El intérprete estrena hoy la obra "Montenegro", en el Teatro Valle-Inclán

El intérprete estrena hoy la obra “Montenegro”, en el Teatro Valle-Inclán

Un “romance de lobos” debió entonar su canto fúnebre a través de las venas del actor bilbaíno, cuando éste escuchó la llamada que le vestía con los honores del Nacional de Teatro (concedido por el Ministerio de Cultura y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música). Al tiempo que la “cara de plata” probablemente se arrastró hasta su faz, para amortiguar la presencia bestial del “Juan Manuel Montenegro” de las pellizas y los tatuajes pectorales. Ramón Barea ha tomado el testigo de su compañera Blanca Portillo (galardonada en 2012) subido a las tablas del madrileño Teatro Valle-Inclán (Calle de Valencia, 1.- Plaza de Lavapiés); arropado con los apliques ojerosos de los trabajadores incansables, y la resaca de los ensayos pasionales.

La obra es un montaje de Las comedias bárbaras, de Ramón María del Valle-Incán

La obra es un montaje de Las comedias bárbaras, de Ramón María del Valle-Incán/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

En el universo de este intérprete sin censuras expresivas (ha hecho tanto cine, como televisión y dramaturgia), la casualidad de que la concesión del premio le coincidiera con los preliminares de un estreno no es más que simple coherencia profesional. A la vez de suponer para los espectadores una oportunidad de observar las intensas hebras con las que el vasco hila cada una de sus caracterizaciones. Un tapiz que en la actualidad toma cuerpo bajo el título de Montenegro, pieza de asfixia coreográfica con la que el amigo de Imanol Uribe y Pablo Berger estará presente -en el mencionado coliseo capitalino- del 29 de noviembre al 19 de enero de 2014.

Barea da vida al protagonista, un señor feudal en franca decadencia/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Barea da vida al protagonista, un señor feudal en franca decadencia/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

La pesadilla como motor audiovisual

Don Ramón María del Valle-Inclán (Villanueva de Arosa, 1866- Santiago de Compostela, 1935) vertió ácido sulfúrico en las páginas de Las comedias bárbaras (Águila de blasón, Romance de lobos y Cara de plata); y con este extenso mural compuso uno de los baluartes de la literatura simbólica, un ejemplo casi sobrehumano diseñado por diálogos de ultratumba y maldiciones espectrales.

El director hace un singular repaso de "Águila de blasón", "Romance de lobos" y "Cara de plata"/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

El director hace un singular repaso de “Águila de blasón”, “Romance de lobos” y “Cara de plata”/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Es difícil, por no decir bastante complicado, llevar a la escena la completitud de tal trilogía telúrica (sobrecogedora como una sesión alargada de los aquelarres de las brujas de Macbeth); motivo por el que el veterano director Ernesto Caballero ha optado por el recurso de las narraciones evocadoras, viñetas ateridas con espeluznantes flashbacks hacia pretéritos de fuegos infernales. “Nuestra visión arranca con las primeras escenas de Romance de lobos; cuando El Caballero, atormentado por la culpa y los funestos presagios de muerte, decide embarcar con destino a Flavia Langa, donde acaba de fallecer su esposa, Doña María”, explica el responsable del montaje, en la página web del Centro Dramático Nacional.

El texto tiene inspiraciones de las obras de Shakespeare y los óperas de Wagner/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

El texto tiene inspiraciones de las obras de Shakespeare y las óperas de Wagner/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

La sucesión de horrores marca el argumento de Montenegro; líneas de oralidad dolorosa, desde cuyos surcos de tinta se excarcelan los demonios interiores de una familia feudal procedente de la antigua Galicia. Un grupo de marionetas abocadas a la autodestrucción, entre las que sobresale la presencia sombreada del primigenio y visceral Caballero: personaje que cae en las manos del distinguido Barea.

Ramón Barea luce en las representaciones un aspecto semejante al mago Próspero de "La tempestad"/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Ramón Barea luce en las representaciones un aspecto semejante al mago Próspero de “La tempestad”/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

El protagonista norteño se mete de lleno en el esqueleto de su papel; un señor con barba de nómada desmadejado, capaz de las acciones más depravadas y delirantes. Todo con el objetivo de materializar un delirante cosmos esperpéntico, del que Valle-Inclán sustrajo la savia de una jungla de corazones partidos por la desidia, diálogos con silencios atronadores, gritos de cólera contra la incomprensión de la naturaleza, y violencia con sangre de ansias vitales al filo de los abismos.

"Montenegro" coincide en la cartelera con "Tirano Banderas", también de Valle-Inclán/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

“Montenegro” coincide en la cartelera con “Tirano Banderas”, también de Valle-Inclán/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

La esperanza en la redención, ese sentimiento tan necesario para el intelecto activo, está ausente a lo largo de las cerca de tres horas que dura la agonía de estos individuos marcados por la condenación eterna. En su puesto, la ansiedad por librarse del malditismo une a la galería del conjunto de mendigos y nobles (ambivalencia constante y voluntaria) que pueblan el decorado: mapa físico que conforma la fauna de oscuridades efectivas omnipresentes en Montenegro.

Entre los méritos destacados del actor bilbaíno está el de la intensidad con que afronta cada uno de sus trabajos/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Entre los méritos destacados del actor bilbaíno está el de la intensidad con que afronta cada uno de sus trabajos/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Yo lo veo como un colosal monumento dramático que parte de las sagas heroicas de la tragedia griega, se detiene a beber en fuentes lopescas y shakespereanas; y al final, tras recoger algunos postulados de la ópera wagneriana, termina prefigurando ese género creado por el propio don Ramón que conocemos como Esperpento”, aclara Caballero.

Pese a su reconocimiento en artes escénicas, Barea igualmente ha dejado su impronta en el cine y la televisión

Pese a su reconocimiento en artes escénicas, Barea igualmente ha dejado su impronta en el cine y la televisión

Más información, entradas y horarios en http://www.cdn.mcu.es

Possibly Emperor Huizong, Auspicious Cranes, about 112/ Photo Credits: The Liaoning Provincial Museum Collection

Possibly Emperor Huizong, Auspicious Cranes, about 112/ Photo Credits: The Liaoning Provincial Museum Collection

Caligrafías sobre seda, tinturas sobre porcelana, símbolos aguerridos sobre tersas láminas de eternas nieblas ancestrales… Más allá de los paraísos escénicos que deslumbraron a Marco Polo -y más adentro de las entrañas del imperio de los poemas aéreos-; la plástica del imperio milenario asentado en Asia nunca gozó de pretéritos vanguardistas, ni siquiera bebió con soltura de los torbellinos creativos triunfantes en Occidente. La pintura y la escultura de la tierra de Gao Xingjian tomaron sus atmósferas y formas de los surcos a cámara lenta, siempre en continua conexión con una sociedad apegada a las tradiciones, movida por emulsiones programáticas de dinastías ajenas a los puntos y aparte.

Unidentified Artist, "Bodhisattva Wearing Monastic Robes", 9th century/ Photo Credits: Musée Guimet, France

Unidentified Artist, “Bodhisattva Wearing Monastic Robes”, 9th century/ Photo Credits: Musée Guimet, France

Del año 700 al 1900, los maestros de la imaginería china aplicaron sus técnicas según los vaivenes caprichosos de unos tiempos marcados por los palaciegos gobernantes. A través de sus contornos, las revoluciones no tenían la violencia pigmentada y rompedora de la Europa de las barricadas, las guerras de religión y los tenebrismos asfixiantes; aunque en sus líneas de colores vistosos se podía visualizar un deseo inherente por evolucionar: signo apostado para convertirse en ecos visuales del sentir del pueblo, de los sufrimientos de sus compatriotas.

"Five Planets and Twenty-eight Constellations", attributed to Zhang Sengyou/ Photo Credits: Osaka City Museum of Fine Arts

“Five Planets and Twenty-eight Constellations”, attributed to Zhang Sengyou/ Photo Credits: Osaka City Museum of Fine Arts

"Saying Farewell at Xunyang", Qiu Ying, 1494-1552/ Photo Credits:The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City

“Saying Farewell at Xunyang”, Qiu Ying, 1494-1552/ Photo Credits:The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City

Subidas a esas latitudes de anhelos, las obras de los genios con ojos rasgados más destacados en el mencionado periodo desembarcan -hasta el próximo 19 de enero– en el Space Two del Victoria & Albert Museum de Londres; dentro del marco de la exposición titulada Masterpieces Of Chinese Painting 700- 1900.

Chen Rong, "Nine Dragons" (detalle), 1244/ Photo Credits: Museum of Fine Arts, Boston

Chen Rong, “Nine Dragons” (detalle), 1244/ Photo Credits: Museum of Fine Arts, Boston

Las facciones de una cultura llena de vida

Las más de setenta piezas que completan el laberinto artístico montado en la institución capitalina (muchas de ellas exhibidas por primera vez en Gran Bretaña) dialogan con dramaturgia espiritual en torno a cuestiones mundanas, intelectuales, filosóficas o meramente pictóricas. Y sus frases envolventes lucen la potente armadura de los estilos más diferentes, como si las pasiones enclaustradas de los maestros ilustradores se deslizaran con la delicadeza de los ríos domesticados, eternos en sus ondas expresivas y somnolientas.

Yan Wengui, "Landscape with Pavilions" , 10th century/ Photo Credits: Osaka City Museum of Fine Arts

Yan Wengui, “Landscape with Pavilions” , 10th century/ Photo Credits: Osaka City Museum of Fine Arts

"Saying Farewell at Xunyang", Qiu Ying, 1494-1552/ Photo Credits: The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City

“Saying Farewell at Xunyang”, Qiu Ying, 1494-1552/ Photo Credits: The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City

Una senda que los comisarios de la exhibición reparten en varias etapas superpuestas; habitaciones de exóticas fabulaciones que repasan cronológicamente los objetos de devoción (comprendidos entre el 700 y el 950), el reto de la realidad (950- 1250), el compromiso existencial (1250- 1400), la persecución de la felicidad (1400- 1600), el duelo con el pasado y la mirada a los vecinos del Oeste (1600- 1900). Itinerario de pompas inspiradoras, donde tienen cabida las más sugerentes consignas: de los mensajes budistas propios de la etapa Tang (Bodhisattva in Monastic Dress Standing at Player) a los sortilegios astrales (The Five Planets and Twenty-Eight Constellations, de Zhang Sengyou), de los paisajes de postales silenciosas (Landscape With Pavilions, de Yan Wengui) a la magia mitológica de cuentos fantasmales (apartado que protagoniza el famoso Nine Dragons, de Chen Rong).

Attributed to Shi Ke, "Two Chan Patriarchs Harmonising Their Minds", 13th century, Tokyo National Museum, Japan/ Photo Credits: TNM Image Archives

Attributed to Shi Ke, “Two Chan Patriarchs Harmonising Their Minds”, 13th century, Tokyo National Museum, Japan/ Photo Credits: TNM Image Archives

En definitiva, un proceloso camino de apeaderos enriquecedores que pasa revista, con zancada de tacón alto, a la privacidad del sometimiento mongol, el culto a la naturaleza, el hedonismo placentero y los retornos nostálgicos hacia el polvo de las centurias transcurridas.

Attributed to Shi Ke, "Two Chan Patriarchs Harmonising Their Minds", 13th century, Tokyo National Museum, Japan/ Photo Credits: TMN Image Archives

Attributed to Shi Ke, “Two Chan Patriarchs Harmonising Their Minds”, 13th century, Tokyo National Museum, Japan/ Photo Credits: TMN Image Archives

Al final, cuando los espectadores acceden a la última arcada de la exposición, las retinas de los visitantes contemplan los vasos comunicantes entre los artistas del país de La Gran Muralla y los del Viejo Continente: una tropa de alumnos aventajados del Renacimiento y el Barroco, que alumbró a los pintores chinos de los siglos XVIII y XIX. Sin este medido e inevitable contagio, que promovieron talentos de la hondura creativa de Ren Yi (Portrait Of Gao Yongzhi As A Calligraphy Beggar) y Xu Yang (Prosperous Suzhou), quizás hoy en día sería difícil concebir el trabajo de escrutadores de la innovación como Ai Weiwei. Una cuestión que hace reflexionar sobre la esencia repetitiva del tiempo, cual pañuelo arrugado con aristas coincidentes…

Attributed to Ren Renfa, "Four Pleasures Music Chess Calligraphy and Painting", 1500, Tokyo National Museum, Japan/ Photo Credits: TMN Image Archives

Attributed to Ren Renfa, “Four Pleasures Music Chess Calligraphy and Painting”, 1500, Tokyo National Museum, Japan/ Photo Credits: TMN Image Archives

Más información, horarios y entradas en

http://www.vam.ac.uk/whatson/event/2516/masterpieces-of-chinese-painting-700-1900-3822/

 

El protagonista de "Gravity" dirige e interpreta una película en la que recuerda la labor de la MFAA

El protagonista de “Gravity” dirige e interpreta una película en la que recuerda la labor de la MFAA

Entre 1939 y 1945, los cuentos de terror saltaron de las páginas de los libros a la realidad más cercana. La guerra mundial, con la que las hordas hitlerianas procuraron dominar el mundo al son del paso de la oca, dejó millones de muertos en las cunetas de los campos y las ciudades; a la vez que resquebrajó los cimientos de una Europa pintada con cenizas y escombros. Y en medio de ese Infierno de diablos uniformados, las obras de arte asistieron calladas y lacrimosas al galope de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis, escondidas tras sus tinturas y su supuesta inmortalidad. Cuentan las hemerotecas que, una vez consciente de su derrota, el proclamado Führer ordenó borrar del mapa El Louvre, los Campos Eliseos, El Arco del Triunfo y la Torre Eiffel de París. Sin embargo, la cordura de última hora de unos pocos de sus secuaces impidieron tal despropósito, totalmente relacionado con la actuación de un gobernante sociópata.

El personaje principal es el del teniente comandante de la Marina George Stout

El personaje principal es el del teniente comandante de la Marina George Stout

No obstante, muchos de los oficiales del ejército del Tercer Reich no eran ajenos a la valía de los objetos ubicados en los regios salones de las pinacotecas y palacios que conquistaron. Motivo por el cual, como dictadores de rodillo, robaron a manos llenas las imágenes de los maestros renacentistas, de los visionarios barrocos y los espiritualistas góticos. Aunque el plan no les salió como preveían, ya que los aliados pusieron el antídoto a sus acciones con la construcción de la MFAA (Monuments, Fine Arts and Archives): un cuerpo castrense compuesto por profesores, historiadores, artistas, restauradores y comisarios, que consiguió salvar del expolio un total de cinco millones de cuadros, dibujos, documentos, incunables y esculturas. Selecta división de héroes a la que George Clooney dedica The Monuments Men: su última aventura cinematográfica en calidad de director y protagonista, que llegará a las salas el próximo 7 de febrero de 2014.

Stout estaba ayudado por seis hombres más, entre los que destacó el oficial James J. Rorimer

Stout estaba ayudado por seis hombres más, entre los que destacó el oficial James J. Rorimer

Caza y captura de los ladrones con medallas

El homónimo libro escrito por Robert M. Edsel y Bret Witter sirve de base argumental a esta intensa película, que cuenta con una más que esforzada adaptación de los hechos acaecidos, a cargo de la estrella de la serie Urgencias y de su colega Grant Heslov (quien fue el autor de los libretos de Los idus de marzo y Buenas noches, y buena suerte). Ambos realizan un ejercicio de arqueología contemporánea, para acercarse a la existencia del citado y nutrido grupo de hombres y mujeres (según los anales, fueron en torno a 345, pertenecientes a 13 países distintos) que consiguieron dejar más o menos intactos los museos y archivos más importantes de las zonas ocupadas por los nacionalsocialistas.

"Monuments Men" se basa en el homónimo libro escrito por Robert M. Edsel y Bret Witter

“The Monuments Men” se basa en el homónimo libro escrito por Robert M. Edsel y Bret Witter

No obstante, y para acotar el campo, Clooney ha seleccionado un conjunto de siete personajes, con el fin de hacer extensible su tributo a todos los miembros de la mítica MFAA. Una formación con estudios universitarios y basta cultura visual que lideraba el laureado teniente coronel -de la reserva de la armada de USA- llamado Geroge Stout (papel que encarna GC).

En el reparto, además de Clooney, están John Goodman, Matt Damon y Bill Murray

En el reparto, además de Clooney, están John Goodman, Matt Damon y Bill Murray

Este hombre, graduado con honores por la universidad de Harvard, fue un verdadero acicate para impedir el enriquecimiento fraudulento de los seguidores de Herr Adolph H. Suya fue la idea de montar un particular equipo de ayudantes efectivos, quienes -sin mucha práctica en la lucha cuerpo a cuerpo- se pusieron en marcha para descubrir el rastro de las imágenes y volúmenes perdidos durante el conflicto bélico.

La trama gira en torno al cuerpo creado por los aliados para impedir el expolio nazi de obras de arte

La trama gira en torno al cuerpo creado por los aliados para impedir el expolio nazi de obras de arte

De Normandía a Caen, de Maastricht a Aachen, de Siegen a Heilbornn, de Colonia a la Alta Alsacia… Conforme las tropas aliadas ganaban terreno a las de la cruz gamada, estos amantes de la belleza producida por pinceles y plintos capturaban a los infractores, y restauraban los fondos sustraídos a las instituciones saqueadas.

Entre el elenco femenino destaca la presencia de Cate Blanchett

Entre el elenco femenino destaca la presencia de Cate Blanchett

Junto a Stout, el teniente comandante James J. Rorimer (el cual posee en la movie el físico de Matt Damon) puso su grano de arena para que la labor de los siete defensores de la legalidad saliera más que airosa, en su breve curso de existencia (mucho más agravada su situación con la destrucción de los combates y la bestialidad del genocidio perpetrado en los campos de exterminio).

Clooney regresa a los escenarios de la Segunda Guerra Mundial después de "El buen alemán"

Clooney regresa a los escenarios de la Segunda Guerra Mundial después de “El buen alemán”

No obstante, pese a lo novedoso del tema, el cine ya se había acercado a una trama similar en 1970, con el largometraje en clave de comedia titulado Los violentos de Kelly, de Brian G. Hutton. Aunque, en ese caso, los integrantes del elenco mostraban una picardía que no presentan los concienciados universitarios de The Monuments Men.

El filme tiene prevista su fecha de estreno para el 7 de febrero de 2014

El filme tiene prevista su fecha de estreno para el 7 de febrero de 2014

Más información en http://www.monumentsmenmovie.com

 

 

 

La cantante de "Come Away With Me" y el líder de  Green Day graban "Foreverly" (Reprise Records)

La cantante de “Come Away With Me” y el líder de Green Day graban “Foreverly” (Reprise Records)

Ambos no estaban en el mundo cuando unos chavales llamados Don y Phil lanzaron al mercado Songs Our Daddy Taught Us. El hecho, empanado con vinilios de hamaca y plásticos de algodón de embarcadero, ocurrió en 1958; y sirvió para apuntalar una carrera que reservaría a los dos hermanos un buen puñado de hits (todos ellos diseñados por líricas juguetonas entre el country y el rockabilly). Sin embargo, los cincuenta y cuatro años transcurridos entre ese momento y el presente no han restado ni un ápice de brillantez a las notas tradicionales de esta obra rítmica; la cual ha resurgido en las voces de la profunda Norah Jones y del travieso Billie Joe Armstrong.

Armstrong y Jones actualizan "Songs Our Daddy Taught Us"/ Photo Credits: norah.jones.com

Armstrong y Jones actualizan “Songs Our Daddy Taught Us”/ Photo Credits: norah.jones.com

Foreverly, rompecabezas de palabras como ha sido bautizado este tributo dedicado a los Everly, es el título buscado por la solista de Come Away With Me y el líder de la banda Green Day para el particular compacto; producto bicéfalo que fusiona a uno de los pares más mediáticos de estrellas de las ondas, las cuales grabaron los doces temas en únicamente cinco sesiones. Una esfera con surcos de metal que adquiere los ribetes digitales con la ayuda del bajista Tim Luntzel y el batería Dan Rieser.

El disco original data de 1958

El disco original data de 1958

Recuerdos paternales

Songs Our Daddy Taught Us fue cocinado por los EB como una especie de carta de agradecimiento a su progenitor: señor de amplia cultura musical, que quiso legar a sus herederos la curiosidad por las trovas compartidas entre generaciones distintas. El dueto, pese a sus tupés a la moda y su aspecto atlético, nunca se rindió a los efectos rebeldes de muchos de sus colegas (como Elvis Presley y Johnny Cash); sino que sumió su trabajo en un camino de tiernos acordes sonoros, adecuadamente amoldado a los márgenes envolventes de cancioneros melódicos hasta en sus acordes iniciales.

Don y Phil editaron el vinilo en honor a su padre Ike

Don y Phil editaron el vinilo en honor a su padre Ike

Un posicionamiento que no quedó exento de calidad, aunque el riesgo de otras empresas más experimentales se tornara como una opción bastante relegada en sus aspiraciones. Con estas consignas de profesionalidad candorosa, los vástagos de Ike Everly reinaron en los cincuenta con songs tan románticas y contagiosas como Bye Bye Love y All I Have To Do Is Dream. Himnos de una época en la que el rock exponía sus tripas, con los ojos puestos en evolucionar hacia el paraíso de los pentagramas.

Norah Jones ya tenía experiencia en versionar canciones del acerbo popular

Norah Jones ya tenía experiencia en versionar canciones del acerbo popular

A pesar de que el álbum que ha provocado Foreverly no sea precisamente el más exitoso de los hermanos, sí se puede afirmar que es uno de los más íntimos y personales; cualidades antipolillas que Jones y Armstrong han hecho suyas, a base de estribillos nostálgicos y tarareos a timbre cambiado. Cuando se escucha Long Time Gone y That Silver Haired Daddy Of Mine (los singles adelantados) parece como si las personalidades arrolladoras de los dos intérpretes quedaran sumidas por una producción de salón del Far West, en la que las guitarras marcan el compás y las letras acuden con soltura de nomadismo a lo Kerouac.

Armstrong está desconocido en "Foreverly"

Armstrong está desconocido en “Foreverly”

Tales sensaciones son más que explicables frente a una caja de partituras en las que se circuncidan las sensualidades de lo añejo (Rovin Gambler, Down In The Willow Garden); se apostillan apóstrofes a autores tan enraizados como Bradley Kincaid (Lightning Express) y Frankie Bailes (Oh So Many Years); o se aplacan las emociones amorosas ante tracks confesionales del tipo de Barbara Allen (canción escrita por Susan Urban). Dentro de esa escalera de usos y costumbres, incluso hay surcos de madera noble para mover el esqueleto con Rockin’ Alone (In An Old Rockin’ Chair, de Bob Miller).

El álbum de homenaje a los Everly Brothers se grabó en cinco días/ Photo Credits: norah.jones.com

El álbum de homenaje a los Everly Brothers se grabó en cinco días/ Photo Credits: norah.jones.com

Don y Phil Everly aún siguen en el circuito; exhibiendo sus más de siete décadas de existencia, y equipados con el frío del recuerdo y las imágenes en tecnicolor. Un dato que puede hacer efectiva la unión en vivo y en directo con sus admiradores del siglo XXI. Ansiado concierto en el que hay sitio suficiente para convertir el dúo en cuarteto, sobre todo si es con miembros de excepción de la categoría de Norah Jones y Billie Joe Armstrong.

Los más animosos ya piensan en una actuación en directo a ocho manos/ Photo Credits: norah.jones.com

Los más animosos ya piensan en una actuación en directo a ocho manos/ Photo Credits: norah.jones.com

Más información en

http://www2.norah.jones.com/news/billie-joe-armstrong-and-norah-jones

 

El famoso serial de la BBC celebró el pasado 23 de noviembre su medio siglo de existencia

El famoso serial de la BBC celebró el pasado 23 de noviembre su medio siglo de existencia

Hasta el desembarco catódico del dueño del destornillador sónico, nunca una cabina de teléfonos había llenado tantas horas de televisión. La TARDIS (siglas náutico-estelares que responden al nombre de Time And Relative Dimension In Space) ha surcado desde el lejano 23 de noviembre de 1963 cientos de universos paralelos (tanto pasados, como presentes y futuros); siempre al mando de un alocado científico reencarnado a su antojo, y de aguerrida ferocidad contra los malvados daleks. Un señor de eternidades aseguradas que estrenó su imperio en la BBC del blanco y negro, y que ha pasado sin despeinarse de los fondos de cartón piedra a la era tecnológica, de los efectos especiales de platós descarriados a la deslumbrante tridimensionalidad.

La producción comenzó en 1963

La producción comenzó en 1963

Continuamente apañada en esas coordenadas argumentales, Doctor Who (o, lo que es lo mismo, la serie de la pequeña pantalla más longeva en los senderos de la ciencia ficción) cumplió el medio siglo de vida durante el fin de semana. Todo un acontecimiento que el canal público británico celebró con loores de gesta aventurera. Fiesta planetaria a la que acudieron los seguidores terráqueos de las latitudes y países más diversos, a través del estreno mundial de un episodio de 75 minutos, proyectado para la ocasión en las salas cinematográficas de 94 naciones (España incluida): 1.500 centros ubicados en el globo achatado por los polos.

El homenaje consistió en la proyección simultánea en 1.500 salas del episodio "El día del Doctor"

El homenaje consistió en la proyección simultánea en 1.500 salas del episodio “El día del Doctor”

El día del Doctor (en referencia a la producción que se realizó en 1996, titulada La noche del Doctor) concitó a algunos de los protagonistas más recordados (Matt Smith, Tom Baker, David Tennant, Colin Baker…); a los que se sumaron la comparecencia de un nutrido grupo de invitados, de la talla de Billie Piper y John Hurt (quienes participaron en el programa a lo largo de los miles de episodios emitidos). Una grabación cuidada que constó de similar duración a la de movie cualquiera, y que sirvió para presentar en sociedad el rostro del actor que interpretará la temporada de 2014 (honor que ha recaído en las entrañas del escocés Peter Capaldi). Telefilme que se vio reforzado con la exhibición del docudrama An Adventure In Space And Time (donde David Bradley se disfrazó como su colega desaparecido William Hartnell).

Entre los actores invitados estaba John Hurt

Entre los actores invitados estaba John Hurt

El culto vino más tarde

Pese al éxito que ahora acompaña a Doctor Who, los comienzos del proyecto fueron bastante problemáticos. En 1963, la ciencia ficción en la pequeña pantalla era un género que no podía competir en popularidad con las telenovelas de índole literaria. Dentro de esa época, por poner un ejemplo, eran impensables los más de diez millones de espectadores que contabilizó en una sola jornada El día del Doctor.

En los años setenta, la serie fue criticada por su excesiva violencia

En los años setenta, la serie fue criticada por su excesiva violencia

La idea original del programa fue concebida por Sydney Newman, Anthony Coburn, Donald Wilson, Terry Nation y Verity Lambert. De ellos y de sus charlas en los estudios de la aún primigenia BBC surgió la noción de elaborar un producto de fantasía irreverente, capaz de sorprender a audiencias ajenas a una edad determinada; y con los ingredientes necesarios para hacer soñar a los entonces poco numerosos clientes del canal.

Matt Smith es el último protagonista en la piel del comandante de la TARDIS

Matt Smith es el último protagonista en la piel del comandante de la TARDIS

Un presupuesto casi de chiste de Benny Hill y mucha imaginación experimental (en este apartado, habría que mencionar la apuesta por una BSO de tintes abiertamente electrónicos, compuesta por el visionario Ron Grainer) fueron los emblemas de esos años de despegue, en los que el excéntrico William Hartnell se encargó de pilotar la TARDIS con la decisión de un profesional de los escenarios.

En 1996, la BBC presentó el filme "La noche del Doctor"

En 1996, la BBC presentó el filme “La noche del Doctor”

Ahí partió lo que los fans reconocen como la etapa clásica (de 1963 a 1989), en la que los protagonistas se sucedieron a ritmo vertiginoso, y la legión de admiradores se multiplicaba de manera exponencial. Sin embargo, superar en longevidad a competidoras galácticas como Star Trek no impidió que los malos tiempos anidaran también en DW. Hecho que se tradujo en el parón momentáneo sucedido entre 1989 y 2005 (temporada en la que se inicia la era moderna, la cual pervive a día de hoy).

Trece intérpretes han sido el Doctor Who a lo largo de su historia

Trece intérpretes han sido el Doctor Who a lo largo de su historia

Por el camino, algunas películas coronan el imperio mediático de esta serie nacida para agradar; y que se ha convertido en un auténtico baluarte de la industria audiovisual made in Great Britain.

Las encarnaciones del Doctor

William Hartnell

William Hartnell

William Hartnell (Londres, 1908- Marden, Inglaterra, 1975)

Escogido para el papel por la productora Verity Lambert, este comediante del grupo de las películas de Carry On acreditaba en su currículo -antes de recalar en la tele- participaciones en filmes del Free Cinema tan importantes como This Sporting Life.  No obstante, el personaje del destornillador sónico le proporcionó una fama que ya había dejado de anhelar; aunque su estado de ánimo cambiante y su progresiva enfermedad (artiesclerosis) le apartaron prematuramente de la producción. Estuvo al frente del rol de 1963 a 1966.

Patrick Troughton

Patrick Troughton

Patrick Troughton (Londres, 1920- Columbus, Georgia, USA, 1987)

Fue el Doctor Who de 1966 a 1969. Su indiscutible carisma convenció a Innes Lloyd para ser el sustituto de Hartnell. Patrick se convirtió en el primer actor del serial que expuso su rostro en los títulos de crédito. En cuanto a su carrera, previamente se le había visto en cintas como Jasón y los argonautas; además de grabaciones a seiscientas veinticinco líneas del tipo de Z Cars y El conde de Montecristo.

Jon Pertwee

Jon Pertwee

Jon Pertwee (Londres, 1919- Connecticut, USA, 1996)

Su etapa estuvo limitada a 1970-1974. De simpatía envolvente, el que fuera esposo de Jean Marsh (la inolvidable Rose, de Arriba y abajo) se embutió con holgura el vestuario del alocado señor del tiempo; lo que ratificó el buen ojo de Peter Bryant, quien seleccionó al intérprete.

Tom Baker

Tom Baker

Tom Baker (Liverpool, 1934)

Es el que más ha durado en la piel de Who (de 1974 a 1981). Llegó al proyecto tras trabajar a las órdenes de directores como Pier Paolo Pasolini (Los cuentos de Canterbury), y después de hacer de brujo en Los viajes de Simbad. Su particular actuación del navegante espacial de la BBC le granjeó rápidamente las simpatías del público, y le sirvió para ser votado como uno de los más influyentes de cuantos han pasado por la obra audiovisual.

Peter Davison

Peter Davison

Peter Davison (Londres, 1951)

De 1982 a 1984, este rubio actor (el cual brilló igualmente en producciones como Los amores de Lydia y Todas las criaturas grandes y pequeñas) tuvo la mala suerte de tomar el testigo de Baker. No obstante, su aportación resultó muy valorada.

Colin Baker

Colin Baker

Colin Baker (Londres, 1943)

El facultativo de la melena rizada se enfundó la bufanda multicolor de 1984 a 1986. Su elección vino tras su meritorio trabajo en el serial como el comandante Maxil; y su excelente labor al volante de la TARDIS le ayudó a catapultar una carrera que ha ejercitado en empresas como La ciudadela, Casualty y Los cinco.

Sylvester McCoy

Sylvester McCoy

Sylvester McCoy (Escocia, 1943)

Junto a Tom Baker, este compatriota de Sir Walter Scott pasa por ser uno de los preferidos de los fans de DW. Presidió las aventuras del científico de 1987 a 1989, y fue una apuesta del guionista Andrew Cartmel. Aparte, se le ha podido ver en cintas del estilo de Drácula (John Badham, 1979).

Paul McGann

Paul McGann

Paul McGann (Liverpool, 1959)

El popular secundario de El imperio del sol solamente se metió en el papel de Who en el largometraje La noche del Doctor (1996). Esta movie se considera el interludio que la BBC decidió tomarse, para iniciar la época moderna del serial. En esa ocasión, la financiación contó con capital canadiense y de USA; al tiempo que trasladó el rodaje a Cardiff ( en El País de Gales)

Christopher Eccleston

Christopher Eccleston

Christopher Eccleston (Salford, Inglaterra, 1964)

Con él se aprobó el renacimiento de la saga. El inglés era una estrella más que solvente en los escenarios, antes de ser contratado por la cadena pública (probablemente, con Cushing sea el más conocido a nivel internacional de cuantos han protagonizado la historia). Razón que explica su implicación únicamente por 13 episodios, diversificados a lo largo de 2005. Debido a su caracterización, obtuvo el Premio al Actor Más Popular, galardón otorgado en la gala de los National Television Awards.

David Tennant

David Tennant

David Tennant (Bathgate, Escocia, 1971)

El ahora famoso inspector Alec Hardy, de Broadchurch, se transformó en el neurótico nauta por las centurias y las galaxias entre 2005 y 2008. Cuando desembarcó en el cuerpo del individuo cambiante, el británico ya sabía lo que era estar dentro de una franquicia (había colaborado en Harry Potter y el cáliz de fuego).

Matt Smith

Matt Smith

Matt Smith (Northampton, Inglaterra, 1982)

Es la última reencarnación del personaje, por lo menos hasta que efectúe los honores el ya citado Capaldi. Este muchacho espigado y de mirada verdosa dotó de un humor algo cáustico y existencialista al rol creado en 1963. Un lapsus artístico con el que el súbdito de Isabel II se ha abierto las puertas de la industria.

Peter Capaldi

Peter Capaldi

Y así han transcurrido las 13 modificaciones de físico, todas ellas relativas al caballero que comparte nombre con una mítica banda musical. Aunque no sería de justicia obviar las puntuales caracterizaciones de Richard Hurndall (Darlington, County Durham, Inglaterra, 1910- Londres, 1984) y Peter Cushing (Kenley, Surrey, 1913- Canterbury, Kent, 1994). El primero, se montó en la cabina telefónica azul en The Five Doctors (1983); y el segundo hizo lo propio en Dr. Who y los daleks (película dirigida en 1965 por Gordon Flemying, y que viene a ser a la saga de DW lo que la versión de Casino Royal protagonizada por David Niven a la de James Bond).

Richard Hurndall

Richard Hurndall

Peter Cushing

Peter Cushing

Más información en http://bbc.co.uk/programmes/b006q2x0

 

 

 

Arnaud des Pallières dirige al danés en "Michael Kohlhaas"

Arnaud des Pallières dirige al danés en “Michael Kohlhaas”

Cuando el 22 de marzo de 1540 Michael Kohlhaas (en realidad Hans Kohlhase) fue decapitado públicamente en la Sajonia de las escisiones nobiliarias, las lágrimas de los futuros súbditos del káiser Guillermo cayeron sobre la hierba de la injusticia. En ese momento, un clamor de orgullo humano (nada que ver con nacionalismos vacuos ni con posicionamientos políticos) recorrió las extensiones de lo que hoy en día se conoce como Alemania. Un oleaje rumoroso, a la par de violento en sus entrañas, que golpeó con la furia de la genialidad la pluma del dramaturgo, poeta y novelista Heinrich von Kleist (Frankfurt an der Order, Brandemburgo, 1777- Wannsee, Berlín, 1811), el cual dedicó -en 1811– una de sus mejores y más emotivas obras a la gesta del caballista rebelde: el prófugo que alzó su voz contra los poderosos, en una época de mordazas inflexibles y grilletes en las ánimas.

La historia sigue la novela homónima de Heinrich von Kleist

La historia sigue la novela homónima de Heinrich von Kleist

Un argumento con tal fuerza escénica debería estar llamado a ser objeto de numerosas adaptaciones cinematográficas. Pero la lógica no siempre lidera el universo del Séptimo Arte; por lo que, inexplicablemente, el texto del autor de la apasionante El príncipe de Homburg sólo ha conocido dos adaptaciones en formato de celuloide. La primera la llevó a cabo Volker Schlönforff en 1969, bajo el título de Der Rebell. Mientras que la segunda acaba de estrenarse el pasado verano en Francia, con el descriptivo nombre de Michael Kohlhaas. Aunque, en el camino, también hay un acercamiento televisivo en clave de western, movie bautizada con la etiqueta de Sin piedad (realizada en 1999, por el “discotequero” John Badham).

El argumento del literato teutón recreó una historia que ocurrió en la realidad

El argumento del literato teutón recreó una historia que ocurrió en la realidad

El Robin Hood prusiano

Dentro de poco, la segunda de las versiones citadas en el párrafo anterior hará nido en las carteleras españolas; y servirá para que los espectadores de la patria de Luis Candelas y José María el Tempranillo conozcan a base de fotogramas enlazados la vida de uno de los héroes más admirados de la literatura teutona, cuyos renglones de dolor colectivo hicieron estremecer de tristeza a maestros de la palabra como Kafka. Una historia cargada de sentimiento y marcada por el infortunio, que invadirá la salas a través de la batuta orquestal del francés Arnaud des Pallières (París, 1961).

El filme está ambientando en una época donde los nobles protagonizaban todo tipo de injusticias

El filme está ambientando en una época donde los nobles protagonizaban todo tipo de injusticias

Con la inestimable ayuda de Christelle Berthevos, el realizador de Parc Adeu conforma un lienzo de tonos sombríos y mortuorios, tinturas de derrota y gloria en las que brilla con especial fulgor la interpretación del actor danés Mads Mikkelsen (Un asunto real, La caza); quien toma el testigo de David Warner, en la misión de encarnar la figura de Kohlhaas. Juramento de armas hidalgas para el que el nórdico presenta sus virtudes frente a la cámara, siempre al servicio de la verosimilitud. Todo para hacer comprensible  el viaje de un hombre que vivió entre 1500 y 1540, y que se hizo célebre por reclamar lo que un ambicioso noble le había robado.

El largometraje fue presentado en la pasada edición del Festival de Cannes

El largometraje fue presentado en la pasada edición del Festival de Cannes

A medias entre una película del género de la capa y espada y un espectáculo real sobre seres vulnerables, el libreto del filme sigue la senda del protagonista a través de unos hechos que desencadenaron cierta controversia y reflexión en la Europa del siglo XVI. Unos acontecimientos que comenzaron con el aparentemente intrascendente desplazamiento de un humilde comerciante de caballos -llamado Michael Kohlhaas– a la Feria de Leipzig, donde éste esperaba poder vender parte de su mercancía. Sin embargo, el aristócrata Günter von Zaschwitz obliga al mercader a cederle dos de sus ejemplares. MK reclama sus equinos por la vía judicial, pero los tribunales se ponen de parte del portador de sangre azul.

La cinta ha sido rodada en escenarios naturales de Francia

La cinta ha sido rodada en escenarios naturales de Francia

Así, debido a las escasas alternativas que le ofrecen los gobernantes, Kohlhaas decide echarse al monte, para luchar contra el aristócrata que le dejó sin las ganancias correspondientes a su trabajo. Craso error que dará con los huesos de Michael en una prisión. Encarcelamiento que, pese a la intermediación del mismo Martin Lutero, no será más que una muerte anunciada destinada a amortiguar el germen de una revolución generalizada.

Bruno Ganz es uno de los intérpretes destacados del elenco artístico

Bruno Ganz es uno de los intérpretes destacados del elenco artístico

Presentada en la pasada edición del Festival de CannesMichael Kohlhaas (que cuenta en su reparto con rostros tan conocidos como el del español Sergi López y el del suizo Bruno Ganz) ha conseguido, entre otras distinciones, alzarse con el Premio Iris, conseguido en el Festival de Cine de Bruselas.

El levantamiento de Kohlhaas acabó con su decapitación pública

El levantamiento de Kohlhaas acabó con su decapitación pública

Tales distinciones otorgan un poco más de singularidad a la obra ideada por Des Pallières, con la que el director refresca un relato donde el cerebro de La marquesa de O expuso al planeta su posicionamiento respecto a las guerras napoleónicas del siglo XIX. Pero el transcurso del tiempo también lo han convertido en un testimonio capaz de regar la semilla de la dignidad individual, de los motines ciudadanos por cambiar el mundo, de las manifestaciones silenciadas por los organismos de poder… Algo que en este tercer milenio aún causa lágrimas de hiel; ríos amargos y salados, que ni siquiera pueden evitar las pantallas inodoras de los ordenadores.

Von Kleist publicó la obra para posicionarse contra la invasión napoleónica

Von Kleist publicó la obra para posicionarse contra la invasión napoleónica

Volker Schlöndorff dirigió la primera adaptación del argumento a la pantalla grande, en 1969

Volker Schlöndorff dirigió la primera adaptación del argumento a la pantalla grande, en 1969

Más información en http://www.imdb.com

El 29 de octubre, la formación norteamericana pondrá a la venta su cuarto álbum de estudio

El 29 de octubre, la formación norteamericana pondrá a la venta su cuarto álbum de estudio

El tránsito entre la vida y la muerte tiene disfraz de esqueleto enmascarado. Mientras, en las calles atestadas con figurines vestidos de excitación, el carnaval hunde el sudor humano entre el griterío y los contoneos de caderas. Dentro de un escenario tan caótico y apocalíptico, Orfeo se muestra incapaz para salvar a su amada Eurídice de las garras de un pretendiente con aliento a hiel; al tiempo que el sonido machacante de la alegría ajena no hace más que extremar la angustia del héroe. Una música apremiante de panderetas y comparsas a la que Arcade Fire suman sus versos sinfónicos y bilingües, en lo que es su cuarto álbum de estudio: Reflektor (el cual saldrá a la venta el próximo 29 de octubre).

El disco sigue en su estela la historia de Orfeo y Eurídice

El disco sigue en su estela la historia de Orfeo y Eurídice

Sumidos en la estética vintage del largometraje Orfeo negro (la cinta con que Marcel Camus se alzó con el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa, en 1960), los autores del sorprendente e inspirador compacto The Suburbs (2010) se colocan una simbólica careta instrumental de sí mismos; todo con el fin de reinventar la épica rockera de su exitoso currículo, creado en el Canadá visionario del tercer milenio (al calor de las ascuas de una generación indie y underground que maquillaba sus esencias con brillos de psicodelia de diseño, orquestación de conservatorio posmoderno y folk de raíces urbanas). Aunque, en el caso de la banda comandada por Win Butler y Régine Chassange, los experimentos siempre fueran en pos de lograr una identificación distinguible y sincera, más allá de las etiquetas del éxito a cualquier precio a la que se acogieron algunos de sus colegas. Bajo estas premisas, los norteamericanos licuaron una savia procesal de gran calado, con la que compusieron himnos de la holgura vitriólica tan recordados como Neighborhood # 3 (Power Out) y A Year Without Light In The Backseat.

En el primer corte, titulado "Reflektor", colabora David Bowie

En el primer corte, titulado “Reflektor”, colabora David Bowie

Odisea intercontinental

Mucho más cosmopolita en sus ingredientes que los anteriores trabajos de AF, se puede aseverar -sin ánimo a equivocarse demasiado- que la filosofía activa de Reflektor nace de un viaje en doble sentido: tanto espiritual como físico. Con respecto a la primera de las perspectivas, las consecuencias se comienzan a observar desde los acordes letristas del tema que abre el CD, nominado como el disco. En él, la voz de Butler adquiere ecos de resurrecciones pretendidas, a base de un monólogo penetrante y difuso, en el que presta su inconfundible timbre el irrepetible David Bowie. Barco de insinuaciones universales y anímicas, que extiende su sombra protectora a los otros doce cortes que completan la obra.

Dentro de la narrativa del doble CD hay guiños a la película "Orfeo negro", de Marcel Camus

Dentro de la narrativa del doble CD hay guiños a la película “Orfeo negro”, de Marcel Camus

En cuanto a la peregrinación física, ésta se produjo literalmente en la piel del estadounidense Butler y de la canadiense Régine Chassagne, cuando se embarcaron rumbo a los paisajes desoladores de Haití. Este otrora paraíso para millonarios -los cuales acudían a las playas con vacaciones pagadas a golpe de talonario- aún malvive entre la hambruna y el dolor poblacional, ambos causados por culpa del terremoto de 2012. Allí, los trovadores del Nuevo Mundo hallaron los restos de un arte sonoro pleno de energía, cargado de emocionantes movimientos y envolventes cromatismos.

En los oídos de Arcade Fire, aún suenan las buenas críticas por de "The Suburbs" (2010)

En los oídos de Arcade Fire, aún suenan las buenas críticas por de “The Suburbs” (2010)

De esta manera, la cultura autóctona prendió herrumbe inspiradora en el interior creativo de la pareja: dúo atomizador de sensaciones autóctonas, que digirió convenientemente el alimento vivencial para verterlo este cancionero de luces reflectoras (espejo verbalizado, que sucumbe inevitablemente a la diversificación pletórica de las mareas que lo generan).

La variación de estilos es una obsesión continua en "Reflektor"

La variación de estilos es una obsesión continua en “Reflektor”

En esas aguas de pentagramas y notas, el grupo de Neon Bible se deja guiar por la labor productora y coreográfica del antiguo líder de LCD Soundsystem (James Murphy) y por el jamaicano Markus Dravs; lo que conlleva un acuerdo mutuo para dotar de cuerpo sincrético a un auténtico agujero negro, dentro del que AF intentan fingir que no son ellos mismos, sino un team con impostada denominación de origen, capaz de probar el riesgo del cambio.

Este trabajo contiene algunos de los temas más bailables en la carrera del grupo

Este trabajo contiene algunos de los temas más bailables en la carrera del grupo

No obstante, ese deseo por alejarse de su background más conocido no quiere decir que Reflektor sea un disco que traicione el legado de los muchachos de We Used To Wait; es más, en cierta medida, enfatiza la profundidad auditiva de sus trabajos anteriores con sorpresas enriquecedoras. En esa línea de despiste bienintencionado y gratificante, bien pueden entenderse tracks como el que dibuja la más que adictiva dance-song titulada Here Comes The Night (demoledor poema electrizante, en el que los rasguños de escalas y estilos superpuestos exhiben la grandeza de Butler y sus chicos). Un caldo de cultivo novedoso y atrayente al que se suman líricas igualmente sobresalientes, como la de la poética Supersymmetry o la surrealista Afterlife.

Los medios de comunicación se hicieron eco de la campaña viral con la que AF publicitaron su cuarta obra

Los medios de comunicación se hicieron eco de la campaña viral con la que AF publicitaron su cuarta obra

If You are looking for Hell/ Just look inside” (“Si estás buscando el Infierno/ sólo mira dentro“). Tales palabras -pertenecientes a una de las trovas de R– se convierten en un estribillo bastante válido para resumir el leitmotiv filosófico que activa la mente colectiva de Arcade Fire, y que presenta vasos conectores con el pensamiento de Kierkegaard, el pulso de Rodin y la angustia pasional de Orfeo y Eurídice. Semejantes coordenadas artísticas apuntalan los cimientos evolutivos de esta deslumbrante formación, la cual suele ofrecer soluciones imaginativas en cada uno de sus actos (en este sentido, se puede sacar a colación la campaña viral con la que publicitaron la aparición de su cuarto disco, y que consistió en la exhibición de determinados símbolos en algunas ciudades de Canadá y USA).

Con "Reflektor", la banda de Win Butler y Régine Chassagne da un paso más allá en su evolución musical/ Photo Credits: Arcade Fire

Con “Reflektor”, la banda de Win Butler y Régine Chassagne da un paso más allá en su evolución musical/ Photo Credits: Arcade Fire

Más información en http://www.arcadefire.com

La nueva adaptación del texto de Valle-Inclán está en la cartelera madrileña desde el pasado 10 de octubre

La nueva adaptación del texto de Valle-Inclán está en la cartelera madrileña desde el pasado 10 de octubre

La gran casa de la política se encuentra atestada de rincones oscuros, habitaciones de Barbazul en las que el dictador de turno guarda sus secretos bajo la llave del miedo ciudadano. La manida sentencia de que el poder corrompe tiene en los sillones presidenciales la deformante faz de los monstruos medievales, los cuales echan su fuego metamorfoseado en discursos. Y, mientras tanto, el pueblo siente en sus extremidades los hilos de las marionetas, eternamente configurados como invitados de piedra a un banquete en el que se les impide comer. Hasta que el sufrimiento desnuda la carne.

El montaje forma parte del programa latinoamericano "Dos Orillas"/ Photo Credits: Teatro Español

El montaje forma parte del programa latinoamericano “Dos Orillas”/ Photo Credits: Teatro Español

En esa labor de ácido buscador de la humanidad, Ramón María del Valle-Inclán (Pontevedra, 1866- Santiago de Compostela, 1936) afiló un punzón de cianuro bautizado como Santos Banderas: un politucuelo de manga corta y látigo gritón, que protagonizó el texto Tirano Banderas. Novela de Tierra Caliente (1926). Con él, el creador español de la perilla inteligente construyó un auténtico hito de modernidad lingüística y energía escénica, hijo sanguinolento que le sirvió al autor de Luces de bohemia para inaugurar la saga del Esperpento (y al que siguió Ruedo ibérico).

El escenario propuesto tiene inspiraciones barrocas y surrealistas/ Photo Credits: Teatro Español

El escenario propuesto tiene inspiraciones barrocas y surrealistas/ Photo Credits: Teatro Español

Como si acudieran a una cita con la actualidad plagada de corruptelas parlamentarias, los diálogos escabechados con neologismos tabernarios, oralidad de barrio bajo y Spanglish de visionaria crucería contenidos en Tirano Banderas vuelven a esgrimir sus tesis demoledoras encima de un teatro; en este caso alojados por el vetusto inmueble del Español de Madrid (convocados en una versión ilustrativa de la falta de dignidad dictatorial, que cuelga carteles de invitación desde el pasado 10 de octubre).

Valle-Inclán ideó la novela original después de un viaje a México/ Photo Credits: Teatro Español

Valle-Inclán ideó la novela original después de un viaje a México/ Photo Credits: Teatro Español

Latinoamérica en el contexto

El diario de ruta de Valle-Inclán indica que la historia de Novela de Tierra Caliente fermentó su licor sinuoso e hipnotizador tras un viaje que el pensador realizó a México, en 1892. Allí, entre los agasajos desproporcionados del entonces mandatario Porfirio Díaz, el escritor atisbó la fisonomía enferma de una sociedad esclavizada por los reyezuelos caciquistas, seres uniformados de cartón piedra que suelen esconder su incompetencia e ignorancia tras los escudos de la intimidación.

La obra del autor de "Luces de bohemia" es un ejemplo de fuerza lingüística/ Photo Credits: Teatro Español

La obra del autor de “Luces de bohemia” es un ejemplo de fuerza lingüística/ Photo Credits: Teatro Español

Dentro de un universo tan caótico y desquiciado, el narrador gallego alumbró un argumento cargado de sátira y mensajes sulfúricos; donde el gobernante de la imaginaria Santa Fe de Tierra Firme ejerce ante la concurrencia como un Coriolano sin capacidad para la poesía, como un madamás corto en profundidad filosófica y de actividad únicamente destinada a colmar su desmesurada ambición.

El mensaje de "Tirano Banderas" tiene sentido en la tragedia de los pueblos sometidos/ Photo Credits: Teatro Español

El mensaje de “Tirano Banderas” tiene sentido en la tragedia de los pueblos sometidos/ Photo Credits: Teatro Español

Semejante material da alas de creatividad al director catalán Oriol Broggi para acercarse a una obra (adaptada con rigor por Flavio González Mello) en la que cada sentencia es como un clavo hundido dentro de la conciencia contemporánea, mucho más elocuente -si cabe- en estos momentos de crisis de valores que experimenta la población mundial. A través de las frases esgrimidas por don Ramón María, el escenógrafo barcelonés fantasea con un lienzo repleto de simbología reconocible, trabajo dinamizador que materializa la primera estación del proyecto Dos Orillas (programa que reúne a distintas compañías de Latinoamérica). En definitiva, un montaje multicultural donde sobresale la confección de un reparto procedente de distintas nacionalidades, y en el que destacan Emilio Echevarría (el intérprete mexicano de Amores perros se mete en la piel de Tirano Banderas), Emilio Buale (Bwana), Pedro Casablanc (Isabel), Joaquín Cosío (Quantum Of Solace) y el veterano actor valenciano Juli Mira (quien ya conocía previamente la idiosincrasia valleinclaniana, después de brillar en una exitosa adaptación de Las comedias bárbaras).

La versión de Broggi mezcla con soltura los elementos narrativos y los visuales/ Photo Credits: Teatro Español

La versión de Broggi mezcla con soltura los elementos narrativos y los visuales/ Photo Credits: Teatro Español

Un casting al que el escenógrafo de la Ciudad Condal da la mayor importancia en el transcurso de la acción. “No es la historia lo más importante. Son esos personajes, enganchados en el ambiente que crea Valle, en las telas de araña del lugar de Tirano Banderas, los auténticos motores”, explica Broggi, cuando se le pregunta por el desdoblamiento continuo -en más de un papel- de cada uno de los integrantes del cuadro artístico.

La ficticia ciudad de Santa Fe de Tierra Firme adquiere tintes de identificación real en el contexto hispanoamericano/ Photo Credits: Teatro Español

La ficticia ciudad de Santa Fe de Tierra Firme adquiere tintes de identificación real en el contexto hispanoamericano/ Photo Credits: Teatro Español

Al final, la evolución de la trama exhibe que la sinrazón de los comandantes de palo -expuestos gráficamente en la figura artificial del dictador protagonista- convierte los regímenes levantados por la fuerza de las armas en infiernos llamados a la desintegración. A la vez que promueven en sus habitaciones de Barbazul el caldo de cultivo que engrandece el honor de los marginados, el espíritu de los héroes nacidos para proclamar la pequeñez de los que se creen invencibles a base de injusticias.

El escritor gallego inauguró las novelas del Esperpento con "Tirano Banderas"/ Photo Credits: Teatro Español

El escritor gallego inauguró las novelas del Esperpento con “Tirano Banderas”/ Photo Credits: Teatro Español

El reparto se compone de actores de distintas nacionalidades/ Photo Credits: Teatro Español y Javier Naval

El reparto se compone de actores de distintas nacionalidades/ Photo Credits: Teatro Español y Javier Naval

Más información, entradas y horarios en http://www.teatroespanol.es

El escritor japonés publica en España "Los años de peregrinación del chico sin color" (Tusquets Editores)

El escritor japonés publica en España “Los años de peregrinación del chico sin color” (Tusquets Editores)

Las arritmias instrumentales de Franz Liszt (Raidin, 1811- Bayreuth, 1886) tienen la textura de las lágrimas callejeras. Con ellas, cual lámparas de aguardientes nostálgicas, el genio decimonónico de La Nueva Escuela Alemana dibujó los contornos sinuosos y paisajísticos de sus tres suites para piano, conocidas como Los años de peregrinación. Un álbum de lienzos sonoros en el comparecen, inmateriales y fantásticos, los destinos más recordados del maestro austrohúngaro. Así, escondidos entre las cuerdas y los pedales; Suiza, Italia y otros lugares de almas soñadas se suceden a ritmo revelador y pasional a lo largo de los tres libros de los que consta la partitura, manuales que desvisten a cada percusión de tecla las capas invisibles de la sensibilidad.

Murakami ha vendido ya un millón de ejemplares de su último texto en su país natal

Murakami ha vendido ya un millón de ejemplares de su último texto en su país natal

Tras ese biombo de insinuaciones privadas, el escritor japonés Haruki Murakami (Kioto, 1949) ha encontrado el cuerpo de su última novela traducida al español: crónica del desencanto vivencial, que ha aparecido este mes de octubre en las librerías de la tierra de Cervantes, bajo el sugerente título de Los años de peregrinación del chico sin color (Tusquets Editores).

Las novelas del literato nacido en Kioto suelen poseer una innegable atracción audiovisual

Las novelas del literato nacido en Kioto suelen poseer una innegable atracción audiovisual

Renglones de indefinición

La fama internacional que ha adquirido la literatura del autor de Kafka en la orilla (el cual suena constantemente en las quinielas de un Premio Nobel que se le resiste) ha hecho de este isleño extraño y huidizo una auténtica celebridad andante, dentro de un país que estila en sus textos un apego casi enfermizo a la simbología visual. Los ríos que salpican y riegan el caudal activo de la pluma de Murakami rinden sus armas ante la constante búsqueda de respuestas existenciales de los seres que pueblan sus páginas, tipos normalmente atenazados por la confusión planetaria de una nación que perdió sus anclajes culturales tras el final de la Segunda Guerra Mundial.

El éxito internacional de HM se explica por la globalidad de las emociones que padecen sus personajes

El éxito internacional de HM se explica por la globalidad de las emociones que padecen sus personajes

La bomba atómica hirió de muerte el ánima colectiva nipona en 1945 (sólo cuatro años antes del alumbramiento del writer), desastre incalificable que extendió sus tentáculos al pensamiento creativo del responsable de Tokio Blues, Norwegian Wood; y al que enlazó su carrera para convertirse en altavoz de una generación que ya no saciaba su hambre lectora con el clasicismo revolucionario de Tanizaki, Soseki y Mishima. En ese contexto, el cerebro de Después del terremoto comprendió como pocos las carencias de sus compatriotas, y las expuso con un lenguaje nuevo en su concepción narrativa: un discurso cargado de consignas implícitas, en el que se suman sensaciones relacionadas con la vista, el oído, el gusto, el tacto y el olfato.

No hace mucho, el narrador presentó su anterior obra, la trilogía "1Q84" (Tusquets Editores)

No hace mucho, el narrador presentó su anterior obra, la trilogía “1Q84” (Tusquets Editores)

Tales emociones diversas presentan en Los años de peregrinación del chico sin color la simbiosis indisoluble con temas tan universales como el amor, el sexo, el cansancio vital, las desilusiones morales y el tránsito de la juventud a la edad adulta (paso para el que lamentablemente no existe manual de instrucciones). A través de ellos, el ganador del prestigioso Premio Franz Kafka elabora un tapiz profundo y nostálgico, donde los personajes deambulan cual fantasmas de una realidad nebulosa y espectral.

Murakami representa a una generación marcada por la confusión

Murakami representa a una generación marcada por la confusión

Dentro de ese ecosistema de atmósferas levíticas, el protagonista del libro (un ingeniero ferroviario de treinta y seis inviernos, que responde al nombre de Tskuru Tazaki) se cuestiona los hechos del pasado desde la posición aparentemente cómoda de una existencia saciada. El hombre acaba de conocer a una mujer que le gusta (Sara); pero no puede evitar retrotraerse al tiempo en que tenía veinte primaveras, cuando estuvo a punto de cometer suicidio tras las marginación que padeció por parte de su círculo de amigos. El treintañero nunca supo por qué le dieron de lado sus otrora colegas; algo que sume su rutina en una duda interminable, hasta convertirle en un individuo insatisfecho en lo más hondo de sus entrañas.

La música vuelve a ser un referente de sus historias

La música vuelve a ser un referente de sus historias

Ese leitmotiv ilusorio es por el que discurre el argumento de esta inquietante obra; fresco de letras y frases donde los trenes se cruzan, las historias tangenciales dotan de humanidad a la trama, las notas de los pianos afinan su canto con el tempo deudor de Franz Liszt y los diálogos exudan intensidad (completados con silencios que oscurecen el alma). De estos ingredientes surge un cuadro en el que cualquiera puede reconocerse, con independencia del sello de su pasaporte.

Pese a estar nominado en muchas ocasiones, aún no le han concedido el Nobel de Literatura

Pese a estar nominado en muchas ocasiones, aún no le han concedido el Nobel de Literatura

Más información en

http://www.tusquetseditores.com/titulos/andanzas-los-anyos-de-peregrinacion-del-chico-sin-color

El museo de la ciudad del Empire State reúne a ocho de los mejores artistas jóvenes de la cámara/ Photo Credits: Anna Ostoya y MoMa

El museo de la ciudad del Empire State reúne a ocho de los mejores artistas jóvenes de la cámara/ Photo Credits: Anna Ostoya y MoMa

El arte de lo inmediato y de lo perceptible, ése que esquilma su grandiosidad a través de las revelaciones de cuarto oscuro (ahora digitalizado en sus pigmentos más íntimos), también entiende de vanguardias. Sin embargo, las perspectivas renovadoras de los hijos de Robert Capa y Dora Maar ya no planchan sus arrugas de tradicionalismo a través de la pertenencia a un movimiento o a otro, ni sacian su sed ambulante en las fuentes de un grupo constituido con manual de intenciones al uso: los jóvenes artistas de la cámara suelen surcar los senderos creativos con la experimentación como bandera al viento, siempre dispuestos a cargar sus carretes con escenas ajenas a las identificaciones simplistas.

La muestra se caracteriza por la experimentación intelectual de las imágenes / Photo Credits: Lisa Oppenheim y MoMa

La muestra se caracteriza por la experimentación intelectual de las imágenes / Photo Credits: Lisa Oppenheim y MoMa

Así por lo menos es como se percibe el trabajo conjunto de los ocho autores gráficos que cuelgan sus obras en la tercera planta del MoMa neoyorquino; un laberinto de inspiraciones heterogéneas y discursos imaginativos, que la institución de la ciudad del Empire State alberga desde el pasado 14 de septiembre, y que llamará a los camiones de mudanza el próximo 6 de enero de 2014.

Los estilos pierden sentido de cara a los trabajos seleccionados/ Photo Credits: Josephine Pryde y MoMa

Los estilos pierden sentido de cara a los trabajos seleccionados/ Photo Credits: Josephine Pryde y MoMa

La realidad de los documentos y los sueños de la abstracción

Nueva Fotografía 2013 es el título escogido para esta particular cita con el campo que dignificaron tipos de ojos de pez como Henri Cartier Bresson y Man Ray; exhibición de connotaciones multiculturales que ha contando con la intensa labor de las expertas Roxana Marcoci y Katerina Stathopoulou. Esta pareja de comisarias ha buscado por el planeta las representaciones más deslumbrantes de los talentos nutridos en el abismo de la contemporaneidad; y fruto de su ejercicio de arqueología visual han surgido los nombres de Adam Broomberg, Oliver Chanarin, Brendan Fowler, Annette Kelm, Lisa Oppenheim, Anna Ostoya, Josephine Pryde y Eileen Quinlan.

La abstracción y los documentos tomados de la realidad comparten espacio escénico/ Photo Credits: Eileen Quinlan y MoMa

La abstracción y los documentos tomados de la realidad comparten espacio escénico/ Photo Credits: Eileen Quinlan y MoMa

La banda formada por este octaedro humano -con fogonazos por aristas- juega en el campo de las más variadas musas dialécticas: ninfas extrañas sustraídas de los negativos, que rinden su belleza inmortal al calor de guerras fratricidas (como lo refleja por ejemplo el libro Prime War 2, de Broomberg y Chanarin), de cuadros de magnetismo geométrico (presentados para la ocasión por la polaca Ostoya), de secuencias de destrucciones universales (materializadas en los montajes documentales de Oppenheim) y de sátiras de cuento amorfo y fábula de cromatismo ilusorio (apartado en el que se pueden incluir las emulsiones de Josephine Pryde).

La política estadounidense tiene un cierto protagonismo en la exhibición/ Photo Credits: Adam Broomberg, Oliver Chanarin y MoMa

La política estadounidense tiene un cierto protagonismo en la exhibición/ Photo Credits: Adam Broomberg, Oliver Chanarin y MoMa

Desde 1985, un team de virtuosos de ese objeto carente en la actualidad de trípodes marginadores acude al museo de la ciudad que nunca duerme, con el fulgor de una pasión entre luces y sombras, entre abstracciones y pesadillas figurativas: duermevela a medio camino del testimonio constatable y el espíritu poético.

La expresividad de las propuestas se deja notar en el mensaje renovador general/ Photo Credits: Brendan Fowler y MoMa

La expresividad de las propuestas se deja notar en el mensaje renovador general/ Photo Credits: Brendan Fowler y MoMa

Cualquier método de expresión con calidad evocadora y subyugante es válido en las manos de estos reconocidos artistas de los flashes y las lentes. Seres captadores de pensamientos hechos imágenes, a los que les da lo mismo el formato; y para los que un fotomontaje tiene el mismo valor que un álbum de recortes. Obreros de las cajas mágicas que carecen de la más mínima inclinación elitista, ya que desfogan sus virtudes profesionales independientemente de los medios con los que cuentan. Incluso la rutina periodística les sirve para mostrar su intelectualidad reconocible y emocional; lo que deja claro que los estilos pierden significado cuando la genialidad intercede en la lírica retiniana. Porque la cuestión para los “nuevos fotógrafos” está en abrir las ventanas de par en par a un sentimiento de vanguardia, tan ecléctico como vulnerable, tan enérgico como desmitificador.

"Nueva Fotografía 2013" estará en Nueva York hasta el próximo 6 de enero de 2014/ Photo Credits: Annette Kelm y MoMa

“Nueva Fotografía 2013” estará en Nueva York hasta el próximo 6 de enero de 2014/ Photo Credits: Annette Kelm y MoMa

Más información, entradas y horarios en http://www.moma.org