Beverley Craven saca a la venta el quinto disco de su carrera, Change Of Heart (Right Track/ Universal). Un trabajo melódico y emotivo donde la compositora habla de su existencia.

Beverley Craven ha elaborado el álbum con sumo cuidado y giros melódicos

Beverley Craven ha elaborado el álbum con sumo cuidado y giros instrumentales

Un silencio brumoso anticipa los acordes de un piano con ganas de rasgar misterios. Tan sencillo como lírico, tan sincero como efectivo; este comienzo aterciopelado le valió a la británica Berverley Craven para conmocionar el mundo de la música popular en 1990, con el tema Promise Me.

Incluido en el álbum de debut de la cantante (nominado como la artista), esa balada construida con ritmo confesional puso a la nacida en Sri Lanka en lo más alto de las listas pop del momento. Una realidad breve e intensa que sirvió a la compositora para iniciar una carrera irregular y no exenta de experimentación, justo como la había animado a llevar a cabo la inspiración de maestras de pautada pureza profesional, tales como Kate Bush.

Beverley Craven se muestra como una mujer de cincuenta y un años, lejos de la diva exitosa que fue en 1990

Beverley Craven se muestra como una mujer de cincuenta y un años, lejos de la diva exitosa que fue en 1990

Tras tres discos de escaso recorrido internacional, Craven acaba de lanzar al mercado la quinta obra surgida de su particular bodega sonora: CD pintado en escenarios conocidos, que lleva el catárquico título de Change Of Heart.

BEVERLEY CRAVEN VUELVE A EQUILIBRAR VOZ Y CUERDA

Las once nuevas trovas (en realidad 10, ya que Memories es una revisión del célebre hit presentado hace veinticuatro veranos) hablan de una mujer satisfecha con su trabajo, a quien no le apetece obsesionarse con reclamar el laureado pretérito vivido hace décadas, siempre callada y emotiva, continuamente responsable de cada movimiento orquestal que protagoniza.

Ese compromiso consigo misma y con sus seguidores hace que Beverley no escatime ahorros con el despliegue de su voz de porcelana, aunque en este disco se perciban sus gorgoritos como un poco distintos, algo más alterados que en ocasiones anteriores.

Beverley Craven causó sensación hace veinticuatro años, con el single "Promise Me"

Beverley Craven causó sensación hace veinticuatro años, con el single “Promise Me”

Así se contempla en los pentagramas apasionados que visten las letras de la artista de Colombo, en las no oculta sentimientos de evolución creativa; cuidadosamente esparcidos con elocuencia a través de cortes de naturaleza casi autobiográfica como Ready To Fall In Love, Just Be The Man, When To Walk Away o Should Have Left Me Alone.

Entre los surcos de este quinto CD es posible vislumbrar la desilusión por relaciones maritales frustradas, o las lágrimas de rebeldía y angustia que la songwriter tuvo que derramar cuando le fue diagnosticado un cáncer de pecho, en 2006.

No obstante, el cierre de Change Of Love con la proactiva balada Love High bien puede valer para apuntarse un tanto a favor de la esperanza vital, impresa convincentemente en el currículo de una mujer que pierde el temor al ponerse frente a un micrófono.

Beverley Craven ha diseñado once canciones cargadas de confesiones soterradas

Beverley Craven ha diseñado once canciones cargadas de confesiones soterradas

Así, la autora de la explícita y sensible Woman To Woman (alegato en defensa de la libertad sexual, sin restricciones sociales de por medio) regresa a la actualidad con un disco de regeneración progresiva.

Esa es la “promesa” que hace Beverley Craven a los que la han estado esperando desde 2009, cuando ésta sacó a la venta el afectivo Close To Home.

Con ella, los pianos encienden de nuevo cigarrillos de melancolía, enterrados en madrugadas donde las pasiones nocturnas dejan paso a los recuerdos marchitos por la realidad.

Justo como la isleña entonaba en 1990 en las radio fórmulas del planeta, al compás del estribillo de Promise Me.

Vídeo nostálgico de “Promise Me“, exhibido en BeverlycravenVEVO

Más información en http://www.beverleycraven.com

Pierre Soulages reúne 24 de sus creaciones, realizadas entre 1979 y 2011, para componer la exposición Outrenoir(s) en Europe, una muestra que se puede ver en el Musée Soulages de Rodez, hasta el 5 de octubre.

Pierre Soulages es uno de los maestros más determinantes en la plástica francesa de los últimos sesenta años

Pierre Soulages es uno de los maestros más determinantes en la plástica francesa de los últimos sesenta años

La oscuridad como espacio lumínico, metamorfoseada en una fantasía que capitanea las emociones más diversas, con constante atavío de espejos cóncavos deformadores de la realidad perceptible.

Dentro del arcoíris de la sensibilidad pictórica, Pierre Soulages (Rodez, Aveyron, 1919) siempre ha mostrado pleitesía amatoria por el noir de escalas cambiantes: el tono de los mantos imaginativos, y de las estelas irradiadas por soles galácticos itinerantes y poliédricos.

A ese cromatismo en fundido mortuorio y vital le ha rendido el artista francés gran parte de una carrera, que ya supera las seis décadas de atelier; y a él le dedica la última exposición relativa a su intenso y apasionado trabajo, habitualmente adornado por atardeceres en eternos ocasos. Una muestra que se puede contemplar, hasta el próximo 5 de octubre, en el Musée Soluages de Rodez (el enclave del departamento pirenaico de Aveyron, donde se sitúa el centro dedicado al maestro más ilustre de la zona).

Pierre Soulages ha hecho del negro un color cargado de significación lumínica

Pierre Soulages ha hecho del negro un color cargado de significación lumínica

PIERRE SOULAGES GRAVITA SOBRE PAISAJES CONOCIDOS

Outrenoir(s) en Europe es el título de esta especial exhibición, que reúne un total de 24 piezas a gran escala del genial creador, alumbrado por la forja de la abstracción de la posguerra.

Los cuadros surgidos de la mente del nonagenario pintor y grabador son como poemas rimados con la amargura de los tiempos; la esperanza de la salvación postrera; la ilusión por desenterrar el engranaje sensitivo de los hombres, mujeres y niños; y el ansia por encontrar un camino de expresión plagado de sugerencias y gamas superpuestas, casi en litúrgica yuxtaposición.

Pierre Soulages mantiene diálogos intensos con la obra en el momento de la gestación

Pierre Soulages mantiene diálogos intensos con la obra en el momento de la gestación

Aunque pueda parecer una incongruencia, la luz es la gran protagonista en el trabajo de Soulages; una claridad parida directamente en las entrañas de la negritud, como una heroína que se rebela y rasga la lámina.

Bajo esa escala de negro sobre negro, cada obra del antiguo escenógrafo vierte en su contexto aventuras envolventes y misteriosas, que alcanzan su titánico influjo en el momento en que son admiradas por las retinas de los espectadores, los cuales dotan de vida a las historias de evolución y desarrollo que cuentan sus pinceladas atomizadoras.

Pierre Soulages es un artista al que no le agrada quedarse en el pasado

Pierre Soulages es un artista al que no le agrada quedarse en el pasado

Individualista convencido, Pierre Soulages nunca se adhirió conscientemente a los movimientos y corrientes dominantes, cuando era un joven en busca de comprensión y apego. No obstante, las atrayentes consignas de los que querían ir más allá del Cubismo -reacción preponderante en las calles parisinas a finales de los cuarenta y en los cincuenta– sí que llamaron poderosamente la atención del muchacho de Aveyron.

Fruto de ello surgió un grupo conocido como Tachismo, el cual propugnó un gusto especial por la abstracción y la lírica pictórica (muchas veces aliñada con el Action Painting) que animó a Soulages para seguir su camino, a través de paraísos cromáticos sin identificación alguna con respecto al objeto representado.

En una línea semejante a la auspiciada por el responsable de Polyptique I, colegas como Jean Dubuffet, Nicholas de Stael, Hans Hartung o Georges Mathieu marcaron la existencia del citado movimiento, cuyo nombre provenía de mancha (Tachismo deriva de la palabra francesa tache).

Las piezas de Pierre Soulages seleccionadas para la muestra corresponden al período entre 1979 y 2011

Las piezas de Pierre Soulages seleccionadas para la muestra corresponden al período entre 1979 y 2011

Banda de heterogéneas aptitudes en la que el entonces joven Soulages pudo abandonar la carcasa de la guerra mundial, para profundizar en su estilo propio. Ideario singular que el compatriota de Jean Renoir enriqueció con los impulsos intuitivos de su insondable subconsciente.

El padre de los Outrenoirs, lejos de dejarse llevar por las guías preconcebidas, suele confesar en las entrevistas que en su proceso de trabajo tiene que notar una estrecha relación entre él y la pieza que desea ser localizada. Sólo tras escuchar la voz de la lámina o tela, susurrada entre la paleta y el caballete, el artista francés puede atisbar la euforia del descubridor. Aunque, si la pintura permanece en su mudez, a éste le resulta imposible desbordar el aquelarre escénico necesario.

Una posesión entre obra y hacedor que trasvierte los papeles iniciales, para saborear el triunfo de los sueños visionados. Único camino con el que provocar los llantos y las sonrisas de los extraños, quienes acabarán escuchando los mismos susurros pronunciados entre la paleta y el caballete…

"Outrenoir(s) en Europe" se podrá ver en el Musée Soulages hasta el próximo 5 de octubre

“Outrenoir(s) en Europe” se podrá ver en el Musée Soulages hasta el próximo 5 de octubre

Más información, entradas y horarios en

http://www.musee-soulages.grand-rodez.com

Al Pacino es el baqueteado protagonista de “The Humbling“, filme basado en la novela “La humillación“, de Philip Roth. Un trabajo en el que el actor neoyorquino comparte nuevamente plató con Barry Levinson.

Al Pacino encabeza el elenco de una historia llena de puntos oscuros

Al Pacino encabeza el elenco de una historia llena de puntos oscuros

A lo largo de la vida de cualquier ser humano, las derrotas suelen ser más frecuentes que las victorias.

La carrera de fondo que supone quemar décadas de existencia terrenal adocena el entendimiento -normalmente a base de golpes- para concebir la constancia de la felicidad como una utopía inalcanzable en su plenitud, mientras que los laureles mínimos que se pueden arrancar al árbol de la fortuna se marchitan con la rapidez de la oxidación vampírica.

En un mundo donde las pérdidas superan con creces a las ganancias, el déficit de satisfacción se intenta aplacar con placebos sociales o consumistas, amorosos o intelectuales; medicinas que enmascaran las grietas de la amargura anímica, de la soledad inevitable.

Una sensación asfixiante que Simon Axler conoce a la perfección, ya que cohabita con ella desde hace demasiado tiempo. Este sexagenario depresivo es el protagonista de The Humbilng (La humillación), una novela original del escritor Philip Roth que llegará próximamente a las pantallas de la mano del cineasta Barry Levinson.

Al Pacino se mete en la piel de Simon Axler, un hombre de la escena que ha perdido la magia de la actuación

Al Pacino se mete en la piel de Simon Axler, un hombre de la escena que ha perdido la magia de la actuación

AL PACINO, AL BORDE DEL SUICIDIO

Adaptada por el veterano guionista de El graduado (Buck Henry), el filme recrea la bajada a los infiernos de un actor al que le ha abandonado el don de la interpretación.

El hombre no es capaz ni siquiera de sacar la antigua magia a personajes como Macbeth y Próspero, y las malas críticas no hacen más que confirmar los síntomas: es un individuo acabado para la escena.

Sin poder aceptar la realidad, Simon Axler intenta acabar con su vida, pero en el último momento se muestra imposibilitado para hacerlo. Aparte, los problemas afectivos han derruido su matrimonio, y su esposa huye del domicilio común para agarrarse a algún rastro de luz en la esperanzadora California.

Al Pacino es un intérprete al que siempre le ha gustado introducirse en la psique de personajes al borde de la locura

Al Pacino es un intérprete al que siempre le ha gustado introducirse en la psique de personajes al borde de la locura

Con tal panorama, las tinieblas se apoderan del colega de Laurence Olivier; situación que le anima a pedir el ingreso en un hospital psiquiátrico. Allí conoce a Sybil van Buren, una joven interna acusada de atentar contra la vida de su segundo marido, el cual abusaba de su hija pequeña.

Entre los muros de la institución, Sybil y Simon se hacen amigos; y la confianza desplegada en sus conversaciones invita a la mujer a proponer al actor que éste sea quien acabe el trabajo de asesinar a su depravado esposo. Sin embargo, Axler declina la oferta.

El transcurso de los meses y el alta en el centro mental no consiguen sacar de su depresión al antiguo profesional de las caracterizaciones, que sigue con su miedo a fracasar encima de un escenario. Además, el hombre continúa solo. Y así permanece hasta que se encuentra con Pegee Miken Stapleford: la hija de unos amigos de su juventud, la cual está tan perdida como él a nivel sentimental, tras la ruptura de ésta con la fémina con quien compartía cama y cuarto de baño.

Al Pacino ha captado la amargura del papel ideado a partir de la novela escrita por Philip Roth

Al Pacino ha captado la amargura del papel ideado a partir de la novela escrita por Philip Roth

Unidos en su desesperación, los dos someten su rutina -desde ese instante- a una espiral de sexo y erotismo con terceras personas. Un juego que acaba por romper la extraña dependencia de ambos; lo cual vuelve a poner a Simon en la tesitura de si, después de lo experimentado, es capaz o no de cometer el suicidio planteado al comienzo de la pesadilla.

Habitual en proyectos donde los personajes tienen resortes complicados y áridos en sus afectos, Al Pacino es el curtido rostro escogido por Levinson para dotar de físico a Simon Axler. Una elección que junta nuevamente a los dos profesionales de la televisión y el cine, después de intensas y recordadas colaboraciones en títulos como Donnie Brasco y Doctor Muerte.

Aunque la estrella de El padrino no es la única atracción en el plano artístico de The Humbling; ya que, al lado del estadounidense de ascendencia italiana, el responsable de El mejor ha diseñado un elenco dramático del calado de Greta Gerwig (Sin compromiso), Kyra Sedgwick (The Closer), Charles Grodin (la saga de Beethoven), Dianne Wiest (Jóvenes ocultos), Dan Hedaya (Alien Resurrection) y Nina Arianda (Rehenes), entre otros.

Al Pacino y Barry Levinson colaboraron hace poco en la miniserie "Doctor Muerte"

Al Pacino y Barry Levinson colaboraron hace poco en la miniserie “Doctor Muerte”

Más información en http://www.imdb.com

Pluto, la lúcida comedia escrita por Aristófanes, sube al escenario del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida de la mano de Magüi Mira; con Javier Gurruchaga y Marisol Ayuso como protagonistas.

Pluto toma el testigo en Mérida de otra obra de Aristófanes, "Las ranas"

Pluto toma el testigo en Mérida de otra obra de Aristófanes, “Las ranas”

Hubo un tiempo, de filosofía en los anaqueles y coros visionarios, donde las palabras herían más que el acero desnudo de las espadas guerreras.

En esa época, dominada en sus arterias por pensadores callejeros y poetas de épicas eternas, los escritores cargaban sulfuro con sus sentencias ideográficas, a la vez que los oradores deshojaban las esencias de la humanidad con retóricas irrecuperables.

Dentro de ese ecosistema de inteligencias hirvientes y academias precursoras, Aristófanes (Atenas, 444 a.d.C- 385 a.d.C) fue uno de los maestros más destacados, normalmente enlazado a comedias de corte y confección. Aunque nunca entendidas en las maneras actuales del género, caracterizado comúnmente por provocar risas amorfas de naturaleza colectiva; sino auspiciadas por el arte de burla reflexiva, inteligente y desmitificadora.

Así, el ateniense pudo pasar por el tamiz de su envidiable cerebro creativo las controversias de los ciudadanos más ilustres de las polis del siglo IV a.d.C; y cuyo decorado se había visto nublado con las grises corruptelas heredadas de la Guerra del Peloponeso.

Pluto es una comedia reflexiva sobre el injusto reparto de la riqueza

Pluto es una comedia reflexiva sobre el injusto reparto de la riqueza

En esos años, el Olimpo y la Tierra estaban en unión discursiva casi permanentemente; y fruto de esa asociación entre divinidad y errores humanos surgió Pluto. Obra dada a conocer en el 338 a.d.C, con la que Aristófanes alcanzó popularidad y algún que otro pecozón institucional; y que ahora llega a los escenarios del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida desde el próximo 30 de julio, y hasta el 3 de agosto.

PLUTO COME CENTURIAS

La veterana actriz y directora Magüi Mira es la encargada de poner en pie un montaje especial en cualquier época y contexto, en el que la voz cantante la tiene el dios que reparte riquezas casi de manera caprichosa (Pluto, que está cegado por el poder de Zeus). Azar desigual que cuestiona un grupo de personajes, a los que la pobreza les anima a intentar devolver la vista al simpático ser celestial.

La programación del festival acogió de buen gusto la interesante versión de Magüia Mira sobre "Pluto"

La programación del festival acogió de buen gusto la interesante versión de Magüia Mira sobre “Pluto”

Por esos vértices argumentales se mueve con pasos de prima donna el texto de Aristófanes: un retrato reconocible hoy en día, pese a haber visto la luz en el siglo IV a.d.C. Cuadro de fortunas inexplicables donde las similitudes con el tercer milenio -plagado de escándalos políticos y financieros- revelan un trabajo de fina relojería esotérica.

Ese sentido de intemporalidad, como de viajero contumaz a través de los siglos y las nacionalidades, es una de las características esenciales de Pluto. Virtud literaria que arranca carcajadas con llantos, muecas disfrazadas de dolor concluyente, animosidad maqueada con profundas dosis de amargura y esperanzas perdidas ante la imagen de una pirámide social incomprensible y asfixiante, donde se premia únicamente los comportamientos contrarios a la ética.

Javier Gurruchaga es el encargado de dar vida al dios conocido como Pluto

Javier Gurruchaga es el encargado de dar vida al dios conocido como Pluto

Mira deja las asociaciones entre pasado, presente y futuro en el aire imperial de la ciudad fundada por los romanos; prendidas con los alfileres magistrales de la pieza adaptada convenientemente por Emilio Hernández.

Oro e incienso, vino y licores de confesiones susurradas se suben a las piedras esmaltadas del festival con el aliento de era del 338 a.d.C, para congregar frente al público un elenco interpretativo compuesto por conocidos rostros, como los de Javier Gurruchaga (Pluto), Marisol Ayuso (La Dama), Marcial Álvarez (Cremilo), Jorge Roelas (Carion), Ana Labordeta (Praxagora), Juan Meseguer (Sacerdote), Sergio Otegui (Tesorero), Toni Misó (Blepsidemo) y Cayetano Fernández (Joven Pluto).

Polémico, claro y mordaz, Aristófanes comparece en el mismo escenario donde aún arranca alegrías de arsénico otra de sus creaciones: Las Ranas (Juan Dolores Caballero dirige esta versión hasta el 27 de julio).

Una personificación verbal y ansiada destinada a concienciar a los asistentes de que cualquier centuria pasada no fue necesariamente mejor. Aunque tampoco pueda asegurarse -a tenor de lo escenificado- que sea peor que la actual.

Marisol Ayuso da vida a La Dama en "Pluto"

Marisol Ayuso da vida a La Dama, en “Pluto”

Más información, entradas y horarios en http://www.festivalmerida.es

Adrien Brody es el protagonista de “Houdini“, una miniserie de History Channel en la que el neoyorquino interpreta al genial mago y escapista nacido en Budapest.

Adrien Brody refresca la brillantez profesional de Harry Houdini

Adrien Brody refresca la brillantez profesional de Harry Houdini

Una hora y diez minutos bajo el agua. 420 segundos aguantando la respiración… Cuando la voluntad humana bombardeaba los límites naturales, un húngaro llamado Erik Weisz asombró al mundo al establecer marcas como las descritas.

Aviador, trapecista, mago, prestidigitador y escapista; Harry Houdini fue en las fronteras de la fantasía todo un icono, un mito que causó admiración por su brillantez escénica y la sinceridad con la que realizaba cada uno de sus espectaculares números.

De hecho, el artista dedicó gran parte su vida profesional a perseguir el fraude en el ocultismo. Actividad comprometida que no le impidió denunciar públicamente incluso al famoso Jean Eugène Robert-Houdin; el cual era una especie de mentor para el joven ciudadano del imperio de Francisco José I.

Adrien Brody despliega sus virtudes como showman en la miniserie

Adrien Brody despliega sus virtudes como showman en la miniserie

Muchas fueron las facetas del vitoreado Handcuff King (Rey de las esposas) que sedujeron a sus coetáneos, y que siguieron estimulando a las generaciones posteriores a su fallecimiento.

Una fascinación que, sin duda, ha debido acompañar al director germano Uli Edel (Yo, Cristina F) mientras rodaba la miniserie Houdini, que llegará a las pantallas estadounidense entre el 1 y el 2 de septiembre de 2014 (coincidiendo con la festividad del Labor Day).

ADRIEN BRODY SE HACE INVISIBLE

Ciudades tan sugerentes como Nueva York, Londres o París fueron itinerarios habituales en la carrera de Harry Houdini (Budapest, Imperio Austro-húngaro, 1874- Detroit, Michigan, USA, 1926); templos de la gloria donde el cliente y amigo de Martin Beck consiguió el triunfo y la escafandra de la inmortalidad.

Unos lugares titánicos e inspiradores que dibujan el paisaje dramático de la producción financiada a medias entre Lions Gate Television y A&E Television Networks.

La producción televisiva protagonizada por Adrien Brody llegará a las pantallas el próximo 1 de septiembre de 2014

La producción televisiva protagonizada por Adrien Brody llegará a las pantallas el próximo 1 de septiembre de 2014

Mágico en forma y contenido, el relato que emitirá History Channel sigue los pasos del escapista más singular de cuantos han existido, ficcionados por el rostro del neoyorquino Adrien Brody.

El oscarizado intérprete de El pianista encarna con profundidad y decisión a un personaje que trascendió de la propia realidad, para convertirse en un superhéroe: uniforme necesario en una época que aún estaba curándose las heridas de la Primera Guerra Mundial.

No obstante, ésta no es ni mucho menos la primera vez en que Harry “Handcuff” Houdini acude a los televisores y a las salas de cine; ya que el mítico ilusionista ha contado -entre las más destacadas caracterizaciones- con la apariencia de actores tan distintos como Tony Curtis (El gran Houdini, George Stevens, 1953) y Guy Pearce (El último gran mago, Gillian Armstrong, 2009).

Aunque para la miniserie de Edel, Brody ha podido apoyar su trabajo en los estimables pilares del guion que firma el estadounidense Nicholas Meyer (autor del libreto de La mancha humana y de El príncipe de Egipto).

Kirsten Connolly se pone en la piel de Wilhelmina Beatrice "Bess" Rahner, la esposa de Houdini

Kirsten Connolly se pone en la piel de Wilhelmina Beatrice “Bess” Rahner, la esposa de Houdini

Por medio de la intensa narración del screenwriter, la trama se agarra fuertemente al currículo de HH, para imaginar con lentes infrarrojas por las relaciones pasionales, amistosas y familiares del protagonista.

Un marco vivencial donde adquiere especial relevancia la presencia de Wilhelmina Beatrice “Bess” Rahner (la determinante esposa del artista, a la que dota de físico Kirsten Connolly).

Sin embargo, en el plano de las colaboraciones también resulta interesante señalar la contribución de conocidos gobernantes, como el káiser Guillermo II (Gyula Mesterházy) y el zar Nicolás II (Simon Nader).

Cuatro horas en las que los espectadores volverán a gozar con las aventuras de un hombre inolvidable, quien envolvió todas sus acciones con un manto de misterio, tanto delante como detrás de los focos.

Un individuo de gran fuerza mental que incluso quiso burlar a la muerte, cuando se le reventó el apéndice; aunque, en ese caso, la gravedad de la peritonitis ganó lamentablemente la apuesta. Tenía sólo cincuenta y dos años, y muchos sueños por realizar…

Adrien Brody es notablemente más esbelto y delgado que el verdadero Harry Houdini

Adrien Brody es notablemente más esbelto y delgado que el verdadero Harry Houdini

Más información en http://www.history.com

Chantal Akerman presenta en Madrid “Maniac Shadows“, una amplia exposición multimedia que la directora belga despliega en la galería capitalina Elba Benítez.

Chantal Akerman se cuestiona el espacio y el tiempo en su exhibición en la Villa y Corte/ Photo Credits: Chantal Akerman

Chantal Akerman se cuestiona el espacio y el tiempo en su exhibición en la Villa y Corte/ Photo Credits: Chantal Akerman

Los visionarios siempre suelen estar tildados con la sentencia de las ideas adelantadas a su tiempo. Sin embargo, ¿qué hacer si el artista ha nacido demasiado tarde?

La cineasta Chantal Akerman (Bruselas, 1950) entraría de lleno en ese grupo de creadores, cuyos trabajos guardan un imán con las estaciones pretéritas.

Una cualidad que convierte las obras de la compatriota de Tintín en especiales bobinas de celuloide, como elaboradas en un tiempo donde el Séptimo Arte se podía mover por impulsos fantásticos e ingeniosos, sin por ello tener que exiliarse voluntariamente de las salas de exhibición.

Hoy en día, con las políticas francotiradoras contra la salud libertaria del invento de los hermanos Lumière, la Nouvelle Vague tendría muy difícil alumbrar el genio irreductible de gente como François Triffaut, Alain Resnais, Claude Chabrol o Jean-Luc Godard.

No porque no exista similar energía talentosa en los nuevos realizadores, sino por las trabas administrativas con que las manifestaciones culturales ven normalmente castradas sus ansias de elevar el vuelo.

Chantal Akerman ha definido su trabajo como producto de un nomadismo sensible/ Photo Credits: Chantal Akerman

Chantal Akerman ha definido su trabajo como producto de un nomadismo sensible/ Photo Credits: Chantal Akerman

No obstante, Akerman (pese a no haber compartido laureles con los maestros mencionados en el anterior párrafo, más que nada por la diferencia de edad) pudo beneficiarse del espíritu aventurero de los años setenta, y expandir su mirada exploradora subida a los pasos progresivos de tipos como Jonas Mekas, Andy Warhol y Michael Snow.

Un caldo de cultivo que la directora de la excelente movie Jeanne Dielman, 23 quai de Commerce, 1080 Bruxelles ha cuidado a fuego lento con sus grabaciones de arte y ensayo. Y que ahora llega a Madrid ilustrado con las pinceladas exactas de 100 de sus fotografías de la serie Maniac Summer#2, más la instalación Maniac Shadows.

Todos ello ubicado en la Galería Elba Benítez (Calle San Lorenzo, 11) hasta el próximo 26 de julio, dentro del Festival Off-PhotoEspaña 2014.

La naturaleza cosmopolita de Chantal Akerman se transmite a sus trabajos/ Photo Credits: Chantal Akerman

La naturaleza cosmopolita de Chantal Akerman se transmite a sus trabajos/ Photo Credits: Chantal Akerman

CHANTAL AKERMAN Y SUS CONTEXTOS

Los contrarios: el interior y el exterior de los espacios visitados, la carcasa y el ánima de los seres con los que trata, las fachadas de los edificios y los habitantes… Esos son los elementos que mejor pueden definir el milimétrico trabajo de la directora flamenca.

Mucho más que una filmmaker encerrada en un simple medio comunicativo, la responsable de La mudanza muestra su coraza de figura inclasificable, siempre motivada por los afectos hacia un universo de sombras desechadas por la corporeidad, como ángeles expulsados de un cuadro celestial en continuo proceso de evolución.

La muestra de Chantal Akerman deja un fiel reflejo de las obsesiones artísticas de la directora nacida en Bruselas/ Photo Credits: Chantal Akerman

La muestra de Chantal Akerman deja un fiel reflejo de las obsesiones artísticas de la directora nacida en Bruselas/ Photo Credits: Chantal Akerman

En las obras de Akerman no hay conclusiones explícitas, sino viajes y sueños amortajados por un omnipresente nomadismo.

Lo global se transforma, más allá del objetivo de Chantal, en evocaciones personales y autobiográficas. Hecho que queda patente en la obsesión constante que ésta expresa hacia su madre (una ciudadana polaca de religión judía, que tuvo que sufrir la bestialidad del Nazismo tras su reclusión en el campo de Auschwitz).

Los personajes que conforman los fotogramas revelados por ChA no son en ningún momento fantasmas sin peso específico, ya que las ondas que éstos motivan sí que provocan sensaciones y efectos.

Unas reacciones que a la autora le gusta definir como “círculos concéntricos sobre superficies acuosas“, eternamente sometidos a los juegos entre yuxtaposiciones y elipsis visuales.

Coqueteos con la estética que la admiradora confesa de Jules et Jim vierte en cada plano surgido de su retina, en cada fogonazo de su cámara estática, en cada secuencia deformada por los grises de su memoria…

Chantal Akerman compone un gran mural de vivencias personales/ Photo Credits: Galería Elba Benítez y Chantal Akerman

Chantal Akerman compone un gran mural de vivencias personales/ Photo Credits: Galería Elba Benítez y Chantal Akerman

Más información en http://www.elbabenitez.com

Eric Clapton & Friends rinden homenaje póstumo al responsable de “Cocaine“, en un álbum de versiones titulado “The Breeze (An Appretation Of J.J. Cale)“. Entre los invitados están Tom Petty, Mark Knopfler y Willie Nelson.

Eric Clapton lanza este disco después de cumplirse un año de la muerte de J.J. Cale

Eric Clapton lanza este disco después de cumplirse un año de la muerte de J.J. Cale

Híbridas y costumbristas son dos calificativos en femenino con los que las cuerdas guitarreras de John Weldon Cale (Oklahoma City, 1938- La Jolla, California, 2013) aullaron al ritmo de las noches desérticas de Tulsa.

Mestizo en esencia sonora y atomizador en resultados, el “laid back” de J.J. sedujo a la audiencia a través de los lamentos profundos de un autor con epidermis de blues, rock, jazz, folk, country y cualquier otra suerte de inspiración a golpe de oído.

Una amalgama de atmósferas sinfónicas con la que el hombre de After Midnight consiguió que temblaran las maderas trovadoras; a la vez de caldear el hambriento espíritu de los coyotes.

Eric Clapton fue un declarado admirador del savoir faire de Cale, desde el momento en que Mano Lenta escuchó los latidos líricos de su música.

Pero la discordancia de agendas y la vorágine de la realidad hicieron imposible que ambos juntaran voluntades artísticas hasta 2006, cuando grabaron codo con codo el álbum Road To Escondido.

Eric Clapton siempre ha sentido una especial fascinación por el cantautor nacido en Oklahoma

Eric Clapton siempre ha sentido una especial fascinación por el cantautor nacido en Oklahoma

Cita inolvidable que Clapton refresca a título póstumo ocho veranos después, en la obra The Breeze (An Appreciation Of JJ Cale): disco a dieciséis cortes, que acudirá a las tiendas el próximo 29 de julio de 2014.

ERIC CLAPTON REGRESA A LOS AÑOS SETENTA

Conocido por las grandes audiencias gracias al tema Cocaine, J.J. Cale fue un de esos genios de reserva mediática, no muy dado a los baños de multitudes que suelen acompañar a los mitos de cabecera.

Incluso él mismo solía comentar que sus hazañas llegaron por el empeño de imitar a sus hechiceros de musas y estribillos (Chet Atkins, Les Paul y Chuck Berry).

Pero, al no conseguirlo, tuvo que salir del paso a su manera, con sus acordes sin pureza genérica; aunque dotados de un estado anímico inconfundible y cautivador.

Pese a que Eric Clapton había versionado temas de Cale desde los setenta, no pudo grabar con él hasta 2006

Pese a que Eric Clapton había versionado temas de Cale desde los setenta, no pudo grabar con él hasta 2006

De hecho, el cantautor no salió de su Tulsa rítmica (donde coincidió en los locales de la zona con tipos de la altura de David Gates, el líder de los irrepetibles Bread) hasta que a mediados de los sesenta se dio un garbeo por Los Ángeles, para alumbrar un hit de los de pegada boxística como After Midnight.

Precisamente, ésa fue la primera song que Eric Clapton escuchó de J.J; y tanto impacto le causó, que el fundador de Cream no pudo sustraerse a hacer un cover de la misma, el cual se convirtió en todo un himno para los amantes de las guitarras con timbre de rapsoda.

Operación exitosa, que Slowhand volvió a repetir con el pelotazo de las drogas efectivas y surrealistas, titulado Cocaine.

"Road To Escondido" fue el disco de dos de las mejores guitarras de la historia: la de Eric Clapton y la de J.J. Cale

“Road To Escondido” fue el disco de dos de las mejores guitarras de la historia: la de Eric Clapton y la de J.J. Cale

Quiero que la gente identifique lo que J.J. Cale hizo. Yo sólo soy el mensajero. Lo que ansío es que mis seguidores lleguen a él intrigados por este trabajo”, explica Clapton, en su página web.

Con ese objetivo de presentar a un maestro de muchas generaciones de compositores, el líder de The Yarbirds ha reunido un grupo de colegas de las ondas que –como él- guardan un gusto apasionado hacia el legado del guitarrista de Oklahoma.

Un elenco de rock stars en el que colaboran con ilustres punteos Tom Petty, Mark Knopfler, John Mayer, Willie Nelson, Don White y Derek Trucks, entre otros.

Cuadro de duelistas eléctricos que reproducen brillantez visionaria versos callejeros y dinamizadores, como los contenidos entre los surcos de Rock And Roll Records; Someday; Lies; Sensitive Kind; Cajun Moon; Magnolia; o Songbird.

Aún hoy en día, las diferentes generaciones son capaces de recordar "Cocaine", tanto la original de Cale como el cover de Eric Clapton

Aún hoy en día, las diferentes generaciones son capaces de recordar “Cocaine”, tanto la original de Cale como el cover de Eric Clapton

Un cancionero que preside el nostálgico Call Me The Breeze, ese catalizador single que Cale vistió con los tejanos del milenarismo beat, en un ya lejano 1972.

Vídeo promocional de “The Breeze”, por Eric Clapton

Más información en http://www.ericclapton.com

Pierce Brosnan regresa al género de acción con “The November Man“, un filme basado en un texto de Bill Granger que dirige Roger Donaldson (“Un pueblo llamado Dante’s Peak“).

Pierce Brosnan desata toda su furia en la piel del ex agente de la CIA Paul Deveraux

Pierce Brosnan desata toda su furia en la piel del ex agente de la CIA Paul Deveraux

Ser la percha cinematográfica de 007 marca incluso cuando el actor ya ha abandonado el personaje.

Las peculiares características del espía británico creado por Ian Fleming sellan su estilo a fuego lento, y tatúan con colores imborrables el modus operandi de los players, presos de la egocéntrica figura del elegante tipo con lavanda British.

Sean Connery, Roger Moore, George Lazenby o Timothy Dalton han sido presa, desde su divorcio de la saga, del fantasma de James Bond.

Un espíritu activo que tampoco ha abandonado al irlandés de nacimiento, aunque con doble nacionalidad estadounidense, Pierce Brosnan.

De nada ha servido que el protagonista de El escritor haya estado ausente del Austin Martin cerca de dos décadas; ya que los usos y costumbres del servidor de Su Graciosa Majestad vienen a ser como un desodorante permanente, de los que nunca abandona las axilas de su portador.

Pierce Brosnan trabaja su personaje como una especie de amargado colega de James Bond

Pierce Brosnan trabaja su personaje como una especie de amargado colega de James Bond

Olor a héroe con tentáculos funcionariales que emborracha el papel encarnado por Brosnan en The November Manintensa producción made in USA, que verá la luz en las pantallas de las barras y estrellas el próximo 27 de agosto de 2014.

PIERCE BROSNAN CAMBIA DE BANDERA

Rodada en escenarios de Belgrado (Serbia), la película -cuyo reparto encabeza el simpático Remington Steele– sigue las andanzas de un ex agente de la CIA tan letal como efectivo, llamado Peter Deveraux.

Al comienzo del filme, el hombre vive más o menos tranquilo en Suiza. Hasta que es reclamado por sus jefes para que comande una peligrosa misión de despedida, en la que tiene que entrenar para el servicio a un joven pupilo que responde al nombre de David Manson.

Pierce Brosnan comparte créditos con una ex chica Bond, la ucraniana Olga Kurylenko

Pierce Brosnan comparte créditos con una ex chica Bond, la ucraniana Olga Kurylenko

Ambos se ven envueltos en una operación mortal y violenta, en la que se revela la participación del nuevo presidente ruso, y donde la prioridad del héroe es mantener a salvo a una incómoda testigo, escondida bajo la identidad de Alice Fournier.

La célebre novela There Are No Spies, elaborada por el narrador William Francis Granger (Wisconsin Rapids, USA, 1941- Mantero, Illinois, 2012), sirve de base argumental al director Roger Donaldson (quien ya colaboró con Brosnan en Un pueblo llamado Dante’s Peak) para montar un pirotécnico largometraje, sustentado a través del adrenalítico guion firmado por Michael Finch (Predators) y Karl Gajdusek.

La pareja de screenwriters comprende a la perfección la naturaleza casi suicida del frío Peter Deveraux, al que sitúan en una realidad plagada de giros inesperados, explosiones atronadoras, tralla encendida con pólvora candente y relaciones alteradas por el estigma de la desgracia.

La trama de "The November Man" está basada en "There Are No Spies", de Bill Granger

La trama de “The November Man” está basada en “There Are No Spies”, de Bill Granger

Un puzle de contagiosos ingredientes que tiene en los rasgos voluntariamente cansados de Brosnan el referente más adecuado; aunque convenientemente secundado por la australiana Eliza Taylor (Sarah), la ucraniana Olga Kurylenko (Alice Fournier), Will Patton (Perry Weinstein) y Luke Bracey (David Mason).

En definitiva, un laberinto en cuya salida se sitúa una vez más la figurada sombra de James Bond: tan alargada como primordial para los que han sido su alter ego, con independencia del tiempo que éstos hayan estado sin usar el membrete de licencia para matar.

Los seguidores de Pierce Brosnan degustarán la activa caracterización del irlandés

Los seguidores de Pierce Brosnan degustarán la activa caracterización del irlandés

Official Teaser by MOVIECLIPS Trailers

Más información en http://www.thenovemberman.com

Kelly Reilly graba en Nueva York trece episodios más de “Black Box“, el serial de ABC que muestra el trabajo de una neuróloga aquejada de desorden bipolar.

Kelly Reilly ha conseguido convencer a los espectadores con "Black Box"/ Photo Credits: ABC Television

Kelly Reilly ha conseguido convencer a los espectadores con “Black Box”/ Photo Credits: ABC Television

Las producciones para la pequeña pantalla desarrolladas en hospitales suelen dar buenos resultados en las parrillas de emisión. Solamente hay que mencionar creaciones como Dr. Kildare, Chicago Hope, Urgencias, Anatomía de Grey o House para verificar semejante afirmación.

Y si encima los guiones tienen un toque de originalidad investigadora, el asunto puede incluso salvar la temporada de cualquier canal con algún que otro fracaso millonario.

Una situación parecida a la descrita -aunque no tan trágica por el lado de los fiascos- es la que ha vivido la cadena estadounidense ABC; medio que, tras cancelar algunas de sus apuestas más ambiciosas del año (por ejemplo, la pérdida de espectadores hizo que los responsables de la potente firma audiovisual echara para atrás la cuarta season de Once Upon A Time In Wonderland), vio cómo una historia de neurólogos sin superpoderes le proporcionaba las alegrías que otros géneros le habían negado.

Kelly Reilly da vida a una experta en alteraciones cerebrales que padece una enfermedad mental/ Photo Credits: ABC Television

Kelly Reilly da vida a una experta en alteraciones cerebrales, que padece una enfermedad mental/ Photo Credits: ABC Television

De esta manera, Black Box ha conseguido la luz verde para el rodaje de una segunda parte de trece episodios, los cuales se unen los diez capítulos que sedujeron a los televidentes a lo largo de 2013 y 2014.

KELLY REILLY SE INTRODUCE EN “THE CUBE”

Creada por Amy Holden Jones (guionista del polémico libreto de Una proposición indecente), la trama sigue los pasos de la doctora Catherine Black (Kelly Reilly): una afamada neuróloga, cuyo mundo se viene abajo al serle diagnosticado un trastorno bipolar.

La detección del problema deja a la galena en un abismo de fantasmas, ya que esta enfermedad había causado el suicidio de su madre cuando la facultativa era simplemente una niña.

Terror que mueve al novio y jefe de la protagonista (el médico Will van Renseller) a recurrir a los servicios de una psiquiatra.

Kelly Reilly es una actriz británica que ha trabajado en USA al lado de estrellas como Denzel Washington/ Photo Credits: ABC Television

Kelly Reilly es una actriz británica que ha trabajado en USA al lado de estrellas como Denzel Washington/ Photo Credits: ABC Television

Sin asideros familiares cercanos, la joven confiará sus secretos y sus miedos a Helen Hartramph (Vanessa Redgrave), colega de Freud que se convierte en una especie de bálsamo existencial para la especialista en alteraciones cerebrales.

Pero lo novedoso de la serie no reside simplemente en los desajustes ocasionados por el desorden mental de Catherine, sino que el argumento adquiere el aire suficiente a través del apasionado trabajo de la neuróloga, como miembro de una avanzada unidad de investigación denominada The Cube.

Por medio de los pacientes que acuden al centro donde trabaja la doctora Black, los espectadores toman conciencia de la intensa vida de esta mujer, capaz de batirse el cobre por los extraños que reclaman sus servicios; y cuyas experiencias le sirven para determinar su papel en los dos lados de la cadena de montaje hospitalario: el de científica experta y el de enferma.

Kelly Reilly muestra el lado humano de la medicina episodio a episodio/ Photo Credits: ABC Television

Kelly Reilly muestra el lado humano de la medicina episodio a episodio/ Photo Credits: ABC Television

La actriz británica Kelly Reilly (a quien se puede localizar como la pareja de Jude Law en las películas de Sherlock Holmes) es el rostro elegido por los responsables de la producción para encarnar a la intrépida Catherine Black; mientras que el resto del elenco contiene nombres tan impactantes como el de la veterana Vanessa Redgrave (Dra. Helen Hartramph), el australiano Ditch Davey (Dr. Ian Brickman) y David Ajala (Will van Renseller).

Según ABC, la grabación de los nuevos episodios ya está en marcha en la ciudad de Nueva York, un ingrediente de cosmopolitismo buscado con la misión de enriquecer los relatos que pasan por las manos de este equipo de especialistas. Auténticos exploradores del órgano más misterioso del cuerpo humano: el cerebro.

Los nuevos capítulos de "Black Box" se emitirán en USA entre 2014 y 2015/ Photo Credits: ABC Television

Los nuevos capítulos de “Black Box” se emitirán en USA entre 2014 y 2015/ Photo Credits: ABC Television

Avance de la serie “Black Box” elaborado por ABC Television

Más información en http://abc.go.com/shows/black-box

Lionel Shriver publica en español su último trabajo, “Big Brother” (Editorial Anagrama). Una conmovedora historia en la que la autora critica la obsesión por la salud en Estados Unidos. 

Lionel Shriver describe un cosmos realmente enloquecido en "Big Brother"

Lionel Shriver describe un cosmos realmente enloquecido en “Big Brother”

Un adolescente conflictivo fue el vehículo que propició fama y reconocimiento a esta creadora de afilado lenguaje y turbulento sentido del sarcasmo.

Cuando en 2005, Margaret Ann Shriver (más conocida por el nombre masculino que adoptó nada más cumplir 15 años, Lionel) ganó el Premio Orange por su séptima novela, “Tenemos que hablar de Kevin“, el mundo literario comenzó a fijarse en los escritos de esta señora con cuchillos en la pluma y sensibilidad heredada de su relación paterno-filial con el dogmatismo religioso.

Afincada desde hace algún tiempo en Gran Bretaña, y peleada a puño despellejado con algunas de las convenciones de su patria natal (USA), la escritora norteamericana ocupa un lugar destacado en las lecturas recomendadas para combatir los rigores veraniegos, con su última obra traducida al español: “Big Brother” (Editorial Anagrama).

Lionel Shriver se baso en episodios de su propia vida para construir la trama

Lionel Shriver se basó en episodios de su propia vida para construir la trama

Una historia de asfixia familiar y consanguínea que guarda más de un callejón oscuro, colindante con las experiencias sufridas por LSh al lado de su hermano.

LIONEL SHRIVER Y EL ACTIVISMO

Aunque el título del libro puede recordar a primera vista a “1984“, de George Orwell, la distopía que podría desarrollar la narradora de Gastonia no sirve alas de futurismo incierto, sino realidad presente y constatable, insertada en una sociedad con alienación excesiva por el culto al cuerpo y a los estereotipos.

En las páginas elaboradas por Shriver, Iowa adquiere sombras de Letra Escarlata a través de la particular existencia de Pandora Halfdanarson, una dama con vida de anuncio de teletienda y trasfondo de insatisfacción constante.

Lionel Shriver se dio a conocer en el mundo literario tras el éxito de "Tenemos que hablar de Kevin"

Lionel Shriver se dio a conocer en el mundo literario tras el éxito de “Tenemos que hablar de Kevin”

La protagonista bien podría ser el leitmotiv para un reportaje de ambiente en cualquier revista de buenas maneras, ya que de puertas para afuera su día a día es como una escena en bucle de la satisfacción made in USA: está casada con un hombre que se gana bien los garbanzos, cuida de dos hijastros adolescentes, y ella misma se muestra ante los demás realizada profesionalmente, en calidad de dueña de un negocio de muñecos parlantes para adultos.

Sin embargo, todo cartel propagandístico tiene su letra pequeña.

Y en el caso de Pandora, este lado oculto de la Luna se refiere sobre todo a un esposo dominante, y obsesionado con los hábitos saludables (es decir, bicicleta hasta a la hora de dormir y comida macrobiótica incluso en el desayuno).

La película de "Tenemos que hablar de Kevin", dirigida en 2011 por Lynne Ramsey, ayudó a la promoción de la obra de Lionel Shriver

La película de “Tenemos que hablar de Kevin”, dirigida en 2011 por Lynne Ramsey, ayudó a la promoción de la obra de Lionel Shriver

En el momento en que comienza la trama del libro, la heroína lleva el sometimiento a su pareja de una forma medianamente aceptable.

Pero la visita de su hermano (un pianista de jazz dedicado a la bohemia y con obesidad mórbida), hará que ésta replantee su rutina.

Una tesitura en la que la mujer tendrá que escoger entre salvar a su pariente de las garras de las enfermedades coronarias, o echar a la calle a su “big brother” y pasar página.

Al final, la hija de la antigua estrella televisiva Travis Appaloosa elige a su hermano; y, junto a él, los dos se marchan a un motel para ver si es posible vencer la resistencia del hombre por mejorar su estado de salud.

Las notas autobiográficas (Shriver perdió a su hermano por un paro cardiaco asociado a la mala alimentación y la falta de ejercicio) marcan un relato que rezuma carnalidad y rabia, a la vez de tragedia cotidiana y enfado social.

Una lectura que, sin duda, activará las neuronas de los esclavos del gimnasio y de los apegados a las hamburgueserías y demás establecimientos de “fast food“.

Lionel Shriver vive en la actualidad en Reino Unido/ Photo Credits: Amazon.com

Lionel Shriver vive en la actualidad en Reino Unido/ Photo Credits: Amazon.com

Más información en http://www.anagrama-ed.es/titulo/PN_865