Mia Wasikowska, la actriz que fue Jane Eyre en el filme de Cary Fukunaga, rueda “Madame Bovary“, la ópera prima como directora de Sophie Barthes.

Mia Wasikowska interpreta a la heroína de moral reprobable ideada por Gustave Flaubert

Mia Wasikowska interpreta a la heroína de moral reprobable ideada por Gustave Flaubert

Emma apagaba las llamas de los candelabros con el giro de su falda, mientras su talle estrangulaba los corsés de la moral provinciana.

Por eso, y por arrancar con bocados de pasión ardiente los pliegues de su existencia, fue condenada por la sociedad en 1856. Con realismo y sin piedad.

La Sra. Bovary, la soñadora esposa del médico de la localidad de Yonville, fue la Eva literaria del escritor Gustave Flaubert, mucho más –si cabe- que la escueta y ambivalente Madame Arnoux, de La educación sentimental.

Los caprichos y las veleidades de la dama cincelaron en la sepultura del novelista la lápida de la eternidad; siempre deudora de la comprensión sensitiva, con la cual el autor impregnó la faz entintada de una mujer a la que era muy fácil flambear en la hoguera de los pecados.

Mia Wasikowska despliega toda la fortaleza pasional que emana su personaje

Mia Wasikowska despliega toda la fortaleza pasional que emana su personaje

Esa fémina peligrosa y aventurera, autodestructiva y agotadora, vuelve a los salones de baile merced a la realizadora novel Sophie Barthes, en una adaptación del clásico texto de GF, versión que intenta sobrevivir más allá de las inolvidables obras de Vicente Minnelli (1949) y de Claude Chabrol (1991).

MIA WASIKOWSKA ES LA NUEVA MADAME BOVARY

La turbadora Jennifer Jones, la nerviosa Isabelle Huppert… Muchas han sido las actrices que han interpretado las palabras de Flaubert en la gran y la pequeña pantalla. Un grupo de virtuosas ladies de la escena a las que se suma la joven australiana Mia Wasikowska.

La oceánica, que ya había logrado resultados más que notables en la carne de Jane Eyre, regresa al siglo XIX con las alas de una pieza maestra de las letras, uno de esos relatos que sugieren la reverencia constante a cada corte de frase, a la vez de un quiebro de inteligencia tras cualquier punto y aparte.

Las referencias del trabajo de Mia Wasikowska en "Jane Eyre" convencieron a Sophie Barthes

Las referencias del trabajo de Mia Wasikowska en “Jane Eyre” convencieron a Sophie Barthes

Según la creadora Sophie Barthes, la variedad de matices que posee la protagonista de Stoker y Alicia en el país de las maravillas –tan fría en apariencia como expresiva en el fondo- es lo que la animó a ofrecer a la muchacha uno de esos papeles de marcan carreras, y que –si se resuelven con brillantez- pueden apuntalar el currículo de toda profesional con ganas de llamar la atención.

Un propósito que Wasikowska afronta sin miedos ni entumecimientos como principal cabeza de cartel, en un elenco donde también colaboran Paul Giamatti (Monsieur Homais), Ezra Miller (Leon Dupuis) y Rhys Ifans (Monsieur Lleureux), entre otros.

Sin embargo es en la elección de Charles Bovary, el galeno que contrae nupcias con Emma, con la que realmente se la juega la cineasta primeriza. Riesgo que queda patente en la elección del londinense Henry Lloyd-Hughes, para encarnar a un hombre que –según el libro- es bastante mayor que su agraciada y traviesa esposa.

El londinense Henry Lloyd-Hughes encarna en el filme al médico rural Charles Bovary

El londinense Henry Lloyd-Hughes encarna en el filme al médico rural Charles Bovary

Lloyd-Hughes nació en 1985, por lo que aún no cuenta ni treinta años de edad, y le saca sólo cuatro a Mia.

Una realidad que puede ocasionar cierta incongruencia al exponer las motivaciones sobre el comportamiento de Emma, esenciales para desarrollar su caída a los abismos de la infidelidad.

Como ejemplo de esta cuestión, sólo basta echar un vistazo al elenco del filme de Vicente Minnelli, y observar que el papel del facultativo en ese largometraje portaba el rostro de un convincentemente envejecido Van Heflin (profesional de solidez sorprendente que, aunque únicamente contaba nueve velas más en el pastel que las de su pareja Jennifer Jones, podía aparentar más de veinte aniversarios de diferencia con su co-star).

Modernizada en el envoltorio (es imposible, incluso si hubiera sido ambientada en el siglo XXI, dotar de más rebeldía ética a la historia elaborada por Flaubert) y ajustada a los gustos actuales, Madame Bovary revive con los candelabros de la moral a media asta; enarbolando una vez más la digna bandera de la imperfección, la misma tela de los deseos satisfechos y de los anhelos desbocados.

Mia Wasikowska tiene la difícil tarea de igualar, por lo menos, el trabajo de Jennifer Jones en la piel de Emma Bovary

Mia Wasikowska tiene la difícil tarea de igualar, por lo menos, el trabajo de Jennifer Jones, en la piel de Emma Bovary

Más información en http://www.imdb.com

Richard Armitage (“El hobbit“) se sube al escenario del Old Vic Theatre con la misión de escenificar “El crisol“, en la piel del aguerrido John Proctor.

Richard Armitage da vida al personaje que Daniel Day-Lewis encarnó en la película "El crisol"/ Photo Credits: The Old Vic Theatre

Richard Armitage da vida al personaje que Daniel Day-Lewis encarnó en la película “El crisol”/ Photo Credits: The Old Vic Theatre

En 1620, el Mayflower desplegó por los territorios de lo que ahora es USA (entonces colonias pertenecientes a la corona británica) comunidades enteras de puritanos.

Ataviados con ropajes oscuros y ateridos a un concepto de la religión ciertamente dogmático, estos individuos (procedentes en su mayoría de los Países Bajos) extendieron a su paso el sometimiento a una moral de hierro, carente de libertades y encadenada a una visión excesivamente literal de la Biblia.

Pero la influencia de estos seres de religiosidad sanguinaria no se quedó en el mencionado siglo XVII, sino que trascendió más allá de las centurias; para aparecer nuevamente en su esencia, aunque transmutada según los tiempos y los propósitos, en el conocido período como macartismo.

Richard Armitage encabeza el elenco mientras espera el estreno del largometraje "Into The Storm"

Richard Armitage encabeza el elenco artístico, mientras espera el estreno del largometraje “Into The Storm”

Cual juez contra los embrujos demoníacos, de 1950 a 1956, el senador estadounidense Joseph Raymond McCarthy declaró, en el país de las barras y estrellas, la guerra sin cuartel al Comunismo. Cruzada con la que arruinó la vida de numerosos ciudadanos norteamericanos, a los que sometió a castradores procesos públicos, sólo por ser considerados sospechosos de seguir la doctrina marxista.

Tal fanatismo, con filo ponzoñoso heredado de los antiguos peregrinos del Mayflower, golpeó de lleno a la industria hollywoodiense y la élite intelectual de EE. UU, entre los que se hallaba el dramaturgo Arthur Miller.

A raíz de una delación sin sentido alguno, y basada en la ambigüedad discursiva de su trabajo, el autor sufrió el acoso y derribo en su propia nación. Lo que le inspiró para concebir una imborrable y metafórica protesta artística, pliego de descargo que el colega de Harold Pinter bautizó como El crisol.

Desarrollado durante la época de 1692, el texto del que fuera pareja de Marilyn Monroe cuenta el relato de una caza de brujas, muy similar a la efectuada por McCarthy en los años cincuenta.

El texto escrito por Miller se desarrolla en la ciudad de Salem, en 1692

El texto escrito por Miller se desarrolla en la ciudad de Salem, en 1692

Documento esencial sobre la vulneración de los derechos humanos, que el Old Vic Theatre de Londres recupera durante la temporada estival.

RICHARD ARMITAGE LUCHA CONTRA LA INQUISICIÓN

Hasta el próximo 13 de septiembre, el sólido y sincero John Proctor se subirá al estrado de la urbe del Támesis para defender a su esposa (Elizabeth Proctor) y a otras personas de su entorno, acusadas injustamente de realizar aquelarres en favor del diablo.

Basada en hechos reales, la trama de El crisol discurre con valentía por los motivos ocultos respecto a las ejecuciones efectuadas en la zona de Massachusetts, a finales del siglo XVII: la mayoría de las veces motivadas por envidias, supersticiones incongruentes, o herencias mal repartidas.

Yaël Farber es el director del montaje protagonizado por Richard Armitage/ Photo Credits: The Old Vic Theatre

Yaël Farber es la directora del montaje protagonizado por Richard Armitage/ Photo Credits: The Old Vic Theatre

Como pilar de ese hilo argumental, Miller imaginó al convincente granjero Proctor y a la malévola Abigail Williams: dos extremos contrapuestos en cuanto a comportamiento ético, en los que confluyen la dicotomía entre el bien y el mal.

Desde la publicación de la obra, ocurrida en 1953, muchos han sido los actores que se han metido en las arterias de ese hombre de la tierra, alumbrado en el ecosistema del puritanismo extremo.

Un trabajo de caracterización que ahora recae sobre las espaldas del británico Richard Armitage (Leicester, Inglaterra, 1971), y que anteriormente gozó con el virtuosismo escénico de gente como Daniel Day-Lewis (el oscarizado intérprete de Lincoln lo recreó en la película El crisol, de Nicholas Hyther).

De esta manera, el famoso Thorin de El Hobbit somete su fuerte dicción y su esbelto físico nervudo para dotar de credibilidad a un tipo cuyo único deseo era preservar la inocencia de los suyos, sin abandonar su espíritu a la desidia de unas muchachas borrachas de fantasía blasfema.

El humano heroísmo de John Proctor es una de las cosas que más sedujeron a Richard Armitage/ Photo Credits: The Old Vic Theatre

El humano heroísmo de John Proctor es una de las cosas que más sedujeron a Richard Armitage/ Photo Credits: The Old Vic Theatre

Junto al antagonista de Robin Hood en la exitosa serie de la BBC, Harry AttwellSamantha Colley, Marama Corlett y Jack Ellis son algunos de los rostros que surcan el decorado en tinieblas donde transcurren los tres actos mecanografiados por Arthur Miller; y a los que pone atmósfera de hechizos subliminales la directora Yaël Farber (Mies Julie).

Vídeo de Richard Armitage proporcionado por The Old Vic Theatre

Más información, entradas y horarios en

http://www.oldvictheatre.com/whats-on/2014/the-crucible

 

Adam Johnson llega a las librerías españolas con la novela que le convirtió en ganador del Pulitzer en 2013: un texto bautizado “El huérfano” (Editorial Seix Barral).

Adam Johnson ha conseguido que "El huérfano" sea traducido a múltiples idiomas

Adam Johnson ha conseguido que “El huérfano” sea traducido a múltiples idiomas

Compartir el nombre con un famoso futbolista inglés del Sunderland AFC ha otorgado a este escritor una cierta privacidad en Internet; algo que en cierta forma resulta interesante, ya que con ello el literato se asegura el interés claro de los que buscan su persona entre las entradas mejor situadas en la Red.

No obstante, la identidad de este profesor asociado de la Universidad de Stanford ha saltado a la palestra de la actualidad merced a la concesión del Premio Pulitzer 2013.

Un galardón que ha pillado casi por sorpresa a un novelista de breve currículo (nutrido solamente por tres obras), aunque de innegable calidad -pese a su escasez- para tratar los estados de ánimos más complejos, normalmente determinados por realidades conflictivas.

Adam Johnson se hizo con el Pulitzer con su visión surrealista y esquizofrénica de un protagonista alienado

Adam Johnson se hizo con el Pulitzer por su visión surrealista y esquizofrénica de un protagonista alienado

Los contados volúmenes firmados por Adam Johnson (Dakota del Sur, USA, 1967) muestran la pluma encendida de alguien al que le mueven los personajes en continua lucha consigo mismos: seres surgidos de los infiernos afectivos, a los que los actos más violentos no apartan de un rutina artificial e intrínsecamente falseada.

Así podría definirse el cosmos de Jun Do, el tipo sin decisión individual que protagoniza la creación damnificada con el Pulitzer: un mural de letras e insomnios dictatoriales, que lleva por título El huérfano (Seix Barral, Colección Biblioteca Formentor).

Adam Johnson trabaja como profesor asociado en la Universidad de Stanford/ Photo Credits: Seix Barral

Adam Johnson trabaja como profesor asociado en la Universidad de Stanford/ Photo Credits: Seix Barral

ADAM JOHNSON DOTA DE RASGOS A UN VERDUGO

Un escenario de portada de rotativo, Corea del Norte, es el sitio escogido por el estadounidense para desarrollar el argumento de su exitoso libro.

En él, un joven llamado Jun Do explica con sus actos las contradicciones por las que este antihéroe ha deambulado desde su nacimiento.

El autor de Dakota del Sur aún tiene un currículo escaso en obras

El autor de Dakota del Sur aún tiene un currículo escaso en obras

Sin conocer a sus progenitores, el chico fue carne de educación programada dentro de los muros de un orfanato, perteneciente al Estado liderado entonces por Kim Jong-II (sucedido en el presente por su vástago, Kim Jong Un).

Ausente de preocupaciones relacionadas con poseer un pensamiento libre y versado, el niño únicamente expone lo agradecido que estaba por ser ciudadano del que él concebía como “mejor país del mundo”.

Bajo esas coordenadas intelectuales, el personaje crece agazapado dentro del amparo gubernamental, hasta transformarse en una máquina de matar; hecho que coincide con su reclutamiento por el ejército norcoreano, nada más cumplir catorce aniversarios.

Fiel a su estilo de no cuestionar orden alguna, el chaval va ascendiendo en el escalafón gubernamental: primero como secuestrador y asesino profesional, y luego como oficial de la inteligencia militar.

Período de desintegración ética y moral que queda enmarcado por la fluidez lingüística con la que Johnson lubrica el relato.

Estilo depurado y emocional que metamorfosea  las páginas en sinceros testimonios de los mecanismos que anulan la humanidad.

Fórmula con la que el writer retrata las tripas de los mecanismos del poder, los cuales masacran el poso ilustrado de los herederos de Adán y Eva.

Adam Johnson usa un lenguaje cargado de sensaciones contrapuestas

Adam Johnson usa un lenguaje cargado de sensaciones contrapuestas

En definitiva, unas confesiones desde la culpa no asumida tan inspiradas en su exposición, como sólidas en sus parámetros reflexivos…

Más información en

http://www.planetadelibros.com/el-huerfano-libro-118611.html

 

Tom Petty And The Heartbreakers presentan el decimosexto disco de su carrera: “Hypnotic Eye (Reprise Records). Un esperado regreso al rock de los años setenta.

Tom Petty juega a la música subliminal con este compacto regresivo

Tom Petty juega a la música subliminal con este compacto regresivo

Pasar la ITV a una furgoneta tuneada por el talento desbordante de Bob Dylan, Roy Orbison, Jeff Lynne y George Harrison convencería hasta al mismísimo Mad Max.

Sin parar de conducir por la carretera del rock (el más tumultuoso e impulsivo posible), Thomas Earl “Tom” Petty (Gainesville, Florida, USA, 1950) ha quemado décadas de guitarreos sorprendentes, actuaciones multitudinarias, miles versos de urbanidad energética, e infinidad de canciones reconocibles y rejuvenecedoras.

Desde que en 1976 el natural del Estado del Sol y de las residencias sólo aptas para jubilados con calzoncillos de oro (aparte de los cocodrilos con collar y los Everglades) fundara el mítico grupo The Heartbreakers, quince obras han aparecido con el sello inconfundible de este amante -sin cinturón de castidad- del legado de The Beatles.

Mural sinfónico de fortaleza aguerrida y sentimiento colectivo, que el próximo 28 de julio se verá incrementado con el lanzamiento de su hijo de plástico número 16Hypnotic Eye (Reprise Records).

Tom Petty exhibe su virtuosismo creativo con este CD que sigue al reciente "Mojo"

Tom Petty exhibe su virtuosismo creativo con este CD, que sigue al reciente “Mojo”

TOM PETTY QUIERE REFRESCAR EL PASADO

Casi menos de un año dista entre la edición de Mojo (el ya penúltimo álbum de la banda) y la de este trabajo, surgido de la necesidad por recuperar las esencias de los locos setenta.

De hecho, la primera grabación se llevó a cabo -acuñado con el heartland rock de hace cerca de cuarenta tacos, y mezclado con algo de blues de destilería barera– en el ClubHouse angelino.

Allí, en el verano de 2011, Petty y sus muchachos dieron cuerpo a la song titulada Burnt Out Town (uno de los cortes del disco). Comienzo del actual cancionero a once páginas.

Las casi cuatro décadas en el circuito de Tom Petty se dejan sentir en los once temas de "Hypnotic Eye"

Las cuatro décadas en la carrera de Tom Petty se dejan sentir en los once temas de “Hypnotic Eye”

A partir de ahí, la evolución del compacto creció en torno a la voluntariedad impuesta por Tom, Mike Campbell (Guitarra), Benmont Tench (Teclados), Ron Blair (Bajo), Scott Thurston (Guitarra) y Steve Ferrone (Batería) por rescatar el sonido que hizo célebres a The Heartbreakers en sus inicios, sintonía que exhibieron en los laureados vinilos Tom Petty And The Heartbreakers (1976) y You’re Gonna Get It! (1978).

Fieles a esa necesidad de volver a reflejarse en el espejo mediático, los autores de American Girl, Breakdown, The Waiting y Mary Jane’s Last Dance han recurrido a once temas en los que se respira la agitación propia de la época de los pantalones campana y las melenas al viento.

Así lo atestiguan el pintoresco y beatlemaniaco American Dream Plan B (primer single de Hypnotic Eye), el nostálgico y evocador track Red River, o la filosofía un tanto deudora de los pretéritos luminosos (cada vez más deformes por una realidad difusa y ambivalente) escondida bajo el emblema capitular de Shadow People.

El guitarrista y solista de Florida ha querido recuperar la energía rectora de los dos primeros trabajos de la banda

El guitarrista y solista de Florida ha querido recuperar la energía rectora de los dos primeros trabajos de la banda

A lo largo de los surcos del álbum, Tom Petty despliega su alegría contagiosa y su virtuosismo multidisplinar (tanto en la faceta creativa, como en la financiera); los mismos motores que activaron su pasión melódica a principios de los setenta, siempre inspirado en George, John, Paul y Ringo; y subido a sus cuerdas, deudoras de los dedos de Don Felder.

Lecciones de pentagrama que dieron como resultado una lírica feliz y sincera: perfecta en su imperfección, rítmica y efusiva.

Un programa activo que queda ya expuesto en el título de la obra, en el que los de Gainesville dejan constancia del poder de convocatoria de un grupo que huele a historia viva, a leyendas humanas vestidas con el uniforme de la experiencia, a “power drunk” bañado en el alcohol de las altas gradaciones trovadorescas.

Brebaje aromático, que expone la etiqueta diseñada por unos tipos con abundantes neuronas de rock participativo y blues guitarrero.

Tom Petty y sus muchachos se encuentran inmersos en una prolongada gira por USA

Tom Petty y sus muchachos se encuentran inmersos en una prolongada gira por USA

Tom Petty And The Heartbreakers presentan el “Hypnotic Eye Tour” de 2014

Más información en http://www.tompetty.com

El Greco interpreta el papel de guía plástico en una exposición del Museo del Prado, vertebrada en torno a la influencia del cretense en las vanguardias del XIX y del XX.

El Greco ejerció gran fascinación en los expresionistas alemanes con su "Laoconte"/ Photo Credits: Washington DC, National Gallery of Art, Samuel H Kress Collection

El Greco ejerció gran fascinación en los expresionistas alemanes con su “Laoconte”/ Photo Credits: Washington DC, National Gallery of Art, Samuel H Kress Collection

La ingravidez fantasmal pinta de gris su eterna transparencia. Al tiempo que las nocturnidades oleosas cubren de llantos pigmentados las cavernosas telas, robadas a la hora del Juicio Final con sus figuras alargadas sobre esqueletos sombríos, tan leves como la humanidad castigada.

Así -con semejante disfraz de macabros talles- fue como Doménikos Theotokópoulos (Reino de Candia, Creta, 1541- Toledo, 1614), más conocido como El Greco, se presentó en la Galería Española de Luis Felipe de Orleans del Museo del Louvre, en 1838.

Antes de ese significativo año del siglo XIX, el artista de El entierro del Conde de Orgaz estaba tapiado con el silencio intelectual, agrietado con la argamasa con la que las mentes olvidadizas suelen revestir los ecos de los visionarios, los gritos a paleta viva de los hombres adelantados a su época.

El Greco, visto por Cézanne y su recreación de "La dama de armiño"/ Photo Credits: Museo del Prado

El Greco, visto por Cézanne y su recreación de “La dama de armiño”/ Photo Credits: Museo del Prado

Pero la casualidad, o el destino, hizo que los abanderados de las vanguardias europeas (encabezados por un portentoso Paul Cézanne, un soñador Èdouard Manet, un amante de corazones cromáticos llamado Eugène Delacroix, un admirativo Théophile Gautier y un inspirado Charles Baudelaire) fijaran su retina en las nueve obras expuestas en París con la firma del creador del XVI.

Las lecciones esgrimidas por el toledano de adopción, vertidas cual plomo alquímico a través de líneas sinuosas, ojos de agua salada, patetismo anímico, heroísmo de huesos y palidez,  y trágicos decorados (sustraídos habitualmente a los abismos celestiales) alimentaron con sus soluciones a no pocos movimientos nacidos al compás de 1900. Corrientes de laureado arco como El Orfismo de Robert Delauney, El Cubismo de Pablo Picasso y El Expresionismo de Max Beckmann.

Una inspiración sin fondo en la que incluso la abstracción norteamericana encontró, mediante Jackson Pollock, su particular hilo de Ariadna, con el que componer el bordado de un mundo cambiante: confuso en sus pilares, y abundante en sensaciones pretéritas y futuras.

El Greco compuso uno de los mejores retratos femeninos de la Historia con "La dama de armiño"/ Photo Credits: Museo del Prado

El Greco compuso uno de los mejores retratos femeninos de la Historia con “La dama de armiño”/ Photo Credits: Museo del Prado

Tales revelaciones elevaron al fabulista de El caballero de la mano en el pecho a la altura que siempre se le negó, y que nunca dejó de merecer.

Un puesto de honor sin caducidad en el devenir de las centurias, que El Museo del Prado intenta reforzar con la exposición El Greco y la pintura moderna: la cual prolongará su riqueza plástica del 24 de junio al 5 de octubre de 2014.

EL GRECO, ADALID DE NUEVOS RENACIMIENTOS

El comisario Javier Barón Thaidigsmann (experto de la pinacoteca madrileña en Arte decimonónico) ha seleccionado un total de algo más de una centena de obras, para ilustrar la existencia de vasos comunicantes entre el protegido de Felipe II y las elucubraciones contemporáneas de Picasso, Beckmann, Macke, Kokoschka, Zuloaga, Chagall, Pollock, Orozco, Rivera, Bacon, Saura o Giacometti.

Esta panorámica relativa a herencias figuradas queda traducida en la institución capitalina en un conjunto de veintiséis piezas signadas por Doménikos Theotokópoulos, a las que se unen ochenta cuadros de exultante modernidad, para habitar en sincronía las salas A y B del remodelado Edificio de Los Jerónimos.

El Greco también fue objeto de inspiración en la obra de Pablo Picasso/ Photo Credits: Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2014

El Greco también fue objeto de inspiración en la obra de Pablo Picasso/ Photo Credits: Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2014

El intenso diálogo que se establece entre las fantasías de caldero renacentista y las materializaciones de juventudes rebeldes exhibe frases hechas de imágenes, en las que el espíritu sacramental del cretense impone profundidades insospechadas, impresas por sus hijos profesionales en lienzos horneados con el sulfuro de dos guerras mundiales.

Tanto los retratos (La dama de armiño y El caballero de la mano en el pecho fueron los que ejercieron mayor papel en las vanguardias europeas), como las secuencias bíblicas y los regateos en el Véneto y Roma (donde El Greco perfeccionó su intuición magistral, atado a los pinceles de Tiziano, Veronés y Tintoretto), se convirtieron en musas certeras ideadas por el artista enterrado en El Monasterio de Santo Domingo el Antiguo.

Seres de leyenda con los que el isleño pudo competir, en igualdad de condiciones, con la fama de colegas más reconocidos hasta ese momento, como Velázquez.

Zuloaga fue uno de los mayores valedores del Greco con piezas como "Mis Amigos"/ Photo Credits: Ignacio Zuloaga, VEGAP, Madrid, 2014

Zuloaga fue uno de los mayores valedores del Greco, con piezas como “Mis Amigos”/ Photo Credits: Ignacio Zuloaga, VEGAP, Madrid, 2014

Los cuatro siglos de anocheceres monásticos del autor de Laoconte (verdadero puntal para enlazar con los herederos de la paleta del cretense), la penitente y pacífica Trinidad, la asfixiante Crucifixión del colegio de María Aragón y la sufridora y doliente tabla El expelio no han podido silenciar la huella innegable del hombre que vio en España un paisaje de cielos apocalípticos.

In memoria nostra semper tu vivis

Rivera fue uno de los artistas que llevó El Greco a las extensiones de América/ Photo Credits: Banco de México, Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, México DF, VEGAP, Madrid

Rivera fue uno de los artistas que llevó  las obras del Greco a las extensiones de América/ Photo Credits: Banco de México, Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, México DF, VEGAP, Madrid

Más información, entradas y horarios en http://www.muesodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/el-greco-y-la-pintura-moderna

 

Peter Greenaway da las últimas pinceladas a “Eisenstein In Guanajuato“, una película en la que narra la aventura americana del responsable de “El acorazado Potemkin“.

Greenaway pone imágenes una obra que trata intrínsecamente uno de los episodios más apasionantes en la historia del Séptimo Arte/ Photo Credits: Rezo Films

Greenaway pone imágenes una obra que trata intrínsecamente sobre uno de los episodios más apasionantes en la historia del Séptimo Arte/ Photo Credits: Rezo Films

Siempre en busca de talentos determinantes, el Hollywood del star system y los sueldos millonarios quiso contratar a Serguéi Eisenstein (Riga, Letonia, 1898- Moscú, U.R.S.S., 1948); pero él prefirió el polvo del desierto mexicano.

Las ardientes colinas por las que transitaban las estrellas del celuloide no eran el sitio ideal para un revolucionario convencido, un señor que -cámara en mano- grabó con pulso de enloquecido poeta imborrables obras como Octubre y La huelga.

Al arrope de sus fotogramas en movimiento, la Rusia zarista emitió su alarido mortuorio con las sacudidas de un cochecito de bebé, mientras éste caía por las escaleras portuarias de Odesa.

Virtuosismo que igualmente mostró su apego a las exaltaciones patrióticas de una U.R.S.S. capaz de mirar hacia el pretérito, siempre escondida detrás de un armazón de epopeya y con enredadera sanguínea desbordada; hilando tapices del calibre de La conjura de los Boyardos y Alexander Nevsky.

Sin embargo, pese a ser un cerebro conservado en los arados gélidos de la estepa bolchevique, Serguéi Eisenstein también quiso probar lo que el cine estadounidense podía otorgarle.

Y, aunque la aventura no fue todo lo aprovechable que él anhelaba en un principio, sí que sirvió para internacionalizar su instinto fílmico, y para que el creador letón rodara una excelente e inconclusa obra, titulada ¡Qué viva México! (1932).

Greenaway ha conseguido la suficiente inspiración a través del trabajo de Eisenstein/ Photo Credits: Rezo Films

Greenaway ha conseguido la suficiente inspiración a través del trabajo de Eisenstein/ Photo Credits: Rezo Films

Más de ochenta años después de ese episodio trascendental para la historia del Séptimo Arte, el pintor y realizador galés Peter Greenaway refresca las experiencias centroamericanas del grandioso eslavo, en la película Eisenstein In Guanajuato.

GREENAWAY SE TOPA CON EL GENIO

Ambientado en la década de los treinta (aún renqueante de la hambruna de la Gran Depresión), el filme del responsable de Los libros de Próspero y The Baby Of Mâcon inicia su guion con la noticia del viaje a USA del portentoso Serguéi Eisenstein (quien se hallaba en París en esos momentos).

El motivo del traslado es el de un supuesto contrato que un directivo de Paramount Pictures ofrecía al ruso, para que éste transmitiera su espectacular virtuosismo a través de la mastodóntica industria norteamericana.

Pero la filosofía de la Meca del Cine no encajaba muy bien en las arterias conceptuales de un director capaz de deslindarse del maestro -y gloria en las extensiones de las barras y estrellas- D. W. Griffith, para buscar su inspiración en los ideogramas japoneses, y en el entramado sensitivo consistente en provocar emociones más envolventes que las sujetas a las estrictas reglas de la linealidad.

Greenaway ha escogido al desconocido actor finlandés Elmer Bäck para encarnar a Eisenstein/ Photo Credits: Rezo Films

Greenaway ha escogido al desconocido actor finlandés Elmer Bäck para encarnar a Eisenstein/ Photo Credits: Rezo Films

Bien por ser sospechosas de ideología comunista o por constituir un desafío evidente al American Way Of Life, las propuestas de Eisenstein en la colina angelina se quedaron en el arcón de los proyectos que nunca vieron la luz, y el compatriota de Fiódor Dostoyevski se cansó de ser considerado simplemente una eterna promesa sin salidas comerciales.

Razón más que comprensible para que el autor de Octubre -tras una invitación previa- se marchase a México, donde tenía previsto rodar una epopeya más allá de los encorsetamientos hollywoodienses: una pieza épica titulada ¡Qué viva México!

Avalado por el apoyo financiero del escritor Upton Sinclair y de la esposa de éste, Serguéi recaló en un país que primero le persiguió como ciudadano non grato, y luego le colmó de honores.

Greenaway ha rodado el filme en los escenarios originales por los que se movió Eisenstein/ Photo Credits: Rezo Films

Greenaway ha rodado el filme en los escenarios originales por los que se movió Eisenstein/ Photo Credits: Rezo Films

Mano a mano con el guionista Grigori Aleksandrov, el creador alumbrado en Riga grabó 60.000 metros de película, los cuales estaban destinados a contar la historia de la tierra de Pancho Villa en cuatro capítulos (más un prólogo y un epílogo), relato que iba de los antecedentes precolombinos del país a las raíces más ancestrales y profundas de sus habitantes.

Al final, lo que surgió fue un largometraje cargado de atmósferas y sinceridad simbólica, que no pudo ver la luz tal cual lo había imaginado Eisenstein, debido sobre todo a la retirada del proyecto del matrimonio Sinclair.

No obstante, después de muchas tiranteces, el literato norteamericano -motivado por su labor en la producción- estrenó una obra con algunas de las escenas pergeñadas por el soviético, pero la carencia de fuerza en el montaje condenaron a ¡Qué viva México! al más injusto de los olvidos.

Eisenstein viajó a principios de los años treinta invitado por la Paramout Pictures para un posible contrato

Eisenstein viajó a USA a principios de los años treinta, invitado por la Paramout Pictures para un posible contrato

Y así fue hasta 1979, cuando Grigori Aleksandrov compuso una cinta mucho más en la línea con lo que había soñado Eisenstein.

Asentado en los espacios reales donde transcurrieron los hechos, Peter Greenaway ha desarrollado un libreto lleno de imágenes brillantes, casi de laboratorio museístico: tal cual le suele gustar a un cineasta cada vez menos comprendido por los exhibidores.

Un hecho lamentable que queda refrendado con la espera de dos años que ha tenido que sufrir la movie anterior del galés (Goltzius And The Pelican Company) para ser estrenada en Reino Unido. Fecha fijada para el próximo 7 de julio de 2014, en la National Gallery.

Sin muchas estrellas en el elenco, Eisenstein In Guanajuato tiene en el actor finlandés Elmer Bäck al alter ego perfecto del insustituible director letón. Inolvidable disfraz audiovisual a través del que es posible enloquecer; y vomitar de paso encuadres grandiosos, poética en blanco y negro y vida ensordecida ante los martillazos de claquetas orquestales.

Greenaway pretende refrescar los problemas que acontecieron en la preparación de ¡Qué viva México!

Greenaway pretende refrescar los problemas que acontecieron en la preparación de ¡Qué viva México!

Más información en http://www.imdb.com/title/tt1702429

 

Sol LeWitt y la reconstrucción su Wall Drawing # 370, que el artista realizó en 1982, protagonizan una de las exhibiciones más ambiciosas del Metropolitan Museum.

Sol LeWitt inundó el paisaje estadounidense con sus dibujos murales desde 1968

Sol LeWitt inundó el paisaje estadounidense con sus esculturas impresas sobre muros, desde 1968

Antes de 1968, los muros se mostraban orgullosos con su ignorancia y tosquedad de ladrillo y argamasa.

Pero, a partir de ese año, las paredes exteriores descubrieron otros mundos de líneas y cubos cambiantes.

Paraísos de pincel, acrílicos, rotuladores y tintas indias que dotaron a estos limitados artefactos urbanos de geometrías inventadas, de caudales plásticos, y de fascinantes fantasías de esculturas figuradas.

Dentro de esa corriente de sones visionarios, Sol LeWitt (Hartford, Connecticut, USA, 1928- Nueva York, 2007) fue el principal artífice del nuevo papel de los robustos objetos, con su imaginativo lenguaje entre conceptual y minimalista: siempre estimulante, y con el nervio propio de los laberintos sin salidas aparentes.

Sol LeWitt desarrolló a través de las Wall Drawings Series su idea de oposición entre la obra y el material

Sol LeWitt desarrolló a través de las Wall Drawings Series su idea de oposición entre la obra y el material

Pensados como piezas de limitada existencia, muchas de las denominadas Wall Drawings Series acabaron hermanadas con las ruinas; sin embargo, algunos de estos trabajos sí consiguieron subsistir a la fiebre destructora de los ayuntamientos y de las empresas inmobiliarias (alargamiento de la caducidad anhelada que nunca demandó el polifacético creador nacido en Estados Unidos).

Precisamente, uno de los murales que no logró perpetuar su presencia ciudadana fue Wall Drawing # 370; lo que no ha sido un problema insoluble para que el Metropolitan Museum de Nueva York haya programado su remasterización, con el objetivo de presidir la exposición que la institución piensa dedicar a las materializaciones sorprendentes de LeWitt.

Una muestra que inaugurará su curso en la urbe del Empire State Building el próximo 30 de junio de 2014, y cuya existencia se prolongará hasta el 7 de septiembre de 2015.

Las figuras de Sol LeWitt varían desde formas simples como los cubos

Las figuras de Sol LeWitt varían desde formas simples como los cubos

SOL LEWITT Y SUS FORMULACIONES MATEMÁTICAS

En continua conjunción con el diseño gráfico, las composiciones murales del vástago de inmigrantes rusos saltaron de las láminas a la piedra a finales de los sesenta, en un ejercicio de reflexión sobre la oposición entre la obra en sí y el material que la sustenta.

Esa búsqueda incesante por dotar de periodicidad a sus dibujos, impresiones y pinturas llevó al maestro natural de Connecticut a los exteriores degradados de NY, para proyectar sobre ellos su imaginería a base de líneas psicodélicas.

Aquelarre de torres, pirámides, conos, poliedros e insinuantes curvas que animan al espectador a contemplar -no sin cierto misterio- la esencia metamórfica de las escenas/ instalaciones.

El Met pretende construir el gigantesco mural "Wall Drawing # 370" creador por Sol LeWitt en 1982.

El Met pretende construir el gigantesco mural “Wall Drawing # 370” , creado por Sol LeWitt en 1982.

A partir de un simple cubo, Solomon LeWitt era capaz de desarrollar multitud de sensaciones con tridimensionales propósitos, habitualmente apegado a un sentido de las permutaciones infinitas, existentes en las constelaciones de la aritmética.

Para cada obra de arte que se transforma en algo físico, hay muchas variaciones de la misma que no logran siquiera ser vislumbradas”, solía decir el laureado cerebro del movimiento conceptual.

La monumentalidad era una constante en el trabajo escultórico de Sol LeWitt

La monumentalidad era una constante en el trabajo escultórico de Sol LeWitt

Bases innegables del profundo background del de Hartford, las cuales se pueden contemplar -en todo su ardor primerizo- a través de las diez figuras geométricas de Wall Drawing # 370.

Un conjunto de estructuras camaleónicas que se expresan por los surcos de bandas paralelas de líneas (desplegadas en un sentido bidireccional), y que completan el monumental mural recreado ahora en El Met, según las directrices orquestadas por SLW en 1982.

Vídeo de los trabajos de montaje de “Wall Drawing # 370“, perteneciente a la página del Metropolitan Museum

Más información, entradas y horarios en http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2014/sol-lewitt

 

 

David Duchovny vuelve a llevar placa. Aunque esta vez no la del FBI de Expediente X, sino la de la policía de Los Ángeles, en la serie Aquarius.

David Duchovny es el sargento Sam Hodiak en la nueva serie de la cadena NBC

David Duchovny es el sargento Sam Hodiak, en la nueva serie de la cadena NBC

El próximo 9 de agosto se habrán cumplido cuarenta y cinco años del macabro asesinato de la actriz y modelo Sharon Tate, el peluquero Jay Sebring, Abigail Folger, Voytek Frykovski y Steve Parent.

Todos ellos fueron víctimas del sadismo de The Family, el grupo presidido por el manipulador Charles Manson; el cual, veinticuatro horas antes del homicidio de la entonces pareja del director Roman Polanski, había participado en la salvaje muerte empresario Leno LaBianca y de la esposa de éste, Rosemary.

Desde ese fatídico 9 de agosto de 1969, la residencia del número 10050 de Cielo Drive (el lugar donde ocurrieron los trágicos hechos) airea crespones negros, colgados figuradamente de su atmósfera angelina.

David Duchovny alcanzó la fama mundial con el detective del FBI Fox Mulder

David Duchovny alcanzó la fama mundial con el detective del FBI Fox Mulder

Pese al transcurso del tiempo, y a la encarcelación de por vida de Manson y de sus secuaces (Patricia Krenwinkel, Susan Atkins, Tex y Leslie van Houten, ya que Linda Kasabian se libró de la pena por colaborar con las autoridades), el verdadero motivo por el que los miembros The Family perpetraron tan sanguinarias cacerías humanas no está aún totalmente aclarado.

Una circunstancia que tal vez quede algo más desvelada, tras imaginar los pasos previos a la masacre del líder de la secta nacida en San Francisco.

Perspectiva que da alas a los trece capítulos que componen la trama de Aquarius (trece horas pendientes de estreno en la cadena estadounidense NBC).

"Aquarius" sigue los pasos de la secta The Family, antes de que estos mataran a la actriz y modelo Sharon Tate

“Aquarius” sigue los pasos de la secta The Family, antes de que estos mataran a la actriz y modelo Sharon Tate

DAVID DUCHOVNY, AL FRENTE DE LA INVESTIGACIÓN

Ideada por John McNamara, el autor de Profit; esta producción de ITV Studios America y Marty Adelstein Prods. comienza su curso argumental en el lejano 1967: fecha en la que un antiguo delincuente sexual conocido como Charles Manson alumbró una comuna con fines criminales, en las proximidades de la urbe del Golden Gate.

Justo en ese escenario y en la ciudad vecina, el sargento de la policía de Los Ángeles Sam Hodiak (David Duchovny) se hace cargo de la desaparición de la hija adolescente de un importante abogado de la zona.

David Duchovny trabaja de nuevo con Melanie Green, la productora de "Californication"

David Duchovny trabaja de nuevo con Melanie Green, la productora de “Californication”

Aquejado de una vida familiar un tanto complicada y con un carácter bastante peculiar, el agente de la ley observa que -debido a su indumentaria y a la poca conexión con los jóvenes hippies- las pesquisas de su búsqueda no avanzan a ningún sitio.

Motivo por el que pide ayuda a un colega mucho más implicado con la filosofía antisistema de los veinteañeros de esa época sesentera, un hombre llamado Brian Shafe.

Codo con codo, la pareja averigua que la escurridiza teenager ha sido captada por una misteriosa comunidad de propaganda espiritual, bautizada The Family.

Una formación de oscuros antecedentes aficionada al tráfico de drogas y a diversos delitos por la geografía de USA, la cual está comandada por un extraño tipo identificado como Charles Manson.

El creador de "Aquarius" es John McNamara, autor de "Profit"

El creador de “Aquarius” es John McNamara, autor de “Profit”

Marty Adelstein (Prison Break) y Melanie Green (Californication) son los garantes financieros de este atractivo proyecto para la pequeña pantalla en el que, aparte de refrescar la memoria de los espectadores sobre las siniestras acciones de The Family, McNamara reflexiona sobre la sociedad de las protestas destinadas a finiquitar la segregación racial; el consumo de nuevas sustancias dopantes como el LSD; la contracultura; y el antimilitarismo que alimentó sonadas campañas colectivas, como las manifestaciones universitarias para acabar con la Guerra de Vietnam.

En definitiva, una década de cambios significativos en el American way of life, que esculpió a marchas forzadas las arrugas anímicas de un país con sueños destrozados por el creciente individualismo, y desilusiones de promesas rotas. Caldero de ácido en punto de ebullición, que fue el hábitat ideal para la aparición de monstruos como Charles Manson y sus alienados seguidores.

El título de esta producción encabezada por David Duchovny remite a un tema del musical hippy "Hair"

El título de esta producción encabezada por David Duchovny remite a un tema del musical hippy “Hair”

Más información en http://www.nbc.com/aquarius

Allen Ginsberg asalta las librerías españolas con la edición de “Kaddish” (Anagrama, Panorama de narrativas): un extenso poema dedicado a su madre.

Allen Ginsberg publicó el volumen en 1961

Allen Ginsberg publicó el volumen en 1961

Las lamentaciones escritas suelen estar humedecidas en el tintero de los recuerdos.

No es que las palabras sean las mejores aliadas para enjugar las lágrimas, pero sí confeccionan bálsamos capaces de aplacar el dolor que agrieta los huesos del esqueleto; aparte de sofocar el virus que astilla el calcio de la sensibilidad irritada.

Precisamente, de rabia desbordante y plumas suicidas, Allen Ginsberg (Newart, Nueva Jersey, 1926- Nueva York, 1997) bien podría considerarse un experto.

El poeta estadounidense, adalid de un grupo generacional curtido en las derrotas sociales y las batallas literarias, siempre anduvo a tientas por los dogmas de la religión de su niñez: el Judaísmo.

Una espiritualidad heredada que sirvió al autor para construir su propio kaddish (plegaria tradicional hebrea, que normalmente se utiliza para ensalzar el nombre de Dios), aunque alimentado con las experiencias magulladas que vivió al lado de su madre, Naomi Livergant Ginsberg (aquejada de una enfermedad mental, y muerta el 9 de junio de 1956).

Allen Ginsberg tomó el título de "Kaddish" de una célebre plegaria de la religión judía

Allen Ginsberg tomó el título de “Kaddish” de una célebre plegaria de la religión judía

El fantasma de su progenitora y las imágenes traslúcidas de esta mujer, quien le influyó más si cabe que su padre (el también poeta Louis Ginsberg), fueron los motores que iluminaron al entonces joven Allen en la elaboración de Kaddish.

Una obra de curso nostálgico y reflexivo en la que el responsable de Aullido deshace los nudos de su alma, los eslabones ocultos de su poliédrica personalidad.

ALLEN GINSBERG Y SU ORACIÓN

Urbano y polisémico, este libro del natural de Nueva Jersey tiene la forma simbólica de un amplio río existencial, jalonado por múltiples afluentes; en los que AG licua su problemática filosofía activa, ubicada sobre los pilares sobrios y meridianos de maestros imaginarios como Walt Whitman.

Encerrado voluntariamente en el Beat Hotel de París, el norteamericano inició su discurso fúnebre en diciembre de 1957, y lo concluyó en la urbe del Empire State, en 1959.

Una singladura de anfetaminas como principal savia rectora que dio como resultado un volumen imprescindible, cadencioso en su evolución; además de arañado por rimas arrancadas a los abismos infernales, nostálgicos paraísos de esencias consanguíneas.

Pese a estar inspirado en el recuerdo de su progenitora, Allen Ginsberg evitó las referencias directas a la muerte

Pese a estar inspirado en el recuerdo de su progenitora, Allen Ginsberg evitó las referencias directas a la muerte

Cada verso de Kaddish es un desgarrón en el pulso de Ginsberg, como si las frases contribuyeran a evitar la desintegración del escritor; y modelaran la figura de un rapsoda sin intelectualidades caducas, eternamente comprometido con la fuente de las desilusiones esperanzadoras.

Narrativo en su desarrollo, el trabajo del amigo de Bukowski y Kerouac alcanza la plenitud creativa con un lenguaje directo y espinoso, sin elementos ajenos al mensaje que procura transmitir.

Oratoria tan acerada que produce heridas profundas en la retina, tan valiente como el kamikaze que estrella su avión contra la superficie rocosa de una montaña.

"Kaddish" se convirtió en obra de teatro a principios de los años setenta

“Kaddish” se convirtió en obra de teatro a principios de los años setenta

No hay nada más que decir y nada por lo que llorar”, sentencia Irwin Allen Ginsberg en Kaddish; y, con la razón de los cerebros en continuo estado de brillantez, el público asiente cual convidado de piedra.

No en vano “probablemente, se trate de la voz poética más extraordinariamente influyente en Estados Unidos desde Walt Whitman”, como dijo en una ocasión Bob Dylan.

Palabras de reconocimiento sincero a un rapsoda en busca de respuestas, elevado a las alturas del universo con los acordes sinuosos de una plegaria maternal.

Allen Ginsberg no oculta su admiración en "Kaddish" por el poeta Walt Whitman

Allen Ginsberg no oculta su admiración en “Kaddish” por el poeta Walt Whitman

Más información en http://www.anagrama-ed.es

Kasabian triunfan en las listas británicas con el quinto disco de su carrera, “48:13” (Sony Music, Columbia).

Kasabian desnudan de artificios su última obra

Kasabian desnudan de artificios su última obra

El hedonismo se ha convertido, en el tercer milenio, en una especie de escudo contra la masificación.

Así como la rebeldía generacional definió a no pocos jóvenes en la década de la posguerra (ese enriquecedor y antropófago período caracterizado por los equinos de metal domesticados por Marlon Brando, la visceralidad contestataria de los Jóvenes Airados Británicos, o las posturas antisistema de los Beat); el siglo XXI invita a activar las neuronas a través del juego, sin tomarse en serio gran parte de las incongruencias de la sociedad contemporánea.

Mucho de ese poso reactivo, aderezado con pátinas de desconexión aparente, hornea cada disco de Kasabian, como si se tratara de una levadura especial y enérgica.

Esta banda, nacida al escalofrío de Leicester (según las crónicas oficiales, en 1997), es de las de pegada rockera al más puro palo del urban strike: pliego de instrucciones no escritas, que no permite escapadas auditivas a paraísos reflexivos. Lo único que acepta como moneda de cambio son los sonidos envolventes y contagiosos, cual argamasa endurecida en la city life.

Kasabian convocaron a sus seguidores con una campaña publicitaria de carácter urbano y callejero

Kasabian convocaron a sus seguidores con una campaña publicitaria de carácter urbano y callejero

Un savoir faire que en el último disco del cuarteto inglés, bautizado 48:13 (Sony Music, Columbia), se torna en un paisaje sin espesuras, carente de profundidades deformantes, claro y directo: justo como ellos han querido que sea.

KASABIAN PRACTICAN EL NUDISMO ARTÍSTICO

Después de vender todo lo vendible con su anterior trabajo, el sorprendente y rompedor Velociraptor! (2011), Tom Meighan (Vocalista principal); Sergio Pizzorno (Guitarrista, voz, programador y teclados); Chris Edwards (Bajo); e Ian Matthews (Batería) necesitaban reencontrar su esencia, perdida entre tanta admiración mediática y comentarios de tipos que incidían en la catalogación primaria del grupo (cuando, a raíz de su ópera prima, les colgaron el cartel de ser una mezcla extraña entre The Stone Roses, Primal Scream y Oasis).

LA BÚSQUEDA

Para librarse del fantasma de lo previsible en sus composiciones, Kasabian han procurado desarrollar, a lo largo de la década que va de 2004 a 2014, su propio diario de ruta creativa.

Senda en la que 48:13 cumple la misión de incentivar la teoría de que los de chicos de Empire poseen una personalidad sinfónica inconfundible.

Kasabian nunca han renunciado al elemento lúdico en sus letras

Kasabian nunca han renunciado al elemento lúdico en sus letras

En este sentido, la actuación de Sergio Pizzorno como productor absoluto del álbum (labor que comenzó a ejercer de refilón en Velociraptor!) ya exhibe la decisión de los muchachos de Green Fairy y Processed Beats de apostar por las pinceladas distinguibles, sin por ello renunciar a la carga comercial de sus compactos.

Y el cuadro que ha surgido, después de intensas sesiones de laboratorio y estudio de grabación, muestra la versatilidad de unos músicos con accesos de genialidad, casi siempre capaces de elaborar entramados instrumentales realmente brillantes.

Un signo de autoría más que notable que queda algo distorsionado por los ripios de sus líricas. Versos que construyen letras un tanto desequilibradas con respecto a las punciones sangrantes de las guitarras, las orgiásticas declamaciones de los sintetizadores y los golpeteos sudorosos de la batería.

La banda se formó en 1997, aunque tuvo que esperar hasta 2004 para completar su primer disco

La banda se formó en 1997, aunque tuvo que esperar hasta 2004 para completar su primer disco

Titulado como la duración de los trece cortes del compacto, 48:13 no es voluntariamente –como cabría puntualizar en otras formaciones- un CD de madurez, ya que la alegría y la lúdica contemplación de la realidad siguen siendo denominadores comunes en los temas del álbum, como en anteriores trabajos.

Cuestión que, en cierta forma, viene a fotografiar una huella de irrenunciable identidad para el grupo que tomó su nombre de Linda Kasabian (la testigo que ayudó a meter entre rejas al sádico Charles Manson); y que se deja notar ampliamente en tracks de ironía sin dobleces como Eez-eh (primer single del disco), Bumblebeee, Stevie o Bow.

Itinerario en el que Meighan, Pizzorno, Edwards y Matthews no renuncian ni a las trovas en latín, como es el caso de Mortis, con una lectura en la lengua de Julio Cesar efectuada por Wif Dilon.

Kasabian actuarán en Benicàssim el próximo 18 de julio

Kasabian actuarán en Benicàssim el próximo 18 de julio

En definitiva, un viaje por la diversión made in Kasabian, que los fans podrán contemplar en España el próximo 18 de julio, dentro del marco del FIB (el Festival de Benicàssim).

Vídeo oficial de “Eez-eh”, canal Vevo en youtube

Más información en http://www.kasabian.co.uk