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Mucho antes de que las tormentosas neblinas de Turner invadieran el lienzo, y de que el primitivismo de paleta se volviera frenético de simbología ideográfica, los paisajes de fino pincel alcanzaron cierto protagonismo estelar en los caballetes italianos; divismo modélico que desarrolló su propio discurso narrativo, su determinante belleza -tan efímera como inmortal- y, en definitiva, sus rasgos quemados por soles deslumbradores; o empalidecidos por escarchas tentadoras de la percepción sensible. Durante el siglo XVII, la técnica en la que la figura humana se integró en medio del cosmos terráqueo -en escenas campestres o incluso de espiritualidad casi anónima- fue sublimada por maestros de la talla de Aníbal Carracci, Caravaggio o Nicolás Poussin.
En un universo creativo en el que lo religioso había silenciado, con mordaza de recios hilos, cualquier acceso de manifestación pagana, los paisajistas sufrieron aceite en vena para sacar adelante un estilo que derivaba directamente de la veneración de la tierra; y lo llevaron a cabo en la Ciudad Eterna, la urbe de las siete colinas, la sede del Coliseo y de los gemelos amamantados por una loba: la siempre excelsa Roma. El madrileño Museo Nacional del Prado, en colaboración con el Louvre parisino y la Rmn- Grand Palais de Francia, reúne hasta septiembre una vasta selección de obras que iniciaron el gusto por la representación de bosques, ríos y praderas. Tal gesta, de implicaciones cercanas a la épica, la acoge el centro colindante con el Jardín Botánico en la exposición titulada Naturaleza e Ideal (Paisajes 1600-1650), recorrido esencial para degustar el arte, sin salvavidas de treguas ni esfuerzos vanos de por medio, propuesto y montado por el comisario Andrés Úbeda de los Cobos (Jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa, de la institución de la Villa y Corte).
Desplegada en las salas A y B del edificio de Los Jerónimos, la muestra compone su laberinto escénico en diversas secciones, donde se dan cita los distintos acercamientos en la Edad Moderna hacia una temática que consiguió su máximo nivel de importancia pictórica a partir del siglo XIX, con movimientos como el Impresionismo y el Hiperrealismo de evocación casi fotográfica. Los cuadros que cuelgan de las paredes del templo museístico tienen la peculiaridad de proponer un diálogo de intensidad incalculable, entre la retina del visitante y el sinfín de inspiradores recuerdos que transmiten, con una simple brizna de hierba o un momento solariego de baños mitológicos al amanecer.
De la arqueología de ultratumba callejera y neurótica de Caravaggio a la magia onírica y serena de Rafael Sanzio, de la poesía visual impregnada por la paleta aérea de Tiziano a la delicadeza boloñesa de Francisco Albani… Los años que cubre la exhibición del Prado mantienen el interés desbordado por el amor sin límites de los artistas a la Madre Gaia, todo para evolucionar hacia representaciones más apegadas al existencialismo geográfico y comarcal que al meramente celestial.
Caos y cordura, delirio y necesidad de trascender en el guion expresivo de la mano del pintor; estas y muchas más emociones se manifiestan en una exposición en la que los gustos por la armonía clásica pueden perderse sin mesura por las piezas de Aníbal Caracci (prototipo declarado de la importancia del paisajismo en Europa). Pero, al igual que los tradicionalistas, los que prefieran la precisión topográfica también pueden alcanzar el éxtasis visual ante los lienzos del belga Paul Bril; o los viajeros que apuesten por las posturas más trágicas y dramáticas, quizá alcancen su expiación en las imágenes de Jan Brueghel de Velours (el flamenco hijo de Brueghel el Viejo y nieto de Pieter Coecke).
Mención aparte merecen el transalpino Claudio de Lorena (1600-1682) y el galo Nicolás Poussin (1594-1665). Estos dos maestros de los paisajes, esbozados en las dimensiones normalmente rectangulares de una tela de caballete, gozan de sus respectivas secciones en el recinto exhibidor. Las recreaciones de Poussin, de vida sustanciosa y apego al perfeccionismo compositivo, fueron la inspiración de herederos de su legado creativo, como es el caso del decimonónico Gustave Courbet. Mientras que De Lorena fue un genio difícil de emular en la textura de sus escenas, y en la capacidad casi sobrehumana para interpretar las variaciones atmosféricas, envueltas en luminiscencias propiciadas por el protagonismo del astro rey.
Hasta el 25 de setiembre, la Roma delimitada por las paletas borrachas de ocres, lapislázuli, encarnados terrosos o magentas de carnales transformaciones palpita, con fuerza y energía, en el corazón de la metrópoli por la que pasearon Velázquez y Goya. Un emblemático lugar de callejones rebosantes de nocturnidad y de fantasmas de histórica relevancia que, durante estos meses de verano, dialoga con soltura en la lengua cromática de Dante y Petrarca.
Más información, horarios y entradas en http://www.museodelprado.es
