelos… cualquier sensación de social ambivalencia es una muesca en el currículo individual de todo terrícola.

Marcas imborrables del ADN colectivo a las que Yasmina Reza les dedica una faz reconocible, en “Felices los felices“.

Yasmina Reza ha sido acusada por algunos sectores de la crítica literaria francesa de misógina

Yasmina Reza ha sido acusada de misoginia por algunos sectores de la crítica literaria francesa

YASMINA REZA Y SU ANÁLISIS DE LA ESPECIE

Publicada recientemente en la editorial Anagrama (bajo la experta traducción de Javier Albiñana), el último texto diseñado por la autora de “Arte” es como un inmenso mosaico de irresoluble composición: un puzle atenazado por la impetuosidad de lo inesperado, y al que le faltan las piezas salvadoras del conjunto.

Dieciocho personajes se baten en singular duelo contra la alienación a cada capítulo o episodio de los que conforman “Felices los felices“. Y lo hacen con las hojas de sus floretes embadurnadas en el veneno de las amarguras, celosamente guardadas en la reserva de los vinos avinagrados.

Yasmina Reza vuelve a esgrimir una prosa directa y altamente visual

Yasmina Reza vuelve a esgrimir una prosa directa y altamente visual

Reza hunde su estilete directo y acerado en temas tan trascendentales para la época actual como la rutina establecida en la opulencia y la falsedad, los apasionamientos exagerados, las relaciones extramatrimoniales con sello de resignación, las fantasías con fondo de sensualidades añoradas, el sadomaso de mercantilismo perturbador, o las miradas hacia los pretéritos amarillentos y deshilachados.

En definitiva, un cuadro coral y bastante esclarecedor sobre las fobias y filias de los ciudadanos amortiguados por el don de la riqueza planetaria, y que la responsable de “Un dios salvaje” apostilla con la cita: “Felices los amados y los amantes y los que pueden prescindir del amor, felices los felices”, perteneciente a Jorge Luis Borges.

Visual en todo momento, y con la métrica de la dramaturgia de salón hogareño por bandera, la narrativa de la literata parisina promueve el afecto o la desconexión inmediatos, sin dar la más mínima tregua a los lectores.

Una travesía que Yasmina Reza aborda con el cinismo de una puesta en escena preparada para retratar el aburrimiento rutinario de sus personajes, a los que la vida les ha repartido las cartas de los espíritus inertes.

Yasmina Reza saltó de los escenarios al cine a través de la adaptación de "Un dios salvaje", por Roman Polanski

Yasmina Reza saltó de los escenarios al cine a través de la adaptación de “Un dios salvaje”, película filmada por Roman Polanski

Frente a tales perspectivas, “Felices los felices” despliega una crítica generalizada hacia lo que muchas veces tiende a denominarse como políticamente correcto, y que satiriza con la ironía del sufrimiento los comportamientos lógicos de la responsabilidad tribal.

Unos usos y costumbres que, lejos de otorgar la felicidad, suelen provocar (según enfatiza el libro de la compatriota de Simone de Beauvoir) hastío, ansiedad, tristeza y desapego. Asuntos que ya esbozaron con anterioridad gente de estirpe bohemia como la de los rockeros Supertramp, en el hit titulado “The Logical Song”.

Yasmina Reza también ha practicado el ensayo periodístico, cuyos frutos más destacados los reflejó en

Yasmina Reza también ha practicado el ensayo periodístico, cuyos frutos más destacados los reflejó en “El alba, la tarde o la noche”

Más información en http://www.anagrama-ed.es/titulo/PN_870

Toulouse-Lautrec y sus carteles son los invitados de lujo del MoMA de Nueva York, a través de una vasta exposición. Cita con la que el museo estadounidense acaba con tres décadas sin una retrospectiva sobre el trabajo del maestro postimpresionista.

"The Paris Of Toulouse-Lautrec" saca a la luz parte de los fondos del MoMA sobre el pintor francés

“The Paris Of Toulouse-Lautrec” saca a la luz parte de los fondos del MoMA sobre el pintor francés

 

La noche le sentaba bien a la paleta del hijo del conde Alphonse y de Adèle Tapié de Celeyran.

Entre los pigmentos robados a la claridad, el pulso de Henri Marie Raymond de Toulouse- Lautrec (Albi, Francia, 1864- Saint-André-du-Bois, 1901) sintió los galones del heroísmo, sin importar lo más mínimo la cárcel corporal en la que estuvo enclaustrado desde su infancia.

Empapado de risas lujuriosas y mercantilismo de dignidades, el pincel del aristócrata hundió sus raíces en los suburbios parisinos del desenfreno y el hedonismo; siempre sometido al vaivén vertiginoso de damas con carnes suspicaces, tales como Yvette Guilbert, Loie Fuller y Jane Avril. Musas de los visionarios carteles firmados por el artista de la mirada dilatada; a los que el MoMA neoyorquino dedica la muestra titulada “The Paris Of Toulouse-Lautrec: Prints And Posters” (abierta al público desde el pasado 26 de julio, y hasta el próximo 22 de marzo de 2015).

Toulouse-Lautrec desarrolló con sus carteles un compendio de la vida nocturna en la capital del país de La Marsellesa

Toulouse-Lautrec desarrolló con sus carteles un compendio de la vida nocturna en la capital de La Marsellesa

TOULOUSE-LAUTREC, EL MEJOR GUÍA DE LA CITÉ DEL JOLGORIO

Treinta años sin el maestro decimonónico del Moulin Rouge eran muchos cursos expositivos carentes de sus siluetas ensoñadoras, del humanismo de pololos y sudor en el gaznate, de los pecados concebidos como carta para alcanzar la felicidad casual. Por eso, los responsables del MoMA no dudaron lo más mínimo cuando la experta Sarah Suzuki les habló de la posibilidad de ofertar la brillantez visual del genial dibujante.

A través de los numerosos pósters, impresiones, ilustraciones, cartones, acuarelas y pinturas existencialistas sobre la vida alegre ideados por el creador francés (unos cien, en total); el centro de la urbe del Empire State pone en el escaparate de la actualidad al bohemio encorvado de Montmartre, constantemente asociado a las butacas de los cabarets y los cafés-concierto.

Toulouse-Lautrec fue el mejor cronista de la bohemia en la Belle Époque

Toulouse-Lautrec fue el mejor cronista de la bohemia en la Belle Époque

Subido a los mimbres regados con alcohol, Toulouse-Lautrec amó como pocos el placer de las piernas de las bailarinas; los coqueteos interesados de las prostitutas; y los escarceos donjuanescos de los burgueses engordados con su soberbia vanidad. Imágenes que constituyeron un evocador libro de estampas costumbristas, filmadas con alma de paparazzi por el natural de Albi.

Según sus biógrafos, el que fuera amigo de Vincent van Gogh y vecino de Degas era capaz de desarrollar una escena a velocidad de crucero, con el simple armazón de soportes tan simples como una servilleta. Esa habilidad para reflejar el pulso vital de su época quedó encuadrada en una producción extensa y heterogénea, donde los apuntes históricos se confunden con una cotidianeidad rebosante de deseos cumplidos a golpe de talonario.

El París de Henri Marie Raymond es un lugar repleto de lupanares y de seducciones a salto de arbusto, un sitio de colores brillantes y caras enmascaradas. En definitiva, un decorado de marionetas contumaces que interpretan a la perfección su papel en el circo del destino, tan solas en su eternidad como acompañadas por muchedumbres gritonas y enrojecidas.

Las musas de Toulouse-Lautrec eran sobre todo bailarinas, actrices y prostitutas

Las musas de Toulouse-Lautrec eran sobre todo bailarinas, actrices y prostitutas

Ahí, deslumbrada por las luces artificiales y las sintonías de pianola y taconeos, la noche de Toulouse-Lautrec se siente arropada por las tonalidades ocultas, presta a lanzar sus influjos hechiceros. Aquelarres de fuegos carmesíes que ahora residen lejos del Bois de Boulogne, sonrientes  y amargados tras las celosías planetarias de un MoMA con ecos a El Salón de la Rue des Moulins, El Moulin de la Galette, El Moulin Rouge, Le Chat Noir, El Follies Bergère

Toulouse-Lautrec marcó un auténtico hito con sus imágenes de desenfreno burgués

Toulouse-Lautrec marcó un auténtico hito con sus imágenes de desenfreno burgués

Más información, entradas y horarios en http://www.moma.org

 

Todd Haynes finaliza el rodaje de “Carol“; adaptación de “The Price Of Salt“, de Patricia Higsmith. El filme cuenta la historia de una relación lésbica en USA, durante los años cincuenta. Rooney Mara y Cate Blanchett son las protagonistas.

Todd Haynes despliega su atracción por el cine clásico en la grabación de "Carol"

Todd Haynes despliega en “Carol” su atracción por el cine clásico/ Photo Credits: The Weinstein Company

No hace mucho tiempo, las relaciones entre amantes del mismo sexo suponían un tema tabú para la sociedad.

Sin capacidad para expresar libremente su opción individual, estas personas veían cómo una tensa cuerda –invisible, pero real- ahogaba sus sentimientos lentamente; asesinando a la vez el más mínimo atisbo por salirse de lo políticamente correcto y aceptado.

Una situación angustiosa y castrante que la escritora Patricia Highsmith se atrevió a reflejar en la novela “The Price Of Salt“, aunque lo tuviera que llevar a cabo bajo el pseudónimo de Claire Morgan.

Basado supuestamente en las declaraciones -a imagen desenfocada- que le hizo una extraña mujer a la literata, el relato narra con sulfuro de deseo las relaciones secretas entre dos féminas, ambas hambrientas de pasión desbocada e irracional (sin rarezas de por medio, sin engaños, sin falsas apariencias, y sin nada que malgastar en el camino de la felicidad compartida).

Todd Haynes ha confiado a Rooney Mara el papel de la soñadora Therese Belivet

Todd Haynes ha confiado a Rooney Mara el papel de la soñadora Therese Belivet

Argumento de existencialismo visceral que el director Todd Haynes acaba de transformar en una sofocante obra cinematográfica, filme que porta -con brazo de caballero andante- el título de “Carol“.

TODD HAYNES REGRESA A LOS AÑOS CINCUENTA

El ambiente de Nueva York en 1952 es el escenario principal por donde transcurre el guion que firma la debutante Phyllis Nagy (cuyo currículo únicamente contaba con su trabajo televisivo en Mrs. Harris).

Allí, entre avenidas atestadas de vestidos de vuelo y peinados lacados, el cineasta de “Lejos del cielo” levanta el crítico universo por el que se mueven -cual marionetas de esparto- la joven Therese Belivet (Rooney Mara) y la treintañera y divorciada Carol Aird (Cate Blanchett).

Nada asocia a estas damas (las dos pertenecen a clases diferentes, y sus vidas se han desarrollado por sendas casi opuestas), pero un simple contacto en unos grandes almacenes hace que se encienda la llama del amor, en sus corazones trasnochados por las mentiras asumidas.

Todd Haynes demostró su capacidad para revalorizar el género del melodrama con "Lejos del cielo"

Todd Haynes demostró su capacidad para revalorizar el género del melodrama, con “Lejos del cielo”

De esta manera, la acción toma velocidad de crucero cuando Belivet -que trabaja temporalmente en la sección de juguetes de un centro comercial- traba conversación con la Sra. Aird. Así, como quien no busca más que el azar perfumado de las aventuras arriesgadas, el dueto de féminas comienza a notar que siente algo muy fuerte la una por la otra.

Desde el pasado año, Haynes y su equipo (sustentado financieramente por The Weinstein Company) trabajan con determinación para sacar las aristas emotivas del texto de Highsmith. A tal efecto, el responsable de la chispeante “Velvet Goldmine” concibió el proyecto a partir de la química desplegada frente a las cámaras por Mara (quien llegó a la película en sustitución de Mia Wasikowska) y Blanchett, quienes debían hacer verosímil el profundo deseo de un par de seres heridos por el estigma de los outsiders.

Todd Haynes versiona uno de los textos más polémicos de Highsmith

Todd Haynes versiona uno de los textos más polémicos de Highsmith

Al lado de estas camaleónicas actrices, Sarah Paulson; Kyle Chandler; Jake Lacy; y Corey Michael Smith son algunos de los nombres que completan el nutrido reparto. Cuadro calórico y profesional destinado a refrescar unos tiempos hostiles, en los que estaba prohibido declarar a cara abierta la homosexualidad o el lesbianismo.

Una realidad que Patricia Highsmith esbozó nuevamente con similares cargas de globo sonda, en la saga protagonizada por el ambiguo y sociópata Tom Ripley.

Patricia Highsmith tuvo que firmar "The Price Of Salt" bajo el pseudónimo de Claire Morgan

Patricia Highsmith tuvo que firmar “The Price Of Salt” bajo el pseudónimo de Claire Morgan

Más información en http://www.weinsteinco.com

Lenny Kravitz edita el décimo disco de estudio en su carrera, una obra cargada de épicas líricas y aguerridos acompañamientos titulada “Strut” (Roxie Records, Kobalt Label Services).

Lenny Kravitz activa una vez más su propio estilo, mestizo de géneros como el soul y el rock

Lenny Kravitz activa una vez más su propio estilo, mestizo de géneros como el soul y el rock

Ya han pasado diecinueve años desde que el musculoso artista nacido en Nueva York preconizó la muerte del rock and roll. Sin embargo, lejos de defunciones prematuras, el género que hizo célebres los acordes de genios como Elvis Presley y Jimi Hendrix sigue afortunadamente muy vivo en el siglo XXI. Error de cálculo que seguramente ha quitado un peso de encima al mencionado trovador de Rock & Roll Is Dead, entre otras cosas porque -dentro del citado estilo- es donde sus letras toman el vuelo nocturno de las aves eléctricas.

Una travesía que Leonard Albert “Lenny” Kravitz acomete con el rastro de casi tres décadas en el escaparate de la música y diez discos en su carpeta curricular. Pasos que han esculpido a un creador de naturaleza camaleónica, con apego a los fuertes riffs guitarreros, pose de protagonista fílmico a lo blaxploitation, y sensaciones cantarinas sacadas de las arterias del Harlem de asfaltos cuarteados y de los terremotos rítmicos angelinos.

Lenny Kravitz exhibe sus virtudes como guitarrista y cantante a través de una docena inédita de cortes

Lenny Kravitz exhibe sus virtudes como guitarrista y cantante a través de una docena inédita de cortes

Tales ingredientes vuelven a concitar en “Strut” (Roxie Records, Kobalt Label Services) el cromático vitalismo de la actual pareja de Lisa Bonet (la mayor del clan televisivo de Bill Cosby, y la gachí que puso en jaque a Micky Rourke en “El corazón del ángel“). Un compacto a doce cortes de tensas partituras, que LK lanzará al mercado de las ondas el próximo 23 de septiembre.

LENNY KRAVITZ LEVITA SOBRE SÍ MISMO

Tras escuchar de una sentada los tracks que engordan el esqueleto de la obra del autor de “Believe”, la primera impresión que se obtiene es que Lenny ha reproducido similar universo al de sus trabajos anteriores. Una fórmula que el natural de la urbe del Empire State domina con soltura; y que imanta su acústica con un poco de soul, mucho rock, algo de reggae, y bastante sonido motown.

Lenny Kravitz incluye canciones tan sentidas como la vitriólica "New York City"

Lenny Kravitz incluye canciones tan sentidas como la vitriólica “New York City”

Estos elementos -mediatizados por la coctelera de Kravitz- dan un líquido efectivo, capaz de enchufar el espíritu de cualquier aficionado con ansias de enrolarse a las melodías aglutinadoras.

Con semejante material, el vástago de la actriz Helen Willis y del productor Sky Kravitz desarrolla un ejercicio adictivo y fantasioso, fruto de su envidiable educación musical. Background esmaltado con inspiraciones tan variadas que van de los paraísos funky de The Jackson 5 a las sombreadas emociones de Curtis Mayfield, de las fronteras vocales de Gladys Knight a las claridades alucinatorias de Jimi Hendrix, de los ataques a la sobriedad de Led Zeppelin a las trincheras poéticas de Miles Davis… Un heterogéneo legado que ha calado hondo en el pulso de Leonard Albert para dotarle de una lírica atronadora, sin importarle lo más mínimo la posible redundancia de su épica rectora.

Esa gasolina anímica queda enfatizada en “Strut” por un discurso directo y conciso, en el que la guitarra y el timbre de Lenny adquieren un protagonismo absoluto; justo igual a lo que el neoyorquino había practicado en la totalidad de su repertorio más determinante.

Lenny Kravitz escogió "The Chamber" como el primer sencillo de "Strut"

Lenny Kravitz escogió “The Chamber” como el primer sencillo de “Strut”

Bajo ese disfraz reconocible, el creador de la estremecedora “You Belong To Me” exhibe su virtuosismo escénico a través de mensajes coherentes con los comportamientos sociales (Sex), insinuaciones sobre la asfixia individual y colectiva (The Chamber), declaraciones de amor teñidas de amargura (The Pleasure and The Pain), sentimientos mediados con la neurosis afectiva (She’s A Beast), y tarjetas postales con jingles ocultos  (Happy Birthday).

En definitiva, una sucesión de temas que diseñan la faz de un trovador al que no le cuesta lo más mínimo captar la atención del personal, siempre oculto tras su devocionario urbano. Y que ahora clama a los cuatro puntos cardinales: Rock & Roll Is Not Dead.

Lenny Kravitz actuará el próximo 6 de diciembre en el Wembley Arena de Londres

Lenny Kravitz actuará el próximo 6 de diciembre en el Wembley Arena de Londres

Vídeo de “The Chamber“, disponible en LennyKtavitzVEVO

Más información en http://www.lennykravitz.com

Cabaret desembarca su mundo de entreguerras en la sala neoyorquina Studio 54, desde la pasada primavera. Tras meses de representaciones, esta versión dirigida por Sam Mendes y Rob Marshall se ha convertido en una de las sensaciones de la temporada. 

Cabaret muestra la grandeza del musical de Isherwood, Kander y Ebb en la sala Studio 54

Cabaret muestra la grandeza del musical de Isherwood, Kander y Ebb en la sala Studio 54

La chica de Chelsea, la misma chispeante muchacha que puso en jaque a la Alemana de la República de Weimar, vuelve cada noche a hacer acrobacias sobre una silla.

Al son de sus tonadas cargadas con balas de sensualidad, el coro afila el flequillo y se ajusta medias de corista; mientras la oficialía nazi toma posiciones para el asalto electoral al gobierno de la nación.

Los locos años treinta, preludio del mayor genocidio de la Historia, acuden a su cita con el timbre ensoñador de Sally Bowles y las contorsiones del Maestro de Ceremonias; tal cual lo hicieron en el lejano 10 de noviembre de 1966, fecha en la que Cabaret se asomó por primera vez a una platea (acontecimiento efectuado en el Broadhurst Theatre de USA).

Casi cincuenta años después, el Studio 54 de Broadway (124 W. 43rd St) reverdece la brillantez rítmica del libreto elaborado a tres bandas por Christopher Isherwood (argumento), John Kander (partituras) y Fred Ebb (letras).

Alojamiento en la calle teatral por excelencia de Nueva York que corre a cargo de dos creadores tan afamados como Sam Mendes (Skyfall) y Rob Marshall (Chicago), encargados de la dirección artística y de las coreografías, respectivamente.

El montaje de "Cabaret" muestra con brillantez el ascenso vertiginoso de la Alemania nazi en los años treinta/ Photo Credits: newyorkcitytheatre.com

El montaje de “Cabaret” muestra con brillantez el ascenso vertiginoso de la Alemania nazi en los años treinta/ Photo Credits: newyorkcitytheatre.com

Un espectáculo que afronta su actualidad con dos nominaciones a los premios Tony y miles de entradas vendidas, datos que han convertido a la obra en una de las sensaciones de la temporada escénica en Estados Unidos.

CABARET Y EL DEBUT DE MICHELLE WILLIAMS

Con un derroche de medios de altura considerable-propiciado por la Roundabout Theatre Company-, esta adaptación musical del relato breve escrito por Christopher Isherwood (“Goodbye To Berlin”) aporta elementos novedosos y sorpresivos.

Para empezar, el elenco interpretativo lo encabeza Michelle Williams, en la piel de Sally Bowles: una joven actriz que –pese a acreditar una exitosa carrera en el mundo del cine, con títulos como “Brokeback Mountain” y “Mi semana con Marilyn“- debutaba en el vivo y el directo.

Cabaret cuenta con el vestuario de William Ivey Long y los arreglos musicales de Patrick Vaccariello/ Photo Credits: newyorkcitytheatre.com

Cabaret cuenta con el vestuario de William Ivey Long y los arreglos musicales de Patrick Vaccariello/ Photo Credits: newyorkcitytheatre.com

No obstante, la estrella del celuloide comprendió muy bien las lecciones aceleradas de Mendes y Marshall, destinadas a que ésta encendiera con su voz y movimientos desde el gallinero a los palcos. Precisamente, la energía desplegada por la norteamericana en canciones como “Money, Money” y “Mein Herr” fue muy valorada por la crítica y los aficionados. Y eso que el papel acreditaba la complicación añadida de haber portado con anterioridad el rostro y la personalidad de damas de rompe y rasga, como Liza Minnelli, Jill Haworth o Judi Dench.

Un ejercicio de sobresalientes resultados que se encargará de mantener en todo lo alto Emma Stone (“Criadas y señoras“), cuando la pareja de Spider-Man sustituya a Williams a partir del próximo mes de noviembre.

La adaptación teatral de "Cabaret" exhibida en Studio 54 no desmerece en nada la brillantez de la homónima película de Bob Fosse

La adaptación teatral de “Cabaret” exhibida en Studio 54 no desmerece en nada la espectacularidad de la homónima película de Bob Fosse

Aunque la participación de la protagonista no es lo único resaltable de un show con trazas de histórico; ya que, junto a ella, el resto del cuadro artístico demuestra unas virtudes excelentes para transportar a los espectadores a la Alemania del período de entreguerras. Casting que completan el talentoso Alan Cumming (Maestro de Ceremonias), Linda Emond (Fraulein Schneider), Danny Burstein (Herr Schultz), Bill Heck (Cliff Brandshaw), Aaron Krohn (Ernst Ludwig) y Gayle Rankin (Fraulein Kost).

A través de ellos, la añeja relación amorosa entre la ingenua bailarina del Kit Kat Klub y el intelectual asqueado por el ascenso del Nazismo renueva sus estribillos efervescentes, siempre en un volumen similar al orquestado por Bob Fosse, y exhibido en la célebre adaptación cinematográfica del musical (con la que Fosse se llevó ocho Oscar de la Academia de Hollywood, en 1973).

Vídeo del montaje de “Cabaret“, por la Roundabout Theatre Company

 

Más información y entradas en http://www.roundabouttheatre.org

Dominion desembarca en España con sus luchas entre ángeles y tipos de carne y hueso. La serie, elaborada por Syfy, es una especie de secuela del filme Legion.

Dominion representa una distopía veinticinco años después de la trama de "Legion"/ Photo Credits: syfy

Dominion representa una distopía veinticinco años después de la trama de “Legion”/ Photo Credits: syfy

La humanidad ya no goza de crédito moral en las alturas celestiales.

Castigados por Dios, los hombres y las mujeres sufren las consecuencias de sus pecados a manos de ángeles enviados a la Tierra, con la única misión de destruir a los hijos de Adán y Eva.

Sin embargo, Miguel -uno de esos seres alados- sí que conserva una mínima esperanza de salvación para los herederos bípedos de los paraísos perdidos. Por eso se erige como el máximo defensor de la comunidad de Vega, aunque para ello tendrá que oponerse a la fuerza indestructible de Gabriel y de sus acólitos. Así es como comienza la acción de la serie Dominion.

El pasado 19 de junio, esta producción para la pequeña pantalla estrenó su discurso apocalíptico en los televisores estadounidenses, con una acogida más que notable en cuestión de seguidores. Números de share que han animado al canal Syfy para iniciar la guerra angelical en España, aventura cuya inauguración está prevista para el próximo 1 de octubre.

Dominion narra el enfrentamiento entre el arcángel Gabriel y la urbe de Vega

Dominion narra el enfrentamiento entre el arcángel Gabriel y la urbe de Vega

DOMINION, ENTRE EL CIELO Y EL SUELO HAY ALGO…

Los ocho capítulos ideados por Vaun Wilomtt (según el argumento de Peter Schink y Scott Stewart) muestran un decorado en continuo estado de alarma, diseminado en fortalezas asfixiadas por la contienda contra la ira divina.

Uno de esos refugios es la urbe conocida como Vega (esbozo futurista del otrora imperio de los casinos), cuyos habitantes armados pasan sus días con una población en números rojos y protegida por el arcángel Miguel (Michael).

El peculiar héroe alado ha decidido tomar partido por los humanos, y ese el motivo por el que ayuda a sus pupilos mortales del Vega’s Archangel Corps. Una milicia en la que sobresale la actividad del sargento Alex Lannen: el vástago de una excamarera nominada Claire Riesen, que fue designado como el salvador de su especie.

Dominion se enmarca en el género apocalíptico

Dominion se enmarca en el género apocalíptico

Las aventuras de este joven, quien tiene una constante pelea con el principio de autoridad, marcan la evolución de un guion que no escatima escenas de apabullante pirotecnia visual; aparte de desarrollar un imaginativo mensaje de naturaleza bíblica, tamizado por la filosofía ilustrativa del cómic y de las novelas gráficas de última hornada.

No en vano, el libreto de Dominion ha sido elaborada a partir de un filme de 2010 titulado Legion, el cual contó con la dirección de Scott Stewart y con el protagonismo de Paul Bettany. De hecho, el serial empieza la historia veinticinco años después de los hechos mostrados en la citada película; con temas coincidentes entre ambas obras, tales como el de la aparición del personaje principal (Alex Lannen).

Los ocho episodios de la primera temporada de "Dominion" han sido grabados en Ciudad del Cabo, Sudáfrica

Los ocho episodios de la primera temporada de “Dominion” han sido grabados en Ciudad del Cabo, Sudáfrica

Sin poder contar con la estrella británica de la movie (el mediático Bettany), este spin-off o secuela televisiva tiene en Christopher Egan al actor encargado de prestar su físico para escenificar al líder del elenco artístico (Alex).

Una labor en la que el intérprete australiano de “Cartas a Julieta” está arropado por las intensas colaboraciones de Tom Wisdom (Michael/ Miguel), Roxanne McKee (Claire Riesen), Luke Allen-Gale (William Whele), Shivani Ghai (Arika), Rosalind Halstead (Becca Thorn), Anthony Head (David Whele), Alan Dale (General Edward Riesen), Carl Beukes (Gabriel) y Kathrine de Candole (Uriel).

Aunque todavía está en el aire el rodaje de la segunda temporada, Dominion llega a España subida al carro del final la cuenta atrás: género empeñado en anunciar la destrucción de un lugar llamado mundo.

Dominion será estrenada en España el próximo 1 de octubre

Dominion será estrenada en España el próximo 1 de octubre

Vídeo promocional de “Dominion“, colgado en el canal de New TV Trailers

Más información en http://www.syfy.com/dominion

Turner acude a la Tate Britain londinense con sus trabajos más crepusculares. Un conjunto bastante desconocido para el gran público, que muestra la vitalidad de un genio en perpetuo estado de gracia hasta su fallecimiento.

Turner es el protagonista de una exposición inédita hasta la fecha

Turner es el protagonista de una exposición inédita hasta la fecha

En el silencio sepulcral de su estudio, el hijo del barbero pudo ser testigo excepcional del duelo de eternidades entre la luz y el color, entre la Naturaleza salvaje y el canibalismo punzante de los pinceles.

John Mallord William Turner (Covent Garden, Londres, 1775- Chelsea, 1851) atisbó hasta el final de sus días los discursos inconclusos de las telas en blanco, y los diálogos sustraídos a la experiencia de las maderas y la trementina. Así forjó una cuaderno de bitácora existencial que planeó a lo largo de más de cinco décadas de trabajo, y que en el ocaso de su vida se tornó más magistral, si cabe.

Esos lustros de gomina de quinqué y veladores anímicos son los que recoge la exposición Late Turner- Painting Set Free, que la Tate Britain de la urbe del Támesis programa desde el pasado 10 de septiembre, y hasta el próximo 25 de enero de 2015.

"Ancient Rome; Agrippina Landing with the Ashes of Germanicus", de Joseph Mallord William Turner/ Photo Credits: tate.org.uk

“Ancient Rome; Agrippina Landing with the Ashes of Germanicus”, de Joseph Mallord William Turner/ Photo Credits: tate.org.uk

TURNER, EN ESTADO EVOLUTIVO

Según los expertos encargados de seleccionar las piezas (Sam Smiles y David Blayney Brown), entre 1835 y 1851 la visión plástica de J. M. W. T. vistió sus trazos con los ardores sinceros del artista que ya no busca notoriedad alguna, sino la exhibición a retina quebrada de las imágenes que plagaban su soledad.

Encerrados en su casa, la Antigüedad tomó aire de modelo candente a través de la efervescencia creativa del capitalino, mientras los seres de la mitología lamían en la recámara sus heridas sangrantes por pasiones de terrenales esencias.

"Returning from the Ball (St Martha)", exhibido en 1846 por Joseph Mallord William Turner/ Photo Credits: tate.org.uk

“Returning from the Ball (St Martha)”, exhibido en 1846 por Joseph Mallord William Turner/ Photo Credits: tate.org.uk

Pese a haber sido un prodigioso joven (a los 21 años, Turner pintó su inmejorable paisaje “Fishermen At Sea“, en 1796), la ancianidad del ciudadano londinense no pagó la factura del recato en innovaciones.

Una determinación regada con anhelos afectivos y profesionales que dio su fruto a través de obras tan determinantes para el Arte universal como “Ancient Rome: Agrippina Landing With The Ashes Of Germanicus” y “Modern Rome- Campo Vaccino“; “The Wreck Buoy“; o “Heidelberg: Sunset” (escena que estaba encerrada con el cerrojo de la aristocracia en el Castillo de Bamburgh, en Northumberlad). Todas ellas presentes en La Tate.

A pie de recorrido, el visitante -a poco que éste deje escapar su imaginación- puede ser capaz de olisquear el humo asfixiante del incendio del Parlamento, tal cual lo reprodujo Joseph Mallord William en 1835; o los acuosos horizontes hechizados en “Rain, Steam and Speed- The Great Western Railway” (1844).

"Goldau, with the Lake of Zug in the Distance: Sample Study", elaborado por Joseph Mallord William Turner entre 1842-1843/ Photo Credits: tate.org.uk

“Goldau, with the Lake of Zug in the Distance: Sample Study”, elaborado por Joseph Mallord William Turner entre 1842-1843/ Photo Credits: tate.org.uk

La muerte le sobrevino al compañero de Sarah Danby con la paleta en la memoria, astillado en su ansiedad por cumplir el pacto con la creatividad.

Con el último suspiro de Mr. T se fugó una ráfaga de aire de la campiña, un oleaje brumoso en las costas arcanas del Reino Unido, un crepúsculo en la montaña de Rigi, un juego de solsticios añorados en las fronteras navegables del Támesis

Nostalgias de colores decimonónicos y siempre románticos, que consiguieron hipnotizar a generaciones enteras de paisajistas. Herederos de un estilo oleoso y de carboncillo, con el que el hermético maestro de la plasticidad alcanzó las simas celestiales de Avalon.

Nota.- La exposición se completa con el apartado “Turner Colour Experiments“, a cargo del responsable del famoso The Water Project 2003:  Olafur Eliasson.

"Fishermen on the Lagoon, Moonlight", 1840, por Joseph Mallord William Turner/ Photo Credits: tate.org.uk

“Fishermen on the Lagoon, Moonlight”, 1840, por Joseph Mallord William Turner/ Photo Credits: tate.org.uk

Más información en http://www.tate.org.uk/visit/tate-britain