Lily James ajusta sus zapatos de cristal a los hielos eslavos, en War and Peace. La joven Cenicienta de Kenneth Branagh es la protagonista en la adaptación televisiva de la célebre obra del autor de Ana Karenina, que fue llevada al cine en 1956 por King Vidor.

Lily James será Natasha Rotstova en la versión de "War and Peace" que prepara Tom Harper

Lily James será Natasha Rotstova, en la versión de “War and Peace” que prepara Tom Harper

León Tolstói dio a la literatura rusa alma de libro candente, fisonomía de realismo narrativo.

Las obras del culto y nobiliario agricultor escalaron la espiral de la inmortalidad, para atrincherarse en el concepto global de una sociedad sometida a los cambios de la modernidad mal asumida.

Dentro de esa magna producción de tinta y papel, Guerra y Paz es quizá –junto a Ana Karenina y Resurreción– el mejor ejemplo de novela total, de cuantos pueblan las letras paridas más allá de Los Urales. Su capacidad para alternar personajes y situaciones, su habilidad para esgrimir el escalpelo de las descripciones aceradas y su facilidad para retorcer los sentimientos del lector, hicieron del texto uno de los referentes incuestionables de la cultura decimonónica desde el momento de su aparición (estimada entre 1865 y 1869).

Pero el terreno editorial no ha sido el único que ha sabido disfrutar con las grandezas de Guerra y Paz, ya que el ámbito audiovisual también ha sabido sacar partido a la titánica historia ideada por el maestro de Yásnaya Poliana.

Una adoración confesa que ha dado numerosos frutos en formato de adaptación a 24 fotogramas por segundo, siendo el más recordado el de la homónima película dirigida en 1956 por King Vidor.

BBC, una de las productoras que avala el proyecto, ya grabó "Guerra y Paz" en 1972

BBC, una de las productoras que avala el proyecto, ya grabó “Guerra y Paz” en 1972

Hay quien piensa que los argumentos inmortales siempre saben cómo rascar la epidermis de lo actual, y eso es lo que ha debido pasar para que en este 2015 Weinstein Company, BBC Worldwide y Lookout Point se hayan puesto manos a la obra, con el objetivo de adaptar nuevamente las vicisitudes de los Rotov, los Bolkonsky y los Bezukhov. Un proyecto que ya tiene luz verde, y que comanda el director Tom Harper: quien comenzará en breve a grabar material en escenarios escogidos de Rusia, Letonia y Lituania.

LILY JAMES Y LAS INVASIONES NAPOLEÓNICAS

Inmensa en su desarrollo, War and Peace recoge uno de los periodos más conflictivos de comienzos del siglo XIX, cuando el emperador francés Napoleón I se dedicó a invadir el reinado de Alejandro I.

En medio de la estepa, los húsares se dejaron la piel para luchar cuerpo a cuerpo con los cosacos y con el frío congelador del invierno ruso. Odisea cargada de muerte que tocó muy de lleno a la joven Natasha Rostova, a su enamorado secreto Pierre Bezukhov y al galante y atractivo Príncipe Andrei Bolkonsky.

Paul Dano es el actor seleccionado para enamorar a Lily James en la ficción televisiva

Paul Dano es el actor seleccionado para enamorar a Lily James en la ficción televisiva

Esos papeles de atractivo inconmensurable fueron encarnados en la producción de Vidor por un trío de ases de la época, como Audrey Hepburn (Natasha), Henry Fonda (Pierre) y Mel Ferrer (Andrei). Y a través de ellos, el mundo comprobó la fuerza escénica contenida en las páginas del libro cocinado por Lev Nikoláievich.

Desde entonces, otros realizadores han intentado repetir la hazaña de Hollywood con resultados más o menos notables. Experimentos entre los que destaca el llevado a cabo por la cadena BBC en 1972. Con un presupuesto ajustado a las empresas televisivas, la miniserie resultante mostró el excelente trabajo de Anthony Hopkins en la piel del ingenuo Pierre Bezukhov, por el que logró el aplauso de la crítica y el público.

Gilliam Anderson se ha incorporado al reparto coral que acompañará a Lily James

Gilliam Anderson se ha incorporado al reparto coral que acompañará a Lily James

Esta nueva War and Peace aumenta sus intereses desde el punto de vista dinerario, y mejora el aspecto escénico con un nutrido grupo de localizaciones identificadas con muchos de los lugares donde transcurría la trama original. Elementos diferenciadores que se han extendido también al heterogéneo reparto, que encabeza la veinteañera Lily James (Natasha Rostova); y a cuya presencia se suman los rostros de Paul Dano (Pierre Bezukhov), James Norton (Príncipe Andrei Bolkonsky), Stephen Rea (Anatol Kuragin), Gillian Anderson (Anna Pavlovna Sherer), Arélien Wiik (Napoleón), Rory Keenan (Biblin), Jim Broadbent (Príncipe Nikolay Bolkonsky) y Greta Scacchi (Condosa Rostova), entre otros.

2016 es el año en el que BBC Worldwide prevé el estreno de esta esperada recreación de la novela de Tolstói. Unas jornadas frente al electrodoméstico de las imágenes en movimiento, que se tendrán en vilo a los televidentes durante seis entregas.

Lily James tiene el difícil cometido de emular el inolvidable trabajo de Audrey Hepburn como la dulce Natasha Rostova

Lily James tiene el difícil cometido de emular el inolvidable trabajo de Audrey Hepburn, como la dulce Natasha Rostova

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Angelina Jolie y Brad Pitt, el matrimonio más mediático del planeta, regresa en unión a la pantalla grande con By The Sea. El vehículo lo compone una historia sobre la ruptura del amor, que transcurre en Europa durante los años setenta.

Angelina Jolie y Brad Pitt no trabajaban juntos desde "El Sr. y la Sra. Smith", de Doug Liman

Angelina Jolie y Brad Pitt no trabajaban juntos desde “El Sr. y la Sra. Smith”, de Doug Liman

El tiempo suele ser el peor enemigo para cualquier relación sentimental con esencia de eternidad.

Una persona no es la misma a los veinte que a los cincuenta tacos, y mucho menos a los sesenta o los ochenta. Por eso, los vínculos afectivos se transforman con asiduidad, y no resulta extraño que estos se contorsionen al mismo ritmo en que se consumen las décadas.

Cuando esto ocurre, las parejas deben replantearse en qué momento del viaje se encuentran, sobre todo para dilucidar si deben continuar juntos o bien tirar cada uno por su lado.

Ante semejante tesitura se hallan los protagonistas de By The Sea, la película que dirige estos meses Angelina Jolie, y que ha vuelto a unir profesionalmente a la gachí de Lara Croft con su churri Brad Pitt (la anterior ocasión fue en 2007, en el filme El Sr. y la Sra. Smith, de Doug Liman).

Angelina Jolie es la directora, guionista e intérprete de "By The Sea"/ Photo Credits: Universal Pictures

Angelina Jolie es la directora, guionista e intérprete de “By The Sea”/ Photo Credits: Universal Pictures

ANGELINA, BRAD… Y  AQUELLAS PEQUEÑAS COSAS

Una crónica pasional en tonos aterciopelados y soleados ambientes. Así podría resumirse en escasas palabras, y poco margen dramático, el guion elaborado por la propia Jolie para acercarse a la realidad de Vanessa y Roland.

Después de la épica y aguerrida movie titulada Indomable, la hija del también actor Jon Voight frena en seco la adrenalina medioambiental para asegurarse la reflexión de una tragedia humana y sincera, la cual podría recordar en algunos puntos de su narración a las aristas temáticas de Antes del anochecer (el último título de la trilogía materializada por de Celine y Jesse, que dirigió Richard Linklater en 2013).

Angelina Jolie y Brad Pitt gozan de un tirón comercial envidiable

Angelina Jolie y Brad Pitt gozan de un tirón comercial envidiable

En la citada obra del responsable de BoyHood, los personajes encarnados por Julie Delpy y Ethan Hawke encaran la extraña y desajustada madurez como matrimonio; y las dudas, relativas a si son los mismos que comenzaron o no, asaltan cada una de las secuencias. Un laberinto emocional que es el verdadero motor de By The Sea.

Ambientada a mediados de los setenta, la trama del largometraje de AJ comienza con el cuestionamiento de si una pareja supuestamente bien considerada a nivel social es capaz de afrontar un presente no muy halagüeño. A tal efecto, ambos se toman unas merecidas vacaciones en sus respectivos trabajos, con el objetivo de embarcarse en una travesía con paisajes marítimos de por medio.

Durante esa peregrinación por sus propios estados de ánimo, Vanessa y Roland van descubriendo a unos nuevos seres de carne y hueso, con arrugas en el rostro y las energías mermadas; pero con ansias dispuestas a estallar, para seguir padeciendo idénticos anhelos a los compartidos en el pasado. Una tarea en la que necesitan echar mano de la ayuda del entorno, y de la filosofía de los individuos con los que se topan a lo largo de las escalas.

Angelina Jolie y Brad Pitt encarnan a una pareja con dudas respecto a sus sentimientos/ Photo Credits: Universal Pictures

Angelina Jolie y Brad Pitt encarnan a una pareja con dudas respecto a sus sentimientos/ Photo Credits: Universal Pictures

En medio de este planteamiento temático, y pese a que el mayor protagonismo se lo llevan Angelina y Brad, la mediática pareja de estrellas está secundada por un excelente elenco de intérpretes, entre los que sobresale la presencia de la joven Mélanie Laurent y la del fogueado Niels Arestrup.

TWO FOR THE ROAD

Los vasos comunicantes con las carteleras menos pretéritas asocian los intereses de By The Sea con Antes del anochecer; pero, en la senda de los parecidos razonables, la obra que realmente adquiere auténtica notoriedad como generatriz del largo de Jolie es Dos en la carretera (Stanley Donen, 1967).

En esta película sesentera, Audrey Hepburn y Albert Finney describían -en clave de guía turística por el sur de Francia- el deterioro progresivo del amor, conforme las primaveras se acumulan en la travesía vital (todo ello regado con la inolvidable banda sonora de Henry Mancini).

Un periplo muy parecido al que AJ y Pitt experimentan en su ejercicio cinematográfico, aventura en la que incluso la misma Francia de los tristes contornos se aparece como leitmotiv visual en ambos casos. Una cadena de insinuaciones pictóricas que By The Sea tinta también con los horizontes estimulantes de las playas maltesas.

Los resortes argumentales de "By The Sea" recuerdan a los de la mítica "Dos en la carretera"

Los resortes argumentales de “By The Sea” recuerdan a los de la mítica “Dos en la carretera”

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Julia Roberts es la protagonista del remake estadounidense de El secreto de sus ojos. La estrella de Pretty Woman toma el testigo del veterano Ricardo Darín, en la valorada historia sobre un homicidio en las sombras.

Julia Roberts está en pleno rodaje de la cuidada recreación del filme de Campanella

Julia Roberts está en pleno rodaje de la cuidada recreación del filme de Campanella

En 2010, Juan José Campanella subió con emoción al escenario de la Ceremonia de los Oscars, para recoger la estatuilla correspondiente a la Mejor Película de Habla No inglesa. El secreto de sus ojos, crónica de misterio y asesinatos no esclarecidos basada en la homónima novela de Eduardo Sacheri, consiguió de esa manera el reconocimiento internacional: avalado además por sus indudables virtudes artísticas y técnicas.

Un lustro después de ese hecho, el norteamericano Billy Ray (Los juegos del hambre) dirige la reedición de la citada obra, traducida al idioma de William Shakespeare y con un reparto totalmente anglosajón.

La película, que tendrá el mismo título de su precedente argentino, cuenta entre su reparto a un par de estrellas capaces por ellas mismas de llevar a una legión de seguidores al cine: las esculturales Julia Roberts y Nicole Kidman.

Billy Ray, quien se hizo cargo de "Los juegos del hambre" es el director de "The Secret In Their Eyes"

Billy Ray, quien se hizo cargo de “Los juegos del hambre”, es el director de “The Secret In Their Eyes”

JULIA ROBERTS Y LOS JUICIOS INCONCLUSOS

Sumido en pleno proceso de rodaje, el largometraje traslada los acontecimientos del país del tango a la nación de las barras y estrellas. Aunque, el entramado dramático únicamente ha sufrido diferencias tan solo en la forma, más que en la esencia argumental.

El guion elaborado por el propio Ray sigue las vicisitudes de un antiguo miembro del cuerpo judicial; quien, años después de dejar su cargo, se enfrenta a los fantasmas del pasado, cuando intenta escribir una novela sobre un caso de homicidio vivido durante su etapa profesional.

En concreto, la acción de la cinta argentina arrancaba el motor en 1999, desde donde saltaba -en clave de flashback- a la convulsa época de 1974. En pleno florecimiento de la dictadura de Videla, el crimen de una mujer joven lleva al protagonista (el agente judicial Benjamín Espósito) a iniciar una profunda investigación para dar con el asesino.

Julia Roberts siempre se ha mostrado seguidora del cine de Campanella

Julia Roberts siempre se ha mostrado seguidora del cine de Campanella

Así se lo promete el investigador al viudo; pero asuntos marginales harán que las pesquisas para atrapar al verdadero culpable se queden en meras promesas.

Dolido por no haber logrado su objetivo, el héroe recupera el caso, una vez retirado de la vida judicial. Solución con la que procurará acallar los reproches que recibe continuamente de su conciencia.

Pese a que aún no ha trascendido gran cosa a los periodistas, lo que sí puede desprenderse de este remake es que entre las modificaciones del argumento puede hallarse la de los personajes principales, más que nada para acomodar el nuevo libreto a las exigencias de un par de féminas como Julia Roberts y Nicole Kidman.

En concreto, las posibles certezas van por el camino de atisbar la conversión del papel de Darín en el de una agente con ansias de huir del fracaso de antaño, y a la que pondrá físico Roberts o Kidman.

Nicole Kidman es la otra gran dama del reparto, aunque en algunos foros se insinuaba su sustitución por Gyneth Paltrow

Nicole Kidman es la otra gran dama del reparto, aunque en algunos foros se insinuaba su sustitución por Gyneth Paltrow

Junto a estas mediáticas cabezas de cartel, hay pocos hombres que puedan competir; algo que no ha impidido la aparición en el elenco de tipos de sólida carrera como Dean Norris y Chiwetel Ejiofor (hay pocas cosas que les asusten).

A través de todos ellos, El secreto de sus ojos volverá a desvelar los misterios interiores subyacentes a los homicidios sin solución. Unas luces que ya alumbraron la movie en 2009, y que ahora cargan sus plomos con acento made in USA y palmito al más puro estilo de Hollywood.

Chiwetel Ejiofor es uno de los actores masculinos que componen el elenco

Chiwetel Ejiofor es uno de los actores masculinos que componen el elenco

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Invernadero llega al capitalino Teatro de la Abadía con Mario Gas y Eduardo Mendoza como máximos responsables. Un texto enloquecido y neurótico, que protagonizan Gonzalo de Castro y Tristán Ulloa.

Invernadero fue redactada en 1958, supuestamente inspirada en la invasión soviética de Hungría/ Photo Credits: teatroabadia.com y Ros Ribas

Invernadero fue redactada en 1958, supuestamente inspirada en la invasión soviética de Hungría/ Photo Credits: teatroabadia.com y Ros Ribas

Los laboratorios humanos fueron las habitaciones preferidas de Harold Pinter a lo largo de su carrera. A través de las controversias entre distintos grupos de personajes, el autor de No Man’s Land dibujó enriquecedores tapices de notable profundidad psicológica, siempre sorprendentes y con irónicos trazos.

Extraña y polivalente en cada uno de sus diálogos, Invernadero sigue con fidelidad esa pauta creativa marcada por el londinense, y que le sirvió para poner en tela de juicio temas tan importantes a escala social como el de la ejecución del poder o el de la sinrazón de la burocracia rectora.

Asuntos de plena vigencia en la actualidad, a los que Mario Gas les saca la debida y afilada punta en el montaje español de The Hothouse, que estará en el Teatro de la Abadía de Madrid (Calle Fernández de los Ríos 42) del 26 de febrero al 29 de marzo de 2015.

Invernadero llega a Madrid después de triunfar en Sevilla

Invernadero llega a Madrid después de triunfar en Sevilla

INVERNADERO Y LAS PLANTAS CARNOSAS

Eduardo Mendoza firma esta versión del texto manuscrito por el Nobel de Literatura en 2005, el cual llega a la Villa y Corte después de haber triunfado en carteleras tan exigentes como la de Sevilla.

De ambientación difusa, la historia está supuestamente inspirada en la intervención soviética en Hungría (ocurrida en 1956), la cual dio origen al consiguiente levantamiento popular de los magiares. No obstante, el writer vecino del Támesis decidió no identificar claramente el territorio de la acción. Y lo que simplemente deja claro es que los hechos transcurren durante el día de Navidad de un año también impreciso.

Recluidos en un centro hospitalario (mitad clínica mental y sanatorio), los personajes (pacientes) reciben la noticia de la muerte de uno de los internos, de la que se ha enterado el equipo directivo del lugar. A partir de ese incidente, la trama presenta tintes de realismo mágico o de surrealismo febril, desplegado por una metralleta de palabras contundentes.

Invernadero hace del lenguaje el principal elemento dinamizador/ Photo Credits: teatroabadia.com y Ros Ribas

Invernadero hace del lenguaje el principal elemento dinamizador/ Photo Credits: teatroabadia.com y Ros Ribas

Pinter consigue que el lenguaje se convierta en el verdadero protagonista del argumento, trasladando el marco situacional a lo anecdótico. Una apuesta que se ve favorecida por el significado polivalente de la narración, y que dota de sentido a los múltiples papeles que habitan en el decorado.

Roote (Gonzalo de Castro), Gibbs (Tristán Ulloa), Lush (Jorge Usón), la Srta. Cutts (Isabelle Stoffel), Lamb (Carlos Martos), Tubb (Javivi Gil Valle) y Lobb (Ricardo Moya) adquieren la musculatura de las silabas amargas, las arrugas de las confesiones atemperadas por el caos existencial.

Algo más de veinte años tardó HP en estrenar Invernadero (aunque originalmente fue publicada en 1958, la pieza no vistió el traje de luces hasta 1979); lapso de silencio en el que el libreto maduró reflexión de barril, para cargar con el perfume de la libertad cada una de sus insinuaciones.

Invernadero se desarrolla en un supuesto centro hospitalario/ Photo Credits: teatroabadia.com y Ros Ribas

Invernadero se desarrolla en un supuesto centro hospitalario/ Photo Credits: teatroabadia.com y Ros Ribas

Tal vez, el motivo de la fermentación fue que el licor que destilaba The Hothouse era demasiado ácido para la época de la Guerra Fría, donde podía resultar peligroso exponer un cosmos tan abiertamente anárquico como el propuesto por el dramaturgo isleño.

Aunque, en el tercer milenio, ya se puede poner en solfa a los mecanismos del poder, sin miedo a réplicas dictatoriales y vengativas… ¿o no?

Invernadero estará en Madrid del 26 de febrero al 29 de marzo de 2015

Invernadero estará en Madrid del 26 de febrero al 29 de marzo de 2015

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Damian Lewis, el complicado Nicholas Brody de Homeland, se calza el jubón de Henry VIII en la adaptación televisiva del best seller En la corte del lobo, según la obra de Hilary Mantel.

Damian Lewis toma el papel del padre de Isabel I de Inglaterra, cuando aún está reciente la interpretación que hizo del mismo papel Jonathan Rhys-Meyers

Damian Lewis toma el papel del padre de Isabel I de Inglaterra, cuando aún está reciente la interpretación de Jonathan Rhys Meyers

Pese al transcurso de los siglos, aún es posible escuchar entre los graznidos de los cuervos de la Torre de Londres alguna que otra alusión a la existencia del misterioso Thomas Cromwell.

Como surgido de la nada, este hombre llegó a ser uno de los individuos más poderosos durante el reinado de Enrique VIII: potenciado, sobre todo, por su apoyo al casamiento del monarca con Ana Bolena, y que llevó al país a un arduo enfrentamiento con la Santa Sede.

Precisamente, la citada estrategia política dio sus frutos más notables entre 1532 y 1540, años que se corresponden a los que el conde de Essex ejerció los cargos de Secretario de Estado y de Primer Ministro en el antiguo feudo artúrico.

Pero la desmedida ambición con la que siempre actuó el natural de Wandsworth encontró su fin en 1540, cuando cometió el error de apoyar el matrimonio del monarca barbazul con la princesa Ana de Cléveris.

Semejante personaje, tan jugoso desde el punto de vista histórico, es el protagonista destacado de una célebre trilogía literaria firmada por la autora Hilary Mantel. Saga que inauguró su curso triunfalista con la publicación de En la corte del lobo (Premio Booker en 2009), y cuyo argumento ha dado origen a la miniserie Wolf Hall (producida por BBC y HBO).

Mark Rylance es quien narra la historia de "Wolf Hall", en la piel de Thomas Cromwell

Mark Rylance es quien narra la historia de “Wolf Hall”, en la piel de Thomas Cromwell

DAMIAN LEWIS CONFÍA EN MARK RYLANCE

La acción de los seis capítulos que completan esta valorada producción (estrenada en Reino Unido con excelentes críticas, a finales de enero de 2015) está ambientada en torno a 1520. Por esa época, Enrique VIII vivía agobiado por no poder disponer de herederos masculinos con los que aclarar el futuro de la corona de Inglaterra.

Su unión con Catalina de Aragón no ha favorecido la aparición de un vástago varón, pero se ve incapaz para anular un enlace bendecido por la Iglesia de Roma y por el católico imperio sacro-germánico.

No obstante, y a pesar de la oposición diplomática, el aún joven mandatario arde en deseos por llevar ante el altar a la bella Ana Bolena. A tal efecto, el gobernante reclama el apoyo incondicional de sus caballeros; un llamamiento que Thomas Moro y el cardenal Wolsey no ven con buenos ojos.

Damian Lewis saca a relucir su capacidad para expresar contención y locura con su gran gestualidad

Damian Lewis saca a relucir su capacidad para expresar contención y locura con su gran gestualidad

En medio de este ambiente de crispación y traiciones palaciegas aparece el inteligente y un tanto amoral Thomas Cromwell. Jurista titulado y sumamente ágil en trámites legales, el segundo de Wolsey pronto escala puestos, y pisotea a competidores para sentarse lo más cerca posible del rey pelirrojo.

El británico Mark Rylance (actor ampliamente curtido en los teatros isleños, así como en la televisión y el cine) es el responsable de hacer creíble la ambigua personalidad de Cromwell. Un tipo cuya fisonomía audiovisual ya se había forjado previamente con los rasgos de James Frain (Los Tudor), Leo Mckern (Un hombre para la eternidad) y Donald Pleasence (Las seis esposas de Enrique VIII), entre los más destacados en encarnar el maquiavélico role.

Damian Lewis tiene suficientes tablas en la interpretación de personajes históricos

Damian Lewis tiene suficientes tablas en la interpretación de personajes históricos

La faz camaleónica y voluntariamente enjuta de Rylance (quien ya había participado en el filme Las hermanas Bolena, aunque en esa ocasión encarnó a Thomas Bolena) es el principal motor escénico de una obra que junta un reparto más que notable, y en el que colaboran conocidas estrellas como Damian Lewis (el agente Nicholas Brody de Homeland se disfraza como el orondo rey Enrique VIII), Claire Foy (Ana Bolena), Bernard Hill (Duque de Norfolk), David Robb (Duque de Suffolk), Kate Phillips (Jane Seymour), Anton Lesser (Thomas Moro), Jonathan Pryce (Cardenal Wolsey), Charity Wakefield (María Bolena) y Joanne Whalley (Catalina de Aragón).

Aparte del nutrido casting, las cuidadas localizaciones son el otro elemento diferenciador de esta milimétrica adaptación del texto de Mrs. Mantel. Unos escenarios que recrean la Edad Moderna inglesa dentro de casas centenarias como Montacute House (Somerset), Barrington Court (Somerset), Lacock Abbey (Wiltshire), Chastleton House (Oxfordshire) y Great Chalfield Manor and Garden (Wiltshire).

Damian Lewis y Mark Rylance elaboran un dúo profesional de enorme calado emocional

Damian Lewis y Mark Rylance elaboran un dúo profesional de enorme calado escénico

Mucho menos física que la serie de Los Tudor, Wolf Hall devuelve a los hogares del Reino Unido los oscuros tiempos en los que se forjó el extenso imperio británico, y donde la vida solía ser una moneda de falso canto y metal poco lustroso.

Damian Lewis se sintió muy interesado en cambiar de registro con respecto a "Homeland"

Damian Lewis se sintió muy interesado en cambiar de registro con respecto a “Homeland”

Tráiler oficial de “Wolf Hall“, proporcionado por BBC

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Dover presentan su obra más genuina de los últimos lustros. Complications es un CD que rezuma ansiedad grunge y rock de garaje y asfalto, justo lo que los fans pedían a los responsables de Serenade.

Dover lanzaron "Complications" el pasado 9 de febrero

Dover lanzaron “Complications” el pasado 9 de febrero

Veinte años no son nada en cuestiones de arqueología, pero musicalmente –y al ritmo al que se suceden las modas dentro de este contexto artístico- dos décadas pueden agotar la gasolina de cualquier depósito sinfónico.

Por eso, y como antídoto, lo mejor es reinventarse continuamente. Una fórmula de rejuvenecimiento a lo Dorian Gray que sirve tanto para Madonna como para U2, sin olvidar a los míticos The Rolling Stones o al rockero Bruce Springsteen.

En esa tesitura, centrada en asombrar con cada paso a lo largo de su carrera, es en la que se hallan los madrileños Dover. La banda formada en 1992 en Majadahonda está embarcada en una operación por recuperar las esencias pretéritas, las mismas que la llevaron a ser uno de los grupos de referencia en el lejano 1995, con el inolvidable Devil Came To Me.

Motivo por el que ha surgido Complications: el álbum más genuinamente Dover de los editados por los capitalinos en el tercer milenio.

Dover recupera parte del sonido de su trabajo más famoso, "Dover Came To Me"

Dover recupera parte del sonido de su trabajo más famoso, “Devil Came To Me”

Grabado con la técnica del grunge militante, las diez canciones de esta esperada obra revelan parte del sonido original de la banda liderada por las hermanas Llanos (Amparo y Cristina), similar atmósfera a la que esparcieron en las partituras de hits tan aguerridos como Serenade y Loli Jackson.

DOVER TIRAN DE UNDERGROUND

Al comprobar la ficha de Complications, llama a atención el hecho de que el batería Jesús Antúnez aparezca como productor del compacto. Un acuerdo que sirve para sentar las bases sobre la implicación de los componentes de la formación en cada uno de los cortes que diseña el trabajo.

Bajo tales horizontes, cada surco parece esculpido con mimo por la totalidad de este cuarteto que emociona más cuando agarra las guitarras que cuando se atreve con los experimentos étnicos, que arranca más pasión arropado por el inglés inspirado en las calles de Seattle que cuando lo hace travestido con los neones de las discotecas vip.

Dover comenzó exhibiendo una fuerza inspirada en el grunge de Nirvana

Dover comenzó exhibiendo su fuerza con la inspiración en el grunge de Nirvana

La rebeldía de antaño parece regresar con fuerza en esta etapa profesional, como si Amparo, Cristina, Jesús y Samuel Titos se hubieran dado cuenta de que el triunfo está más en el sentimiento que en engrosar cuentas millonarias. Cualidad primordial para ofrecer al público composiciones parcheadas con la asfixia creativa, sin importar la fachada comercial resultante.

Dover se mueven muy bien en grandes escenarios, pero en las salas pequeñas es donde sus trovas se erigen como himnos consanguíneos, siempre pendientes a cada verso por desplegar el legado magistral de Kurt Cobain, y hacerlo extensible a gargantas distintas.

Por todo ello, Complications es una gran operación sumatoria, en la que se pueden adicionar los gritos enérgicos de Too Late, la tralla garajera de Crash, el country urbano de Sister Of Mercy, o las variaciones salvajes de Building A Fire.

Dover vivieron uno de sus peores momentos tras el fracaso comercial de "I Ka Kené"

Dover vivieron uno de sus peores momentos tras el fracaso comercial de “I Ka Kené”

Los miembros de la banda suelen referirse a este álbum como un parón necesario, un tiempo de reflexión que ha nacido de jornadas entre giras y actuaciones, sin multinacionales de por medio ni artificiosos sistemas de grabación capaces de deformar las ideas.

Ser un tipo semejante al que eras antes de saborear éxito es otra manera más de reinvención. Aunque, en este caso, asociar este giro de los madrileños con la historia de Dorian Gray queda un tanto excesivo, ya que las hermanas Llanos nunca han deseado parar de crecer.

Dover han generado suficiente interés con "Compilations" a través de temas como "Too Late"/ Photo Credits: dover.es

Dover han generado suficiente interés con “Compilations”, a través de temas como “Too Late”/ Photo Credits: dover.es

Vídeo de “Too Late“, disponible en DoverOficialVEVO

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Raoul Dufy conquista el interior del Museo Thyssen-Bornemisza con la primera gran retrospectiva de su trabajo desde 1989. La exposición, que estará abierta hasta el 17 de mayo, despliega las múltiples etapas que protagonizó el artista francés.

Raoul Dufy pasó por movimientos tan importantes como el impresionismo y el fauvismo/ Photo Credits: museothyssen.org

Raoul Dufy pasó por movimientos tan importantes como el impresionismo y el fauvismo/ Photo Credits: museothyssen.org

El chillido de las hienas salvajes hace temblar la hambruna bestial, que esconde las pinturas del creador nacido en El Havre.

Dentro de ese hábitat incómodo y agresivo, las líneas se convierten en manchas de color, y el aparente hedonismo de las figuras desborda miedo colectivo.

Raoul Dufy fue a lo largo de su existencia un creador polifacético, inmenso, capaz de anticipar los más variados atajos para madurar al socaire de sus pinceles prodigiosos, sus acuarelas luminosas, sus telas vigorizantes y sus cerámicas acogedoras.

Un abanico de fantasías plásticas que el maestro galo completó con el dibujo y las ilustraciones para libros (actividad en la que destaca el trabajo que realizó para El bestiario de Guillaume Apollinaire).

Durante sus setenta y seis años de vida, el admirador confeso de Henri Matisse albergó múltiples paletas y estilos. Arco deslumbrante de obras que el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid exhibe en la muestra titulada simplemente Dufy (la cual estará abierta del 17 de febrero al 17 de mayo de 2015).

Raoul Dufy siempre ha sido asociado al hedonismo pictórico/ Photo Credits: museothyssen.org

Raoul Dufy siempre ha sido asociado al hedonismo pictórico/ Photo Credits: museothyssen.org

RAOUL DUFY, EL BON VIVANT DE LA BOHEMIA

Noventa y tres piezas, procedentes de algunas de las pinacotecas más importantes de Europa y Estados Unidos, se dan cita en la institución asentada en la Villa y Corte, para departir animadamente sobre el currículo de un hombre ansioso por aprender, que cambió sus intereses profesionales con la facilidad con la que nacían y morían las vanguardias de su tiempo.

Impresionista en sus inicios, el joven Dufy comenzó a profundizar en los oleos a través de las imágenes de Eugène Boudin, para luego avanzar con paso firme hacia el paisajismo, influenciado por Claude Monet y Camille Pissarro. A ese tiempo corresponde la necesidad del porteño para hacer un hueco a la vida orgánica de la sociedad parisina, caracterizada por las diversiones, las carreras de caballos y las distensiones ajenas a los males que padecían los menos favorecidos.

Raoul Dufy desarrolló una técnica propia a través de sus experimentos con el color/ Photo Credits: museothyssen.org

Raoul Dufy desarrolló una técnica propia, a través de sus experimentos con el color/ Photo Credits: museothyssen.org

Esa ordenación de naturaleza adocenada se convirtió rápidamente en salvajismo alocado, cuando RD entró en contacto con el fauvismo: hecho que desembocó la visión del cuadro Lujo, calma y voluptuosidad, de Henri Matisse. La escena fue como un disparo en plena retina para el de El Havre, y le animó a cocinar la rabia cromática con la que su pintura adquirió la personalidad de la psicopatía del caballete.

Y así practicó su Arte hasta 1909, cuando el acercamiento a Paul Cézanne embarcó a Dufy en la etapa cubista, que dio origen a la técnica que este apadrinó: la taquigráfica, correspondiente a los esqueletos danzantes.

El recorrido cronológico propuesto por el comisario y experto del Thyssen Juan Ángel López-Manzanares permite atisbar el crecimiento progresivo de un individuo que consiguió extraer los elementos constitutivos del espectro de color.

Unas partes de arcoíris mediatizadas por las pesadillas de la sinrazón, y con las que el compatriota de Jean Renoir elevó un universo de formas polivalentes, nunca sujetas a las explicaciones simplistas de los cerebros planos.

El Museo Thyssen-Bornemisza ha editado un extenso catálogo sobre la obra de Raoul Dufy

El Museo Thyssen-Bornemisza ha editado un extenso catálogo sobre la obra de Raoul Dufy

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Gerard Butler ejerce de dios egipcio en Gods Of Egypt. El escocés es el protagonista de este esperado blockbuster, que dirige el norteafricano Alex Proyas.

Gerard Butler graba su parte en Australia desde hace algunos meses/ Photo Credits: gerardbutler.phpbb.so

Gerard Butler graba en Australia desde hace algunos meses/ Photo Credits: gerardbutler.phpbb.so

El Valle del Nilo está de moda en las carteleras.

Después de que Ridley Scott paseara su cámara por las extensiones desérticas del imperio faraónico, en Exodus; ahora le toca el turno a  Alex Proyas, quien hace de tan emblemático escenario el protagonista visual de Gods Of Egypt. Aunque, para ser exactos, en el caso de este último título sea Nueva Gales del Sur donde se ha recreado el mítico territorio; mientras que Scott escogió Cádiz como disfraz ideal para el país de Moisés y Ramsés II.

En los inmensos platós construidos en Australia, Gerard Butler hace de las suyas en la piel del guerrero Set: un dios asociado con el caos, que usurpa el trono para sumir a la humanidad en uno de los períodos más oscuros de cuantos esta ha experimentado a lo largo de los siglos.

Al más puro estilo de los tiempos de Cleopatra y Los diez mandamientos, desde hace unos meses, gigantescos sets de grabación acogen al nutrido al equipo de Gods Of Egypt: película pródiga en efectos visuales, que revitaliza el género de aventuras paganas.

Gerard Butler lleva el caos al feudo de los faraones

Gerard Butler lleva el caos al feudo de los faraones

GERARD BUTLER RETA A LOS MORTALES

Ambientada en un tiempo legendario, el guion elaborado por Matt Sazama, Burk Sharpless (responsables del libreto de Drácula- La leyenda jamás contada) y el propio Proyas narra un relato con reminiscencias a El príncipe de Persia y El ladrón de Bagdad; un argumento que no desentonaría entre los cuentos de Las mil y una noches.

La acción comienza cuando el temido Set usurpa el poder en el imperio de las pirámides. La autocoronación del ser sobrenatural (hijo de Ra y hermano de Osiris) viene teñida de dictatoriales consignas, y desencadena un gobierno de nula misericordia hacia sus pretendidos súbditos.

Sin embargo, un simple delincuente callejero llamado Bek (papel que encarna Brenton Thwaites) pondrá en jaque a la malvada deidad y a sus secuaces. Un muchacho que se ve espoleado por el amor secreto que muestra hacia una princesa; la cual ha sido secuestrada por el maquiavélico Set.

Gerard Butler ya obtuvo unos excelentes resultados al tratar la mitología épica en 300

Gerard Butler ya obtuvo unos excelentes resultados al tratar la mitología épica en 300

Como surgido directamente del tránsito de las Termópilas, Gerard Butler se viste nuevamente con los ropajes pretéritos de los luchadores sin tregua, para exhibir ahora su musculatura como gladiador celestial. Una tarea en la que el británico está perfectamente secundado, por un reparto que mezcla veteranía y juventud. En el apartado de los intérpretes más fogueados destaca la presencia del danés Nikolaj Coster-Waldau (Jamie Lannister aparece caracterizado como el justiciero Horus), Geoffrey Rush (Ra) y Rufus Sewell (Urshu), entre otros. Mientras que en el apartado de las estrellas emergentes sobresale la presencia del atlético Brenton Thwaites (quien busca la confirmación, tras su actuación en el filme Maléfica).

Proyas dirige su proyecto (que llegará a las carteleras a comienzos de 2016, y que cuenta con el apoyo financiero de Summit Entertainment y Fox Studios) basado en la espectacularidad como elemento principal. Apuesta que, en cierta forma, distancia este trabajo de los que conforman la filmografía del cineasta, y que iban más por la senda de la ciencia ficción reflexiva: tales como Dark City y Yo, Robot.

Nikolaj Coster-Waldau hace de Horus en la película

Nikolaj Coster-Waldau hace de Horus en la película

Aventuras, hechizos, combates, escenas al borde de lo increíble y duelos a ras de lanza son algunos de los ingredientes que acompañan a este largometraje con trazas de supreproducción. En definitiva, un cosmos que dibuja con pinceladas millonarias la espiritualidad del Antiguo Egipto. Oropeles que rinden tributo a los asuntos de los dioses…

El joven Brenton Thwaites es el único que se opone al poder de Gerard Butler en el largometraje

El joven Brenton Thwaites es el único que se opone al poder de Gerard Butler en el largometraje

Más información en

http://www.foxstudios.com/

 

Federico Luppi es el principal intérprete de El reportaje: una obra que sigue, a ritmo de entrevista, la organización del incendio del Teatro del Picadero.

 

Federico Luppi encarna a uno de los máximos responsables de la represión cultural en el gobierno de Videla

Federico Luppi encarna a uno de los responsables de la represión cultural en el gobierno de Videla

De 1976 a 1983, el país del tango vivió uno de los períodos más oscuros en su historia como nación.

Durante ese lapso temporal, cientos de personas desaparecieron de sus casas de la noche a la mañana, todos ellos opositores de la dictadura militar comandada por el antiguo general Jorge Rafael Videla (quien se alzó con el poder a la fuerza, al frente de lo que eufemísticamente fue bautizado como Proceso de Reorganización Nacional).

Una de las primeras cosas que los militares comenzaron a controlar fue la libertad de expresión, con una mordaza sutil y traicionera, destinada a anular a  los que pensaban de manera contraria al dogmático ejecutivo.

Bajo tales medidas soterradas de aniquilación, muchos pensadores y políticos fueron raptados de sus domicilios, encarcelados y torturados hasta la muerte. Actos que desconocía el grueso de la población, y a los que pusieron lágrimas y gritos de furia las Madres de la Plaza de Mayo.

Federico Luppi es el principal reclamo artístico del sincero documento escrito por Santiago Varela

Federico Luppi es el principal reclamo artístico del sincero documento escrito por Santiago Varela

En medio de la mencionada ola represiva, la cultura fue uno de los ámbitos en el que más se cebaron los uniformados golpistas. A tal efecto, las huestes afines al poder sembraron el terror sin contemplaciones; y ocasionaron –entre otras actividades- numerosos ataques a los centros de transmisión artística, como el del Teatro del Picadero de Buenos Aires, perpetrado un 6 de agosto de 1981 (irónicamente, el mismo día en que Frank Sinatra divertía a los opresores, en los salones del Hotel Sheraton de la capital albiceleste).

Los lustros transcurridos desde entonces han conseguido llevar a la cárcel a algunos de los responsables del genocidio dictatorial, al tiempo que ha permitido volver a edificar un inmueble heredero del arrasado Teatro del Picadero.

Fruto de esa década de confusión y muerte, El reportaje aterriza en la Sala Negra de los Teatros del Canal de Madrid, para recordar los excesos cometidos por los que tomaron ilegalmente las riendas de Argentina, después de deponer por las pistolas a María Estela Martínez de Perón.

El texto recoge las consecuencias de la destrucción del Teatro Picadero, como símbolo de la libertad ciudadana

El texto recoge las consecuencias de la destrucción del Teatro del Picadero, todo un símbolo de la libertad ciudadana

FEDERICO LUPPI PONE RASGOS A LA BARBARIE

La obra ideada por Santiago Varela (y dirigida por Hugo Urquijo) centra el foco dramático en un anciano con la mirada vaga y cansada, aunque no exenta de una autoridad pretérita y cuartelera. En el momento de arrancar la pieza, el hombre permanece preso en la cárcel, después de ser condenado por un tribunal, debido a su participación en el régimen de los militares.

En semejante tesitura, el individuo quiere explicar ante sus compatriotas sus motivaciones; por lo que accede a entrevistarse con un periodista televisivo, quien desea poner rostro al genocidio y encontrar respuestas a la sinrazón desencadenada entre 1976 y 1983.

Federico Luppi aporta la credibilidad necesaria a un personaje que colaboró en la  masacre dictatorial

Federico Luppi aporta la credibilidad necesaria a un personaje que colaboró en la
masacre dictatorial

Tal argumento pone al espectador alerta desde que se alza el telón, y le lleva vertiginosamente a través de sorprendentes giros, increíbles cuando los enfatiza la voz del actor Federico Luppi. El intérprete gasta zapatos hechos girones, consumidos por décadas de profesión; y exhibe sus escamas de virtuosismo en un ejercicio de lacerante soledad (pese a tener sobre el escenario a los no menos competentes Susana Hornos y Juanjo Andreu).

Un sencillo decorado y muchas confesiones escalofriantes dejan constancia de los injustos procedimientos de Videla y sus matones contra el denominado Teatro Abierto: formación que pretendía ofrecer al público una visión libre y contestataria de la Argentina de 1981. Un experimento que el exmilitar protagonista atacó sin compasión, para enterrar en las cenizas los sueños de un montón de jóvenes que demandaban una salida democrática para su tierra.

Las Madres de la Plaza de Mayo proyectan su espíritu a cada acto de "El reportaje"

Las Madres de la Plaza de Mayo proyectan su espíritu en cada acto de “El reportaje”

A la vez que Luppi dibuja a este tipo de cuadriculada maldad, los espectadores se adentran en la psique más oscura de la Historia, agarrados a unos lazos discursivos que pueden recordar a los utilizados en la película El desafío (filme basado en la célebre entrevista realizada por David Frost a Richard Nixon en 1977, y que también dio pie a una homónima obra de teatro).

A día de hoy, la gran mayoría de las ya Abuelas de la Plaza de Mayo siguen buscando a sus parientes, espíritus ausentes por el martirio al que les sometieron unos autómatas con galones. Sin embargo, lo que no consiguieron estos soldados de la brutalidad fue apagar los cantos de los que elevaron su lírica por encima de los golpes y las violaciones.

El reportaje es una fiel muestra de esa resistencia necesaria: siempre dispuesta a comprender, nunca servil a los intereses de los asesinos.

El estilo narrativo de "El reportaje" tiene en "El desafío" un claro referente escénico

El estilo narrativo de “El reportaje” tiene en “El desafío” un claro referente escénico

Avance de “El reportaje“, elaborado por los Teatros del Canal

Más información, venta de entradas y horarios en

http://www.teatroscanal.com

T. S. Eliot es objeto de un particular homenaje por parte de Lumen. La editorial presenta en español una edición revisada de dos de las obras puntales del poeta de Misuri: “Prufrock” y “La tierra baldía“.

T. S. Eliot publicó "La tierra baldía" en 1922

T. S. Eliot publicó “La tierra baldía” en 1922

Ladrillos de tradición cayeron sobre las páginas manuscritas por el norteamericano más inglés de la literatura.

Encerado con el espíritu de la creatividad sin dogmas, Thomas Stearns Eliot adoptó el modernismo con las raíces bien echadas sobre el barbecho eduardino; y con el fruto de su siembra recogió el tesoro de una obra ampliamente simbólica, trágica y tremenda: como el mundo en el que se desarrollaron sus versos.

T. S. Eliot falleció en su casa londinense un 4 de enero de 1965, por culpa de un enfisema ocasionado por sus múltiples dolencias. Breve trayecto de apenas setenta y siete inviernos en el que el estadounidense de nacimiento levantó dos de los pilares de la poesía contemporánea: Prufrock y otras observaciones (1915) y La tierra baldía (1922). Pareja bien matrimoniada de títulos con la que la editorial Lumen rinde homenaje al autor, al cumplirse medio siglo de su defunción.

T. S. Eliot marcó el puso de la poesía contemporánea con "La tierra baldía"

T. S. Eliot marcó el puso de la poesía contemporánea con “La tierra baldía”

T. S. ELIOT Y LA CAPACIDAD PARA ADENTRARSE EN LA DIMENSIÓN DESCONOCIDA

La profunda labor interpretativa del crítico Andreu Jaume avala el volumen que ha asaltado las librerías desde el pasado mes; el cual muestra sin aderezos innecesarios el alma desnuda de un rapsoda comprometido con el Arte, siempre pendiente de ir más allá de las correcciones sociales, de las épocas concretas y de los discursos pomposamente elitistas.

Estos horizontes, de barrocas insinuaciones y tenebrismos asfixiantes, comenzaron a alimentar el trabajo de Thomas Stearns desde la aparición de Prufrock.

Considerado un ejercicio de juventud, el extenso poema -elaborado al tiempo que la Primera Guerra Mundial consumía su desidia mortuoria- habla de un hombre en absoluta decadencia, cercenado por el espíritu de la frustración, y con sentimientos de soledades eternas.

T. S. Eliot fue el autor de una obra que removió los cimientos del clasicismo en el campo de la lírica

T. S. Eliot fue el autor de una obra que removió los cimientos del clasicismo en el campo de la lírica

La valentía de su modernismo, en completa afrenta con el romanticismo decimonónico y el ritmo georgiano, llamó la atención del genial Ezra Pound, quien no dudó en incorporarlo a la publicación Poetry: A Magazine Of Verse. Con este acto, Eliot abrió las puertas de un circuito que presagiaba el cambio vertiginoso del legado poético, a través de palabras revolucionarias.

Pese a la juventud del creador de Misuri, la riqueza de su métrica y sus inteligentes asociaciones deslumbraron a los eruditos, quienes se quedaron boquiabiertos ante la facilidad con la que el norteamericano velaba las cuevas fantasiosas de Dante Alighieri, a la vez que visitaba con soltura las construcciones metafísicas de John Donne, entre otras inspiraciones.

Sin embargo, esta primera etapa quedaría pronto completada en 1922, con uno de los textos fundamentales en el pensamiento del siglo XX: La tierra baldía. Integrado por 434 líneas de vitalidad cegadora, este canto épico y espiritual relativo al Santo Grial y a la leyenda artúrica del Rey Pescador cayó como el maná sobre las mentes de los que aún no atisbaban un futuro para la lírica, por lo menos no más allá de los clásicos y las rimas con los pies en el pretérito.

T. S. Eliot escribió parte de "La tierra baldía" mientras estaba internado en un sanatorio de Lausana

T. S. Eliot escribió parte de “La tierra baldía” mientras estaba internado en un sanatorio de Lausana

Sin rechazar nada de lo leído por el natural del país de las barras y estrellas, en las líneas esculpidas por Eliot es posible encadenar el sentimiento soterrado de maestros como Baudelaire, Shakespeare, Ovidio, Homero, Aldoux Huxley, Paul Verlain, Walt Whitman e incluso Bram Stoker. A verso sulfuroso, las asociaciones se suceden sin tregua en un cosmos de letras, donde no existe el tiempo ni el espacio, y donde las imágenes corren desbocadas como caballos en el Parnaso.

Lejos de pertenecer a una dimensión concreta, La tierra baldía es un extenso himno a la humanidad, ajeno a cualquier límite generacional, y completado por cinco secciones a cual más aguerrida (El entierro y los muertos, Una partida de ajedrez, El sermón de fuego, Muerte por agua y Lo que dijo el trueno).

En definitiva, una oda en formato de monólogo; en la que la voz la ponen todos y cada uno de los habitantes del planeta Tierra. Seres vulnerables a los que la pluma de T. S. les otorga timbre y lágrimas, todo en pos de que logren encontrar algo de luz en medio de las sombras.

T. S. Eliot basó el desarrollo de "La tierra baldía" en torno a la leyenda del Santo Grial

T. S. Eliot basó el desarrollo de “La tierra baldía” en torno a la leyenda del Santo Grial

Más información en

http://www.edlumen.net