Agent Carter es el título del esperado spin-off de Agentes de S.H.I.E.L.D., preparado por Marvel y la cadena estadounidense ABC. La producción, que llegará a los hogares de USA a partir del invierno de 2015, sigue los pasos de la eficiente Peggy Carter.

Agent Carter sitúa la acción en la época de 1946

Agent Carter sitúa la acción en la época de 1946

 

Desde que aterrizó por primera vez en las pantallas de la mano de su novio El Capitán América (efectuada en el filme El primer vengador), Peggy Carter ha ido ganando terreno y protagonismo.

Transcurridos tres años, lejos queda la temporada de 2011; cuando la muchacha seguía por todo el planeta a su churri, simplemente para copar un poco de pantalla frente a tanto músculo de laboratorio. Las armas de la gachí se concretaban en belleza, talento y capacidad para amoldarse a las situaciones más complicadas en contextos altamente violentos. Y con semejantes ingredientes, el personaje creado por Marvel ha conseguido sobrevivir a los puntapiés de las heroínas corales.

Tras pasar un tiempo como partenaire de lujo en Agentes de S.H.I.E.L.D., la cadena norteamericana ABC ha tomado la decisión de dedicar un spin-off diseñado para mayor gloria de esta joven con innegable sex appeal. Ocho capítulos que, bajo el título de Agent Carter, llegarán a las pantallas de USA desde el próximo mes de enero de 2015.

Agent Carter comenzó a llamar la atención a partir de los cómics de El Capitán América

Agent Carter comenzó a llamar la atención a partir de los cómics de El Capitán América

AGENT CARTER VUELA AL INFINÍTO Y MÁS ALLÁ

Con un estilismo a lo Indiana Jones, la acción sitúa a Peggy en el año 1946, cuando la contienda mundial ya ha llegado a su fin. Sin embargo, las naciones no se han recuperado aún de las consecuencias del brutal periodo de destrucción masiva. Una realidad que golpea fuertemente a la protagonista, y que se suma a la triste noticia de la desaparición en acto de combate de su enamorado.

En ese estado de vulnerabilidad, la chica es reclutada por Howard Stark (el papá de John Stark, alias Iron Man) para participar en misiones secretas dirigidas por el S.S.R. (Strategic Scientific Reserve). Allí, en calidad de miembro del citado cuerpo de élite, la eficiente Carter exhibirá sus virtudes para la lucha cuerpo a cuerpo, en un planeta cada vez más mediatizado por la política de bloques.

Agent Carter empieza con el reclutamiento de Peggy Carter por Howard Stark

Agent Carter empieza con el reclutamiento de Peggy por Howard Stark

SIMULTANEIDAD CON LA SEGUNDA TEMPORADA DE AGENTES DE S.H.I.E.L.D.

Marvel y ABC TV concibieron el germen de Agent Carter a partir de un cortometraje producido en 2013, y nominado Agent Carter One-Shot. Como ya se ha explicado en párrafos anteriores, Peggy había aparecido en las películas dedicadas al Capitán América (El primer vengador y El soldado de invierno), además de una actuación estelar en el serial Agentes de S.H.I.E.L.D.

No obstante, la inteligente militar únicamente había podido brillar a medias, motivo por el que los responsables de la factoría de Spider-Man y Thor comenzaron a jugar con la posibilidad de explotar el potencial de la fémina. Para ello, la veterana fábrica de viñetas encomendó a los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely que escribieran una historia convincente y con enganche. Y así surgió Agent Carter.

Los creadores de Agent Carter son Christopher Markus y Stephen McFeely

Los creadores de Agent Carter son Christopher Markus y Stephen McFeely

La camaleónica Hayley Atwell no puso reparo alguno en prestar nuevamente su físico para encarnar a la espía con licencia para atacar, labor que ya había efectuado con sobresaliente eficacia en todas las apariciones de la activa heroína. Una misión interpretativa que no va a tener tregua alguna tras la emisión del citado serial, ya que la actriz londinense pronto lucirá el palmito de PC también en formato de celuloide, coincidiendo con el futuro estreno de Ant-Man (a las órdenes de Peyton Reed) y Avengers: Age Of Ultronde Joss Whedon.

Hayley Atwell vuelve a encarnar el papel de Peggy Carter/ Photo Credits: Katrin Marchinowski, Marvel

Hayley Atwell vuelve a encarnar el papel de Peggy Carter/ Photo Credits: Katrin Marchinowski, Marvel

PASADO CON AROMA DE CÓMIC

Sin duda, uno de los puntos a favor de Agent Carter es el de la cuidada ambientación de un pretérito vintage, ideada por un grupo de directores entre los que destaca la presencia de Louis D’Esposito y Scott Winant. A través de esos fondos de telúricos secretos internacionales y conspiraciones para acabar con la Tierra, la novia del Capitán América tendrá que hacer frente a malvados del más variado pelaje, siempre acompañada por su fiel mayordomo Edwin Jarvis.

En definitiva, una completa sucesión de situaciones peligrosas en las que Atwell comparte pantalla con actores tan fogueados como Dominic Cooper (caracterizado como Howard Stark) y James D’Arcy (Edwin Jarvis).

¡Las fuerzas de S.H.I.E.L.D. y del S.S.R. ya están listas para perpetuarse en las ondas catódicas!

¡Qué el share os acompañe!

Agent Carter compaginará su vuelo en televisión con sus apariciones cinematográficas en "Ant-Man" y "Age Of Ultron"/ Photo Credits: Katrin Marchinowski y Marvel

Agent Carter compaginará su vuelo en televisión con sus apariciones cinematográficas, en “Ant-Man” y “Age Of Ultron”/ Photo Credits: Katrin Marchinowski y Marvel

Marvel’s Agent Carter Sneak Peek

Más información en http://www.abc.go.com/shows/marvels-agent-carter

 

Goya en Madrid es el título de la exposición que El Museo del Prado presenta del 28 de noviembre al 3 de mayo de 2015. Una muestra comisariada por Manuela Mena y Gudrun Maurer, que reúne los cartones del maestro de Fuendetodos.

Goya llegó a la capital en 1775/ Photo Credits: "La cometa", Museo del Prado

Goya llegó a la capital en 1775/ Photo Credits: “La cometa”, Museo del Prado

Hubo un tiempo en que Madrid inhalaba ansias de Ilustración.

A finales del siglo XVIII, la Villa y Corte maquillaba su faz de callejones oscuros y floretes desenvainados con los verdores de praderas rococó, salones versallescos y jardines de galanteos lumínicos.

Un universo de pastel cromático y espátulas neoclásicas, en el que Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, 1746- Burdeos, 1828) encajó sin problemas ni restricciones; cual mano aristocrática en las profundidades de un guante aterciopelado.

El artista de “La maja desnuda” (también de su versión vestida) llegó a la capital en 1775; y triunfó en los regios palacios de Carlos III merced a su estilo sin complejos, animado por su capacidad para reflejar la vitalidad costumbrista de la ciudad. Trayectoria en pos de la gloria que granjeó al maño el nombramiento de pintor del rey, en 1786 (aparte de compartir con Mariano Salvador Maello el honor de ser primer pintor de cámara, en 1799).

Goya fue invitado para colaborar con Anton Raphael Mengs/ Photo Credits: "El juego del volante", Museo del Prado

Goya fue invitado para colaborar con Anton Raphael Mengs/ Photo Credits: “El juego del volante”, Museo del Prado

Por los pinceles del Miguel Ángel de San Antonio de la Florida pasaron momentos de caza, juegos inocentes entre jóvenes hedonistas, picardías infantiles, mitologías soñadas y bailes de etiqueta y sonrojo en los abanicos. Unos motivos plásticos que quedaron impresos en sus cartones y tapices; los cuales componen el grueso de la exposición “Goya en Madrid“.

GOYA TRAS LA PISTA DEL DESENFRENO

Perfectas en su aparente frivolidad filosófica, las obras cortesanas del maestro de “Los caprichos” cuelgan en las salas de su casa habitual (El Museo del Prado) del 28 de noviembre al 3 de mayo de 2015, para mostrar al público la grandeza de un periodo un tanto deslucido por la contundencia sobrehumana de sus series más trágicas.

Goya se situó entre las preferencias de la Corte con sus escenas costumbristas/ Photo Credits: "La boda", Museo del Prado

Goya se situó entre las preferencias de la Corte con sus escenas costumbristas/ Photo Credits: “La boda”, Museo del Prado

No obstante, es justo valorar que la España de la juventud de don Francisco no era el fantasma con candiles ensangrentados que el creador aragonés experimentó al calor de la invasión napoleónica, sino un país envuelto en una vorágine por alcanzar los cielos de la distinción artística.

La monarquía de los Borbones, desembarcada en la tierra de Isabel y Fernando con el inicio del mandato de Felipe V, había tomado el mando de una nación preocupada por encontrar la belleza en los diferentes órdenes. Un propósito en el que tuvo mucho que ver la genética italiana de Carlos III.

En esa época, las academias repartían galones de profesionalidad; y el mecenazgo de la Corona propiciaba una existencia más o menos interesada para los arquitectos, escultores y pintores que conseguían llamar la atención. Y Goya fue uno de ellos.

Casado con la hermana de Francisco Bayeu, el retratista de Carlos IV fue invitado a Madrid después de erigirse en Zaragoza como uno de los creadores más relevantes en los vaivenes crepusculares del siglo XVIII.  Unas credenciales que el de Fuendetodos hizo valer para asombrar a los propios y extraños con su excepcional y completo trabajo.

Goya cambió su estilo coincidiendo con la aparición de su enfermedad/ Photo Credits: "Baile a orillas del Manzanares", Museo del Prado

Goya cambió su estilo coincidiendo con la aparición de su enfermedad/ Photo Credits: “Baile a orillas del Manzanares”, Museo del Prado

Sin limitaciones por técnica o temática, FdeG convirtió la urbe del Manzanares en su inmenso taller, para buscar entre los habitantes de la localidad los argumentos con los que vestir sus escenas y divertimentos. Un costumbrismo con alma de crónica social en el que los colores cegadores y luminosos exhibían con emoción las paradojas de tradiciones milenarias.

En los tapices de Goya hay rastros de los abismos psicológicos de Velázquez, puntadas de las figuraciones ancestrales de Anton Raphael Megs y bordados sacados de las contorsiones paisajísticas de los venecianos. Toda una alegoría visual con aroma a sainete, que el autor de “Los fusilamientos de La Moncloa” imaginó con su paleta de visiones ostentosas.

Viajar por la exposición del Museo del Prado es como hacerlo por un tiempo de tregua antes del asentamiento del Apocalipsis decimonónico, cuando don Francisco acabó poseído por las fuerzas oscuras de la negrura del entorno. Bajada a los infiernos de las matanzas y de los demonios pesadillescos que desgarraron la pretérita y soñada Piel de Toro.

Pero esa es otra historia: un relato muy diferente, aunque evolutivo…

Los cartones de Goya tienen una clara inspiración sainetesca/ Photo Credits: "Niños con perros de presa", Museo del Prado

Los cartones de Goya tienen una clara inspiración sainetesca/ Photo Credits: “Niños con perros de presa”, Museo del Prado

Más información, entradas y horarios en http://www.museodelprado.es

 

Antonio Tabucchi actualiza su prosa encendida dos años después de su muerte, con la primera obra póstuma de su extensa carrera. “Para Isabel. Un mandala” es el título del texto, redacción que la Editorial Anagrama ha trasladado al idioma de Cervantes.

Antonio Tabucchi muestra su virtuosismo para reflejar realidades dolorosas

Antonio Tabucchi muestra su virtuosismo para reflejar realidades dolorosas

El rojo de la bandera portuguesa dejó de licuar hemoglobina de oposición tras la muerte de Antonio de Oliveira Salazar.

Dictador sin paños calientes, el líder destacado de lo que vino en bautizarse Estado Novo ejerció su cargo de Primer Ministro desde casi proclamarse el golpe militar de 1926. Mandato de hierro y pólvora que alcanzó su crepúsculo en 1968, dos años antes del fallecimiento del citado caudillo luso.

Un trayecto al camposanto prolongado durante décadas, y en el que perecieron violentamente miles de ciudadanos nacidos en la tierra de los fados.

Isabel fue una de las muchas personas desaparecidas en los abismos del salazarismo. La joven, alumbrada en el seno de una familia acomodada de la burguesía, comenzó a simpatizar con las ideas del Partido Comunista a temprana edad. Camino libertario que conllevó a su posterior desaparición, sin dejar el menor rastro de su paso por el mundo.

Antonio Tabucchi comenzó a escribir "Para Isabel" en 1996

Antonio Tabucchi comenzó a escribir “Para Isabel” en 1996

Y de esta manera, la dama pernoctó con nostálgicos lamentos en los rincones de la memoria; hasta que el escritor Antonio Tabucchi (Pisa, Italia, 1943- Lisboa, Portugal, 2012) le otorgó el protagonismo absoluto (ausente y real) en su novela “Para Isabel. Un mandala“.

Un texto que la Editorial Anagrama ha rescatado del anonimato, para envolverlo con la experta traducción de Carlos Gumpert y ponerlo a disposición del público en la colección Panorama de Narrativas.

ANTONIO TABUCCHI EJERCE DE DANTE

Diseñado originalmente en 1996, el prestigioso autor de “Sostiene Pereira” mantuvo en el silencio este relato de desencuentros y búsquedas por motivos de emotiva sensibilidad, además de por cuestiones de privacidad necesaria.

Como si se tratara de una hermana breve e ibérica de “La Divina Comedia“, “Para Isabel” evoluciona a través de círculos (capítulos), en los que se exponen las obsesiones de los personajes principales: testigos somnolientos de unos hechos que se antojan como sueños o pesadillas, provenientes en su mayoría del cerebro de un detective devenido en tejedor de pretéritos dolorosos.

Antonio Tabucchi planteó a lo largo de su trayectoria un viaje sin treguas hacia la conciencia humana

Antonio Tabucchi planteó a lo largo de su trayectoria un viaje sin treguas hacia la conciencia humana

Al lado del profundo Waclaw-Tadeus, Tabucchi sigue la pista de la revolucionaria fémina conocida como Isabel, a la que la opresión le gastó la mala pasada del olvido; y la cual ejerce una fascinación inmediata y mitológica en la psique del investigador.

Los nueve círculos de los que consta el libro muestran al lector una estructura polivalente, dentro de la que nada es lo que parece. Con semejante armazón, el narrador de “Réquiem” toma la faz de un tour operador centrado en destinos imprecisos, azares borrados por las vidas humanas que no echaron raíces de existencia.

Todos esos escenarios concretan una sinfonía de descubrimientos, en la que los vehículos son seres con huellas de veracidad e historias que contar.  Una galería que lleva a Tadeus a las puertas de la muerte anunciada, como etapa final de una odisea homérica, hipnótica y contagiosa.

Antonio Tabucchi falleció en marzo de 2012/ Photo Credits: rtve.es

Antonio Tabucchi falleció en marzo de 2012/ Photo Credits: rtve.es

Tal cromatismo de tonalidades susurradas es abordado por Antonio Tabucchi con los vapores de una prosa dominadora, reflexiva, inspiradora y altamente visual. Ingredientes de elevada factura literaria que confluyen en esta obra póstuma para hornear un suculento bocado, sincero y sensible, emocionante y nostálgico, generacional y filosófico.

Antonio Tabucchi vuelve a integrar la colectividad a través de personajes individualizados

Antonio Tabucchi vuelve a integrar la colectividad a través de personajes individualizados

Más información en http://www.anagrama-ed.es/titulo/PN_876

 

AC/DC presentan el decimoquinto álbum de estudio en su carrera: “Rock Or Bust“. Once temas inéditos que llegan en un momento delicado para la banda, tras la retirada de Malcolm Young por enfermedad mental y los problemas con la justicia de Phil Rudd.

AC/DC pondrán el disco a disposición del público a partir del 2 de diciembre

AC/DC pondrán el disco a disposición del público a partir del 2 de diciembre

Australia es un país de músicas diversas y multicolores.

En el banquete de las sinfonías oceánicas es posible degustar el pop meloso de Crowded House, las baladas profundas de Air Supply, e incluso mover el esqueleto de forma enloquecida al ritmo de Kylie Minogue.

Aunque si los descendientes de la otrora colonia penal comandada por Gran Bretaña anhelan solazarse con un poco de heavy metal, estos deben pedir en el menú un poco de AC/DC.

Sujetos a un árbol genealógico muy similar al de Olivia Newton-John y The Bee Gees (la cantante de “Grease” y el trío de “Fiebre del sábado noche” llegaron a la isla desde la Inglaterra de los sones internacionales, viaje bastante similar al protagonizado por los Young desde su Escocia natal); los autores de “Highway To Hell” afrontan la presentación en sociedad del decimoquinto álbum de su extenso y ejemplar currículo.

Un disco de escasa duración (menos de una hora) y estribillos contagiosos, que lleva por título “Rock Or Bust” (Albert/Columbia).

AC/DC han visto mermados sus miembros tras la retirada de Malcolm Young/ Photo Credits: acdc.com

AC/DC han visto mermados sus miembros tras la retirada de Malcolm Young/ Photo Credits: acdc.com

AC/DC REGRESAN CON SU UNIVERSO ENSORDECEDOR

Lo que siempre buscamos es ser fieles a lo que hacemos, eso es ser valientes”, asegura Angus Young, en la página web de la banda. Y esas palabras son precisamente las que mejor definen el sentido de este esperado compacto, el cual vendrá acompañado de una planetaria gira de esforzadas actuaciones.

Poco le importa al quinteto afincado en la nación de Melba que los expertos en la materia les achaquen un mal relativo a la falta de innovación o riesgo en sus propuestas; ya que el asunto va más de reforzar el sonido que les ha hecho célebres a lo largo de las décadas, y no de firmar aspavientos de laboratorio carentes de sentido a estas alturas.

AC/DC vuelven a ofrecer una obra fiel a su estilo reconocible y efervescente

AC/DC vuelven a ofrecer una obra fiel a su estilo reconocible y efervescente

Una filosofía activa que entra de lleno en la concepción del heavy metal, género que no es muy dado a variar evolutivamente con los vaivenes de los gustos de las audiencias. Así lo muestran colegas de los australianos de adopción, tales como Scorpions; Iron Maiden; White Snake; o Judas Priest.

En definitiva, un espíritu constante en pos de salvaguardar un estilo definido. Algo que ha favorecido la perdurabilidad en el tiempo de estas formaciones ajenas a la marginalidad generacional.

AC/DC está en el circuito desde 1973, más de cuarenta años en los que han experimentado auténticas montañas rusas cercanas al triunfo y a la decadencia. Todo ello ha conformado un legado activo, que los oceánicos recuerdan con rotundidad mediante las extravagantes líricas contenidas en “Rock Or Bust“.

Sin embargo, y a pesar de la claridad de ideas creativas de los músicos alumbrados en Glasgow, los problemas existenciales estuvieron a punto de acabar con el álbum, casi antes de que este empezara a gestarse en Vancouver.

El revés más duro se produjo cuando Malcolm Young (miembro fundador del team) tuvo que anunciar su retirada por una enfermedad mental. Momento en que el cantante Brian Johnson confesó a los periodistas su poca confianza en que la grabación del nuevo álbum pudiera llevarse a cabo.

Angus Young sigue con su fuerza guitarrera como en sus inicios en AC/DC

Angus Young sigue con su fuerza guitarrera como en sus inicios con AC/DC

Sin embargo, el pequeño de los Young (Angus) estaba decidido a dar a los fans una obra más surgida de la mente colectiva de los héroes de “Voltage“. Para ello, el guitarrista con sempiterno disfraz de colegial contactó con el eficaz Stevie Young (su sobrino), y este suplió con creces la notoria ausencia de Malcolm.

Aunque los obstáculos no se quedaron ahí. Cuando ya estaban más o menos en rodaje, la policía neozelandesa arrestó al batería Phil Rudd por haber contratado supuestamente a unos sicarios, con el objetivo de cometer un crimen. Al final, la acusación de intento asesinato no se mantuvo, pero sí continúa el proceso contra el percusionista por tenencia y tráfico de drogas y por amenazas de muerte.

No obstante, e independientemente de los golpes relacionados con Rudd (hay que pensar que AC/DC ya ha colaborado con otros baterías a lo largo de su existencia) y Malcolm; Angus, Johnson, Cliff Williams y Stevie se encerraron con el productor Brendan O’Brien (habitual compañero de genios como Bob Dylan y Bruce Springsteen) para sacar adelante los once cortes de los que consta “Rock Or Bust“.

AC/DC preparan una extensa gira mundial para 2015

AC/DC preparan una extensa gira mundial para 2015

CANCIONES CONOCIDAS RECIÉN ESCRITAS

Pese a que las letras son inéditas, una sensación de déjà vu protagoniza cada uno de los surcos que diseñan el compacto. Ya en los acordes del potente himno “Rock Or Bust” hay un inevitable ingrediente de pretérito actualizado, que funciona con el alma de hit rotundo. Un panorama de percepciones asumidas que han vertebrado la senda profesional de los hermanos Young y de sus muchachos, a partir de su primer vinilo de 1975.

El coche de AC/DC maqueado para este 2014 sigue consumiendo gasolina de rock risueño y positivista, aderezado con la voz estibadora de Johnson y los riffs estimulantes de Angus. Una fórmula de efectiva comunicación a través de la que los seguidores metaleros pueden sustraerse a los añorados setenta, acompañados por unas melodías propias de la tecnología del siglo XXI.

AC/DC dan en "Rock Or Bust" lo que sus seguidores exigen de ellos

AC/DC dan en “Rock Or Bust” lo que sus seguidores exigen de ellos

Por todo ello, lo mejor de este disco es que no engaña lo más mínimo; y crea una adicción sin fisuras hacia los paisajes atronadores de estos históricos de las estrofas aguerridas,  siempre entonadas sin elitismos y a pie de escenario.

No me gusta tocar por encima o por debajo de las cabezas de la gente. Básicamente, me gusta situarme delante de una multitud y darle caña”, afirma Angus Young.

Ante declaraciones tan nítidas, cualquier comentario sobra.

Vídeo de “Rock Or Bust“, exhibido en el canal acdcVEVO

Más información en http://www.acdc.com

Carey Mulligan se convierte en la orgullosa Bathsheba Everdene, en la nueva adaptación de “Lejos del mundanal ruido“. El filme, dirigido por el danés Thomas Vinterberg, se basa en la novela homónima de Thomas Hardy.

Carey Mulligan lidera el reparto en el debut de Thomas Vinterberg en el mercado anglosajón

Carey Mulligan lidera el reparto del debut de Thomas Vinterberg en el mercado anglosajón

El frío de los campos entrechoca verdores engañosos dentro de los márgenes de la campiña de Thomas Hardy.

Envuelta en las pasiones terrenales de un naturalismo salvaje y despiadado, la tierra del rey Arturo adquirió la faz de un paisaje incómodo al ritmo de la pluma y tinta del escritor de Los poemas de Wessex, sumido en las turbulencias pictóricas de un Turner de grafías poseídas y sufrimientos asfixiantes.

En medio de tales extensiones, los personajes que componen la fauna del literato de Stinsford son seres con llagas sentimentales;  vestidos con carne de harapos, y desgarrados por decisiones erróneas y fatales.

Hardy exhibió los infiernos coetáneos de sus creaciones subido al carro de una prosa enraizada con las injusticias existenciales, mucho más individualista y personal que la de Dickens y bastante más afilada que las aristas reconocibles del costumbrismo de George Eliot y Elizabeth Gaskell.

Los párrafos del autor de Tess, la de los D’Urberville traspiran vientos de páramos sombríos, lluvia sobre pedregosos caminos y riachuelos derivados en maremotos de humanidad sangrante.

Carey Mulligan ha recalcado la fuerza emocional de su impactante personaje

Carey Mulligan ha recalcado la fuerza emocional de su impactante personaje

Con semejantes elementos, el narrador isleño dio bríos a una producción intensa y desconcertante, atrayente y deslumbrante. Un legado de sobresaliente arquitectura en el que “Lejos del mundanal ruido” goza de un protagonismo heroico y épico.

Editada inicialmente por entregas mensuales en la revista Cornhill Magazine, esta obra supuso el primer éxito popular del artista nacido en Dorchester: un texto con el que el maestro de la palabra presentó su particular y desnudo estilo literario, el cual alcanzó simas de nobleza con el apoyo de volúmenes de elevado tonelaje emocional, como “El mayor de Casterbridge“, “El regreso del nativo” y “The Woodlanders“.

La historia de la caprichosa Bathsheba Everdene y del sincero y valeroso Gabriel Oak mantuvo en vilo a los lectores ingleses en esos años decimonónicos de hambrunas y orfandades. Sensaciones que vuelven a la actualidad de la mano del cineasta danés Thomas Vinterberg, el encargado de la nueva versión en formato de celuloide de la inmortal novela de Hardy (largometraje que será estrenado en España el próximo 3 de julio de 2015).

Carey Mulligan se mete en un clásico de la literatura después de su participación en "El gran Gatsby"

Carey Mulligan vuelve a recrear un clásico de la literatura, después de su participación en “El gran Gatsby”

CAREY MULLIGAN SE CASA EN WEATHERBURY

La sinfonía de un romanticismo espectral, en la línea de los versos de Shelley y Browning, recalca mensajes estelares entre las escenas del guion elaborado por David Nicholls (responsable también de la adaptación de “Tess, la de los D’Urberville“, diseñada para la BBC). Arropado por el velamen del excepcional trabajo del screenwriter de “One Day“, el director de “La caza” adentra su cámara en el universo enfermizo de la bella Bathsheba y de sus tres pretendientes; justo como hizo John Schlesinger en 1967.

El filmmaker nórdico no ha dudado en rodar en las localizaciones donde TH concibió las esporas de desencanto de “Lejos del mundanal  ruido“, una puesta en escena que pretende ser un reflejo sincero y evocador de las memorias en sepia del escritor de “La mano de Ethelberta“.

Allí, hundida en el mencionado ecosistema de maldiciones sentimentales, la británica Carey Mulligan (“El gran Gatsby“) corona su fisonomía con la piel marmórea de una fémina rebelde y autodestructiva, mientras hipnotiza con sus gestos de Eva seductora al trío de actores compuesto por Michael Sheen (encarnado como William Boldwood), Matthias Schoenaerts (Gabriel Oak) y Tom Sturridge (El sargento Francis Troy).

"Lejos del mundanal ruido" fue publicada originalmente en 1874

“Lejos del mundanal ruido” fue publicada originalmente en 1874

Ellos son los rostros destacados de una película que sigue con cierta fidelidad la obra del creador de “Un par de ojos azules“. Movie que comienza cuando la joven huérfana Bathsheba llega a la casa de su tía, para vivir al lado de esta. En esas instancias, la chica conoce a un ovejero llamado Gabriel Oak, un hombre con ambiciones relativas al que rechaza cuando este le abre su corazón.

Tras la decepción del ganadero, la trama salta en el tiempo y sitúa a los personajes en un espacio muy diferente dentro de la escala social y clasista. Ahora, la otrora muchacha es una rica hacendada; mientras que Oak busca una ocupación después de perder su pretérito rebaño.

La traslación en la vida de la pareja separa aún más a Everdene y a Gabriel, a la par que pone sobre el tapete a otros amores de la dama; en concreto, a un pequeño esquire nominado William Boldwood y un atractivo sargento de infantería conocido como Francis Troy.

John Schlesinger alcanzó resultados sorprendentes con su visión de "Lejos del mundanal ruido", grabada en 1967

John Schlesinger alcanzó resultados sorprendentes con su visión de “Lejos del mundanal ruido”, grabada en 1967

Estas coordenadas argumentales definen las contorsiones de un relato que rezuma energía y visceralidad, y que dio pie a la excelente película promovida por John Schlesinger en 1967.

Un precedente con solera al que Vinterberg no quiere dar aliento de obsesiva comparación. Mensaje que el cineasta danés ha recomendado a su equipo interpretativo al completo; aunque el consejo fuera especialmente dedicado a Carey Mulligan (la cual tiene entre manos la difícil tarea de hacer olvidar a la imborrable Julie Christie).

Carey Mulligan tiene la difícil tarea de que los espectadores no asocien su trabajo al de Julie Christie

Carey Mulligan tiene la difícil tarea de que los espectadores no asocien su trabajo con el llevado a cabo por Julie Christie en 1967

Tráiler de “Lejos del mundanal ruido“. http://www.imdb.com

Más información en http://www.foxmovies.com

Casa de muñecas visita la Sala Verde de Los Teatros del Canal de la Villa y Corte con toda su fuerza intrínseca. Jerónimo Cornelles y Ximo Flores ponen en escena una de las obras más reivindicativas de las ideadas por el noruego Henrik Ibsen

"Casa de muñecas" estará en la capital del 26 de noviembre al 7 de diciembre de 2014/ Photo Credits: Sergi Vega

“Casa de muñecas” estará en la capital del 26 de noviembre al 7 de diciembre de 2014/ Photo Credits: Sergi Vega

La nieve cae con insistencia sobre el cuerpo de Nora Helmer.

La esposa del banquero Torvald necesita sentir el frío en sus músculos, enjuagar sus lágrimas con el blanco elemento que anega el piso de un habitáculo cargado de reproches y ansiedades.

Henrik Ibsen imaginó a la heroína de “Casa de muñecas” como una especie de revulsivo contra las tradiciones sexistas, enclaustradas en una época de manzanas ponzoñosas.

Y de las airadas reflexiones del escritor respecto a la injusticia social nació un texto de profundas raíces humanas; de los que toman el espíritu de los alegatos libertarios, frente a los escudos de la esclavitud matrimonial.

El 21 de diciembre de 1879, el dramaturgo noruego estrenó esta inmortal pieza dentro de las extensiones arquitectónicas del Det Kongelige Teater de Copenhague. Y, desde entonces, la escena internacional se ha rendido ante la contundencia de sus actos valientes y rebeldes, sinceros y corajudos.

"Casa de muñecas" renueva su discurso con una puesta en escena contemporánea/ Photo Credits: Sergi Vega

“Casa de muñecas” renueva su discurso con una puesta en escena contemporánea/ Photo Credits: Sergi Vega

Un recorrido por los templos de la interpretación más laureados del planeta, que llega a Madrid en este otoño de llantos virtuales, de agujeros en los bolsillos y amargura en el rostro.

“CASA DE MUÑECAS” Y LA NUEVA EVA

Nora Helmer es una auténtica mujer capaz de amar como pocos, y de sacrificarse por los demás en un mundo profundamente materialista. Y, al mismo tiempo, Nora es un puro grito al inconformismo. Su portazo final suscita un anhelo revolucionario más allá del escenario. Sigamos la pista de Nora”, explica Ximo Flores, director encargado del proyecto que albergará la Sala Verde de Los Teatros del Canal (Calle Cea Bermúdez 1) del 26 de noviembre al 7 de diciembre de 2014.

Rebeca Valls es la protagonista de esta nueva versión de "Casa de muñecas"/ Photo Credits: Sergi Vega

Rebeca Valls es la protagonista de esta nueva versión de “Casa de muñecas”/ Photo Credits: Sergi Vega

Lejos de la exacta iconografía de carácter luterano de la obra de Ibsen, la compañía Bramant Teatre apuesta por una traslación minimalista de actualidad literal, simplemente alimentada con la proyección de imágenes y elementos tendentes a enfatizar la barahúnda interior desplegada por la protagonista.

Las innovaciones en una creación como la del autor de Hedda Gabler -la cual supera las barreras generacionales e incluso las centurias- resultan realmente superfluas e innecesarias, sobre todo si éstas no vienen acompañadas de un entramado trágico con entidad suficiente. Algo que ha intentado concitar con ingenio Jerónimo Cornelles.

Envueltos por decorados desnudos y con luces cambiantes (muchas veces vestidos con los ropajes de focos directos), los actores declaman la triste historia del matrimonio Helmer y de los que se hallan a su alrededor; camino que toman con la ambivalencia de las confesiones hechas desde los abismos existenciales.

"Casa de muñecas" narra el relato de una mujer asfixiada por su vida matrimonial/ Photo Credits: Sergi Vega

“Casa de muñecas” narra el relato de una mujer asfixiada por su vida matrimonial/ Photo Credits: Sergi Vega

Liderado por la agonía coreográfica de Rebeca Valls (quien se mete en la piel de Nora, aunque sin portar el ropaje decimonónico en el que encorsetó su cuerpo el papel original), el elenco deambula por el suelo de madera para hacer visibles sus vicios y sus virtudes, sus anhelos y sus cadenas, sus bajos instintos y su capacidad para hacer el bien y el mal.

Dentro de este juego de fuerzas contrarias, Valls ejerce de voz licuada para reclamar la justicia de su tiempo. Pero ella no es la única que vierte lágrimas de hiel sobre los atónitos espectadores, sino que también lo hacen el esposo de Nora (al que encarna Jerónimo Cornelles), la amiga que responde al nombre de Helena (Teresa Crespo) y el enfermizo y debilitado Dr. Rank (Manuel Puchades).

Al final, el poder decisorio de la esposa del banquero queda como emblema de la dignidad personal, intransferible y vital. Un derecho que, independientemente del sexo del demandante, nunca debería estar limitado por norma alguna.

Pese a que el personaje de Nora es el principal reclamo en cuanto a dosis de tragedia, el resto del elenco también muestra sus frustraciones/ Photo Credits: Sergi Vega

Pese a que el personaje de Nora es el principal reclamo en cuanto a dosis de tragedia, el resto del elenco también muestra sus frustraciones/ Photo Credits: Sergi Vega

Teaser promocional de “Casa de Muñecas“, colgado en youtube por Jerónimo Cornelles

Un proyecto de Bramant Teatre. Producción de Culturarts

Más información, entradas y horarios en http://www.teatrosdelcanal.com

 

 

 

 

El Rijksmuseum de Ámsterdam acoge hasta el próximo 11 de enero “Modern Times“: una exhibición compuesta por más de trescientas imágenes, que ha sido montada como secuela de la legendaria muestra titulada “A New Art. Photography In The 19th Century” (celebrada por la pinacoteca en 1996).

Olympic High Diving Champion Marjorie Gestring, San Francisco 1936, John Gutmann/ Photo Credits: Rijksmuseum y John Gutmann

Olympic High Diving Champion Marjorie Gestring, San Francisco 1936, John Gutmann/ Photo Credits: Rijksmuseum y John Gutmann

¿Es posible establecer un nexo común, invisible y efectivo, entre el galope de los caballos retratados por Eadweard Muybridge en 1887 y las escenas tomadas en Surinán por Viviane Sassen, en 2013?

La técnica, el cambio de época, la perspectiva… Muchas son las diferencias que separan una propuesta de la otra. Sin embargo, sí hay un inmanente hilo de Ariadna que une los dos extremos temporales de un Arte que ya pasa de la centuria.

Los diálogos de la creación son incomprensibles si no se atiende a las tildes figuradas, a los denominadores comunes carentes de una identificación real y matemática. Ahí es donde hay que buscar, cual arqueólogos de la sensibilidad, el parecido genético entre las imágenes.

Entre las obras se puede encontrar esta pequeña joya de Jacques-Henri Lartigue, tomada en 1910/ Photo Credits: Rijksmuseum y Jacques-Henri Lartigue

Entre las obras expuestas, se puede encontrar esta pequeña joya de Jacques-Henri Lartigue, tomada en 1910/ Photo Credits: Rijksmuseum y Jacques-Henri Lartigue

No obstante, para lograr el objetivo de hallar el esqueleto de concordancia que hay detrás de las emulsiones fotográficas pasadas, presentes y futuras no existen guías; y menos impresas con los tipos de la intelectualidad de laboratorio.

Solo hay exposiciones que alumbran datos subjetivos. De esta manera es como hay que afrontar “Modern Times“, la vasta exhibición que alberga el ala Philips del Rijksmuseum de Ámsterdam, hasta el próximo 11 de enero de 2015.

EL RIJKSMUSEUM Y LOS OBJETIVOS INDISCRETOS

Las más de trescientas obras que cuelgan en los muros de la ampliación de Cruz y Ortiz son un simple apunte de las más de 20.000 que alimentan los fondos de la institución holandesa. Un reflejo claro y diáfano respecto a la importancia que el museo otorga a los maestros del nitrato de plata.

De hecho, “Modern Times” ha sido concebida por los expertos Mattie Boom y Hans Rooseboom como una secuela de una muestra que la pinacoteca tulipán celebró en 1996, bajo el título de “A New Art. Photography In The 19th Century“.

Advertising Photograph for Jolo Couture, with Photo Model/ Photo Credits:  Rijksmuseum y Jolo Couture

Advertising Photograph for Jolo Couture, with Photo Model/ Photo Credits: Rijksmuseum y Jolo Couture

En esta ocasión, los testimonios visuales del siglo XX (con algunas incursiones en la década crepuscular del XIX y los iniciales balbuceos del XXI) son los que copan el protagonismo del recorrido; dentro del que confluyen el blanco y negro y el color, las motivaciones subliminales y el fotoperiodismo, o las connotaciones fashion y los rasgos depauperados de la humanidad hambrienta y desahuciada.

Con estos ejes argumentales y a lo largo de la muestra, las retinas visten de asombro prematuro su campo festivo; alentadas mediante trabajos verdaderamente sorpresivos de genios del calado de Brasaï, Ed van der Elsken, John Gutmann, Lewis Hine, William Klein, Jacques-Henri Lartigue, Joel Meyerowitz, László Moholy-Nagy, Man Ray o W. Eugene Smith.

Después de clarear el iris con semejante álbum de recuerdos intemporales (sujetos a las telarañas de los negativos poderosos), parece que el viejo e irrelevante alegato en contra del arte de la realidad latente ya ha dejado de existir entre los puristas. La fotografía se ha convertido, por derecho propio y a través de sus obras y del pulso de sus épicos creadores, en una invitada de lujo en los mejores salones de recias paletas y eternos cinceles.

Un comensal digno y valiente, contemporáneo y accesible, al que el Rijksmuseum ha sentado a la misma mesa en la que comen sus frutos oleosos y lumínicos tipos de dorados oropeles como Rembrandt, Rubens y Vermeer.

Nathalie Paley Wearing A Dress Designed, by Lucien Lelong/ Photo Credits: Rijksmuseum y Lucien Lelong

Nathalie Paley Wearing A Dress Designed, by Lucien Lelong/ Photo Credits: Rijksmuseum y Lucien Lelong

Más información, entradas y horarios en http://www.rijksmuseum.nl

Bob Dylan amplia su legado musical con  “The Basement Tapes Complete: The Bootleg Series Vol. 11” (Columbia Records/ Legacy Recordings), una completa edición de las grabaciones caseras protagonizadas por el creador de “I’m Your Teenage Prayer” y The Band.

Bob Dylan realizó las 118 grabaciones de los seis compactos en 1967

Bob Dylan realizó las 118 grabaciones contenidas en los seis compactos en torno a 1967

En la segunda mitad de los años setenta, el sótano rosa de la vivienda situada en la calle neoyorquina de West Saugertier aullaba melodías históricas. Ecos renovadores de sirenas norteamericanas, interpretados por un conjunto de genética canadiense llamado The Band y el compositor de Minnesota bautizado como Robert Allen Zimmerman (más conocido como Bob Dylan).

Dentro del mencionado habitáculo, estos trovadores de alma mestiza (calzada en los sinuosos tacones del rock, el country, el blues, el folk y el jazz) dieron rienda suelta a sus respectivas virtudes sinfónicas, para componer parte del cancionero más recordado del pasado siglo XX.

Esas jornadas de sudor de cierre y discusiones de pentagrama han permanecido en la caja fuerte del silencio voluntario durante más de cuatro décadas. Hasta que en este 2014 han visto la luz, a través del disco “The Basement Tapes Complete: The Bootleg Series Vol. 11” (Columbia Records/ Legacy Recordings).

Bob Dylan y The Band protagonizaron conciertos legendarios durante los años sesenta

Bob Dylan y The Band protagonizaron conciertos legendarios durante los años sesenta

BOB DYLAN, THE BAND Y EL ESPÍRITU HIPPY

Sin polvo en sus estrofas, los 118 temas recopilados en los seis discos de este ansiado álbum revelan la brillantez artística de Dylan, Robbie Robertson, Rick Danko, Richard Manuel, Garth Hudson y Levon Helh; la cual dio lugar a una serie de conciertos tan míticos como el del Free Trade Hall de Manchester, donde Robert Allen Zimmerman se encaró con el público y zanjó la contienda con el tema “Like A Rolling Stone”.

Rescatados de la quema por el archivista y productor Jan Haust y el multiinstrumentista Garth Hudson (inolvidables son sus actuaciones con The Band portando tradicionales complementos, como el órgano Lowrey), los cortes incluidos cronológicamente en The Basement Tapes Complete ponen color a una época en la que la rebeldía tomaba las pulsiones de líricas reflexivas, moldeadas con escayolas de protesta (tanto políticas y sociales, como de epidermis existencialistas).

Bob Dylan estaba junto a Robertson, Danko, Manuel, Hudson y Helm cuando interpretó por primera vez "Like A Rolling Stone"/ Photo Credits: AP Photo

Bob Dylan estaba junto a Robertson, Danko, Manuel, Hudson y Helm cuando interpretó por primera vez “Like A Rolling Stone”/ Photo Credits: AP Photo

Al ritmo del timbre litúrgico y nasal de Dylan, los compactos remasterizados reproducen odas de modernidad latente y nunca olvidada. Himnos de populares connotaciones que portan los estandartes guerreros de letras como las de Edge Of The Ocean, Under Control, Spanish Is The Loving Tongue, Big Dog, One For The Road, Tears Of Rage, Get Your Rocks Off, Blowin’ In The Wind, All You Have To Do Is Dream, 2 Dollars And 99 Cents, Down The Station o Pretty Mary.

Un peregrinaje sin treguas de emoción contenida en el que también se muestran las preferencias inspiradoras de tipos como Jonnhy Cash (BD siempre ha declarado la admiración sentida hacia el trabajo del Hombre de Negro, quien aparece versionado por Dylan y sus muchachos a través de temas como Belshazzar, Big River o la bella y amarga Folsom Prison Blues) y Curtis L. Mayfield (de quien toman prestadas songs del estilo de People Get Ready).

Bob Dylan y The Band dieron lustre a más de un centenar de composiciones

Bob Dylan y The Band dieron lustre a más de un centenar de composiciones

Después de una larga y ardua labor de ensamblaje, los tracks desplegados por esta banda sonora sensible y nostálgica exponen su grandeza tal cual fueron concebidos por sus autores, sin adición alguna de carácter restaurador ni adornos superfluos. Una filosofía activa que hace comprensible el pretérito anhelo por saber qué se creó exactamente en el antiguo sótano neoyorquino conocido como Big Pink  (incluso llegó a circular un vinilo pirata sobre estas buscadas grabaciones).

En definitiva, un documento de surcos activos que también deja en pañales el producto que lanzó al mercado Columbia Records en 1979, bajo el título de The Basement Tapes; y el cual contaba con 16 canciones de las muchas que horneó el inconmensurable sexteto de genios.

Bob Dylan dejó de colaborar con The Band a finales de los sesenta

Bob Dylan dejó de colaborar con The Band a finales de los sesenta

Más información en http://www.bobdylan.com

 

Michael Fassbender es el protagonista de “The Light Between Oceans“, una historia de personajes al límite de la supervivencia basada en el homónimo texto de M. L. Stedman. Derek Ciafrance es el director de la película.

Michael Fassbender lidera el elenco basado en el best seller de una abogada australiana

Michael Fassbender lidera el elenco basado en el best seller de una abogada australiana

En 2012, una letrada de Perth acaparó la atención internacional con su primera novela.

A pesar de no contar con el habitual y atronador armazón de los best sellers tradicionales, el libro alcanzó los primeros puestos en ventas nada más salir al mercado; simplemente amarrado a la vida de un grupo de personajes hundidos en la soledad, sujetos a un concepto del aislamiento omnipresente y asfixiante. Entre los océanos Índico y Ántártico, los seres que habitan en las páginas del book dialogan a través de silencios en penumbra,  enunciados desde la ansiedad de los espíritus malditos.

The Light Between Oceans es el título de la citada y pasional obra, un cuadro de tonalidades sensibles que el cineasta Derek Ciafrance (“Blue Valentine“) está transformando en una intensa película con aroma a salitre y desérticas esperanzas.

Michael Fassbender encarna al apasionado Tom Sherbourne

Michael Fassbender encarna al apasionado Tom Sherbourne

MICHAEL FASSBENDER REGRESA DE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL

Con el rumor de las olas de fondo, el nutrido equipo técnico y artístico de la producción ha levantado polvo de estrellas en las extensiones de Tasmania y Stanley. Allí, encuadrados en una localizaciones casi primigenias -convenientemente alejadas de la barahúnda civilizada del hormigón- el responsable de “Cruce de caminos” ha establecido su centro de operaciones. Todo para vestir un largometraje que desprende salvajismo familiar y huidas neuróticas hacia paraísos artificiales.

En medio de semejante rompecabezas creativo se encuentra el actor germano-irlandés Michael Fassbender. El intérprete de la última versión cinematográfica de “Jane Eyre” es el expresivo rostro encargado de dotar de identidad física al peculiar farero Tom Sherbourne. Un papel que hace suyo el protagonista de “Shame“, a partir del momento en que el individuo vuelve de la Primera Guerra Mundial, donde estuvo luchando al lado de las fuerzas australianas.

Michael Fassbender rueda a las órdenes del responsable de "Blue Valentine", Derek Ciafrance

Michael Fassbender rueda a las órdenes del responsable de “Blue Valentine”, Derek Ciafrance

El hombre toma el billete de retorno al faro del islote de Janus Rock en el que reside, situado a 160 kilómetros de la costa. Allí, su esposa Isabel le espera con conjuntivitis de añoranza, para que juntos puedan dar razón a un matrimonio establecido sobre los cimientos del amor compartido. Aunque los vaivenes de la incapacidad para tener hijos les hayan abandonado en el huracán de los amargos atardeceres.

Con el deseo de la descendencia a flor de rutina, la pareja contempla cómo el destino se burla de sus ilusiones primerizas, cuando se produce el dramático aborto del vástago que ya daban por seguro. Después de este trágico hecho, Tom encuentra una barca a la deriva. En su interior, al lado de un marinero muerto, hay un paquete que empieza a moverse.

Tras quitarle la tela de encima, el farero se topa con un bebé. Sin saber muy bien si avisar a las autoridades para dar cuenta del hallazgo, Isabel convence a su esposo de que no lo mejor es quedarse con el regalo proporcionado por el azar.

La joven Alicia Vikander, a quien se ha podido ver en "Anna Karenina", se mete en la piel de la esposa de Michael Fassbender

La joven Alicia Vikander, a quien se ha podido ver en “Anna Karenina”, se mete en la piel de la esposa de Michael Fassbender

Pasado un tiempo, y como nadie reclama a la pequeña, los Sherbourne empiezan a cuidar a la niña como la ansiada y ausente hija. Una falsa heredera a la que nominan Lucy Grace.

Ciafrance sumerge el guion de la movie en un viaje hacia las emociones sinceras, comandadas por individuos maltratados por la vida; justo como ocurre en la novela de M. L. Stedman. Tal elemento resultó primordial –según el propio director- para que éste se interesara por el texto de la abogada australiana, el cual prendió en la mente del realizador imágenes de potente vigor escénico.

Ánimo desatado que el autor de “Blue Valentine” ha logrado transmitir al elenco artístico al completo. Un casting en el que Fassbender ejerce como catalizador humano, y donde también desarrollan caracterizaciones de aguerrido peso Rachel Weisz, Alicia Vikander y Caren Pistorius.

La totalidad de la cuadrilla tiene la consigna asumida de llevar a los espectadores hasta la confluencia de dos océanos que chocan, en pos de construir sueños astillados. Y en ese rompeolas de areniscas luchas, Derek Ciafrance y M. L. Stedman arrancan codo con codo las ilusiones suicidas de un conjunto de almas previamente amortajadas, solitarias y dependientes.

La británica Rachel Weisz también colabora en el filme

La británica Rachel Weisz también colabora en el filme

Más información en http://www.imdb.com

 

Stephen King presenta en España su primera trama detectivesca, “Mr. Mercedes” (Plaza & Janés). El libro, que es el inicio de una futura trilogía, narra las aventuras de un ex policía en busca de un peligroso depredador humano.

Stephen King construye una historia que recuerda a la de "El asesino del zodiaco"

Stephen King construye una historia que recuerda a la de “El asesino del zodiaco”

Un coche solitario espera en la calle con el motor en marcha, listo para localizar víctimas.

En su interior, un asesino implacable siente el poder sobre la vida y la muerte sólo con pisar el acelerador.

Únicamente un policía retirado puede acabar con la desidia criminal desatada por el vehículo rodado.

Tales son los vértices argumentales de “Mr. Mercedes“, la última novela del superventas Stephen King, la cual acaba de ser traducida al idioma de Cervantes de la mano de Plaza & Janés. Un texto de género negro en el que el autor de “Christine” despliega su capacidad para describir estados de ánimo alterados, normalmente lubricados con las esencias del misterio espectral y los impulsos disfuncionales.

Stephen King cambia de estilo, aunque únicamente desde el punto de vista temático

Stephen King cambia de estilo, aunque únicamente desde el punto de vista temático

STEPHEN KING COMPONE SU SERIAL KILLER

Pese a que el terror es la temática más habitual en las novelas del escritor nacido en Maine; el currículo del alter ego de Richard Bachman cambia de rumbo de vez en cuando, para afrontar historias cercanas al melodrama social o incluso a la ciencia ficción de cariz apocalíptico.

Ahora le ha tocado el turno al terreno conocido como hard-boiled: variante creativa alicatada con detectives de fuerte pegada, heredados directamente de la literatura de Dashiell Hammett y Raymond Chandler. No obstante, el peculiar y vulnerable héroe de “Mr. Mercedes” tiene también bastante sintonía con el Simon Winter de “La sombra” (diseñado por John Katzenbach); o con el Terry McCaleb de “Deuda de sangre” (obra del prestigioso Michael Connelly).

Stephen King ya obtuvo bastante éxito en el pasado con un coche bautizado Christine

Stephen King ya obtuvo bastante éxito en el pasado con un coche bautizado Christine

Con costuras justicieras semejantes a las de Philip Marlowe, el protagonista de King es Bill Hodges: un policía a punto de la jubilación no muy querido por sus superiores. Cuando arranca la acción, el hombre está sufriendo una suspensión temporal de empleo y sueldo. En esa tesitura vivencial, el veterano agente de la ley recibe una extraña misiva, firmada por alguien que asegura ser el responsable del atropello de un grupo de parados. Una confesión que no habría pasado los controles pertinentes de verificación si no hubiera incluido datos significativos del hecho, como el nombre de la mujer a la que había robado el automóvil con el que cometió el delito criminal.

Sin embargo, la carta le llega a Hodges cuando éste se halla a punto del retiro. Aunque, transcurrido un tiempo, el asunto regresa a la estela profesional de Bill, cuando la hermana de la antigua propietaria del citado Mercedes le pide que aclare el extraño suicidio de su pariente.

Stephen King publicó "Doctor Sueño" hace poco menos de un año

Stephen King publicó “Doctor Sueño” hace poco menos de un año

A partir de aquí, la novela multiplica los puntos de vista, con la inclusión del testimonio del psicópata (al que SK identifica con el nombre de Brady Hartsfield). A través de la visión de este personaje, el lector toma constancia de los problemas de un tipo cercano a la treintena que tuvo que soportar el maltrato de su madre alcohólica, al perder a su progenitor siendo un niño. Trabajador sin especiales metas de futuro, el joven se siente grande sólo cuando destruye la existencia de los seres anónimos a los que acosa, víctimas a las que pretende sumar la caída del duro Bill Hodges.

Arropada con ricas descripciones y una prosa directa y viral, la trama de “Mr. Mercedes”  vuela con la gasolina de un argumento que recuerda a los puzles humanos de “El asesino del zodiaco“, o a las confesiones desde el lado oscuro pronunciadas por Hannibal Lecter.

Stephen King planea iniciar una trilogía con "Mr. Mercedes"

Stephen King planea iniciar una trilogía con “Mr. Mercedes”/ Photo Credits: stephenking.it

Una pasión por los relatos que no conoce periodos de descanso para el literato de Maine, quien ya planea una trilogía hard-boiled a raíz de “Mr. Mercedes“; y de la cual el estadounidense ha adelantado el título de “Finders Keepers“, como segunda entrega.

Pero ahí no terminan las noticias relativas a la actualidad de Stephen King; ya que el responsable de “El Resplandor” acaba de lanzar en el mercado de USA una novela bautizada con el emblema rockero de “Revival“. El terror y los pactos con el Diablo son en esta ocasión los motores de la historia, un texto que puede comprarse en tres formatos diferentes: en papel, en eBook y en Audiolibro (en este último, recitado con la potente voz del actor David Morse).

En Estados Unidos, Stephen King acaba de sacar otra obra al mercado titulada "Revival"

En Estados Unidos, Stephen King acaba de sacar otra obra al mercado titulada “Revival”

Más información en http://www.stephenking.com