Richard Laxton dirige el filme "Effie", basado en un guion de la actriz de "Enrique V"

Richard Laxton dirige el filme "Effie", basado en un guion de la actriz de "Enrique V"

Ni siquiera Venecia pudo salvar de la condenación anunciada el matrimonio que formaron el crítico y experto en Arte John Ruskin y la frívola jovencita que respondía al nombre de Euphemia Gray. Ambos pasaron por el altar, con el secretismo de lo prohibido y los destinos fatalistas, en 1848. Y se separaron definitivamente en 1854; al parecer por la no consumación del vínculo marital. La sociedad británica del siglo de los desmanes clasistas y el colonialismo mutilador se conmocionó con la sensibilidad pública del erudito caballero, sobre todo cuando cayó rendido a los pies de una debutante sin excesivas pretensiones intelectuales. El prohombre que había determinado en sus libros la grandeza de los paisajistas decimonónicos, por encima incluso de los pretéritos renacentistas, sucumbía como cualquier mortal ante una sonrisa impetuosa, ante la parafernalia de una fémina con tez de mármol y modales de parvulario. Semejante laberinto emocional ha llamado la atención de todos los admiradores del trabajo del poeta y analista, una cohorte de deslumbrados seguidores entre los que se incluye el televisivo Richard Laxton (An Englishman in New York). Un motivo más que adecuado para traducir la trágica historia sobre el fracaso del platonismo en asuntos del corazón – el naufragio del leve anclaje rutinario que supone la sublimación de la belleza por delante de conceptos más pragmáticos y realistas- a formato de celuloide con el filme titulado Effie, cuyo estreno está previsto para 2012.

El filme narra los amores desgraciados entre el crítico y escritor John Ruskin y su esposa, mucho más joven que él

El filme narra los amores desgraciados entre el crítico y escritor John Ruskin y su esposa, mucho más joven que él

Un guion original de la oscarizada Emma Thompson (actriz que ganó una estatuilla por el libreto de la adaptación a la pantalla grande de Sentido y sensibilidad, en la gala de 1996) es la base de una película de presupuesto más que notable y nutrido reparto, en el que sobresale la presencia de los protagonistas: Greg Wise, Dakota Fanning y Tom Sturridge.

La pareja se separó después de seis años de unión marital

La pareja se separó después de seis años de unión marital

El actual esposo de Thompson es el encargado de efectuar la caracterización del serio y cerebral Ruskin. La estrella de filmes como Johnnie English pasa por el quirófano de la sala de maquillaje para meterse en la idiosincrasia del reconocido autor. Un rol que toma en el momento en que, tras su exitoso paso por la Universidad de Oxford, el enciclopedista conoce a una exquisita muchacha que ni siquiera acredita 18 primaveras. Pero el amor surge con una fuerza inusitada en su interior, como si hubiera encontrado una musa a la que simplemente admirar; una diosa terranal a la que dedicó en 1847 el excelente poema The King Of The Golden River.

Thompson ganó un Oscar como guionista con "Sentido y sensibilidad", en 1996

Thompson ganó un Oscar como guionista con "Sentido y sensibilidad", en 1996

El pensador contrajo enlace nupcial en el año de las grandes revoluciones, 1848; e intentó animar a su media naranja a que se interesara por su universo de lienzos luminosos y supremas arquitecturas. Sin embargo, la chica tenía otras maneras de divertirse; a las que dio rienda suelta después de su primera estancia en el veneciano Hotel Danieli, en 1849. Allí, la damisela halló en un teniente austriaco (Charles Paulizza) el perfecto opuesto a su marido.

Greg Wise, esposo en la vida real de Emma, encarna a John Ruskin

Greg Wise, esposo en la vida real de Emma, encarna a John Ruskin

El distanciamiento fue inevitable, situación que Wise marca con una gestualidad reservada, de aristócrata victoriano acostumbrado a ocultar sus sufrimientos. El vía crucis hasta la disolución de la unión con Effie es lo que narra la película, en la que Dakota Fanning -embutida en el corsé de Euphemia Gray– brilla con la lámpara de una pretendida inocencia y un salvajismo juvenil, que contrasta con el cerrado apego a las improvisaciones personificado en Mr. Ruskin. La rubia niña de La guerra de los mundos demuestra así a la industria audiovisual que ya se ha hecho mayor, y que su camino a los dieciocho años exige una mayor convicción profesional hacia las interpretaciones adultas.

La norteamericana Dakota Fanning afronta un personaje que se amolda a su edad actual de 17 primaveras

La norteamericana Dakota Fanning afronta un personaje que se amolda a su edad actual de 17 primaveras

El tercero en discordia, en la obra escrita por Thompson, es el británico Tom Sturridge. El actor de One Day se disfraza con el físico del divertido y rompecorazones Everett Millais; con el que Mrs. Gray acabó enamoriscándose, detonando el arco conyugal que la encadenaba al cosmos libresco del ingenuo JR.

Ruskin fue uno de los más célebres historiadores e investigadores del arte decimonónico

Ruskin fue uno de los más célebres historiadores e investigadores del arte decimonónico

Para completar el nutrido elenco artístico del largometraje, los nombres de la propia Emma Thompson (Lady Eastlake), Robbie Coltrane (Doctor), Derek Jacobi (Travers Twiss), David Suchet (Mr. Ruskin) o los veteranos Claudia Cardinale y James Fox dotan de altura dramática a los diálogos pergeñados por la profesora despistada de Harry Potter.

Sus libros han servido a miles de estudiosos

Sus libros han servido a miles de estudiosos

El rodaje en tierras venecianas y londinenses, junto a una recreación de época realmente sorprendente y milimétrica, alimenta el fresco existencial de una cinta de romanticismo estimulante; algo desesperanzadora, pero sumamente vigorosa en contenido y evolución argumental.

Richard Laxon se hizo popular por su excepcional obra "An Englishman In New York"

Richard Laxton se hizo popular por su excepcional obra "An Englishman In New York"

La recomendación pasa porque, una vez se haya estrenado Effie, los espectadores se acerquen a contemplar (in situ o mediante cualquier manual de arte) el cuadro que el perfeccionista Thomas Richmond realizó de la dama Euphemia Gray. Quizá, la inclusión de esta imagen en su contexto vivencial sirva para comprender qué es lo que oculta el aspecto virginal y alegre de tan enigmática señora.

Euphemia Chalrers Gray, por Thomas Richmond

Euphemia Chalrers Gray, por Thomas Richmond

El narrador británico sustituye a Rebus por Malcolm Fox en su nuevo relato

El narrador británico sustituye a Rebus por Malcolm Fox en su nuevo relato

Los suburbios de la tierra donde nació el héroe independentista Rob Roy no huelen precisamente bien; por lo menos, esta sensación olfativa es la que desprende el cerebro de tinta y papel del creador del célebre inspector John Rebus. Envueltas en una atmósfera a lo tartan noir (binomio de palabras con el que los especialistas han bautizado a la nueva novela policiaca desarrollada en los contornos por los que paseó de niño Sean Connery), las obras del polifacético Ian Rankin (Cardendel, Fife, UK, 1960) no poseen la soltura deductiva de Sir Arthur Conan Doyle, ni el misterioso poso de podredumbre existencial de muchos de los títulos de Robert Louis Stevenson, ni la elegancia épica de Walter Scott, ni siquiera el ácido corrosivo de la prosa de laboratorio clandestino de Irvine Welsh; pero lo que sí concitan es humanidad distinguible, tramas de coherencia y verosimilitud sorprendentes, y reflexiones de ropa prestada; ancladas más en el ecosistema británico del pasado siglo XX que en el paisajismo binario de la presente centuria.

John Rebus sigue siendo el personaje más famoso en su extensa producción

John Rebus sigue siendo el personaje más famoso en su extensa producción

Cerca de una veintena de libros con el cáustico y sobrio John Rebus como protagonista había llenado la mochila de este escritor con el peso insalvable de un legado sin capacidad de reciclaje renovador; algo que el literato de más allá del Muro de Adriano necesitaba recuperar de manera especial, sin importarle en demasía las dictaduras de la mercadotecnia y la seguridad editorial. Probablemente, por motivos semejantes, el relato aparecido recientemente en las librerías anglosajonas apadrinado por la firma de Rankin esté reservado a la segunda aventura literaria de Malcom Fox (señor con una senda en la ficción aún por definir).

Cerca de dos decenas de libros con Rebus es mucho material incluso para Rankin

Cerca de dos decenas de libros con Rebus es mucho material incluso para Rankin

El mencionado inspector de Edimburgo, perteneciente al cuerpo de asuntos internos, se enfrenta a toda la burocracia policial en los capítulos de The Impossible Dead, que tendrá su traducción al español en breve. A través de esta esperada continuación de Internal Affairs (2009), el lector se reencuentra en el libro con este hombre de valentía sobrada y amante de su trabajo, en la difícil época de 1985. En ese tiempo, los desórdenes relativos a los agentes de la ley de Reino Unido se hicieron frecuentes, con amenazas terroristas incluidas. Este dato constatable en las hemerotecas sirve al narrador y caballero de la Orden del Imperio desde 2002 para montar un argumento en el que Fox realiza sus investigaciones en la comisaría de Fife, sobre las actividades delictivas de su compañero de profesión Paul Carter.

Ian Rankin es uno de los máximos representantes del género denominado "tartan noir"

Ian Rankin es uno de los máximos representantes del género denominado "tartan noir"

Un brutal asesinato, con implicación policial y ocultación posterior del arma homicida, compone los vértices por los que transita este volumen, con el que el responsable de la imaginativa Blood Hunt planifica un laberinto de giros sorprendentes hacia los bajos fondos de su país natal; un cosmos en el que la delincuencia está a la orden del día, y en el que las apariencias son simples pretextos para descubrir la cara oculta de una sociedad corrupta a nivel planetario (muchos de los seguidores del nacido en Cardendel comparan sus obras con las del norteamericano James Ellroy).

Sus relatos suelen reflejar el mundo de la corrupción en todos los ámbitos sociales

Sus relatos suelen reflejar el mundo de la corrupción en todos los ámbitos sociales

Ningún poso romántico o gótico trasciende de las palabras y diálogos ideaos por Ian Rankin, ya que la Escocia que desvela sus anhelos literarios tiene que ver con los extrarradios de marginación (ya sea en la zona de St. Leonard’s como en la de Fife), de edulcorantes vitales en las venas, de trapicheos en las sombras, de maletines robados… Lo que hace que sus textos se alejen voluntariamente de la otrora patria de los recios highlanders, los castillos milenarios y las batallas con el kilt al viento. El interés que reside en la pluma del escritor se centra, desde la primera frase de cada una de sus páginas, en situar la acción con los mínimos alicientes de escapismo respecto a la cruda realidad que describe: un universo de maldad reinante en el que las ciudades se hermanan, y donde triunfa el lenguaje de la violencia callejera.

En "The Impossible Dead", la trama viaja a 1985

En "The Impossible Dead", la trama viaja a 1985

En poco se diferencian (salvo en las latitudes geográficas y en algunos apuntes de comportamiento cultural) el Fife retratado en The Impossible Dead con Los Ángeles de cualquier historia de Michael Connelly. Una aseveración así da para pensar sobre la progresiva homogeneización de este planeta azul; aunque el ansia por universalizar las actitudes reprobables se haya convertido en una moneda de cambio demasiado demandada en esa civilización que ahoga las diferencias, como si ser distinto fuera siempre malo y denunciable en medio de la aglutinadora masa bautizada como era de la tecnología y el edén de los sueños químicos.

Existen rumores que hablan sobre la posibilidad de que Rainkin pruebe con el cómic, algo que ya hizo en su juventud

Existen rumores que hablan sobre la posibilidad de que Rainkin pruebe con el cómic, algo que ya hizo en su juventud

Más información en http://www.ianrankin.net

Un cuádruple CD, con temas del cantautor de Minnesota, conmemora el cincuenta aniversario de la organización

Un cuádruple CD, con temas del cantautor de Minnesota, conmemora el cincuenta aniversario de la organización

Lejos, entre la puesta del sol y el dedo roto que anuncia la medianoche, nosotros nos zambullimos dentro de las puertas de salida, como el trueno cuando estalla… En ese instante de confusión –según las palabras de Robert Allen Zimmerman-, de luces a punto de dormir en la inconsciencia, se suele situar la encrucijada en que los seres humanos deben normalmente actuar para luchar por los valores a preservar, tanto a nivel social como en la caverna particular en la que se aposenta la idiosincrasia de cada individuo.  El bardo de la guitarra y los rizos, más conocido como Bob Dylan, arrancó de la seda de las cortinas erizadas de su imaginación las citadas estrofas de Chimes Of Freedom. Unos versos refulgentes que resonarán nuevamente a partir del 30 de enero en el Planeta Tierra, para reclamar con cada una de sus notas la paz cósmica y la justicia universal, aunque sea en el huracán de las guerras tecnológicas.

"Chimes Of Freedom" fue escrita por Robert Allen Zimmerman para el álbum "Another Side Of Dylan", en 1964

"Chimes Of Freedom" fue escrita por Robert Allen Zimmerman para el álbum "Another Side Of Dylan", en 1964

Con el amplio repertorio del músico nacido en Minnesota por bandera, más de ochenta cantantes e instrumentistas de reconocida trayectoria se reúnen en torno al compositor de Like A Rolling Stone para conmemorar los cincuenta años de existencia de Amnistía Internacional: la organización fundada en 1961 por el abogado británico Peter Benenson, que se encarga de proteger de la indefensión a los presos encarcelados por regímenes totalitarios; además de convertirse en la voz de miles de víctimas anónimas, torturadas en conflictos donde la dignidad de los vástagos de Dios se ve alterada por políticas sumidas en la violencia.

Carly Simon paricipa con una versión de "Just Like A Woman"

Carly Simon paricipa con una versión de "Just Like A Woman"

Los derechos de los hombres y mujeres tienen en la cincuentona ONG la defensa merecida que les niega el concierto de los países poderosos, bien por intereses mercantilistas o meramente propagandísticos. A tal efecto, el cuantioso grupo de timbres que conforman los surcos de los cuatro CDs de Chimes Of Freedom, The Songs Of Bob Dylan, Honoring 50 Years Of Amnesty International  presta su granito de arena para que, con la venta del álbum, el mítico organismo financie sus proyectos en los lugares en los que se vulneran la garantías mínimas de supervivencia de los ciudadanos apresados, golpeados y heridos en cárceles en las que se hace difícil el día a día.

Joan Baez da voz a "Seven Curses"

Joan Baez da voz a "Seven Curses"

   

Escoltados por el propio Dylan, que se reserva la interpretación del tema Chimes Of Freedom (trova guitarrera que grabó originalmente en 1964, para el LP Another Side Of Bob Dylan), los nombres de relumbrón pasan por los oídos del cliente con mayor o menor eficacia sonora; sin negar a ninguno de ellos lo acertado de la noble causa que les ha llevado a participar en la celebración.

Jackson Browne entona "Love Minus Zero/ No Limit"

Jackson Browne entona "Love Minus Zero/ No Limit"

Entre lo más florido de la fauna representada, se encuentra la cadencia siempre sobresaliente de Carly Simon (Just Like A Woman), la perfección indie de Joan Baez (Seven Curses), el lirismo de carretera de Jackson Browne (Love Minus Zero/ No Limit), los sones casi de ultratumba de Kris Kristofferson (Quinn The Esquino) o la sublimación jazzística en clave de folk setentero de Diana Krall (Simple Twist Of Fate).

Kris Kristofferson no difiere mucho del estilo de Dylan en "Quinn The Eskino"

Kris Kristofferson no difiere mucho del estilo de Dylan en "Quinn The Eskino"

Aunque, tampoco se quedan a menor altura en cuanto a calidad las aportaciones del prolífico Sting (Girl From The North Country), del genial Mark Knopfler (Restless Farewell), del inconmensurable Elvis Costello (License To Kill), del póstumo Johnny Cash (One Too Many Mornings) o de la underground e hiperactiva Marianne Faithfull (Baby Let Me Follow You Down).

Adele mete en el disco "Make You Feel My Love"

Adele mete en el disco "Make You Feel My Love"

Sin embargo, en el cuádruple CD -cuyos fondos, como se ha resaltado anteriormente, se destinarán a empresas de ayuda en latitudes donde se incumple la Declaración Universal de los Derechos Humanos– también hay sitio para el esparcimiento de naturaleza mediática, destinada a animar a las generaciones de todo signo y palo sinfónico. En esta categoría cabría mencionar la inclusión de Adele (Make You Feel My Love), My Chemical Romance (Desolation Row), Ziggy Marley (Blowin’ In The Wind), Lenny Kravitz (Rainy Day Women), Jack’s Marrequin (Mr. Tambourine Man), Bryan Ferry (Bob Dylam’s Dream), Maroon 5 (I Shall Be Realesed), Seal & Jeff Beck (Like A Rolling Stone) o la actriz Evan Rachel Wood (I’d Have Anytime).

Diana Krall funde su jazz cadencioso con las estrofas de "Simple Twist Of Fate"

Diana Krall funde su jazz cadencioso con las estrofas de "Simple Twist Of Fate"

Al final del millonario cancionero, la aguardentosa y nasal entonación de Zimmerman revienta pentagramas a través de la letra de Chimes Of Freedom, como si fuera un aquelarre de estado de sitio imaginario -enfocado desde un desilusionante siglo XXI- se tratara; dando luz a los “guerreros cuya fuerza no se halla en luchar”, a “los refugiados desarmados”, a “todos los perros ocultos de los soldados que esperan en la noche”…

Sting, fiel a su trabajo de apoyo a las actividades de AI, incorpora "Girl From The North Country"

Sting, fiel a su trabajo de apoyo a las actividades de AI, incorpora "Girl From The North Country"

Más información y adquisición del disco en http://www.amnestyusa.org

La instalación expuesta en el Baltic Centre inglés está comisariada por Emi Fontana/ Photo Credits: Jason Mandella

La instalación expuesta en el Baltic Centre inglés está comisariada por Emi Fontana/ Photo Credits: Jason Mandella

La ingenuidad del hombre que preconizaban los maestros de la Ilustración tiene cuerpo de metal, además de un comportamiento dadaísta y neurótico, para los creadores de A Voyage Of Growth And Discovery. La pareja de artistas americanos (matrimonio profesional compuesto por el espíritu multimedia y la escultura arquitectónica con ingredientes inusuales) da forma visual a un individuo eternamente infantil, al que le persigue la aureola de la liberación; sin importarle romper las normas establecidas en lo que ellos llaman proyecto anti-psicodélico. Un relato cromático y tridimensional alimentado por imágenes de ático, instantáneas de arcón con amplios ventanales hacia el polvo de lo que un día fue el Far West.

La cita también permite observar las obras seleccionadas en la útima edición del Premio Turner/ Photo Credits: Baltic Centre Of Contemporary Art

La cita también permite observar las obras seleccionadas en la útima edición del Premio Turner/ Photo Credits: Baltic Centre Of Contemporary Art

Después de haber presentado el mencionado trabajo en Nueva York, con notable éxito por cierto, el obseso de las cámaras y la música envolvente nominado como Michael Smith y el diseñador angelino Mike Kelly desembarcan con toda su parafernalia modernista de cultura a lo The Doors y The Mamas and The Papas, en las salas de la prestigiosa galería británica Baltic; donde convivirán hasta el próximo 15 de enero de 2012 con la obra del último ganador del prestigioso premio Turner: el escocés Martin Boyce.

El vencedor del cuantioso galardón resultó el escultor escocés Martin Boyce/ Photo Credits: The Baltic Centre Of Contemporary Art

El vencedor del galardón concendido el pasado 5 de diciembre resultó ser el escultor escocés Martin Boyce/ Photo Credits: The Baltic Centre Of Contemporary Art

El elemento viajero es una constante que se repite en las seis pantallas gigantes que recrean la acción de la recién estrenada asociación entre Smith y Kelly. Aupado por un mundo de formas tubulares, Ikki -el crío que ideó hace unas tres décadas el primero de ellos- toma el auténtico protagonismo, disfrazado con el eclecticismo sensorial que suelen desplegar todas las exhibiciones que han forjado las respectivas carreras de la casual pareja. Una regresión a los sesenta, pero sin sintonizar excesivamente con los dogmas comuneros del hipismo y movimientos semejantes, es lo que plantea el dueto; un tique de vuelta a los campings que le sirve a Baby Ikki para hacer de la suyas. Seguido por un equipo fílmico, este tipo de ficción, un adulto vestido como un infante de los de chupete en los labios y pañales gigantes, se pasea por las instalaciones de Burning Man (en el desierto de Black Rock, en Nevada, USA) con el objetivo de mostrar a los veraneantes en qué consiste su vena primitiva.

"A Voyage Of Growth And Discovery" reúne por primera vez a Mike Kelly y Michael Smith/ Photo Credits: Kelly y Smith

"A Voyage Of Growth And Discovery" reúne por primera vez a Mike Kelly y Michael Smith/ Photo Credits: Kelly y Smith

En el delirio escénico en el que se ve envuelto el héroe con el síndrome de Peter Pan, el chavalín de las gafas de sol causa incendios, se mete en peleas sociales por los contenidos televisivos y pasea su carga de denuncia del mundo contemporáneo, tanto por el día como por la noche, sin tregua y aliado con el agua, el viento, el fuego y la tierra. Todo esto genera un material escénico que se repite con el fulgor de una hipérbole temporal anudada cadencialmente, que Smith arropa con la imaginación de su compañero de experiencias y aventuras: el metalero del plinto Mike Kelly.

La trama de la instalación se basa en un viaje de Baby Ikki por el desierto de Nevada/ Photo Credits: Kelly y Smith

La trama de la instalación se basa en un viaje de Baby Ikki por el desierto de Nevada/ Photo Credits: Kelly y Smith

Amante de la utilización de los componentes extraños y poco demandados por sus colegas de profesión en las artes plásticas, Kelly diseña la corporeidad de Ikki con un cúmulo de piezas desgastadas y de escaso valor, torres de madera, campanas geodésicas y sustancias animales esparcidas por el suelo. El conjunto y la monumentalidad del trabajo hace que A Voyage Of Growth And Discovery sea un verdadero acontecimiento de atracción pergeñado por el comisario Emi Fontana; y eso a pesar de estar albergado por el centro levantado en la ciudad de Gateshead (al noroeste de Inglaterra) donde se ha trasladado también la exhibición que presenta las piezas del cuarteto de finalistas para el Premio Turner de 2011.

Smith lleva con el personaje cerca de tres décadas/ Photo Credits: Smith y Kelly

Smith lleva con el personaje cerca de tres décadas/ Photo Credits: Smith y Kelly

Hasta el 8 de enero, los prestigiosos nombres seleccionados como los mejores artistas británicos del año –menores todos ellos de cincuenta primaveras– tendrán que compartir la orilla del río Tyne con los irreverentes estadounidenses; lo que lleva implícito todo un universo de influencias y de enriquecimiento visual mutuo, tan interesante como globalizador y cosmpopolita.

La colaboración del escultor Mike Kelly ha resultado esencial para la muestra/ Photo Credits: Smith y Kelly

La colaboración del escultor Mike Kelly ha resultado esencial para la muestra/ Photo Credits: Smith y Kelly

De esta forma, el espectador que se acerque al sorprendente Baltic Centre Of Contemporary Art (construido hace más de cuatro décadas en South Shore Road) podrá contemplar -junto con las travesuras de Baby Ikki– la obra vencedora del certamen mejor dotado del panorama plástico en Reino Unido –que en esta edición ha ido a parar a las manos de Martin Boyce, por su naturalista recreación de una arboleda metamorfoseada en hojas blancas de metal- unida al resto de los que compitieron con él (la escultora de los olores y las sensaciones perceptibles Karla Black, la experta en imágenes multimedia y sonido revitalizador Hilary Lloyd y el pintor de los desmanes denunciables de un Coventry de pesadilla y fantasía llamado George Shaw). Así, si el cerebro pide a la retina del cliente mayor vértigo emocional que el de la simple contemplación de los Turner, este tiene la posibilidad de congraciarse con el humor light y de voluntario parvulario programado por Michael Smith y Mike Kelly: unos revolucionarios de la tierra de las barras y estrellas sin banderas ni consignas, sin estigmas generacionales ni discursos categóricos.

La exposición multimedia montada en Gateshead Quays estará hasta el próximo 15 de enero de 2012/ Photo Credits: Kelly y Smith

La exposición multimedia montada en Gateshead Quays estará hasta el próximo 15 de enero de 2012/ Photo Credits: Kelly y Smith

Más información, horarios y entradas en http://www.balticmill.com

El New Amterdan Theatre representa hasta el 1 de julio de 2012 el músical de los hermanos Sherman/ Photo Credits: The New Amsterdam Theatre

El New Amsterdan Theatre representa, hasta el 1 de julio de 2012, el musical de los hermanos Sherman/ Photo Credits: The New Amsterdam Theatre

Desde que en 1965 Disney se llevara cinco Oscar con el personaje de la niñera voladora; la fama de la nanny británica, creada por la periodista australiana Pamela Lyndon Travers en 1934, ha estado presente en las lecturas infantiles protagonizadas por críos de todo el planeta Tierra. Simpática, locuaz, estrafalaria, contraria a los dogmas y edificante; esta lady -del paraguas y el sombrero al estilo eduardiano– se ha convertido en la educadora preferida de los pequeños que aún piensan que más allá de la distancia a la que alcanza la vista se encuentra el País de Nuncajamás, y que escondida en la estrella del horizonte vota anualmente el hada azul de los deseos, capaz de convertir un muñeco de madera llamado Pinocho en una persona de carne y hueso.

La dirección corre a cargo de Richard Eyre/ Photo Credits: The New Amsterdam Theatre

La dirección corre a cargo de Richard Eyre/ Photo Credits: The New Amsterdam Theatre

Pero la institutriz que encarnó en 1964 la enérgica Julie Andrews no conoce fronteras (su tráfico aéreo se compone más bien de las necesidades de sus pupilos); por eso no lo ha pensado dos veces en abandonar momentáneamente su Londres natal para instalarse, hasta el próximo 1 de julio de 2012, en el interior del neoyorquino New Amsterdam Theatre.

Este musical supone la primera colaboración entre el productor Cameron MacKintosh y Disney/ Photo Credits: The New Amsterdam Theatre

Este musical supone la primera colaboración entre el productor Cameron MacKintosh y Disney/ Photo Credits: The New Amsterdam Theatre

El musical Mary Poppins comenzó a partir del pasado octubre su nueva temporada en Broadway (en concreto, en el 214 West 42nd Street) con el beneplácito de su éxito pretérito en los escenarios de la capital del Támesis y en las tablas de USA; algo que encuadra el libreto adatado por el reputado Julian Felowes en un momento especial en la cartelera de la urbe del Empire State, donde tiene el placer de competir con El rey león, Chicago y Spider-Man. Aunque pocas cosas asustan a la joven amante de los tejados, y practicante de una magia susceptible de desencadenar la animación humana y animal más descacharrante.

La trama de la institutriz de principios del siglo XX alcanzó su mayor popularidad con la película de 1964

La trama de la institutriz de principios del siglo XX alcanzó su mayor popularidad con la película de 1964

Las canciones originales que ilustraron el filme de Robert Stevenson, y que compusieron en su día los premiados Richard M. y Robert B. Sherman, continúan muy presentes en el montaje que el prestigioso director Richard Eyre despliega en el territorio colindante a Wall Street. Desde el Chim Chim Cheer’ee (que entonaba el deshollinador) al Súper-califrágilisti… las sintonías que conformaron la banda sonora original, entonadas por millones de herederos de Adán y Eva a través de la sugerente voz de Julie Andrews, pasan con soltura por una trama que sigue desarrollándose en la Inglaterra de 1910. Al igual que el legado rítmico, el argumento permanece inalterable; al privotar en torno a la situación de incomunicación que padece la familia Banks. En medio de un panorama bastante desolador para el clan, Miss Poppins aparece de la nada para dotar de imaginación, fantasía y felicidad a cada uno de los miembros de este núcleo consanguíneo; mientras aprovecha para alterar la existencia de todos los que se encuentran a su alrededor.

La joven de Oregón Steffanie Leigh es la encargada de interpretar a la educadora/ Photo Credits: The New Amsterdam Theatre

La joven de Oregón Steffanie Leigh es la encargada de interpretar a la educadora/ Photo Credits: The New Amsterdam Theatre

Como ocurrió con el largometraje sesentero, los responsables de esta adaptación en pleno siglo XXI han optado por una intérprete casi debutante para encarnar el papel de la maestra, cuyo rostro responde en esta versión al de la rubia –nacida en OregónSteffanie Leigh. La cantante norteamericana se mete plenamente en la piel de la maga, consiguiendo una caracterización sorprendente y sumamente efectiva. A su lado, el también poco conocido Gavin Leo se apropia con soltura de la parte de Bert: el trabajador de las chimeneas que tuvo el físico de Dick van Dyke en la pantalla grande. Como capitán de este viaje a los tiempos de la niñez se erige la figura casi reverencial del genial Sir Richard Charles Hastings Eyre (Devon, Gran Bretaña, 1943). El que fuera responsable del National Theatre de Reino Unido de 1987 a 1997, y que entre sus créditos atesora una inolvidable escenificación de La Traviata en The Royal Opera House londinense, es el reclamo más seguro de esta Mary Poppins. Aparte de la inclusión como productor del mítico Cameron MacKintosh, quien firma su primera colaboración con Disney, después de haber sido el alma mater de El fantasma de la ópera y Cats; y de George Stiles y Anthony Drewe en el terreno de los arreglos musicales.

Julie Andrews obtuvo un Oscar por su trabajo en el largometraje de Robert Stevenson

Julie Andrews obtuvo un Oscar por su trabajo en el largometraje de Robert Stevenson

Sin embargo, aunque pueda parecer que la obra basada en los relatos de P. L. Travers es de nuevo cuño en la arteria de la dramaturgia neoyorquina, esta aseveración no es cierta.  Las melodías que alumbraron la homónima cinta de 1964 ya habían sido acogidas anteriormente en NY y otros lugares de USA. Trabajos de notable recuerdo que generaron inclusive un Tony Award, en  2007, para Bob Crowley, en la categoría de Mejor diseñador (puesto que repite en el montaje que ocupa actualmente el New Amsterdam).

Con sus relatos sobre Poppins, la periodista australiana Pamela Lyndon Travers firmó sus obras más laureadas

Con sus relatos sobre Poppins, la periodista australiana Pamela Lyndon Travers firmó sus obras más laureadas

Más información, horarios y entradas en http://www.newyorkcitytheatre.com

El cineasta "Harry Potter y el prisionero de Azkabán" filma un largo de ciencia ficción

El cineasta "Harry Potter y el prisionero de Azkabán" filma un largo de ciencia ficción

Una estación espacial perdida en la órbita cercana al planeta azul. Muchos círculos y ralentización del tiempo. Una tripulación cercenada por un accidente inesperado. Y un par de seres buscando consuelo y esperanza el uno en el otro. Estas son las coordenadas que encuadran el argumento de Gravity, la película más abiertamente de ciencia ficción (Hijos de los hombres era más bien una cinta de armadura futurista) del director mexicano de Y tu mamá también. Un creador hispano que ha hecho de Hollywood su hábitat natural.

Cuarón es uno de los realizadores hispanos con mayor éxito en Hollywood

Cuarón es uno de los realizadores hispanos con mayor éxito en Hollywood

Avalado por un guion escrito a tres bandas (las compuestas por el propio cineasta, Jonás Cuarón y Rodrigo García), el responsable de La princesita se mete de lleno en una trama que recuerda vagamente a Naves misteriosas, Solaris y a 2001, el gran referente de todo autor con ínfulas de perfeccionismo que transite por fotogramas galácticos. Solamente con dos personajes y mucho que contar, más desde el punto de vista emocional y afectivo que del misterio y la actividad frenética, le sirven de base al compatriota de Pancho Villa para montar un filme que versa sobre los miedos albergados por la condición humana, sobre el silencio eterno que se puede experimentar en una situación tan extrema como la que describe el libreto original.

Una de las obras más recordadas del creador mexicano es "Hijos de los hombres"

Una de las obras más recordadas del creador mexicano es "Hijos de los hombres"

Encerrado en el set de rodaje desplegado en la ciudad estadounidense de Georgia (Atlanta), Alfonso Cuarón y su equipo –entre el que hay algunos expertos provenientes de la NASA– dan el toque escénico a una obra sellada con el secretismo, y cuyas certezas son escasas. Por ejemplo, dependiendo de la página que se consulte, los astronautas supervivientes son dos o uno. Aunque, ya sea un caso u otro; lo que está claro es que la trama gira alrededor de unos profesionales de la astronomía cuya misión es la de investigar los problemas surgidos en el telescopio Hubbel. Mientras realizan su cometido, los científicos e ingenieros sufren un accidente mortal, en el que perece la mayor parte de la tripulación. A partir de aquí, Matt y Ryan comienzan una desesperada carrera por no abandonarse a la locura que proporciona la soledad obligada.

"Y tu mamá también" es uno de sus títulos más autóctonos

"Y tu mamá también" es uno de los títulos más autóctonos de Cuarón

El hombre obsesionado con el café, George Clooney, y la antigua chica sonriente de Estados Unidos, Sandra Bullock, son los actores elegidos para dotar de físico al mencionado dueto de papeles ideado por Cuarón. Y eso que en un principio sonaban los nombres de Robert Downey Jr. y Natalie Portman. En el caso de Clooney, Gravity supone una especie de repetición de una temática que tocó tangencialmente en Solaris (Steven Soderbergh, 2002); mientras que Bullock se enfrenta a su primera heroína en un largometraje de ciencia ficción.

George Clooney es el protagonista de "Gravity"

George Clooney es el protagonista de "Gravity"

La participación como productor de Guillermo del Toro hace presumir que los efectos visuales de la movie de su amigo mexicano serán de factura más que notable. Ante tal reto, la recreación de la nave espacial –escenario principal donde transcurre la película- se ha llevado gran parte del millonario presupuesto; y en su construcción se han utilizado planos proporcionados por personal de la Agencia Aeroespacial Norteamericana. Semejante verosimilitud ayudará a que la traducción de la historia a imágenes en movimiento se  impregne de un componente de realidad y verosimilitud siempre deseable.

El guion versa sobre un accidente en una misión espacial

El guion versa sobre un accidente en una misión espacial

No obstante, un proyecto en el que Rodrigo García inscribe su impronta también sugiere un trabajo más que competente desde el punto de vista del diseño de los personajes; sobre todo los femeninos. En este sentido, Bullock puede mostrarse más que contenta, ya que el autor de Cosas que diría con sólo mirarla ha construido para ella un papel con los suficientes matices y aristas, con los que la oscarizada intérprete podrá exhibir sus dotes frente a la cámara (no en vano, la star de Mientras dormías alzó un premio de la Academia de Hollywood no hace mucho, por su caracterización en Un sueño imposible; lo que genera que sus pasos en el séptimo arte, a partir de ese instante, sean juzgados con mayor dureza por los expertos en materia cinematográfica).

Sandra Bullock es la pareja de Clooney en la movie

Sandra Bullock es la pareja de Clooney en la movie

No obstante, la pareja Clooney-Bullock es inédita en las salas; algo que no extraña si se echa un vistazo a la senda curricular de cada uno de ellos. Después de muchas décadas entre focos, al fin sus destinos se han unido en un producto en formato de celuloide. Lo que aún está por descubrirse es si habrá sido para bien. A tenor de las sensaciones que transmite Alfonso Cuarón, encerrado en el estudio de grabación, la relación marcha cual satélite orbitando.

El telescopio Hubble es otro de los personajes de la cinta/ Photo Credits: NASA

El telescopio Hubble es otro de los personajes de la cinta/ Photo Credits: NASA

George R. R. Martin publicó en verano, en USA, "A Dance With Dragons"/ Photo Credits: George R. R. Martin web

George R. R. Martin publicó en verano, en USA, "A Dance With Dragons"/ Photo Credits: George R. R. Martin web

El lado más imaginativo del cerebro del escritor George R. R. Martin (Bayonne, New Jersey, USA, 1948) reside en el reino de Poniente, en una época de leyenda que algunos podrían localizar en los márgenes imprecisos de una Edad Media plagada de pueblos bárbaros. Allí, hundida en el barro de los caminos y oculta entre las brumas, la pluma del narrador estadounidense saca lustre al acero de su arma blanca; alojada en el interior de la fragua donde cohabitan las hazañas del aventurero Eddard Stark, la pérfida ambición de Daenerys Targaryen, el mortal sentido de supervivencia del ponzoñoso Tyrion Lannister y el afán luchador del huérfano Theon Greyjoy. La historia literaria de este universo de rebeliones y traiciones cortesanas, heredero del de Tolkein y con reminiscencias del cosmos de Excalibur y Camelot, comenzó hace algunas décadas con la publicación de Juego de tronos: texto con el que el otrora periodista inició un serial impreso bajo el paraguas titulado Canción de hielo y fuego, del que que editó el pasado verano el quinto episodio de los siete programados, bautizado como A Dance With Dragons.

El texto continúa con la saga que se inició con la caída del reino Targaryen

El texto continúa con la saga que se inició tras la caída del reino Targaryen

Sin fecha de aparición en España (se estima que en breve estará disponible para los miles de seguidores en la lengua de Cervantes, de este argumento coral y sumamente activo), el quinto relato continúa la trama donde la dejó Tormenta de espadas; además de recrear algunos de los sucesos redactados para Festín de cuervos. En las numerosas páginas del volumen, el ímpetu belicoso de antaño, que alumbró la Guerra de los Cinco Reyes, está en su momento más bajo en cuanto a poder batallador; situación que aprovecha el gobernante Stannis Baratheon (autoproclamado monarca tras el extraño fallecimiento de su hermano Robert) para instalarse en el norte, y de paso hacerse con un ejército dispuesto a asaltar el ansiado Trono de Hierro.

La narración del quinto título sigue a "Festín de cuervos"

La narración del quinto título sigue a "Festín de cuervos"

Pero el Muro no es un lugar especialmente tranquilo. A esas latitudes también acude Jon Nieve, hijo bastardo de Eddard Stark, en calidad del 998 Lord Comandante de la temida Guardia de la Noche. Este acontecimiento supone un contrapunto sustancioso para derrotar los planes expansionistas del poderoso Baratheon.

Aún quedan dos volúmenes para completar "Canción de hielo y fuego"

Aún quedan dos volúmenes para completar "Canción de hielo y fuego"

Sin embargo, el hecho de que dieciocho de los personajes cuenten la trama hace que los escenarios se multipliquen de singular manera. Según esta máxima de voces discordantes, el intrigante Tyrion Lannister traslada rápidamente la acción al otro lado del mar Angosto; mientras que la vengativa Daenerys Targaryen hace lo propio con la ciudad de Meereen, donde prepara sus huestes para entrar en la capital de Poniente.

Tras los 10 episodios de "Game Of Thrones", la HBO ha rodado la segunda temporada basada en "Choque de Reyes"

Tras los 10 episodios de "A Game Of Thrones", la HBO ha rodado la segunda temporada, basada en "Choque de Reyes"

Esta es, a vista de águila, la complicada historia de A Dance With Dragons: un título que ya fue pensado para alguna de las entregas anteriores ideadas por Martin; y que hace referencia al emblema de los combatientes en la última contienda.

Con el primer libro, Martin obtuvo importantes beneficios

Con el primer libro, Martin obtuvo importantes beneficios

Los innumerables lectores que han generado los libros del norteamericano han elevado la saga de Juego de tronos a la categoría de fenómeno en el terreno de la literatura juvenil; asunto que dio pie a la adaptación de los afamados textos en formato televisivo. La HBO fue la productora que se hizo con los derechos de la rocambolesca obra, después de que el propio autor rechazara ofertas de otros estudios, e incluso se cerrara totalmente ante una posible adaptación cinematográfica. Amante de sus palabras y de los roles que había diseñado a través de horas de intenso trabajo, Mr. George accedió al contrato de la potente cadena, con la excusa de alcanzar la mayor fidelidad posible a sus narraciones. Bajo los parámetros artísticos esgrimidos por el antiguo periodista, la adaptación empezó su andadura en las ondas catódicas en 2011, con la traducción a imágenes en movimiento de la primera de las novelas: Juego de tronos. Un reparto de competentes intérpretes (entre los que destacaban Sean Bean y Lena Heady) y una recreación espectacular en escenarios naturales de Irlanda del Norte y Malta hicieron que la serie (de diez episodios de una hora de duración cada uno de ellos) obtuviera semejante prestigio entre la audiencia al obtenido por su precedente impreso en papel.

La segunda temporada de la serie ha sido rodada en Irlanda del Norte y Malta

La segunda temporada de la serie ha sido rodada en Irlanda del Norte y Malta

Tal triunfo ha provocado que la HBO ya anuncie a bombo y platillo el estreno de la segunda temporada, previsto en USA para abril de 2012. En esta continuación –que sigue las coordenadas de Choque de reyes-, la Guerra de los Cinco Monarcas está en su punto álgido. Las posibles invasiones desde el norte obligan a que los esfuerzos de la Guardia de Noche, apostada en el Muro, se vean aumentados en progresión geométrica. Por otro lado, Daenerys Targaryen actúa con premura para acceder al trono que una vez ocupó su tiránico progenitor. Aparte, en el guion va cogiendo más peso la casa Geryjoy; Stannis Baratheon se autoproclama mandatario de Poniente; y Tyrion Lannister es nombrado mano derecha del nuevo dictador, quien no dudará en conspirar contra su propia hermana (Cersei) tras la muerte del marido de la aún regente.

La trama recuerda vagamente a las leyendas artúricas y a "El señor de los anillos"

La trama recuerda vagamente a las leyendas artúricas y a "El señor de los anillos"

En conclusión, diez horas más que tendrán en vilo a los amantes de este pack repleto de fantasía guerrera, y que el triunfal guionista de Twilight Zone bautizó genéricamente hace cerca de dos décadas como Canción de hielo y fuego.

Martin cedió sus derechos cuando comprobó que la producción televisiva iba a ser fiel a los escritos

Martin cedió sus derechos cuando comprobó que la producción televisiva iba a ser fiel a los escritos

Más información en  http://www.georgerrmartin.com

La cantante inglesa edita un CD en el que la nieve es la protagonista

La cantante inglesa edita un CD en el que la nieve es la protagonista

La voz de viento y timbales de esta veterana letrista de Kent siempre regresará a Cumbres Borrascosas, con el gitano Heathcliff y Catherine Earnshaw amándose entre las brumas de los páramos de York. No en vano, la carrera de la estrella del mimo y la danza –también musa nunca declarada de una new age ecléctica y sorprendente- se forjó en torno al campaneo romántico del tema Wuthering Heights: trova fantasmal y gótica que la londinense grabó cuando vestía los ropajes de joven rebelde de la escena británica; allá por 1978.

"50 Words For Snow" sale al mercado unos meses después de "Director's Cut"/ Photo Credits: Kate Bush website

"50 Words For Snow" sale al mercado unos meses después de "Director's Cut"/ Photo Credits: Kate Bush website

Más de tres décadas han transcurrido desde la gesta de la mencionada grabación, pero Kate Bush no ha perdido ni un ápice de su talento y capacidad sonora. Muy al contrario, la tersura de un timbre sigue en continuo estado de versatilidad interpretativa, de tonalidades marcadas por la experimentación a herida rasgada, sangre creativa en la que siempre ha sumido su carrera esta especial estrella del canto veriginoso.

Siete temas componen el álbum, que fue presentado el pasado 21 de noviembre/ Photo Credits: Kate Bush website

Siete temas componen el álbum, que fue presentado el pasado 21 de noviembre/ Photo Credits: Kate Bush website

Casi seis meses después de la salida al mercado de Director’s Cut, un CD en el que Kate versionaba algunas de sus composiciones preferidas incluidas en sus álbumes The Sensual World (1989) y en el incomprendido y maltratado The Red Shoes (1993); los fans de la escritora -junto a Peter Gabriel– de la popular balada Don’t Give Up (1987) tienen la oportunidad de resarcirse de los 12 años de silencio mantenidos a finales de los noventa y principios del 2000 –hasta la salida en 2005 de Aerial-; algo propiciado por la diseñadora del recordado Hounds Of Love con un segundo trabajo casi consecutivo, titulado sugerentemente 50 Words For Snow.

El trabajo se completa con un cortometraje de animación obra de la propia Bush/ Photo Credits: Kate Bush website

El trabajo se completa con un cortometraje de animación obra de la propia Bush/ Photo Credits: Kate Bush website

El hilo invernal común, de caída constante de nieve helada como secuencia persistente de muñecos destinados a derretirse y jornadas frente a chimeneas humeantes, enlaza el lirismo desbordado en los siete tracks reunidos en este disco.

Entre los colaboradores se encuentra el actor Stephen Fry/ Photo Credits: Kate Bush website

Entre los colaboradores se encuentra el actor Stephen Fry/ Photo Credits: Kate Bush website

Colaboraciones como la del actor Stephen Fry (que presta su potente calidad discursiva para escenificar un monólogo somnoliento, en la song que dota de nombre al LP) y de amigos habituales en la estela profesional de Bush dan el toque sensible a un trabajo en el que lo emocional sustituye a lo meramente revolucionario; bandera con la que la capitalina arropó la mayoría de sus obras anteriores, a través de letras encendidas y mordaces críticas a la sociedad de su tiempo. No obstante, el ánimo batallador, mucho más nostálgico que antaño, se deja sentir en los acordes revitalizadores de Lake Tahoe, Snow Flake, Wild Man o Snowed In At Wheeler Street.

La artista siempre ha mantenido un espíritu ajeno a los encasillamientos/ Photo Credits: Kate Bush website

La artista siempre ha mantenido un espíritu ajeno a los encasillamientos/ Photo Credits: Kate Bush website

Autodidacta en un sentido casi renacentista, la pop star de cincuenta y tres primaveras acompaña la elaboración de 50 Words For Snow con una pieza de animación (Mistraldespair) en la que exhibe parte de sus sueños y pesadillas antes de Navidad; aparte de su interés por los fotogramas en movimiento y los soportes multimedia, para sustentar la implantación de sus pentagramas en este siglo XXI. Se puede decir, sin ánimo a cometer un equívoco supremo, que los anhelos artísticos de la vocalista británica siempre han estado ligados a la incorporación de elementos de riesgo añadido, virtud que ha sumido su música en una vitalista espiral en continuo estado de alarma.

El CD guarda cierta nostalgia y es más relajado de lo habitual en la vocalista de Kent/ Photo Credits: Kate Bush website

El CD guarda cierta nostalgia y es más relajado de lo habitual en la vocalista de Kent/ Photo Credits: Kate Bush website

De esta manera, quien conozca algo de la existencia sonora de la muchacha de Running Up That Hill no se mostrará sorprendido ante la vena experimental de esta chica, que fue descubierta en plena adolescencia por David Gilmour (el componente de Pink Floyd). En ella, la necesidad de ir más allá de lo mainstream, o de lo establecido por la mercadotecnia, alberga la sabiduría adquirida tras una completa formación en piano, violín, mímica, danza y artes escénicas. Todo ello ha dado como resultado un puzle curricular con diez discos de estudio, en los que la nacida en Kent da rienda suelta a influencias tan diversas como el rock sinfónico de perfección melódica, el punk de rabia incontrolable, el clasicismo de toques orquestales, el folk de tradicionalismo celta, el orientalismo de exótico corte minimal, el reggae de playas soleadas y el pop de ventas millonarias.

La autora de la recordada "Wuthering Heights" cumple ya más de treinta años de carrera/ Photo Credits: Kate Bush website

La autora de la recordada "Wuthering Heights" cumple ya más de treinta años de carrera/ Photo Credits: Kate Bush website

50 Words For Snow se cierra con el metafórico y concluyente Among Angels. Toda una declaración de intenciones de un icono del underground tamizado por grandes sellos (como EMI Music y Columbia Records): una dama de las denuncias de vidrio, poeta antibelicista y humana de versos que corea en las ondas con determinación y salvajismo sin par. Estar entre ángeles debe ser para ella como alejarse del infierno de la incomprensión; aunque nunca haya buscado el entendimiento simplista de las masas amorfas.

Los seguidores de Bush esperan poder disfutar nuevamente de sus intensos directos/ Photo Credits: Kate Bush website

Los seguidores de Bush esperan poder disfutar nuevamente de sus intensos directos/ Photo Credits: Kate Bush website

Más información en http://www.katebush.com

"Dutch Girls" es el título de la muestra que se clausura mañana 12 de diciembre

"Dutch Girls" es el título de la muestra que se clausura mañana 12 de diciembre

Ser una fashion celebrity; conseguir la admiración de propios y extraños a través de la propagación de una imagen; enamorar a miles de ciudadanos con solamente el click de una mirada seductora; entonar frases de pasión sin siquiera mover los labios, carnosos apéndices del color de los capotes de los toreros… Tales pensamientos inundan la cabeza de millones de mortales en esta sociedad de la opulencia visual, de la belleza de papel, de los sentimientos ensalzados por instantáneas sublimadas mediante los objetivos de inteligentes fotógrafos. Pero semejante distinción o dictadura de la vanidad no es cosa de unas décadas, ni de un par de centurias; ya en los tiempos del Barroco, e incluso antes, las mujeres emulaban a las pin-up o movie stars más actuales dejándose querer por los pinceles de los artistas; comprometiendo su natural aspecto con la metafórica firma de contratos relativos a la inmortalidad de lienzos reveladores.

La exposición se compone de nueve obras

La exposición se compone de nueve obras

Así lo hicieron, entre otras, Lisa Gherardini (para La Gioconda, de Leonardo da Vinci); Simonetta Vespucci (para El nacimiento de Venus, de Sandro Boticcelli); Saskia van Uylerburgh (para no pocos retratos de su esposo Rembrandt Harmenszoen van Rijn) o la anónima doncella del turbante -bautizada por el cine como Griet- (para La joven de la perla, de Johannes Vermeer). Esas féminas de espátula y aceite, de pigmento abigarrado, de luces emergentes y sombras percutoras otorgaron con sus rasgos físicos una singular grandeza al Arte con mayúsculas; justo como las damas que componen la muestra Dutch Girls: Top Models Of The Golden Age, que se puede ver únicamente hasta el próximo 12 de diciembre en el Rijksmuseum Schiphol, sede albergada en el aeropuerto de Ámsterdam.

Algunas féminas del siglo XVII alcanzaron la posteridad a través de los pinceles de conocidos maestros

Algunas féminas del siglo XVII alcanzaron la posteridad a través de los pinceles de conocidos maestros

Probablemente, la cita expositiva no sea de las más grandiosas que haya programado la célebre institución tulipán, la misma que presentaba estos días una copiosa restauración de La ronda de noche, de Rembrandt. Sin embargo, el interés de un punto de vista poco transitado habitualmente por los comisarios y los expertos -como es el de establecer un nexo de unión entre sociedades tan supuestamente distintas como la del Siglo de Oro y la era de la tecnología informática- merece la reflexión propia del conocimiento y de la propagación.

La expresividad, más que la belleza, era lo que buscaban los creadores

La expresividad, más que la belleza, era lo que buscaban los creadores

Los visitantes que se acerquen al anexo del magno museo, situado en el moderno Holland Boulevard, podrán conocer de primera mano a nueve señoras que inspiraron, con todo el esplendor de su juventud y galvánica prestancia, la mano de no pocos maestros del caballete y la paleta. Entre los seleccionados para la ocasión, los espectadores se toparán en el singular recorrido con los recios recortes humanos de Frans Hals, la grandilocuencia tonal de Caesar van Everdingen, la soberbia perfección de Isaac Luttichuys o el tradicionalismo exultante de Bartholomeus van der Helst.

Fieles a su estilo, el claroscuro goza de un singular protagonismo en los retratos de los pintores flamencos

Fieles a su estilo, el claroscuro goza de un singular protagonismo en los retratos de los pintores flamencos

No obstante, las verdaderas protagonistas son las figuras que posan impreturbables; con su tez de mármol coloreado levemente; sus peinados imposibles y sus prendas deudoras de sastres tocados con la varita del decoro y el medido atrevimiento. Dentro de este ramillete de cuidadas ninfas, llaman la atención dos; más que nada por la capacidad de su mirada, y por la expresividad del emotivo monólogo sensible que despierta su lírico discurso facial. Una de ellas es Catharina van der Voort: una recia y dura mujer, cuya fuerza le granjea una especial condición como referente de un pasado de mercancías y prosperidad; posición que probablemente disfrutó en compañía de su esposo, el comerciante de Leiden Pieter de la Court.

La pose determinaba el éxito o fracaso de una imagen

La pose determinaba el éxito o fracaso de una imagen

Más interés reúne, sin embargo, la segunda de las destacadas. Se trata de la naturalista Maria van Oosterwijck. Esta lady fue una artista de éxito en el movimiento Barroco de los Países Bajos; aunque su condición de pertenencia al llamado sexo débil le impidió obtener el debido reconocimiento de sus colegas. Pero lo que no pudo sustraerle la represiva sociedad en la que vivió fue el talento que desbordó  a través de sus escenas de flores; las cuales tuvieron admiradores tan sobresalientes como Luis XIV de Francia y Guillermo III de Inglaterra. Puede parecer una burla del destino que, en la exhibición del Rijksmuseum Schiphol, la creadora comparezca como modelo de Wallerant Vaillant. No obstante, la regia compostura de la pintora seguro que animará a los aficionados a rememorar sus naturalezas cargadas de exotismo, de vitalismo encerrado en jarrones compactos y liberadores. Porque, en muchas de las ocasiones, el modelaje anima a conocer la cara oculta del maniquí, de la top model de turno…  

Entre las representadas se encuentra la pintora naturalista Maria van Oosterwijck

Entre las representadas se encuentra la pintora naturalista Maria van Oosterwijck

Más información y horarios en  http://www.rijksmuseum.nl

NBC produjo esta mítica serie, basada en la homónima novela de Clavell

NBC produjo este mítico título, basado en la homónima novela de Clavell

Hubo un tiempo en que Japón era un vergel casi desconocido para los occidentales. Lejano en distancia de la avasalladora Europa, los habitantes de las islas orientales atravesaban una prosperidad militar y natural solamente ensombrecida por su falta de libertades reales, por un sistema social levantado mediante castas honoríficas, de las que era imposible escapar. Era la centuria del 1600, cuando arribó a esa tierra -volcánica y en continuo estado de ebullición- un marino inglés llamado originalmente William Adams (1564- 1620): un aventurero de velas siempre al viento que el novelista australiano James Clavell (Sydney, 1924- Vevey, Vaud, Suiza, 1994) transformó literariamente en el enérgico John Blackthorne (también conocido como Anjin-shan).

La historia contaba el viaje del marino inglés John Blackthorne

La historia contaba el viaje del marino inglés John Blackthorne

Publicada en papel en 1975, Shogun se convirtió rápidamente en un éxito de ventas; debido sobre todo a sus dosis de exotismo, romanticismo, misterio y pasión por la filosofía exploradora de los grandes conquistadores. Los lectores se cautivaron con la relación pudorosa y prohibida entre el duro Blackthorne y la suave y delicada Mariko; a la vez que asistían sin tregua (a tiro de unas cuantas páginas) a magnas y sangrientas batallas, como la de Sekigahare.  Tal material narrativo se antojaba un plato demasiado apetitoso de cara a una adaptación audiovisual; y así nació, en 1980, el homónimo serial que la cadena NBC repartió entre cinco capítulos (de una hora de duración cada uno de ellos).

La serie constaba de cinco capítulos

La serie constaba de cinco capítulos

Un guion elaborado por el mismo Clavell y Eric Bercovici fue el germen de la mencionada producción, que tardó en gestarse cerca de un lustro. Lo elevado del presupuesto, que incluía el rodaje en escenarios naturales del país nipón, y las dificultades de trasladar el nutrido equipo desde Estados Unidos a Kyoto (sede central de la filmación) contribuyeron a retrasar el momento del inicio de la epopeya de la pequeña pantalla; al tiempo que fue aumentando la ansiedad de las audiencias por degustar tan estimulante trama.

El texto impreso data de 1975

El texto impreso data de 1975

Una vez solventados los problemas técnicos, el componente artístico acaparó la agenda laboral de los financieros. Había que encontrar al perfecto Blackthorne: un tipo de virilidad y atractivo capaces de causar suspiros en el personal femenino, a través del comportamiento de un navegante de la Edad Moderna confuso y rudo, un auténtico Marco Polo de nacionalidad británica. Después de una búsqueda más o menos intensa, finalmente surgió el nombre de Richard Chamberlain (Los Ángeles, USA, 1934); y así el rol del carsmático hombre de mar ya pudo ser contemplado con los rasgos angulados del famoso Dr. Kildare. La estrella de El conde de Montecristo venía de un encadenar un número bastante cuantioso de trabajos de capa y espada; por lo que no tuvo muchas dificultades para asumir la actitud transeúnte del capitán europeo del siglo XVII.

Richard Chamberlain (izquierda) volvió a ser considerado una estrella de la pequeña pantalla, tras su éxito en "Dr. Kildare"

Richard Chamberlain (izquierda) volvió a ser considerado una estrella de la pequeña pantalla, emulando su éxito en "Dr. Kildare"

Una vez enganchado Chamberlain, las contrataciones del resto del elenco fueron algo más sencillas. El profesional preferido de Akira Kurosawa, el chino de nacimiento y japonés de adopción Toshirô Mifune (Tsingtao, 1920- Mitaka City, Tokio, 1997), fue el seleccionado para dotar de cuerpo y voz de mando al poco sensible guerrero Lord Yoshi Toranaga (nombre ficticio del real mandatario daimyo Tokuwaga Ieyasu); mientras que, la poco frecuente fuera de las latitudes de la patria de Yukio Mishima, Yôko Shimada (Kumamoto, 1953) se hizo con la parte de Mariko. Junto a ellos, veteranos de la talla de Sir Michael Hordern, Alan Badel, John Rhys-Davies, Gregory Innes y Orson Welles (como narrador) convirtieron la obra en un producto destinado a triunfar en el universo de las seiscientas veinticinco líneas. Semejante predicción se transformó en un hecho ante la más que resaltable cuota de pantalla en 1980; aparte de los premios con los que se alzó el serial (entre ellos dos Globos de Oro por sus caracterizaciones para Chamberlain y Shimida, entregados en la correspondiente gala de 1981).

Yôko Shimada encarnó a Mariko, trabajo con el que consiguió un Globo de Oro en 1981

Yôko Shimada encarnó a Mariko, trabajo con el que consiguió un Globo de Oro en 1981

Los ecos de Shogun acompañaron a sus creadores y colaboradores durante bastantes años; aunque los efectos se dejaron sentir más en unos casos que en otros. Uno de los más influenciados por la fama de la mini-serie (de la que se hizo una tv movie de 127 minutos) fue el alter ego de Blackthorne. La estrella cinematográfica del angelino Richard nunca había sido lo suficientemente potente, pero su protagonismo en la obra de la NBC le catapultó al Olimpo de los sex symbols con carne catódica. De esta manera, el Aramis de Los tres mosqueteros, según Richard Lester, brilló con soltura en la piel de apasionados y novelescos héroes, en producciones como Casanova (1987), El pájaro espino (1983) y El caso Bourne (1988). Una popularidad que el Dr. Kildare intentó trasladar infructuosamente a la pantalla grande, con las fallidas cintas Las minas del Rey Salomón (1985) y Allan Quatermain y la ciudad perdida (1986).

El gran Toshirô Mifune brilló en el cuerpo del rudo Lord Yoshi Toranaga

El gran Toshirô Mifune brilló en el cuerpo del rudo Lord Yoshi Toranaga

El director Jerry London (Los Ángeles, USA, 1947) también fue otro de los damnificados con la repercusión mediática de Shogun; lo que le proporcionó una prolífica carrera en la televisión estadounidense, donde destaca el divertido y detectivesco serial Diagnóstico Asesinato. Aunque el ejemplo más significativo, respecto al influjo de la sombra de la obra emitida en 1980, lo representó el autor del libro original: James Clavell. El narrador oceánico intentó repetir la experiencia millonaria aunando los puntos de vista literario y audiovisual, con Tai-Pan (Daryl Duke, 1986) y Noble House (la producción en Asia que escenificó Pierce Brosnan, en 1988); pero los resultados de estos títulos nunca pudieron eclipsar las legendarias hazañas de Anjin-shan.

"Shogun" fue rodada en los estudios de la ciudad de Kyoto

"Shogun" fue rodada en los estudios de la ciudad de Kyoto