El cineasta de "Sorgo Rojo" traduce en imágenes un texto de Geling Yan

El cineasta de "Sorgo Rojo" traduce en imágenes un texto de Geling Yan

El 7 de julio de 1937, las tropas japonesas comenzaron oficialmente la invasión de la vasta China. Antes, los representantes del gobierno de tintes imperialistas habían extendido los tentáculos de una futura ocupación asentando una especie de colonia títere en Manchuria. Pero el avance no se produjo hasta esa drástica fecha, en la que los soldados del país isleño tomaron el mítico Puente de Marco Polo, a escasos kilómetros de Pekín. Después de décadas de tal acto, se ha logrado saber que la introducción de los militares nipones en territorio chino se llevó a cabo por un craso error; cuando los altos mandos de Nihon pensaron que el ejército de la tierra de La Gran Muralla había apresado y torturado a un soldado de la nación del Sol Rojo. Las disculpas por parte de los mandatarios con sede en Tokio no fueron tenidas en cuenta por los agredidos, que empezaron una escalada de violencia sin precedentes; dando como resultado la mencionada ocupación.

Yan participó con el realizador en la redacción del guion de "Xiu Xiu"

Yan participó con el realizador en la redacción del guion de "Xiu Xiu"

Pero, más allá de los datos memorísticos, la segunda guerra chino-japonesa supuso una gran tragedia para el pueblo de la ruta de la seda. A las numerosas víctimas en los combates se sumaron millares de desplazados, un sinfín de vejaciones y criminales violaciones en masa de todo tipo de mujeres. Este último y espinoso asunto es en el que recala el argumento de la película 13 Flowers Of Nanjing, que dirige el veterano y valorado cineasta Zhang Yimou (Xi’an, Shaanxi, China, 1951).

Yimou regresa a un universo más actual con "13 Flowers Of Nanjing"

Yimou regresa a un universo más actual con "13 Flowers Of Nanjing"

El responsable de las excepcionales Hero y La casa de las dagas voladoras hace suya la historia narrada en el relato homónimo escrito por Geling Yan (Shanghai, 1959), para conocer con verosimilitud los sentimientos de un grupo de jóvenes ansiosas por escapar del maltrato y la muerte. El guion sigue de cerca las vivencias de estas ingenuas e inocentes escolares, que tienen que refugiarse de la violencia de los soldados nipones cuando estos llegan a la ciudad de Nanking. En la urbe, las prostitutas huyen asustadas; y, entre la masacre y la salvación, se encuentra un sacerdote occidental que da cobijo a las muchachas, un personaje que interpreta el oscarizado Christian Bale (The Fighter).

El británico Christian Bale interpreta a un sacerdote europeo en el filme

El británico Christian Bale encarna a un religioso europeo en el filme

Hija de la Revolución Cultural de su país, Yan es una autora que destaca por su capacidad para el análisis sensitivo de las situaciones más caóticas; algo que el cineasta de La linterna roja pudo comprobar cuando colaboró con ella en la redacción del libreto de rodaje de The Sent-Down Girl (Joan Chen, Siao Yu, 1998).

El director chino asaltó el panorama cinematográfico con la memorable "Sorgo rojo" (1988)

El director chino asaltó el panorama cinematográfico con la memorable "Sorgo rojo" (1988)

La crudeza y brutalidad de los hechos padecidos por las féminas de origen chino tras el avance de las tropas imperialistas, aliadas en esa época de la Alemania nazi de Hitler, sirve a Zhang Yimou para reflexionar sobre la bestialidad que reside en lo más oculto del espíritu humano, y que aflora en cuanto la sociedad se lo permite. Sin embargo, este ejercicio de comprensión -destinado a denunciar el oprobio y la salvajada experimentada por las damas de Nanking- ya tuvo en 2009 su reflejo en las pantallas de todo el mundo, con el estreno de Ciudad de Vida y Muerte (Chuan Lu, 2009). El realizador compatriota de Mao grabó, en impactante blanco y negro, el vía crucis de las familias destrozadas por las acciones de los torturadores y agresores sexuales con uniforme japonés, y que no dejaron ni un atisbo de compasión -siempre según la citada obra- hacia los habitantes de las zonas que sometieron bajo su yugo.

Chuan Lu ya reflejó los hechos de Nanjing en la sorprendente "Ciudad de vida y muerte" (2009)

Chuan Lu ya reflejó los hechos de Nanjing en la sorprendente "Ciudad de vida y muerte" (2009)

El lugar donde transcurren ambas películas se ha convertido, con el tiempo, en un enclave especial para recordar la faz más diabólica residente en los seres que suelen autoproclamarse como racionales. Un sitio en el que aún se oyen los gritos de los sentenciados al tiro en la nuca y de los despojados de la dignidad necesaria como para olvidar sin más. Han pasado ya más de setenta años desde la invasión; pero la herida aún no ha cicatrizado del todo. La injusticia fue tan profunda que textos como el de Geling Yan todavía la ponen de actualidad. Es posible que, a través de sus páginas y de los fotogramas de Yimou, los espectros de Nanking puedan empezar a descansar en paz.

Aún hoy en día estremece saber lo sucedido durante la invasión nipona del terrirorio chino entre 1937 y 1945

Aún hoy en día estremece saber lo sucedido durante la invasión nipona del terrirorio chino, entre 1937 y 1945

Los artistas más relevantes graban un disco que se puede descargar por itunes

Los artistas más relevantes graban un disco que se puede descargar por itunes

Imagina que el 11 de marzo de 2011 hubiera sido un día sin terremotos ni tsunamis; que los más de nueve mil fallecidos por el mortal rugido de la tierra en el país de Yukio Mishima siguieran vivos, asistiendo a sus trabajos, dando calor a los suyos, ansiando otorgar el primer beso, planeando las vacaciones en paraísos de sol y playa… Probablemente, si John Lennon no hubiera surcado la Laguna Estigia en 1980, habría podido escribir una canción semejante; narrando una realidad ajena a cualquier información periodística, peleada con la cruda y ruda tragedia del mundo perceptible.

Norah Jones participa con "Sunrise"

Norah Jones participa con "Sunrise"

Lo cierto es que la nación de Junichiro Tanizaki experimentó una tragedia demasiado feroz en el mes que ahora finaliza; una jornada donde los temblores del suelo isleño derrumbaron las esperanzas y las existencias de varios miles de seres humanos, de los que aún permanecen cerca de catorce millares de almas desaparecidas.

Madonna colabora con una versión en directo de "Miles Away"

Madonna colabora con una versión en directo de "Miles Away"

Reconstruir los sueños perdidos, intentar paliar las pesadillas nocturnas y dotar a sus congéneres de la capacidad para no sucumbir ante la adversidad, el hambre y las enfermedades son algunos de los motivos por los que los artistas de la música más internacional han decidido unir sus voces para ayudar a los que sufren. En situaciones tan extremas, no existen las competencias por ser el mejor, ni la rivalidad entre sellos ni casas discográficas; ya que lo que prima frente al mercado es la necesidad de acudir a secar las lágrimas de los inocentes, sacudidos por la propia naturaleza. EMI Music, Sony Music Entertainment, Universal Music Group y Warner Music Tour han sido las empresas que se han empeñado en concitar a sus trovadores más relevantes -representantes sonoros de los ritmos más eclécticos- para conformar un trabajo cuyo leitmotiv es la solidaridad más desinteresada. El título de este experimeno con cuerpo de CD virtual es Songs For Japan, y su puesta en el circulación ha sido esta misma tarde.

Sting presta su voz en el romántico tema "Fragile"

Sting presta su voz en el romántico tema "Fragile"

En el espíritu de este completo e intenso disco en mp3 -que se puede descargar por una módica cantidad en el espacio itunes– está el propósito de engrosar cuantiosos beneficios destinados íntegramente a la Cruz Roja japonesa, con la mente siempre puesta en aportar del equipamiento sustancial -aunque sea de manera crematística- para que la sociedad nipona pueda comenzar de nuevo; pese a que el daño sea demasiado profundo y marcadamente dramático.

Kings Of Leon incorporan "Use Somebody"

Kings Of Leon incorporan "Use Somebody"

Entre los masificadores iconos de las ondas que el oyente puede encontrar en Songs For Japan cabe destacar la presencia de Madonna (quien ha cedido la versión en directo de su composición Miles Away); REM ( Man On The Moon); Bruce Springteen (Human Touch); Bob Dylan (Shelter From The Storm); Bon Jovi (What Do You Got?); Sade (By Your Side); Enya (If You Could Be Where You Are); Queen (Teo Torriate); Sting (Fragile, interpretada en su mítico concierto en Berlín); U2 (Walk On); y el mencionado John Lennon (participa póstumamente con Imagine, especialmente adecentada para esta grabación).

"Imagine", de John Lennon, no falta

"Imagine", de John Lennon, no falta

Pero esto es solamente una especie de apertura de boca; ya que los representantes de los ritmos más actuales también han aportado su granito de arena, de cara a la recaudación de fondos para una causa tan especial. En este sentido, sobresalen con luz cegadora y potente orquestación el casi adolescente Justin Bieber (con la versión en acústico de Pray); la activa Kate Perry (con Firework); los eléctricos Foo Fighters (con My Hero); los hijos del predicador Kings Of Leon (con Use Somebody); la bailonga Lady Gaga (con Born This Way); la aeróbica Beyoncé (con Irreplaceable); la discotequera Rihanna (con Only Girl); el prolífico David Guetta (con When Love Takes Over, a dúo con Kelly Rowland); la inclasificable Pink (con Sober); y los multitudinarios Black Eyed Peas (con One Tribe).

Bruce Springsteen suena con el corte "Human Touch"

Bruce Springsteen suena con el corte "Human Touch"

A estos –veteranos y líderes de las pistas y los estadios de menor edad- habría que añadir la presencia de Red Hot Chili Peppers, Elton John, Justin Timberlake, Michael Buble, Norah Jones… y muchos más. Por cierto, la contribución hispana tiene en la colombiana Shakira –pese a que entone las estrofas de Whenever, Wherever en inglés- su participante más clara y activa.

La colombiana Shakira interpreta "Whenever, Wherever"

La colombiana Shakira interpreta "Whenever, Wherever"

Como se ve, los pentagramas de las estrellas de las tonadas del siglo XXI -sin elitismos ni marginación de estilos de por medio- han puesto a favor de las víctimas de los fatales terremoto y tsunami lo más sincero que pueden ofrecer: su talento conjugado con sus versos sinfónicos.

Queen acude a la cita con la remasterización de "Teo Torriate"

Queen acude a la cita con la remasterización de "Teo Torriate"

Más información y descargas en http://www.itunes.com

Owen Wilson y Marion Cotillard son dos de los protagonistas de "Medianoche en París"

Owen Wilson y Marion Cotillard son dos de los protagonistas de "Medianoche en París"

Una vez al año no hace daño; eso es lo que debe pensar el cineasta neoyorquino de Manhattan, con respecto a sus productos cinematográficos. Allan Stewart Konigsberg acredita en el carné de identidad más de setenta y cinco tacos; pero la edad no parece ser una excusa para este antiguo humorista, cuyos chistes generaban en tiempos pertéritos la reflexión y la risa sobre temas tan universales como la religión, el sexo y la ética. Ni siquiera su voluntario exilio de USA (tan publicitado como falso) le ha alejado de los platós; ya que, a falta de escenarios en el Nuevo Continente, siempre es posible pasearse –cámara en mano- por la geografía de la varias veces milenaria Europa.

En el filme también colabora Adrien Brody

En el filme también colabora Adrien Brody

La Ciudad de la Luz, con la Torre Eiffel incluida, es la urbe que sirve de localización para la por ahora última obra del responsable de Annie Hall: Medianoche en París, cuyo estreno en España está previsto para el próximo 13 de mayo. Sin embargo, antes de que el público en masa dé su opinión sobre la cinta, el cineasta y su nutrido elenco artístico lucirán su palmito sobre la alfombra roja del Festival del Cannes, para presentar internacionalmente el filme.

Carla Bruni es una de las grandes atracciones de la película

Carla Bruni es una de las grandes atracciones de la película

La historia de esta producción con acento francés sigue las aventuras de una familia norteamericana, cuando se encuentra de viaje por el país de Víctor Hugo y Albert Camus. El clan está de celebración; y, entre ellos, hay una pareja de tortolitos que espera despejar dudas respecto a su relación. Él es un escritor con ansiedad de captar atmósferas inspiradoras; por lo que se toma los necesarios descansos para deambular en nocturnidad por las arterias de la urbe del Sena. Mientras camina por el suelo empedrado de las avenidas que patearon anteriormente Napoleón y Robespierre, el hombre percibe -al acercarse a un conocido café- como si se trasladara a otra época. Esa sensación, muy en consonancia con la magia que pulula por el ambiente, hace que el protagonista se tome su estancia en la capital de la bandera tricolor como una oportunidad para explorar emociones que pensaba ajenas a su persona.

La obra de Allen ha sido escogida para inaugurar el próximo Festival de Cannes

La obra de Allen ha sido escogida para inaugurar el próximo Festival de Cannes

El rubio Owen Wilson es el encargado de encabezar el reparto de este largometraje; convirtiéndose en un alter ego del propio director y guionista y de sus interpretaciones más célebres, un ejercicio que el exmarido de Mia Farrow ya practicó antes con -por ejemplo- Josh Brolin (Conocerás al hombre de tus sueños) o Kenneth Branagh (Celebrity). El gracioso actor de Noche en el museo encarna al personaje principal, el narrador en caza de las musas que animen su existencia. Junto a él, acompañándole en su periplo vivencial, la activa Rachel McAdams (ella era lo mejor de Morning Glory), la veterana Kathy Bates (Misery), el británico Michael Sheen (The Queen), la francófona Marion Cotillard (Enemigos públicos) y el oscarizado Adrien Brody (El pianista) completan el cuadro dramático. Bueno, ellos y la mediática Carla Bruni. La primera dama de Francia, la esposa de Sarkozy –el madamás del Eliseo-, presta su figura de modelo de pasarela para que el simpático Woody encaje en sus generosas curvas un papel digno, y convenientemente exento de posibles polémicas.

La historia gira en torno al viaje a Francia de unos estadounidenese

La historia gira en torno al viaje a Francia de unos estadounidenses

No obstante, esta no es la primera película en la que Bruni ha aceptado ponerse delante del objetivo de un realizador: una pequeña colaboración, en la piel de ella misma, para el filme Paparazzi (Alain Berbérian, 1998) supuso su bautismo en el séptimo arte.

El realizador neoyorquino inició sus producciones en Europa con "Match Point"

El realizador neoyorquino inició sus producciones en Europa con "Match Point"

Medianoche en París es una nueva estación de paso en la prolífica carrera de Woody Allen –un señor bajito que toca el clarinete con soltura en cuanto le dan oportunidad para ello-, al igual que lo han venido siendo las más recientes latas de fotogramas grabados por el natural de la metrópoli de la Estatua de la Libertad. Sin embargo, algo se ha ido perdiendo en la senda de la genialidad impostada conforme el creador engrosaba su lista profesional; una especie de polvillo que tiene que ver con la frescura situacional y la energía de sus diálogos. La mente artística de Allen sigue siendo de las que cualquiera de sus colegas de las claquetas envidiaría; pero los aficionados que disfrutaron con sus títulos más conseguidos aún esperan ver el espíritu satírico y desmitificador del que hizo gala en los setenta y los ochenta; y que, quizá, solamente rozó en el siglo XXI con Match Point (2005) y Scoop (2006). Aunque todavía hay esperanza de que Allan Stewart Konigsberg recupere la juventud cerebral exhibida en las primaveras de los patalones campana y los pelos cardados.

La Ciudad Condal ya forma parte del álbum de localizaciones del autor de "El dormilón"

La Ciudad Condal ya forma parte del álbum de localizaciones del autor de "El dormilón"

El Fukushima Prefectural Muesum Of Art se sitúa al lado del monte Shinobu

El Fukushima Prefectural Muesum Of Art se sitúa al lado del monte Shinobu

Desde hace unas semanas, Fukushima es una ciudad condenada; por la que circulan con impunidad los fantasmas de la radiación. La central nuclear que alberga este territorio de tradición milenaria, asentado en torno al histórico Monte Shinobu y a tiro de billete de tren del tecnológico paisaje tokiota, amenaza -tras el devastador movimiento sísmico del que fue víctima el país- con desintegrar la naturaleza circundante. Por eso, las mascarillas casi de ciencia ficción colorean la monocroma tonalidad temerosa y asfixiante de unos habitantes que tiemblan ante lo que podría ser una muerte segura, en caso de un escape generalizado provocado por los dañados reactores de la vecina planta energética.

La colección permanente tiene más de 2.000 obras

La colección permanente tiene más de 2.000 obras

Escondido entre las sombras que planean sobre esta prefectura se halla el Museo de Arte, un edificio moderno y de amplias salas al que le pilló el desastre nacional mientras exhibía los trabajos del popular y seguido Estudio Ghibli. Las animaciones diseñadas en la factoría ideada por Hayao Miyazaki en 1985 –y que tomó el nombre de los aviones que lucharon en el Sáhara durante la Segunda Guerra Mundial- dotaron, hasta el aterrador movimiento terráqueo del pasado 11 de marzo, de cromatismo y genialidad artística el espacio que la institución dedica habitualmente a las exposiciones temporales. Pero el desastre acaecido tras el terremoto y el posterior tsunami cortó de lleno la aparente normalidad. Ahora, la confusión hace que las actividades del inmueble cultural estén más o menos paralizadas; mientras los fondos del centro aguardan un futuro incierto, con el espectro de Chernobyl pululando en cada brizna de aire; andidando entre los huecos invisibles de pinceladas sueltas y siluetas marmóreas.

Cuando se produjo el terremoto y el tsunami estaba programada una exposición sobre los Estudios Ghibli

Cuando se produjo el terremoto y el tsunami estaba programada una exposición sobre los Estudios Ghibli

El Fukushima Prefectural Museum Of Art, alzado en el número 1 de la calle Nishiyohan (Moriai), fue inaugurado con todos los honores en 1984, con la misión de convertirse en un referente de las expresiones creativas de la contemporaneidad en esas latitudes. Más de 2.000 obras componen la colección permanente de este particular y efectivo lugar; unión heterogénea destinada a concitar la belleza y el genio de maestros como los impresionistas franceses, con el claro academicismo de los pintores y escultores nipones surgidos en la tierra de Yukio Mishima a paritr del final de la época decimonónica.

La institución fue inaugurada en 1984

La institución fue inaugurada en 1984

Es muy lógico asociar el destino del museo de Nishiyozan con la inmensa institución de similar espíritu que se erige en la ciudad de Hiroshima. Siempre con el recuerdo del bestial e imborrable 6 de agosto de 1945, el Hiroshima Kenritsu Bijutsukan intentó desde su apertura demostrar que después de la destrucción era posible crear Arte; a la vez de ofrecer cama y reposo a las piezas de grandes referentes universales de la Pintura y la Escultura. Ocho habitaciones, denominadas galerías, componen el mapa neurálgico de este centro expositivo. En sus paredes y laberintos hay sitio de sobra para que luzcan con sus mejores pigmentos los sueños de óleo y lienzo pertenecientes al Romanticismo, Impresionismo, Fauvismo, la Escuela de París o la generación de artistas orientales más identificados con las ideas de Picasso, Modigliani, Chäim Soutine o Marc Chagal. Así, las escenas de Shotaro Koyama, Chu Asai, Seiki Kuroda, Takeji Fujishima y Saburosuke Okada se dan la mano con los más representativos cerebros visuales de Europa y América de las postrimerías del siglo XIX y principios del XX.

El futuro es incierto

El futuro es incierto

Las noticias que llegan a Occidente sobre el estado de Fukushima no son halagüeñas, más bien todo lo contrario. La Tierra no está dando muchas esperanzas ni treguas de recuperación al antiguo imperio de los samuráis y el shogunato. No obstante, queda el resquicio siempre alentador de que la solidaridad de la humanidad al completo doblegue a la realidad, para conseguir la ansiada dosis de calma y recuperación que necesitan en estos momentos -de sufrimiento constante- los hermanos del conglomerado de islas que componen Japón.

Para colaborar con los afectados por la catástrofe nipona, los interesados pueden hacerlo mediante donativos directos en las páginas de Save the Children y la Cruz Roja. O bien, mediante SMS, de la siguiente manera:

Los abonados a Telefónica/ Movistar deben mandar “Japón”, al 28077

Los abonados a Vodafone deben mandar “CRE”, al 28052

Todo pasa por acabar con los problemas en los reactores de la cercana central nuclear

Todo pasa por acabar con los problemas en los reactores de la cercana central nuclear

Más información http://www.art-museum.fks.ed.jp

Nota.- Algunas de las imágenes tienen el copyright del Fukushima Prefectural Muesum Of Art.

El escritor turinés centra la acción de su último texto en las referencias bíblicas

El escritor turinés centra la acción de su último texto en las referencias religiosas

Lágrimas de sangre cayeron sobre la Cruz en la que Cristo se reunió con el Supremo Hacedor. Sin embargo, la muerte fue un estado intermitente en la existencia del Hijo de Dios. Tras permanecer en la cripta sepulcral, el carpintero de Nazareth se levantó y resucitó. En su senda como ser celestial, dos de sus antiguos apóstoles recibieron su visita; pero no le reconocieron. Ese hecho bíblico es a lo que se refiere el título de la última novela publicada en España por el creador de Seda.

La adolescencia y sus miedos sirven de metáforas en el libro que edita Anagrama en España

La adolescencia y sus miedos sirven de motores en el libro que edita Anagrama en España

Emaús es una metáfora sobre la incapacidad para aprovechar lo que ofrece la vida, en momentos en los que los hombres y mujeres están distraídos con otras actividades, que les pueden ensombrecer la claridad que los hados les intentan proporcionar. Alessandro Baricco (Turín, 1958) es un narrador que ha hecho de la ambigüedad y la falsa certeza piedras angulares de sus relatos. Ese espacio donde lo emocional se transforma en la faz visible de cualquier ser humano, junto a esas habitaciones cerradas habitualmente para el tránsito de los extraños, es en el que se crecen las palabras del italiano; sin sonrojos ante la posibilidad de caer en lo naif o en lo profundamente infantil.

"Seda" es el título más popular en la producción de Baricco

"Seda" es el título más popular de Baricco

El texto que publica este mes en España la editorial Anagrama –con la estupenda traducción deXavier González Rovira– continúa en el ámbito surrealista habitual del autor; justo el mismo en el convive la mayor parte de la producción de este antiguo periodista transalpino. Esta apuesta por los laberintos de la evocación nostálgica le sirve al inventor de tramas para descubrir las ansias y obsesiones de un cuarteto de adolescentes, inmersos en la pretérita década de los setenta. El Santo, Luca, Bobby y el narrador –voz en off omnipresente que se perpetúa en la tradición redactora de Baricco desde sus inicios en la profesión-  son unos chavales imbuidos en la fe católica, pese a que estos no comprendan muy bien qué es lo que ello conlleva. Los chicos se mueven con soltura entre el pecado y la redención, dando tumbos por su particular universo de guitarras eléctricas y drogas alucinatorias. Así es su círculo experimental, hasta que aparece una muchacha llamada Andre; y todo cambia en la rutina marcadamente hedonista y paradójicamente eclesiástica de estos incautos teenagers.

"Emaús" conserva el espíritu casi surrealista de la historia de Hervé Joncour

"Emaús" conserva el espíritu casi surrealista de la historia de Hervé Joncour

Como en Seda, City u Océano mar, lo explicativo resta un poco de importancia a la sugerencia en el grueso evolutivo del argumento; aunque esta intención descriptiva se atenúa convenientemente con atmósferas envolventes, que tienden a animar al lector a practicar la imaginación para seguir los vaivenes sentimentales de los protagonistas. Tal ejercicio de recreación emotiva es lo que ha llevado a Alessandro Baricco a estar entre los escritores preferidos de miles de seguidores herederos de múltiples culturas e idiomas.

Giuseppe Tornatore fue el primer director en adaptar al séptimo arte una obra del piamontés

Giuseppe Tornatore fue el primer director en adaptar al séptimo arte una obra del piamontés

La precisión no es tal en las páginas manuscritas por el turinés, quien suele dejar anchura suficiente para la fantasía en sus diálogos y escenas. Esa capacidad para estimular la ensoñación de los que se acercan a sus volúmenes ha interesado también a la industria audiovisual; factoría de sueños seriados que ha echado mano de los textos del norteño en más de una ocasión. El primero en darse cuenta de la naturaleza casi hipnótica de las narraciones de este amante confeso de J. D. Salinger fue el cineasta Guiseppe Tornatore. El responsable de Cinema Paradiso no dudó ni un momento al contratar los servicios de Baricco para versionar uno de los monólogos del novelista en formato de celuloide. El resultado fue la poética y megalómana cinta titulada La leyenda del pianista en el océano (1998). En ella, un joven instrumentista se negaba a salir del barco en el que prestaba sus servicios musicales, para sobrevivir a un mundo agresivo y feroz con los espíritus más vulnerables.

La ingenuidad del concertista Danny Boodman es muy frecuente en los personajes del narrador transalpino

La ingenuidad del concertista Danny Boodman es muy frecuente en los personajes del narrador transalpino

Mucho del concertista naviero Danny Boodman había también en el comportamiento taciturno e inseguro de Hervé Joncour, el personaje principal de Seda: obra publicada en 1996 que fue adaptada a la pantalla grande por François Girard, en 2007. Las buenas sensaciones cinematográficas tras este trabajo provocaron que el propio literato dirigiera en 2008 el filme Lezione 21. El argumento del largometraje versaba sobre el viaje por los Alpes italianos de un estudiante de música, inspirado por la Quinta Sinfonía de Beethoven. John Hurt, Noah Taylor y la española Leonor Watling compusieron el elenco interpretativo.

Baricco realizó en 2008 el filme "Lezione 21"

Baricco realizó en 2008 el filme "Lezione 21"

No sería descabellado pensar que hay algo de autobiográfico entre los párrafos de Emaús. Aunque el compatriota de Alberto Moravia no será quien saque de dudas a los que entrevean semejantes trazas memorísticas. Una falsa modestia o una pose de distanciamiento premeditado persiguen al nacido en la región del noroeste del país en forma de Bota,; ingredientes necesarios para generar el misterio deseable, sobre todo cuando las retinas avanzan por las situaciones surgidas del cerebro creativo de este exitoso licenciado en Filosofía, cuyo aspecto afable es susceptible de recordar al de cualquier trovador medievalista.

La fantasía de sus descripciones es uno de los puntos fuertes en la literatura del creador de "City"

La fantasía de sus descripciones es uno de los puntos fuertes en la literatura del creador de "City"

Más información en http://www.anagrama-ed.es

Timur Bekmambetov adapta al cine una célebre obra de Grahame-Smith

Timur Bekmambetov adapta al cine una célebre obra de Grahame-Smith

Los chupasangre no respetan ni a los inquilinos de la Casa Blanca. Puestos a mordisquear a los humanos, en busca de saciar su hambre de hemoglobina, los hijos de la noche no distinguen si succionan a un mendigo, a una prostituta, a un donante de semen o a un gobernante. Por eso, hay que estar muy alerta con el hacha, el agua bendita, los crucifijos y los ajos rocieros; ya que no existe inmunidad alguna.

En "Vampire Hunter", Lincoln se dedica a dar matarile a los vampiros

En "Vampire Hunter", Lincoln se dedica a dar matarile a los vampiros

Similar botiquín de emergencia anti-nosferatus es lo que porta en todo momento, convenientemente escondido a los ojos de los medios de comunicación y oponentes políticos, el protagonista de Vampire Hunter: el genuino Abraham Lincoln. Basándose en una exitosa novela del polémico escritor Seth Grahame-Smith (el mismo que convirtió el romántico texto de Orgullo y Prejuicio en una crónica de zombis enamorados), el realizador Timur Bekmambetov (Wanted) da un vuelco ficticio y sumamente fantasioso a la existencia del decimosexto mandatario de EE. UU.

El autor de la historia es el mismo que pasó a Jane Austen por el tamiz de los zombis

El autor de la historia es el mismo que pasó a Jane Austen por el tamiz de los zombis

El argumento del filme comienza en las llanuras perdidas de Indiana. Allí, en el año 1818, Nancy –la madre de un pequeño de nueve años llamado Lincoln- muere víctima de la “enfermedad de la leche”. Sin embargo, el crío sabe que en realidad su querida progenitora ha encontrado su camino prematuro hacia el camposanto por la acción de un heredero de Drácula. Desde ese instante, el chaval se dedica a matar a todas las criaturas de afilados colmillos para acabar con el Mal. Aunque, entre tanta cacería de gama mayor, el joven tendrá tiempo para hincar los codos y llegar a lo más alto en la escala del poder fáctico en USA. La aparición, 140 años más tarde después de su muerte de unos diarios, será lo que aclare la misteriosa realidad del Sr. Lincoln.

El original literario ha sido un éxito de ventas

El original literario ha sido un éxito de ventas

Grahame-Smith intenta con una aventura tan extraña explicar la encarnizada lucha que el presidente de estatura monumental libró contra los esclavistas del sur. No obstante, cuando se bucea un poco por la biografía del natural de Kentucky, se comprende que una educación en el seno de una familia baptista es una causa mucho más probable para encontrar el comportamiento ético como adulto del mencionado personaje.

El verdadero Abraham Lincoln perdió a su madre a la edad de nueve años

El verdadero Abraham Lincoln perdió a su madre a la edad de nueve años

Fantasía aplicada a tipos que existieron de verdad es lo que propone el director de Guardianes del día para embarcarse en tan peculiar obra. Pero, ¿cómo era realmente Licoln en sus orígenes? Es cierto que la madre del mandatario falleció en 1818, por culpa de una dolencia que afectaba a las lactantes; hecho propiciado por el alumbramiento de la hermana de Abraham. Tampoco es falso que su padre carpintero se dejaba llevar por las supersticiones más rocambolescas. Sin embargo, de los vampiros afortunadamente no hay constancia; salvo en las cabezas del narrador neoyorquino y del cineasta kazako.

La protagonista del remake de "La cosa", Mary Elizabeth Winstead, encarna a Mary Todd Lincoln

La protagonista del remake de "La cosa", Mary Elizabeth Winstead, encarna a Mary Todd Lincoln

No obstante, la curiosidad animará probablemente a los espectadores, quienes –de paso- podrán contemplar una faz del gobernante asociado con la Guerra de Secesión muy alejada de otros precedentes cinematográficos, como los interpretados por Henry Fonda en el Joven Lincoln (John Ford, 1939) y Walter Huston en Abraham Lincoln (D.W. Griffith, 1930).

En cuanto al reparto de Vampire Hunter, Bekmambetov ha contado para su diabólica cinta con la presencia, entre otros, del veinteañero Benjamin Walker en la piel de Lincoln (el actor se ha caracterizado por haber hecho hasta el momento papeles secundarios, en largos como Banderas de nuestros padres, de Clint Eastwood); la espectacular Mary Elizabeth Winstead (la que fuera hija de Bruce Willis en La jungla 4.0 se está preparando para su lanzamiento definitivo con títulos tan sugerentes como el remake de La cosa, que dirige Matthijs van Heijningen Jr.) y el británico Dominic Cooper (Tamara Drewe).

Benjamin Walker se mete en la psique de este renovado y desconocido Abraham Lincoln

Benjamin Walker se mete en la psique de este renovado y desconocido Abraham Lincoln

Seguramente, la cosa no pasará más que de un juego -más o menos bienintencionado- sobre la figura de uno de los nombres clave en el devenir de los acontecimientos planetarios en la segunda mitad del siglo XIX. Pero, sería de agradecer aconsejar a los que visionen la propuesta del realizador de Los guardianes de la noche, que no se crean lo que ocurre en la pantalla; y que lean los hechos tal cual sucedieron en el arco existencial de Abraham Lincoln. Y, si tras la degustación de Vampire Hunter desean seguir disfrutando con la creatividad de ultratumba de Grahame-Smith, desde aquí se les emplaza al estreno de Dark Shadows: el remake de la homónima serie de televisión que prepara Tim Burton, y cuyo guion corre a cargo del hacedor de best sellers.

El kazako Bekmambetov está preparando el rodaje de "Wanted 2"

El kazako Bekmambetov está imbuido en el rodaje de "Wanted 2"

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, dio por finalizada la reforma del hogar del pintor

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, dio por finalizada la reforma del hogar del pintor

La luz opaca se vela con blancura de ultratumba a través de las celosías. Mientras, los fantasmas demacrados con pigmentos reveladores juegan al escondite con el visitante, en el vetusto y regio inmueble que se levanta en el barrio toledano de la judería. Allí, tras ventanales ocultos por la penumbra y mantos de nocturnidad obligada se asoma el rostro de Doménikos Theotokópoulos (Grecia, 1541- España, 1614), con timidez de pinceles y lienzos rebosantes de anochecer, para dar la bienvenida a los huéspedes de su museo, de su albergue de fantasía y calma.

La insitución es una de las atracciones turísticas de la urbe castellana

La insitución es una de las atracciones turísticas de la urbe castellana

La casa de El Greco abre hoy sus puertas después de cinco años de reformas y martilleos constantes, con el objetivo no escondido de demostrar la pasión que la ciudad siente hacia uno de sus maestros más reconocidos, un hijo adoptivo que se convirtió en un castellano tan ilustre como el venerado Don Quijote, desde que en 1577 decidiera establecer su residencia en el enclave de tradición multicultural.

El artista estableció su residencia en Toledo en 1577

El artista estableció su residencia en Toledo en 1577

El magno edificio, situado en la histórica calle de Samuel Leví, conoció el momento de su inauguración en el lejano 1910, cuando el Marqués de Vega-Inclán se hizo cargo de engalanar el espacio para concitar el arte de uno de los grandes genios de la pintura española en el siglo XVI. El noble fue uno de los pocos que confiaron en un artista maldito por la incomprensión de la que fue fruto su obra, incluso transcurridas varias centurias desde su fallecimiento.

El centro tiene previstos incluso talleres familiares

El centro tiene previstos incluso talleres familiares

En el tiempo del heleno, Theotokópoulos tuvo que sufrir el escarnio público de mecenas tan lisonjeros como los pertenecientes a la monarquía, que se disputaban con sangre y fuego los favores de venerables flamencos como Rubens o inmortales italianos como Tiziano; antes de quedarse con el universo de expiación espiritual que conformaba la producción de El Greco.

Numerosas actividades completarán el conocimiento sobre el genio del siglo XVI

Numerosas actividades completarán el conocimiento sobre el genio del siglo XVI

El compatriota de Fidias se sintió maltratado ante el muro de las preferencias palaciegas, pero no por eso renunció a sus visiones futuristas de transformación de la materia pictórica. En sus telas se conjugaron la fe en estado puramente celestial con la admiración declarada hacia Miguel Ángel y el mencionado Tiziano. Usar la paleta sin que siquiera se notara, dar contornos vaporosos y acercarse al aura de unas figuras constantemente entre la realidad y el sueño fueron en los cuadros de este toledano de pro ejes de concepción visual que, pese a que no entusiasmaron a muchos de sus coetáneos, sorprendieron a generaciones de artistas en épocas posteriores.

El Greco fue un pintor incomprendido durante mucho tiempo

El Greco fue un pintor incomprendido durante mucho tiempo

Disfrutar con todo lujo de explicaciones de El Apostolado, San Bernardino o El Redentor; sin olvidar El entierro del conde de Orgaz (exhibido hasta el momento en la aledaña iglesia de Santo Tomé) y El caballero de la mano en el pecho es posible en un sentido más globalizador tras este trabajo de adecuación de la antigua casa donde habitaron Samuel Leví (tesorero del Rey Pedro I de Castilla) y el Marqués de Villena.

El pintor de las sombras vuelve a hacerse carne con la inauguración de su otrora hogar, en el que aún -y si la imaginación del turista está por la labor- se puede oler su perfume turbador a tintura de Más Allá y a sufrimiento de patetismo escénico.

La religión se convierte en forma humana en la producción del autor de "El entierro del Conde de Orgaz"

La religión se convierte en forma humana en la producción del autor de "El entierro del Conde de Orgaz"

La protagonista de "Cleopatra" falleció ayer en Los Ángeles, a los 79 años

La protagonista de "Cleopatra" falleció ayer en Los Ángeles, a los 79 años

Fue la primera actriz en ganar un millón de dólares por interpretar un papel. Apenas llegaba al 1,60 de estatura, pero esta mujer de mirada violeta y cabellera azabache dominó con su perfecto rostro la pantalla durante varias décadas. Su belleza era como un animal sin domesticar, tocada con el salvajismo de un iris irrepetible, de los que cautivaban a propios y extraños; de esos que hipnotizaban al espectador independientemente del filme en el que recaía su impactante presencia.

Su vida estuvo marcada por los constantes vaivenes sentimentales

Su vida estuvo marcada por los constantes vaivenes sentimentales

Elizabeth Rosemond Taylor (Hampstead, Londres, 1932- Los Ángeles, California, 2011) estaba impregnada desde la cuna de ese polvo con el que se distinguen las estrellas. El hada azul, hacedora de sueños imposibles, tocó con su varita la frágil testa de esta genial fémina, cuando la pequeña dio sus berridos iniciales en la urbe del Big Ben. Que Taylor naciera en la vetusta Inglaterra fue simple casualidad; ya que sus progenitores estaban en la tierra de Shakespeare casi de paso. Pero sus raíces europeas le otorgaron a la coleccionista de matrimonios un aura distinta, dotada de un cierto exotismo que entusiasmó a los jefazos de Hollywood.

Se casó en numerosas ocasiones

Se casó en numerosas ocasiones

El estallido de la Segunda Guerra Mundial y los preparativos de la lucha armada hicieron que los progenitores de Elizabeth abandonaran el Viejo Continente, para regresar a Estados Unidos. Una vez allí, un amigo de los papás de la chica reparó en los sorprendentes rasgos físicos de la muchacha; y sus comentarios animaron a los Taylor a llevar a su chiquitina a una prueba de casting. Nada más poner sus pies en los estudios de la Universal, hasta el pertiguista fue consciente de que había surgido un sex symbol. La niña se creció ante los responsables del test y consiguió encauzar su debut en el séptimo arte, que tuvo lugar en la comedia resultona de carácter familiar There’s One Born Every Minute (Harold Young, 1942). Aún no había cumplido los diez tacos, y Elizabeth era una joya destinada a brillar con un fulgor incalculable. De eso se dieron cuenta los vecinos de la Metro; cuando birlaron a la new baby a Universal con el objetivo de sellar el futuro de uno de los iconos en versión de celuloide más planetarios e inolvidables de cuantos han poblado las salas de los cines.

Richard Burton fue el hombre que más marcó la existencia de Taylor

Richard Burton fue el hombre que más marcó la existencia de Taylor

De esta forma, Taylor puso su firma en las películas de MGM.  Debido a su edad, la guapa girl comenzó a forjar su carrera en largometrajes dedicados al público infantil y juvenil, tales como La cadena invisible (comienzo de la saga de Lassie, que la joven rodó a las órdenes de Fred M. Wilcox, en 1943), Fuego de juventud (en esta sentimental cinta conoció a Mickey Rooney, con quien compartió el protagonismo bajo la dirección de Clarence Brown, en 1944) y El coraje de Lassie (Fred M. Wilcox, 1943) . Aunque la nueva actriz también prestó su frágil figura para hacerse un hueco en el cine de adultos, con pequeñas caracterizaciones en Las rocas blancas de Dover (Clarence Brown, 1944) y Alma rebelde (adaptación de la novela Jane Eyre realizada por Robert Stevenson en 1943, y en la que la futura pareja de Richard Burton hizo la parte de Helen Burns).

Siempre conservó la perfección y armonía de sus rasgos físicos

Siempre conservó la perfección y armonía de sus rasgos físicos

Así, la londinense pasó su infancia entre focos, mientras su carisma iba ganando enteros conforme transcurrían los años. La aparición de Elizabeth Taylor como Lady Patricia en el drama histórico Beau Brummell (Curtis Bernhardt, 1954), al lado del galán romántico Stewart Granger, empezó a dar una idea del bello ser en el que se había convertido. La sensualidad de sus gestos y, sobre todo, la hondura de sus cuencas oculares la hicieron destacar en un cosmos profesional en el que la perfección física era algo común.

Debutó en la pantalla con apenas diez años

Debutó en la pantalla con apenas diez años

Hollywood halló en Elizabeth Taylor la estrella que siempre buscó, y ella se dejó querer por las cámaras. Su simple aparición en los fotogramas de una obra hacía que el público acudiera en masa a ver su faz divina, turbadora y pasional como pocas veces había registrado una persona humana.

Sus ojos cautivaron a millones de fans

Sus ojos cautivaron a millones de fans

La criminal y apasionada Un lugar en el sol (conoció a su amigo Montgomery Clift en el rodaje de esta obra dirigida por George Stevens, en 1951), la trágica La última vez que vi París (Richard Brooks, 1954), la aventurera La senda de los elefantes (William Dieterle, 1954), la mítica Gigante (donde tuvo la oportunidad de coincidir con James Dean y Rock Hudson, siempre con el objetivo pendiente de George Stevens detrás de ellos para sacar adelante el largo de 1956) y la epopeya El árbol de la vida (aunque no funcionó del todo esta apuesta por el espíritu de Lo que el viento se llevó grabada por Edward Dimitryk en 1957, sirvió para que Taylor lograra su primera nominación al Oscar como Mejor Actriz) fueron algunas de las películas más destacables de la entonces veinteañera.

Pese a su frágil figura, poseía un fuerte carácter

Pese a su frágil figura, poseía un fuerte carácter

La temporada de finales de los cincuenta marcó la unión de la carrera de la hija del tratante de arte con el dramaturgo Tennessee Williams. Las piezas teatrales del crítico escritor definieron uno de los mejores periodos curriculares en la vida de Taylor. La gata sobre el tejado de zinc caliente (Richard Brooks, 1958) y De repente, el último verano (Joseph Leo Mankiewicz, 1959) fueron las inolvidables interpretaciones –con sendas nominaciones a los Oscar- de la muchacha británica, ambas en la piel de personajes al borde de la locura creados por el responsable de Dulce pájaro de juventud.

Con "La gata sobre el tejado de zinc caliente" consiguió una nominación al Oscar

Con "La gata sobre el tejado de zinc caliente" consiguió una nominación al Oscar

El mencionado giro en sus caracterizaciones sirvió a Elizabeth para dotar de un lado más oscuro a sus papeles; algo que bordó con más que sobresalientes resultados en La mujer marcada (Daniel Mann, 1959). Su visión desnaturalizada de la seductora Gloria Wandrous, siempre siguiendo las indicaciones del novelista John O’Hara, le valió a la cría de la saga de Lassie su primer Oscar como Mejor Actriz, en 1960.

La década hippy comenzó con el imperio mediático de Taylor. Todos la querían en sus rodajes, y su agenda estaba repleta de proyectos jugosos. Tal era el frenesí por contratarla, que Joseph Leo Mankievicz tiró la casa por la ventana al sacar a los estudios el millón de dólares con el que convenció a Elizabeth para protagonizar Cleopatra (1963). El largometraje batió cualquier récord presupuestario; riesgo financiero que casi saló mal. Sin embargo, la estrella de Mujercitas quedó más que satisfecha; por lo menos desde el punto de vista emocional, ya que al año siguiente se casó con el actor que dio vida a Marco Antonio: el galés Richard Burton.

Estuvo muy unida, hasta la muerte de este, a Montgomery Cliff

Estuvo muy unida, hasta la muerte de este, a Montgomery Cliff

Los vaivenes sentimentales y los continuos escándalos fuera de los platós no ayudaron precisamente a la estrella inglesa para mantener el estatus logrado después de Cleopatra. Pero, su trabajo no se vio perjudicado en calidad; sino todo lo contrario. En 1966, Elizabeth Rosemond encarnó una de sus mejores y más celebradas actuaciones: la de la beoda y desilusionada Martha, en el filme ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Mike Nichols). Las malas lenguas aseguraban que Taylor no había tenido que escenificar más que su propia realidad -o una muy similar-; pero la Academia sí que valoró el esfuerzo de la nacida en Hampstead, concediéndole su segundo Oscar como Mejor Actriz.

"¿Quién teme a Virginia Woolf?" le otorgó su segundo Oscar

"¿Quién teme a Virginia Woolf?" le otorgó su segundo Oscar

Tras numerosos fracasos en su vida privada con respecto a sus maridos, Elizabeth Taylor fue aparcando su senda delante de las cámaras, para encerrarse en el mutismo silencioso de los dioses con carne de fotograma. Sus continuos problemas de salud -junto a sus contadas apariciones en papeles pequeños de seriales de televisión y producciones normalmente europeas- fueron arrinconando la otrora gloriosa estela. Sin embargo, su recuerdo y la llama que desprendían sus ojos violeta siempre permanecieron ardiendo, sin perder ni un ápice de su fulgor. Ayer falleció en Los Ángeles una dama que era historia viva de las añoranzas de millones de ciudadanos, a los que no les importaba mucho los trapos sucios de sus excesos con el alcohol o sus constantes divorcios; legiones de amantes furtivos de sus medidas caídas de párpados, adormecidos con las agrupadas pestañas de la mítica Cleopatra.

A pesar de que sus enfermades la apartaron de las salas, nunca prescindió del contacto con sus admiradores

A pesar de que sus enfermades la apartaron de las salas, nunca prescindió del contacto con sus admiradores

El enclave fue celebra los 150 años de su capitalía

El enclave recuerda los 150 años como centro neurálgico de la Italia del Risorgimento

En la parte noroeste de la Bota, justo en el Piamonte, Turín exhibe su señorío. Sus vetustos edificios y su geografía amplia, limpia, casi de libertario espíritu, fueron paisajes de celtas, romanos, bizantinos, longobardos y francos; mientras sus calles empedradas ilustraban las pisadas de históricos visitantes.

De 1861 a 1865, fue la sede de la monarquía de Víctor Manuel II

De 1861 a 1865, fue la sede de la monarquía de Víctor Manuel II

El Risorgimento decimonónico, originado con el concepto romántico de búsqueda de la identidad italiana, eligió a esta tierra de suculentos manjares como primer centro neurálgico de la nación surgida por los efectos revolucionarios de la Reunficación. Fue de 1861 a 1865 cuando la antigua Augusta Taurinorum se transformó en capital del país. Centuria y media después de tal reconocimiento administrativo, la urbe coronada recuerda su pretérita época como consorte palaciega del reinado del orondo monarca Víctor Manuel II; a la vez de convertirse en el icono de los soldados descamisados que reclamaban el espíritu transalpino frente la dominación de imperios extranjeros.

Las obras de Leonardo son parte de su atractivo turístico

Las obras de Leonardo son parte de su atractivo turístico

Estos días, junto a la bandera tricolor, parece ondear con inusitada fuerza en el enclave piamontés los tejidos colorados de Garibaldi; al tiempo que se insinúa entre los cielos aborregados el gesto contrito del poco atlético conde de Cavour. Sentimientos extraños y de traslación temporal que la oficina de turismo del país de Miguel Ángel intenta completar con un programa expositivo -nominado como Esperienza Italia– realmente interesante y globalizador.

Una de las exposiciones se vertebra en torno a los dibujos del pintor de "La Santa Cena"

Una de las exposiciones se vertebra en torno a los dibujos del pintor de "La Santa Cena"

El Arte en todas sus variantes plásticas, la moda, la gastronomía, la ciencia y el espíritu ciudadano se dan cita en los diferentes monumentos y museos de la urbe donde se hizo fuerte la dinastía de los Saboya, y en la que se guarda con mimo y cuidado el Santo Sudario, la sábana que cubrió el cuerpo yaciente de Cristo.

Por las calles turinesas se percibe el aroma libertador de Garibaldi

Por las calles turinesas se percibe el aroma libertador de Garibaldi

Para concretar un poco el mapa festivalero, de cara a los turistas necesitados de sendas más o menos clarificadoras, aquí va un resumen de lo que se puede ver, escuchar, sentir y degustar en la catedral donde juegan Juventus y Torino.

Empezar por el asunto de la reivindicación de la tierra puede ser un comienzo aleccionador, y capaz de poner en situación a los extraños sobre la verdadera razón y significado de estas celebraciones. Hacer los italianos: 150 años de historia nacional es el título de una muestra que pretende dar el protagonismo a los habitantes del país que acoge en su seno El Vaticano. Organizada en la Officine Grandi Riparazioni, hasta el 20 de noviembre, la exhibición propone un recorrido más o menos completo sobre los la identidad nacional.

Los Saboya regalaron a la cuna de celtas y bizantinos mucho de su patrimonio actual

Los Saboya regalaron a la cuna de celtas y bizantinos mucho de su patrimonio actual

En el mencionado centro en el que se reparaban los vehículos de transportes durante los siglos XIX y XX, también se pueden contemplar las apuestas turinesas para vaticinar lo que está por venir, a través de los avances tecnológicos encuadrados en la nación transalpina. Stazione Futuro. Aquí se vuelve a hacer Italia y El futuro en las manos. Artesanos del mañana son los epígrafes que engloban los aspectos más institucionales de los festejos. Es bueno darse una vuelta por estas dos muestras, cuya clausura está prevista el 20 de noviembre, para cumplir con el protocolo; pero no dejan de transpirar un perfume propagandístico que es agradable digerir perdiéndose en otros ámbitos más liberadores.

Las variantes plásticas concitan la mayor atención del visitante de cara a los festejos

Las variantes plásticas concitan la mayor atención del visitante de cara a los festejos

Uno de estos espacios del disfrute más abierto lo supone sin duda alguna el Arte. La bella Italia. Arte e identidad de las ciudades capitales es una de esas magnas exposiciones ante la que es imposible resistirse. Las retinas sucumben sin reservas frente a las más de 350 obras que componen los laberintos emocionales alojados –hasta el 20 de noviembre– en el Palacio Real de Venaria. En sus salas, se dan la mano artística maestros como Giotto, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, Caravaggio, Rubens, Tiépolo, Canova y Velázquez. Sus pinturas y esculturas son los mejores testigos de lo que quiere decir el espíritu italiano, un sueño ajeno al racionalismo que tiene mucho más que ver con la inmortalidad del Renacimiento y el Barroco que con las insignias e himnos. Un espíritu inclasificable donde los oradores son los pinceles y los plintos, los lienzos y los cinceles.

Después de La bella Italia, adentrarse en los dibujos del siempre genial Da Vinci es una oportunidad más que deseable, que Turín permite merced a sus inigualables fondos. El autorretrato del creador, que se conserva en la Biblioteca Real turinesa, sirve de nave matriz para convocar la exhibición Leonardo. El genio, el mito, que tendrá lugar desde el 20 de octubre hasta el 8 de enero de 2012, en los Establos Juvarriane della Regia de Venaria.

Víctor Manuel II estableció en Turín su reinado, después vinieron Florencia y Roma

Víctor Manuel II estableció en Turín su reinado, después vinieron Florencia y Roma

El cerebro visual de los amantes del Arte en estado puro puede echar chispas tras tal desmesurada información de estilos y formas desplegadas en las dos magnas exhibiciones descritas anteriormente; por lo que, tal vez, agradezca darse un paseíllo por la alta costura. Moda in Italia. 150 años de elegancia presenta los logros en este campo alcanzados por los diseñadores italianos, y lo hace de una manera coherente y sumamente aleccionadora. El Palacio Real de Venaria se presta para este ejercicio de pasarela metafórica hasta el 20 de noviembre.

Tanto deambular por lo mejor de la creatividad de los descendientes de los romanos puede generar hambre. En este aspecto, el aniverario invita a no llenar el buche ni en fondas ni en tratorías; sino en los aristocráticos salones del Palacio Real de Venaria, y al razonable precio de 60 euros por persona.

Las luces y las sombras caben en "Esperienza Italia"

Las luces y las sombras caben en "Esperienza Italia"

Con estas propuestas, Turín se viste de gala. Un disfraz hecho de sedas compuestas por el talento y la belleza deudores de fogueados independentistas. Hace casi dos siglos, estos militares abrieron sus heridas -a base de fuego armado y arrojo guerrero- para que en este siglo XXI aún se pueda hablar de un país llamado Italia. El enclave piamontés reverdece en la era tecnológica recuerdos de pompa y boato sin perder la compostura, porque las capitales –aunque lo fueran durante solo un lustro- siempre deben mantener las distancias protocolarias.

Más información en http://www.italia150.it

Gerardo Vera dirige hasta el 22 de mayo el montaje de la obra de Büchner

Gerardo Vera dirige hasta el 22 de mayo el montaje de la obra de Büchner

A finales del siglo XIX, los estertores de la sociedad impregnaban de instintos asesinos a los revolucionarios contra el concepto de clase. Las placas tectónicas del tradicionalismo de los privilegios hundían las bases de la antigüedad; preconizando algo distinto, que amenazaba con imponerse en el comportamiento generalizado y existencial de los hombres y mujeres. En esa época de cambio y de asfixia del outsider es en la que tiene lugar la historia de Franz Woyzeck: un soldado sin posibilidades para construir un presente seguro, que sucumbió ante la violencia de un crimen irracional y salvaje. El viaje a los infiernos del militar, que al parecer existió de verdad, formó las frases arrancadas a la pasión irracional de la obra Woyzeck, escrita por el dramaturgo alemán Georg Büchner (1818-1837).

Javier Gutiérrez interpreta al soldado asesino

Javier Gutiérrez interpreta al soldado asesino

El inmortal texto del pariente del filósofo Ludwig Büchner es el vehículo creativo escogido por Gerardo Vera -según la versión de Juan Mayorga- para asaltar la mente sensible del espectador, a través del más que destacable montaje que el veterano artista (tanto del cine como del teatro) y actual director del Centro Dramático Nacional lleva a cabo sobre los fragmentos surgidos de la esquizofrénica pluma decimonónica de Büchner. Y lo hace en el Teatro María Guerrero de Madrid, hasta el 22 de mayo.

La trama está basada en hechos reales

La trama está basada en hechos reales

La urbe de Leipzig se tiñe de rojo intenso en Woyzcek a lo largo de una evolución argumental de aproximadamente una hora y media, ideada por el maestro inspirador -entre otros- de Antonin Artaud y Bertolt Brecht. En ella, el protagonista es un ser sin ubicación; quien, lejos de la disciplina castrense, se siente perdido y sin anclajes suficientemente estimables a escala afectiva. La relación malsana que mantiene con una amante de escasa significación amatoria es lo único que le recuerda que es humano. Incluso su trabajo como conejillo de indias de un doctor le lleva a percibirse como alguien ajeno a la implicación divina, que todo vástago del Supremo Hacedor necesita atisbar. No hay horizontes a los que encaminarse en el panorama vivencial de Franz; todo es oscuro, degradante y desesperanzador.

El argumento dio pie a una ópera escrita por Alban Berg

El argumento dio pie a una ópera escrita por Alban Berg

La fuerza de las acciones en las que se ven envueltos todos los personajes que componen el fresco de Büchner ha hecho de este título un puntal reconocido de la literatura germana contemporánea; y eso a pesar de que su conservación se mantuvo a base de fragmentos: pedazos de inmundicia y violencia en las entrañas que han seducido a multitud de artistas, como al compositor Alban Berg cuando convirtió la historia en la ópera Wozzeck.

Franz Woyzcek fue acusado de matar a su amante

Franz Woyzcek fue acusado de matar a su amante

Vera centra su representación en la psique desquiciada de un cosmos encaminado directamente hacia el caos y la destrucción. Y lo consigue intentando descubrir las claves para comprender al soldado que personifica la evolución dramática del libreto. El responsable de La Celestina no juzga, simplemente contempla la agitación interna que mueve el carácter oprimido de Franz; sometiendo a sus actores al juego de erigirse en maniquíes afectivos de una sociedad que estaba cavando su propia tumba.

En 1979, Werner Herzog rodó una película sobre los fragmentos narrados por Büchner

En 1979, Werner Herzog rodó una película sobre los fragmentos narrados por Büchner

El televisivo Javier Gutiérrez (a quien los lectores ubicarán como el chispeante Sátur de Águila Roja, o Josico de Los Serrano) es el encargado de introducirse en el cerebro del barbero -de infausto recuerdo- asociado con el crimen de su querida; un papel que inmortalizó previamente, en 1979, el polaco Klaus Kinski: en el filme La tragedia de Franz Woyzcek, dirigido por el particular Werner Herzog. La transformación de Gutiérrez en un tipo abyecto y dispuesto a explotar su vena más psicótica en cualquier momento está bien guarnecida por un elenco artístico en el que sobresalen los nombres de Lucía Quintana (famosa por sus trabajos en Maitena: Estados alterados y Cuenta atrás) y el veterano Helio Pedregal (El comisario, Herederos, Hable con ella).

Klaus Kinski protagonizó la cinta de Herzog

Klaus Kinski protagonizó la cinta de Herzog

Los amantes de la energía escénica tienen una cita particular con esta personificación asalariada del planeta que, unas simples décadas después, se sometió a la mortandad masiva de dos guerras mundiales. Woyzeck es un texto crisálida, un vidente de cuerpos futuros desmembrados en revoluciones carentes de cualquier síntoma de sensiblería, tan deshumanizadas como esenciales en el devenir de la Historia.

La obra del autor alemán es una visión desquiciada de la sociedad de finales del siglo XIX

La obra del autor alemán es una visión desquiciada de la sociedad de finales del siglo XIX

Más información en http://www.cdn.mcu.es

Nota.- Muchas de las fotografías reproducidas tienen el copyright del Centro Dramático Nacional.