Eugene O’Neill es el autor del próximo estreno en el madrileño Teatro Marquina: “El largo viaje del día hacia la noche“. Un montaje dirigido por Juan José Afonso, que iniciará sus representaciones el 4 de septiembre.

Eugene O'Neill es la apuesta en la que confía Juan José Alonso para iniciar septiembre

Eugene O’Neill es la apuesta en la que confía Juan José Afonso para iniciar septiembre

Tras el espejo del realismo, cualquier desgracia personal toma aire de tormenta desairada, de tragedia hemorrágica y mortal.

Ya sean los personajes oscuros y autodestructivos de Ibsen o los tipos amargados frente al vacío existencial de Chéjov, las puntadas de este movimiento han sido esgrimidas con el pulso frenético del martirio, eternamente alimentado por el ansia de abrirse camino hasta las entrañas.

Así es como lo entendió Eugene O’Neillun hombre de espíritu taciturno y familia desestructurada, que construyó su teatro a base de declaraciones confesionales, de enfrentamientos al borde del suicidio, y de frases esculpidas en la fragua de la desesperación.

O'Neill y su obra más autobiográfica ha seducido el interés de Mario Gas y Vicky Peña/ Photo Credits: teatrosgrupomarquina.es

O’Neill y su obra más autobiográfica han seducido el interés de Mario Gas y Vicky Peña/ Photo Credits: teatrosgrupomarquina.es

Dentro de la extensa y premiada producción del dramaturgo estadounidense, quizá la obra que más reflejó esos dardos envenenados hacia la existencia fuera “El largo viaje del día hacia la noche”.

Libreto secuestrado a los abismos de los reclinatorios consanguíneos, que llegará al madrileño Teatro Marquina (Calle Prim, 11) el próximo 4 de septiembre, recreado para la ocasión por el director Juan José Afonso (según la adaptación de Borja Ortiz de Gondra).

O’NEILL Y LOS CONOCIMIENTOS DOLOROSOS

Escrita entre 1940 y 1941 y estrenada en 1956 (tres años después del fallecimiento del writer, víctima del Parkinson), la pieza conforma un cuadro activo de calado autobiográfico, demasiado parecido a las vivencias del autor de “A Electra le sienta bien el luto“.

Al igual de lo que ocurre con la familia Tyrone, el de los O’Neill fue un clan de desgracias insondables y lágrimas de ácido sulfúrico. Dato que salta a la vista nada más acercarse a las notas curriculares del Nobel neoyorquino; y que se torna como una declaración voluntaria de pecados en “El largo viaje del día hacia la noche“, entonados desde la perspectiva de un voyeur protagónico y fantasmal.

O'Neill vertió sentencias de sulfuro activo en "Larga jornada hacia la noche"

O’Neill vertió sentencias de sulfuro activo en “Larga jornada hacia la noche”

En el texto, el espectador se encuentra con cuatro seres emparentados, mientras éstos se hallan en un retiro veraniego algo tenso.

La acción transcurre en un solo día: jornada en la que comparecen la vanidad veleidosa y frustrada del padre (James), la solitaria dependencia a la morfina de la madre (Mary), la rabia almacenada del mayor de los hijos (Jamie) y la enfermedad incurable del menor de los asistentes (Edmund).

Estos individuos, tocados por la varita de la muerte y la incomprensión, son bastante similares a los que poblaron el universo de O’Neill.

Para empezar, el padre del escritor era un actor irlandés un tanto decepcionado con sus logros personales (el cual coincide en profesión y derrumbamiento emocional con el citado James). Por su parte, la madre del dramaturgo era una señora frágil y depresiva llamada Quinlan (perfecto modelo para Mary), que empezó a depender de la morfina tras la muerte de su hijo Edmund.

Unos puntos de similitud afectiva que terminan con el retrato del irascible Jamie, según las connotaciones emocionales marcadas por el alcohólico hermano de O’Neill (de idéntico nombre).

La obra de O'Neill fue adaptada al cine en 1962, por Sidney Lumet

La obra de O’Neill fue adaptada al cine en 1962, por Sidney Lumet

Incluso la localización del argumento (una casa de verano donde se refugian los Tyrone) puede identificarse con el hogar de New London (Connecticut), donde el joven Eugene Gladstone pasó la mayor parte de su infancia.

Probablemente, esas aristas compartidas con el cuaderno de bitácora del varias veces ganador del Premio Pulitzer fueron las causantes de que el responsable de “Deseo bajo los olmos” no deseara fustigar su sensibilidad, asistiendo al estreno de una historia tan vívida como reconocible en su background familiar.

Características que imprimen energía sobrehumana a cada uno de los actos que componen el cuadro escénico: un conjunto de discursos contra la indiferencia, metamorfoseados en cirujanos del realismo.

Estas palabras atronarán en Madrid con la misma fuerza nunca esquilmada por el olvido o el silencio, y que gozarán de la eléctrica dicción aportada por el elenco de Afonso: en el que participan con bayonetas de hemoglobina Mamen Camacho; Juan Díaz; Mario Gas; Alberto Iglesias; y Vicky Peña.

Pocos actores, decorado único y mucho que contar son los vértices de este relato, fundido a veinticuatro horas de plomo candente.

Justo como ya lo llevaron a la pantalla los inolvidables Katharine Hepburn, Sir Ralph Richardson, Jason Robards, Dean Stockwell y Jeanne Barr, orquestados a las órdenes de Sidney Lumet en 1962.

En el texto, los Tyrone son como un espejo ficticio de los O'Neill

En el texto, los Tyrone son como un espejo ficticio de los O’Neill

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Paulo Coehlo edita “Adulterio” (Planeta): un libro sobre una mujer que engaña a su marido, y que muestra la faz más carnal y sensual del autor de “El alquimista“.

Paulo Coehlo y Planeta puseron "Adulterio" a la venta el pasado 27 de agosto

Paulo Coehlo y Planeta puseron este texto a la venta el pasado 27 de agosto

¿Qué queda en el camino cuando los años en común sumen a una pareja de las de “para toda la vida” en el desconocimiento mutuo más absoluto?

Si el axioma relativo a la evolución del ser humano es un pensamiento compartido, es factible afirmar que un hombre y una mujer no son los mismos a los veinte que a los cincuenta. En esa senda vertiginosa hacia el abismo de la ética social, es fácil que las alforjas se vayan quedando vacías de sonrisas, misterios, aficiones, sentimientos, ternuras pasiones…

Cuando esto ocurre, no importa la aparente fortaleza de la responsabilidad adquirida ante los demás; ya que el amor está más allá de los contratos sociales. Incluso, es posible seguir queriendo al cónyuge y no poder evadirse del demonio de la infidelidad.

Enfermedad del corazón que padecieron con intensidad damas de la categoría de Madame Bovary y dignatarios imperiales como Julio César.

Paulo Coehlo trata en "Adulterio" el tema de una relación sexual consumada fuera del matrimonio/ Photo Credits: paulocoehlo.com

Paulo Coehlo trata en “Adulterio” el tema de una relación sexual consumada fuera del matrimonio/ Photo Credits: paulocoehlo.com

Dentro de esa categoría, aunque de menor alcurnia histórica que los citados, Linda es una mujer que sabe muy bien cómo arriesgar la comodidad matrimonial por un affaire con fecha de caducidad. Tal Eva ansiosa de frutos prohibidos es la protagonista de la última novela de Paulo Coelho: “Adulterio” (Planeta).

PAULO COELHO SE METE EN LA ALCOBA

Casi con la misma pericia fantástica que la exhibida por el héroe de “Diario de un mago”, el responsable de “Aleph” modifica convenientemente los vaporosos resortes de su prosa atmosférica -laberinto de sortilegios imperecederos y hechizos ideográficos-, para afilar sus extremidades con el metal de los pecados ocultos.

Sin miedo al escándalo o la controversia, el escritor de Río de Janeiro involucra su otrora casta pluma con un mundo de habitaciones en penumbra, de sueños sudorosos entre la sábana y el edredón, de ejercicios gimnásticos y jadeos excitados por contorsiones recobradas.

 

Las contradicciones femininas siempre han sido argumentos esenciales en la literatura de Paulo Coehlo

Las contradicciones femeninas siempre han sido argumentos esenciales en la literatura de Paulo Coehlo

Ambientada en la duermevela de Ginebra (lugar de contrastes acumulados bajo El Calvinismo de las confirmaciones sacramentales y las misas de los domingos), la historia de “Adulterio” radiografía la existencia de la ya mencionada Linda: una exitosa periodista, casada con un individuo poseedor de una importante fortuna.

Los dos, poderosos y triunfalistas, forman una pareja perfecta. Pero algo falta en su rutina diaria, algo que escapa a las retinas de los amigos festivaleros y a las cámaras mediáticas. Esa hebra sin puntada lleva el marchamo del cansancio existencial.

El aburrimiento se ha instalado en las arterias de estos personajes, algo que cambia cuando Linda se topa con Jacob König, un antiguo amor de juventud convertido en un político con influencia.

En un principio, la cosa entre los dos no iba a pasar de una simple entrevista. Sin embargo, la cita profesional da pie a una relación desbocada e irracional: pletórica de emociones culpables.

Paulo Coehlo busca ahora la magia de las palabras en el interior de un triángulo amoroso

Paulo Coehlo se muestra mucho más terrenal que en obras como “Aleph”

Como ya se ha especificado en otro párrafo, Suiza (el país de mármoles blanqueados a base de dinero y reputación ajena al caos colectivo) es intencionadamente el escenario escogido por Coelho para contar los problemas de su fémina. Entramado paisajístico que el brasileño conoce muy bien, y que ya utilizó en Once minutos; donde una chica  llamada María era introducida en una red de prostitución de lujo, que operaba en la patria de Henri Dunant.

Calórico y terrenal, el autor de “Aleph” y “El manuscrito encantado en Accra” alimenta su discurso literario con las vitaminas de la intimidad hiriente. La misma que libera su caudal de insinuaciones ancestrales en cuanto se cierra la puerta del hogar o del hotel.

Ese sentimiento que crepita al ritmo de las milenarias llamas siempre a la hora de las brujas, cuando la debilidad de los hedonismos naturales retumba con la determinación de los anhelos más execrables.

"Adulterio" expone parte de la evolución profesional experimentada por el responsable de "El alquimista"

“Adulterio” expone parte de la evolución profesional experimentada por el responsable de “El alquimista”

Vídeo de Comunidad Coelho, donde Paulo Coelho explica el porqué de “Aulterio

Más información en http://www.planetadelibros.com

Antonio Banderas es el protagonista de “Autómata“, un drama épico de ciencia ficción firmado por el madrileño Gabe Ibáñez (“Hierro“). El filme participará en la sección oficial del próximo Festival de San Sebastián (que se prolongará entre el 19 de septiembre y el 27 del mismo mes).

Antonio Banderas es el principal valedor de "Autómata"

Antonio Banderas es el principal valedor de “Autómata”

Ridley Scott puso el dedo en el enchufe cuando insinuó, en Blade Runner, la posibilidad de que los androides fueran más humanos que los seres de carne y hueso.

En un contexto semejante, Isaac Asimov exploró los entresijos de la inteligencia artificial (desplegados en formato de decálogo en su novela “Yo, robot“) para superar los límites del cerebro de los hombres, mujeres y niños.

En una línea más guerrera, James Cameron se hizo eco de los peligros de depender demasiado de las máquinas, con la saga de Terminator.

Gabe Ibáñez ha crecido con todos esos mensajes y algunos más; caldo de cultivo que le ha servido para preparar un trabajo audiovisual que huye de la indiferencia, el cual libera su caudal distópico en un mundo desértico y sin esperanzas aparentes de salvación.

Banderas interpreta a un investigador llamado Jacq Vaucan/ Photo Credits: Millennium Entertainment

Banderas interpreta a un investigador llamado Jacq Vaucan/ Photo Credits: Millennium Entertainment

Tal universo es el que refleja “Autómata“, la sorprendente película del responsable de “Hierro” (2009). Un largometraje construido en clave futurista, aunque con muchas dosis de problemática actual en su desarrollo. Esforzada e imaginativa movie con la que el cineasta madrileño participará en la sección oficial del próximo Festival de San Sebastián.

BANDERAS Y LOS HERMANOS DE METAL

A diferencia de otras cintas con similar temática, los robots del relato de Gabe no son calcos físicos de sus creadores, sino que conservan su presencia primigenia a base circuitos visibles y cascos a lo Darth Vader.

Esta seña de identidad ya define la naturaleza intrínseca del guion elaborado por Igor Legarreta, Javier Sánchez Donate y el propio Ibáñez. Un libreto que evoluciona con soltura reflexiva a través de una cuerda tensada por dos extremos: el de los tipos de carne y hueso y el de los productos manufacturados en una línea de montaje.

Banderas se ha implicado completamente en el proyecto, donde colabora como actor y en calidad de productor

Banderas se ha implicado completamente en el proyecto, donde colabora como actor y en calidad de productor/ Photo Credits: Millennium Entertainment

En el primer lado del péndulo se sitúa el investigador de Robotics Corporation (ROC) llamado Jacq Vaucan (Antonio Banderas).

Este hombre es un profesional con demasiados interrogantes vitales, el cual es contratado para dar con la supuesta manipulación fraudulenta de algunos ejemplares del programa Automata Pilgrim 7000. Poco a poco, el personaje irá tomando constancia de una realidad mucho más profunda que la propagada por la gran multinacional para la que trabaja; mosaico de intereses criminales en el que toman la palabra inteligentes especímenes, como Cleo y Blue Robot (quien exhibe la voz de Javier Bardem).

Los vastos escenarios grabados en Bulgaria han servido a Gabe y a su nutrido equipo para diseñar la tormentosa faz de “Autómata“, cuyos planos gozan de verosimilitud escénica, arropados por el polvoriento ecosistema rodado en las antiguas tierras bizantinas.

Gabe Ibáñez saca gran partido a la expresividad física de Banderas

Gabe Ibáñez saca gran partido a la expresividad física de Banderas/ Photo Credits: Millennium Entertainment

En esos paisajes sumidos en la filosofía desértica de Mad Max, el director nacido en la Villa y Corte ha podido disponer de un elenco artístico heterogéneo y cosmopolita.

Un cuadro encabezado por el malagueño Antonio Banderas, al que secundan nombres tan famosos como los de su exesposa Melanie Griffith (Dra. Dupre/ Voz de Cleo), Dylan McDermott (Wallace), Robert Forster (Robert Bold), Brigitte Hjort Sorensen (Rachel Vaucan), Tim McInnerny (Vernon Conway) y David Ryall (Dominic Hawk), entre otros.

Este variopinto y babélico grupo interpretativo vierte en unión su talento, para hacer verosímil una historia centrada en pintar los reflejos de la sociedad futura, sin por ello estar prendida de multimillonarios efectos especiales.

Tal vez, el camino elegido por Ibáñez sea el adecuado para que los espectadores entiendan que la fantasía cinematográfica también es posible sin presupuestos titánicos de por medio.

Aunque, lo que siempre queda por desvelar en los párrafos inteligentes de la ciencia ficción es si los androides sueñan de verdad con ovejas eléctricas…

La acción del filme recuerda a otros títulos en los que se reflexionaba sobre el abuso de la tecnología/ Photo Credits: Millennium Entertainment

La acción del filme recuerda a otros títulos en los que se reflexionaba sobre el abuso de la tecnología/ Photo Credits: Millennium Entertainment

Tráiler oficial de “Autómata“, proporcionado en el canal de FilmTrailerZone en youtube

Más información en http://www.automata-movie.com

Outlander reina en los salones de USA merced a Starz TV. La serie, una explosiva mezcla de romanticismo y ciencia ficción, versiona el primero de los libros de la saga literaria de Diana Gabaldón.

Outlander juega a los viajes en el tiempo, para situar a sus protagonistas entre el siglo XX y el XVIII

“Outlander” juega a los viajes en el tiempo, para situar a sus protagonistas entre el siglo XX y el XVIII

Algo está cambiando en las tierras altas de la televisión. Entre comedias neuróticas y existencialistas, historias de psicópatas con cuchillos jamoneros, y decálogos generacionales sobre el éxito profesional y los tangos sentimentales; desde el pasado 9 de agosto, una serie de época pretérita y con marchamo de novela romántica (entendida más en el sentido contemporáneo del término, que en el la concepción del movimiento liderado por Goethe) hace las delicias veraniegas del público norteamericano.

Outlander (Forastera) ha entrado de lleno en el imperio de los shares enriquecedores, al calor de un primer episodio donde la Escocia del siglo XVIII demuestra con su look pétreo que soñar con los tiempos lejanos también tiene un importante caché audiovisual.

Esas décadas de luchas jacobitas, en las que los guerreros del kilt seducían a las damas con la misma facilidad con la que soplaba el viento en los yermos páramos del norte.

Outlander ha sido rodada en escenarios naturales de Escocia

“Outlander” ha sido rodada en escenarios naturales de Escocia

Ideada por Roland D. Moore (a quien los lectores pueden asociar con la renovada Star Trek y con el remake de Battlestar Galactica), la serie consta inicialmente de ocho episodios (16, en realidad), que extenderán su emisión hasta el próximo 27 de septiembre. Siempre al compás del libro original escrito por la narradora de Arizona, Diana Gabaldón.

OUTLANDER ES COMO UN TÚNEL DEL TIEMPO

Aunque el género principal de los guiones es el de la relación amorosa entre los protagonistas (pertenecientes a distintas centurias), la fantasía también se mezcla con soltura en el argumento de esta producción de Left Bank Pictures (empresa delegada de Sony Pictures Entertainment).

Un diseño de emocionales connotaciones que da resultados sorprendentes merced a la habilidad del equipo de directores, formado en esta etapa por John Dahl (Californication), Ana Foerster (Mentes criminales), Brian Kelly (Downton Abbey) y Richard Clark (Los mosqueteros).

Outlander sigue la trama elaborada por Gabaldón en "Forastera"

“Outlander” sigue la trama elaborada por Gabaldón en “Forastera”

Ellos dotan de prestancia al primer volumen de una saga literaria que ha cautivado a miles de lectoras de todo el mundo, las cuales han acompañado noche tras noche a los atormentados personajes dados a conocer por Gabaldón en 1991.

Llegados a este punto, es recomendable hacer una referencia más o menos completa a la historia que recrea Outlander.

1945 es el año en el que comienza la trama. En tan determinante momento (coincidente con el final de la Segunda Guerra Mundial), los telespectadores toman un contacto iniciático con Claire Beauchamp (papel que interpreta la irlandesa Caitriona Balfe): una enfermera que está relacionada sentimentalmente con un historiador y exagente del MI6, llamado Frank Randall (Tobias Menzies).

Outlander mantiene la tensión a través del amor imposible entre Claire Beauchamp y Jamie Fraser

“Outlander” mantiene la tensión a través del amor imposible entre Claire Beauchamp y Jamie Fraser

La pareja se ama, pero ve frustrada su alegría ante la imposibilidad de concebir un hijo. Por eso los amantes se marchan de luna de miel a Inverness, en Escocia.

Allí, Frank debe resolver algunos asuntos oficiales, mientras Claire se dedica a recoger plantas en la colina de Craigh na Dun.

Sin embargo, un hecho cambiará la tranquilidad que experimenta la protagonista, cuando es secuestrada por un grupo de hombres para que ésta atienda el brazo herido de un tal Jamie Fraser (a quien pone rostro el actor nacido en New Galloway Sam Heughan).

La petición de auxilio no está fuera de las actividades habituales de la joven; aunque la cosa se complica al comprobar que los hechos no ocurren en el siglo XX, sino en el XVIII, cuando aún no había muerto el pretendiente al trono isleño Jacobo Francisco Eduardo, heredero católico de la rama de los Estuardo.

La acción de Outlander se sitúa en las Highlands, en 1743

La acción de “Outlander” se sitúa en las Highlands, en 1743

Aventuras aliñadas con el más puro estilo de Rob Roy y El señor de Ballantrae, declaraciones a corazón sangrante en castillos milenarios, duelos a espada batiente, traiciones tras cortinas tupidas, persecuciones asfixiantes, clanes con sueños de gloria heráldica, y mucho romanticismo son algunas de las armas con las que Starz está asombrando a su clientela.

Una apuesta sincera por un producto diferente que, a tenor de los números que acreditan sus emisiones, está funcionando a marchas forzadas. Motivo por el que la cadena ya piensa en la segunda temporada del serial: Dragonfly In Amber (cuyos trece capítulos comenzarán a grabarse muy pronto).

Starz emitió el capítulo piloto de Outlander el pasado 9 de agosto, en USA

Starz emitió el capítulo piloto de “Outlander” el pasado 9 de agosto, en USA

Tráiler promocional de “Outlander”, elaborado por Starz

Más información en http://www.starz.com/originals/outlander

 

Isabelle Adjani es una de la muchachas de “Sous Les Jupes Des Filles” (“French Women“), la comedia con la que se inicia en la dirección la actriz Audrey Dana (quien también encarna uno de los papeles).

Adjani encabeza el reparto en la ópera prima como directora de la joven actriz de "Welcome"

Adjani encabeza el reparto en la ópera prima como directora de la joven actriz de “Welcome”

Dorian Gray metamorfoseado en mujer. Cuando Isabelle Yasmine Adjani pasó la barrera de los cincuenta, algunas voces se alzaron suspicaces y maliciosas, respecto al juvenil aspecto de una dama que llevaba en los escenarios desde principios de los setenta. Comentarios hasta satanistas ante los que ella no dijo ni “mu“.

La fémina de piel marmórea y ojos azul turquesa es una profesional de la interpretación a la que no le molestan los rumores relativos a su persona; es más, estos incluso parecen alimentar su espíritu rebelde.

Un carácter peculiar e intransferible que ha servido a la parisina para seducir cámaras tan prestigiosas como las de François Truffaut (Diario íntimo de Adelle H., 1975), Roman Polanski (El quimérico inquilino, 1976), Werner Herzog (Nosferatu, vampiro de la noche, 1979), Luc Besson (Subway: En busca de Freddy, 1985) y Patrice Chéreau (La reina Margot, 1994), entre otros ilustres.

Adjani se caracteriza en el filme como Lili, una excéntrica estilista de moda

Adjani aparece en el filme como Lili, una excéntrica estilista de moda

Pero el pasado se suele quedar en los anales de las videotecas y en las esquirlas de los -cada vez más inexistentes- cine clubs. Motivo más que comprensible por el que esta hija de inmigrantes quiere seguir quemando fotogramas de singular pasión en el presente.

Semejante actitud curricular ha llevado a la compatriota de Napoleón a colaborar este año en la ópera prima de la también actriz Audrey Dana: una película que lleva el título galo de “Sous Les Jupes Des Filles” (convertido por la magia del idioma de Shakespeare en “French Women“).

ADJANI NO RENUNCIA

Si se mantiene la fecha de estreno en España, fijada para el próximo 7 de noviembre de 2014, los espectadores de la Piel de Toro podrán contemplar con mesura el último trabajo de la protagonista de The Driver. Al tiempo que más de uno echará la vista atrás, para encontrar entre las sombras de la contemporaneidad a la girl que enamoró a los cinéfilos de la nación de La Marsellesa a lo largo de varias décadas.

Adjani se mostró encantada con participar en la película en cuanto leyó el guion

Adjani se mostró encantada con participar en la película en cuanto leyó el guion

Las cincuenta y nueve primaveras que acredita el pasaporte de Isabelle ya empiezan a imprimir surcos de vivencias consumadas en su piel, pero este aparente obstáculo de vanidades vacuas no representa freno alguno para una mujer acostumbrada a salir a flote en el complicado paisaje del show business (y eso a pesar de que la capitalina se ha hecho famosa por sus desplantes a las grandes producciones provenientes de Hollywood).

En esta línea, “French Women” no es precisamente un blockbuster ni por asomo, sino un largometraje pequeño en presupuesto; pero estimulante en diálogos y personajes.

Así lo atestigua el guion escrito a seis manos entre Raphaëlle Desplechir, Murielle Magellan y la propia Dana, el cual versa sobre el diario íntimo de once herederas de Eva que cohabitan en la urbe del Sena.

Adjani comparte la pantalla con las otras diez actrices que dan vida a las mujeres de "French Women"

Adjani comparte la pantalla con otras diez actrices, que dan vida a las mujeres de “French Women”

Una profesional sin espacio para los sentimientos, una joven asistente que debe afrontar el divorcio de sus padres, una abogada asfixiante, una estilista de modas algo alocada o una madre de familia enferma de cáncer de pecho son sólo algunas de estas ladies de la modernidad, creadas por la efervescente mente de la intérprete de “Welcome”.

Tal recuento de señoras y señoritas ha animado a la cineasta novel a apostar por un elenco con las tablas suficientes para hacer reír y llorar con la facilidad de un simple giro secuencial.

Un cuadro escénico que lidera la citada Adjani (en la piel de Lili); y a la que acompaña un conjunto de rostros venusianos de naturaleza tan estelar como la de Laetitia Casta, Vanessa Paradis y Alice Taglioni, entre las más conocidas.

A pesar de que nunca colgó los bártulos (su aparición más reciente fue en el filme “Ishkq In Paris“, de Prem Soni), la bella reina Margot -bautizada en 1955 como Isabelle Adjani– regresa al medio cinematográfico como a ella le gusta: sin loor de multitudes y con la exprimidora actoral a punto de ser utilizada.

Y así continuará, por lo menos hasta que el motor funda la batería del talento…

Tráiler proporcionado por Imanyofficiel

Vanessa Paradis (en el centro) es una de las "filles" ideadas por Audrey Dana

Vanessa Paradis (en el centro) es una de las “filles” ideadas por Audrey Dana

Más información en http://www.wildbrunch-distribution.com

Nic Pizzolatto, el guionista de la serie “True Detective“, apadrina el nacimiento de la editorial Salamandra Black; y lo hace con su ópera prima dentro del género de la novela:” Galveston“.

Nic Pizzolatto publicó "Galveston" en 2010

Nic Pizzolatto publicó “Galveston” en 2010

Los investigadores Rust Cohle y Marty Hart dieron un aire nuevo a las noches televisivas estadounidenses durante 2014, al seducir a los espectadores con las confesiones malsanas de “True Detective.

Inmersos en la búsqueda de un peligroso asesino en serie, estos agentes de la ley (que en la ficción tuvieron los rostros de Matthew McConaughey y Woody Harrelson) auparon al Olimpo de la pequeña pantalla a la cadena HBO, al mantenerse en lo más alto del share a lo largo de las ocho entregas que duró la producción.

Semejantes laureles actuaron como efecto dominó para todo el equipo gestor del serial. Portentoso elenco en el que el guionista Nic Pizzolatto (el autor principal de las tramas y el argumento) lució como el que más. Tal fue su reconocimiento, que el novelista  se convirtió -de la noche a la mañana- en la pluma a seguir, dentro del nutrido panorama del género policíaco made in USA.

Un loor de multitudes que ha le ha valido al escritor de treinta y ocho años para volver a editar una de las dos novelas que el norteamericano había publicado antes de la grabación de “True Detective.

Nic Pizzolatto ha sido comparado por algunos especialistas como un cruce entre Cormac McCarthy y James Ellroy/ Photo Credits: Salamandra

Nic Pizzolatto ha sido comparado por algunos especialistas como un cruce entre Cormac McCarthy y James Ellroy/ Photo Credits: Salamandra

El texto en cuestión lleva por título “Galveston“, y su recuperación se ha convertido en el primer volumen con el que arrancará sus actividades la editorial española Salamandra Black (lanzamiento previsto para el próximo 28 de agosto).

NIC PIZZOLATTO ENTRA EN UNA “ROAD NOVEL”

Ambientada en la Louisiana del bourbon hasta en las pestañas y las peleas callejeras de esencias vitales, este trabajo (ideado por Pizzolatto en 2010) sigue los pasos de un matón en horas bajas: un tipo con cicatrices de odio y sulfuro, conocido con el nombre de Roy Cady.

El hombre no pasa por sus mejores momentos, y la situación se le agrava cuando el médico le diagnostica un cáncer terminal de pulmón.

Pero ahí no acaban los problemas para este héroe de cuarenta tacos. Tras la sentencia facultativa de muerte prematura, Roy descubre que su jefe (un orondo mafioso apodado Big Country) planea darle pasaporte al Más Allá.

Nic Pizzolatto le debe su fama al éxito de la serie "True Detective", de la que es el guionista

Nic Pizzolatto le debe su fama al éxito de la serie “True Detective”, de la que es guionista y creador

Sin muchas más posibilidades que las de hacer mutis por el foro, el hampón decide arrancar su coche y partir hacia un paraíso donde ser un tipo más o menos normal.

Aunque, antes de su aventura de invisibilidad, tendrá que ayudar a una joven prostituta bautizada Raquel “Rocky” Arcenaux, y a la hermana adolescente de ésta (Tiffany).

Los tres, con el depósito anímico lleno de esperanzas, marchan con destino a Galveston, enclave enterrado en el área de Texas. Un edén de anonimato perpetuo y desértico, donde el protagonista ansía pasar el resto de su existencia lejos de las balas.

Pese a los pocos trabajos en el mercado firmados por Pizzolatto (además deGalveston y un puñado de cuentos, el sureño acredita un volumen tituladoBetween Here And The Yellow Sea“), el writer se ha hecho un hueco entre los lectores a base de una prosa afilada y directa, como diseñada a bocados por un narrador consciente de su background audiovisual. Condición necesaria en sus relatos que queda manifiesta en la sucesión de diálogos a puño desnudo; en sus personajes siempre identificables dentro del cuadro escénico; y en sus atmósferas lineales y profundamente minimalistas.

Nic Pizzolatto elabora en "Galveston" un completo entramado mafioso y criminal

Nic Pizzolatto elabora en “Galveston” un completo entramado mafioso y criminal

Precisamente, ese ADN cinematográfico que define el estilo literario de NP ha propiciado que “Galveston” ya se halle en los talleres de Hollywood, con el fin de convertirse en una película con libreto del propio autor. Filme que tiene previsto dirigir el documentalista danés Janus Metz Pedersen, con el actor belga Matthias Schoennaerts (El libro negro) en la piel del duro Roy Cady.

Puede que el savoir faire de Nic esté en los lindes marginales de un Cormac McCarthy amenazado por la urgencia, o en las fronteras conceptuales de un James Ellroy con la pluma humedecida en los surcos fantasmales de la Nueva Orleans más tormentosa; dos modelos de maestría consumada, que riegan con violencia los párrafos entintados del guionista de “The Killing.

Salamandra Black tiene previsto iniciar sus actividades con el lanzamiento de "Galveston", el próximo 28 de agosto

Salamandra Black tiene previsto iniciar sus actividades con el lanzamiento de “Galveston”, el próximo 28 de agosto

Más información en http://www.nicpizzolatto.com

 

Tom Hollander rueda la miniserie “The Knifeman“, a las órdenes de Brian Percival. La trama está inspirada en la vida de John Hunter, el padre de la cirugía moderna.

Tom Hollander es un médico con métodos poco ortodoxos/ Photo Credits: yorkmix.com

Tom Hollander es un médico con métodos poco ortodoxos en “The Knifeman”/ Photo Credits: yorkmix.com

La historia de John Hunter estuvo plagada de luces y sombras.

En una sociedad tan clasista como la de Inglaterra del siglo XVIII, el cirujano más importante de la época georgiana no atendió a reparos ni tabúes para llevar a cabo sus experimentos, por profanos y contra natura que éstos parecieran a sus colegas de profesión.

Tanto es así, que el médico sirvió a Robert Louis Stevenson como modelo para el protagonista de Doctor Jekyll and Mr. Hyde. Un hombre con dos caras antagónicas que recibía a sus pacientes de la alta sociedad en su clínica londinense de Leicester Square, mientras que en la parte de atrás hacía tratos con los resurreccionistas, para proveerse de cadáveres frescos.

No obstante, independientemente de la abstinencia del galeno hacia los escrúpulos éticos y morales de la sociedad, Hunter poseyó uno de los cerebros más brillantes de su tiempo, siempre subido al carro de las visiones privilegiadas en áreas aún incipientes para la Medicina dieciochesca.

No en vano, el científico fue el primero en efectuar, por ejemplo, una fecundación in vitro. Conformada con jeringa en mano, lista para succionar el semen de un comerciante e insertarlo posteriormente en la vagina de una señora ansiosa por ser madre.

El papel de Tom Hollander está tomado del de John Hunter, el que fuera el asistente personal de Jorge III

El papel de Tom Hollander está tomado de John Hunter, el que fuera el asistente personal de Jorge III

Después de relatar a marchas de AVE parte del extenso y apasionado currículo de Hunter, parece obvio que la televisión se haya mostrado interesada en recrear las peripecias de este virtuoso del escalpelo y el estetoscopio.

Y el resultado de la traslación es el de una aventura audiovisual titulada The Knifeman, que ha contado con la colaboración del equipo de las series Breaking Bad yMad Men en tareas de producción (avalados en todo el trayecto por AMC TV y Media Rights Capital).

TOM HOLLANDER PASEA POR YORK

A modo de Londres en la segunda mitad del XVIII, la ciudad de York se ha convertido a lo largo de estos meses veraniegos en el escenario donde transcurren las vicisitudes  del particular John Tattersal (Hunter, si hay que atenerse a su referente histórico).

Plató de milenarios paisajes y edificaciones disfrazadas en el que el director Brian Percival (La ladrona de libros) ejerce como maestro ceremonias a partir del guion de Rolin Jones (Boardwalk Empire), quien se ha basado a su vez en la novela The Knife Man: Blood, Body Snatching And The Birth Of Modern Surgery, de la periodista Wendy Moore.

Tom Hollander ha sido el actor escogido para liderar el elenco en una miniserie que versiona el libro "The Knife Man", escrito por Wendy Moore

Tom Hollander encarna el papel principal en la miniserie que versiona el libro “The Knife Man”, escrito por Wendy Moore

El libreto comienza con el viaje a la capital británica del joven John Tattersal, profesional del bisturí nacido en Escocia, que acude a la metrópoli para trabajar al lado de su hermano Julian.

Pero en la urbe del Támesis, el protagonista se topa con la superchería de unos colegas que no admiten sus ideas destinadas a evolucionar en los conocimientos anatómicos. Un posicionamiento que llega incluso a enfrentar a John con su brother, mucho más apegado al tradicionalismo académico.

Poco a poco, las prácticas extrañas del facultativo le van granjeando una fama un tanto macabra entre la población. Pero el éxito de sus teorías –aparte de la excepcional inteligencia con la que están expuestas- va a abrir al escocés caminos que éste ni siquiera soñaba con transitar cuando era un simple estudiante. Cargos de honorable dignidad, entre los que se halla el de médico personal del rey Jorge III.

Tom Hollander rueda en York a las órdenes del responsable de "La ladrona de libros", Brian Percival

Tom Hollander rueda en York a las órdenes del responsable de “La ladrona de libros”, Brian Percival

Tras muchos avatares para sacar adelante el proyecto (dentro de los cuales sobresale la pugna por ser los primeros en escenificar una historia que también pretende llevar a la pantalla David Cronenberg), el actor inglés Tom Hollander (Piratas del Caribe) por fin se ha podido vestir con la magistral faz del fundador de la cirugía moderna. Labor en la que el intérprete de Orgullo y prejuicio está bien escoltado por un elenco artístico donde sobresalen los nombres de Daniel Mays (Expiación) y Simon McBurney (El Topo).

Pese a que aún no hay fechas claras sobre la emisión de esta miniserie, los responsables de la cadena han adelantado a los periodistas que el estreno podría tener lugar entre finales de 2014 y principios de 2015.

Un lapsus temporal tras el cual la audiencia podrá valorar cuánto había de Jeckyll y Hyde en la personalidad y actitudes del mítico John Hunter/Tattersal.

El personaje de Tom Hollander, el verdadero John Hunter, dio pie a la creación del doctor Jeckyll

El personaje de Tom Hollander, el verdadero John Hunter, dio pie a la creación de “El doctor Jeckyll y Mr. Hyde”

Más información en http://www.amctv.com

Smith, de Maxïmo Park, y Brewis, de Field Music, firman a la par “Frozen By Sight” (Memphys Industries): un disco de envolvente atmósfera, que saldrá a la venta el próximo noviembre.

Smith y Brewis han dado rienda suelta a su música interior en su primera colaboración en formato de disco

Smith y Brewis han dado rienda suelta a su música interior, dentro de su primera colaboración en formato de disco

 

Los senderos de Inglaterra son pasto de cultivo para trovadores inspirados. Bien por las brumas soñadas de Avalon o por los reflejos rocosos de Camelot, las islas que protegió Sir Francis Drake contra armadas invencibles parecen vitaminar creatividad sinfónica entre sus briznas verdes y aromáticas.

Paul Smith y Peter Brewis son dos de esos vástagos de líricas anglosajonas, que han sabido atrincherar sus respectivas carreras tras el parapeto de la bohemia presidencial, con la que arropan su indie de naturaleza libertaria.

Un estilo particular y sonoramente pletórico que la pareja ha vertebrado con emoción desde el liderazgo de sus bandas: Maxïmo Park, en el caso de Smith; y Field Music, en el de Brewis.

Aunque el segundo de los teams citados se trate más de un proyecto multimedia, que de un grupo en el sentido tradicional del término.

Brewis (izquierda) y Smith acreditan numerosos premios al lado de Field Music y Maxïmo Park

Brewis (izquierda) y Smith acreditan numerosos premios al frente de Field Music y Maxïmo Park/ Photo Credits: memphys-industries.com

Después de numerosos trabajos en el mercado, Paul y Peter coincidieron por primera vez en 2013 –en similar conexión a la protagonizada a finales de los setenta y principios de los ochenta por Jon Anderson y Vangelis, y de su unión surgieron chispas de artísticas tonalidades.

Codo con codo, las ideas de estos genios del tercer milenio bulleron con determinación en las cabezas de los autores, y de ahí nació el germen de “Frozen By Sight“, álbum que aparecerá el próximo noviembre bajo el sello de Memphys Industries.

SMITH Y BREWIS SUMAN IDENTIDADES

Grabado en el Field Music Studio de Sunderland, el esperado y poético disco cuenta con las variaciones más sorpresivas de las que son capaces estos tipos encerados en el British underground, que se resisten a las etiquetas del merchandisng.

En este sentido, simplemente basta con escuchar el single de avanzadilla: una terrosa y atmosférica balaba titulada “Barcelona (At Eye Level)“, en la que la voz de Smith adquiere tintes de declamación isabelina, mientras la partitura de Brewis habla de espacios ajenos a la temporalidad.

Smith lanzó el pasado mes de febrero el último trabajo con Maxïmo Park: "Too Much Information"

Smith lanzó el pasado mes de febrero el último trabajo con Maxïmo Park: “Too Much Information”

El bajo de John Pope, la orquestación de Ed Cross o las percusiones anímicas de Andrew Lowther contribuyen a fijar los pentagramas de este nuevo dúo que, sin embargo, es fiel heredero de las esencias esparcidas anteriormente por Maxïmo Park y Field Music.

No obstante, los seguidores de los grupos mencionados no deben asustarse ante una posible deserción de sus cerebros más notables, ya que la carrera en solitario del par de iconos de la escena británica no va a perjudicar la actividad al lado de sus formaciones originales (por lo menos, así lo han atestiguado los interesados).

De hecho, Maxïmo Park se encuentra en estos momentos en pleno proceso de promoción de su último trabajo: el enriquecedor “Too Much Information” (CD editado el pasado mes de febrero, el cual fue grabado en el Field Music Studio).

Smith revela en esta obra su titánica capacidad compositiva junto al talento progresivo de sus compañeros, y lo hace firmando un disco que muestra las musas heterogéneas de una banda que -en su período formativo- fue comparada con Franz Ferdinand.

Smith ha sido nominado a un Mercury Prize al lado de Maxïmo Park

Smith ha sido nominado a un Mercury Prize al lado de Maxïmo Park

Por su parte, Field Music (o, lo que es lo mismo, Peter y David Brewis) continúa con sus triunfales colaboraciones de signos melódicos, como las llevadas a cabo con Pet Shop Boys o los efervescentes The Futureheads. Aparte de combinar esta faceta con la elaboración de sus propios compactos.

Poéticos en esencia y experimentales en su esqueleto artístico, Paul y Peter sacan la música almacenada en su interior, etiquetada con honores en los surcos de “Frozen By Sight“.

Una creación que transpira implicación y deseo por evolucionar, siempre atenta al compás de las notas pasionales de este par de trovadores made in England.

Peter y David Brewis han configurado Field Music como un proyecto evolutivo

Peter y David Brewis han configurado Field Music como un proyecto evolutivo

Audio del tema “Barcelona (At Eye Level)”, proporcionado por Memphys Industries

Más información en http://www.memphys-industries.com

El Museo Guggenheim de Nueva York reúne en su escalera de caracol a cuarenta artistas procedentes de Latinoamérica, dentro de una exposición reivindicativa y continental.

El Guggenheim quiere dar a conocer obras como "Sweat Glands, Sweat Lands", de Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla/ Photo Credits: guggenheim.org

El Guggenheim quiere dar a conocer obras como “Sweat Glands, Sweat Lands”, de Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla/ Photo Credits: guggenheim.org

Aunque el yugo colonial intentó ahogar la voz de los indígenas durante varias centurias en las posesiones portuguesas y españolas de Iberoamérica, la savia ancestral de los megáfonos precolombinos tomó autoridad popular desde la palestra de los perseguidos. Así fue en México, en Guatemala, en Brasil, en Argentina, en Chile, en Nicaragua

Fruto de esa querencia por preservar la cultura de sus raíces, maestros como Wilfredo Lam, Frida Kahlo, Diego Rivera o David Alfaro Siqueiros enarbolaron la bandera de los colores sureños, y las ensoñaciones calóricas de un conjunto de países siempre en busca de su identidad robada, inevitablemente influenciados por el potente vecino del norte y las corrientes oleosas provenientes de las metrópolis europeas.

El Guggenheim ha servido de espacio al mexicano Carlos Amorales para montar su instalación "We'll See How Everything Reverberates"/ Photo Credits: guggenheim.org

El Guggenheim ha servido de espacio al mexicano Carlos Amorales para montar su instalación “We’ll See How Everything Reverberates”/ Photo Credits: guggenheim.org

No obstante, el Arte en realidad es mestizaje cosmopolita, páginas desordenadas de sinfonías compuestas más allá de las motivaciones regionales, e imágenes sustraídas a una globalidad nunca pretendida y siempre concitada.

Sin embargo, aún asumiendo la naturaleza de la plástica como libertaria y sin pasaportes: ¿es posible hallar una sombra de ADN colectivo en los creadores iberoamericanos?

Dar una respuesta más intuitiva que categórica a esta cuestión es lo que se propone el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York hasta el próximo 1 de octubre. Fecha en que la exposición Under The Same Sun: Art From Latin America Today cerrará sus puertas al público.

EL GUGGENHEIM Y LA GENERACIÓN LATINA

Cuarenta artistas, procedentes de quince nacionalidades distintas, componen el recorrido museístico propuesto por el experto Pablo León de la Barra.

Con ellos y sus trabajos, el enérgico comisario cumple con la segunda cita de las tres previstas por el Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative; y que tienen el objetivo de derribar los estereotipos y el desconocimiento habituales, respecto a la creatividad alimentada más allá de Nuevo México.

El Guggenheim pretende encontrar una voz más o menos unitaria a partir de obras como "Chromosaturated Social Contract", de Alexander Apóstol/ Photo Credits: guggenheim.org

El Guggenheim pretende encontrar una voz más o menos unitaria a partir de obras como “Chromosaturated Social Contract”, de Alexander Apóstol/ Photo Credits: guggenheim.org

Herederos de las dudas de sus mayores, los aventureros del caballete, la cámara y el plinto nacidos desde finales de los sesenta en Latinoamérica son hijos de discursos comprometidos, enemistados a pulso revolucionario con las dictaduras genocidas, e iluminados por pinceladas clandestinas; en las que es posible atisbar un mundo edénico de interactividad carente de censuras.

Tan heterogéneos como multiétnicos, los cuarenta nombres que vierten sus obras por los pasillos rocambolescos del Guggenheim neoyorquino reclaman la expresividad en sentido absoluto como hilo conductor, con independencia de la diversidad temática y formal que hornea cada una de sus piezas.

El Guggenheim ha escogido entre los autores a Wilfredo Prieto, quien exhibe "Yes/No"/ Photo Credits: guggenheim.org

El Guggenheim ha escogido entre los autores a Wilfredo Prieto, quien exhibe “Yes/No”/ Photo Credits: guggenheim.org

En ese entorno de perspectivas multiplicadas se pueden contemplar, por ejemplo, las variaciones matemáticas de la argentina María Pica (excelentes sus performances con objetos geométricos), las participaciones sensoriales del mexicano Carlos Amorales o los carteles de protagonismo humano que pueblan la mente del brasileño Jonathas de Andrade.

Junto a ellos, más nombres de emergencia internacional como Armando Andrade Tudela, Alexander Apóstol, Wilfredo Prieto, Regina José Galindo y Tamar Guimaraes (entre otros) diseñan una partitura de evocaciones selectas: ora tropicales, ora selváticas.

Un mural con teselas distinguibles, donde la figura resultante es la de un continente profundo y enriquecedor; tan perdido en la memoria como lo están en esencias retadoras las demás placas restantes de sólida estructura planetaria, las cuales componen el globo terráqueo con hebras de pretérito y escasas puntadas de futuro.

Regina José Galindo se acerca a la naturaleza desde las salas del Guggenheim con "Tierra"/ Photo Credits: guggenheim.org

Regina José Galindo se acerca a la naturaleza desde las salas del Guggenheim con “Tierra”/ Photo Credits: guggenheim.org

Vídeo explicativo de la exposición elaborado por el Museo Guggenheim de Nueva York
http://www.guggenheim.org/underthesamesun

Más información, entradas y horarios en http://www.guggenheim.org

 

Emir Kusturica graba en su país natal “On The Milky Road“: una fábula balcánica, que narra las etapas vivenciales un hombre convertido en monje tras las muerte de su esposa.

Kusturica se encuentra en pleno rodaje de su último y esperado largometraje

Kusturica se encuentra en pleno rodaje de su último y esperado largometraje

Las calles de la ciudad de Trebinje (situada cerca del Adrático, en Bosnia-Herzegovina) parecen fantasmas de sueños existenciales, a través de la ancestral cámara del director de El tiempo de los gitanos.

Acompañado de un nutrido elenco técnico y artístico, Emir Kusturica rueda desde el pasado mes de julio –aposentado en el mencionado escenario de histórica presencia- la que será su decimoquinta obra en formato de celuloide.

Una película con carne de fábula sobre el paso del tiempo y entrañas de confesión humana, que lleva por título On The Milky Road (anteriormente bautizada con el lema de Love And War).

KUSTURICA, EN ESTADO DE REFLEXIÓN

Cuando aún está pendiente de estreno Words With Gods (filme coral, en el que el creador serbio firma el segmento Our Life), el dos veces ganador de la Palma de Oro en Cannes (en 1985 con Papá está en viaje de negocios, y en 1995 por Underground) ya ultima la grabación de su nuevo largometraje, el cual es –según el propio realizador- una especie de traslación más completa del episodio nominado Our Life.

Kusturica aún tiene pendiente de estreno su colaboración en la cinta coral "Words With Gods"

Kusturica aún tiene pendiente el estreno de su colaboración en la cinta coral “Words With Gods”

Aparentemente, tres son los relatos que diseñan el cuerpo argumental de On The Milky Way; aunque en realidad se trata de un tríptico de continuidad unipersonal, construido en torno a la vida de un individuo llamado Kosta (personaje interpretado por Emir Kusturica).

Este hombre, al que en su momento de madurez le asiste la soledad del ermitaño, transita con determinación por las distintas etapas de su crecimiento y evolución. La primera, como soldado. La segunda, en calidad de enamorado convencido. Y la tercera, metamorfoseado en un monje con mucho pretérito que evocar.

Momentos de un currículo intenso, en el que la leche participa como líquido generador de acciones emotivas; a la par de revelarse como hilo conductor de inmensa fluidez cromática.

El segmento montado por Kusturica en "Words With Gods", "Our Life", ha inspirado la historia de "On The Milky Road"

El segmento montado por Kusturica en “Words With Gods”, “Our Life”, ha inspirado la historia de “On The Milky Road”

Tal es el guion escrito a medias entre Kusturica y su hija Dunja; libreto familiar donde el protagonista descoyunta sus sentimientos, alimentados por la pasión mostrada hacia su esposa fallecida (encarnada por la joven Sloboda Micalovic) y una fémina de proporciones edénicas, irreal y vestida de impoluto blanco marital, que personifica las inspiraciones del héroe (papel al que dota de físico la modelo y actriz italiana Monica Bellucci).

Después de pasear por las arterias milenarias de Trebinje, el director y su equipo ya han recalado en el enclave serbio de Mokra Gora, para filmar las escenas relativas al monasterio y al periodo de reflexión que despliega sobre la pantalla el peculiar Kosta.

Fieles a los cuentos de tradición balcánica, las extensiones geográficas estrangulan -tras el objetivo de la cámara de don Emir- su identificación concreta y fotográfica, para conformar un paisaje de brumas silenciosas y étnicas.

Ahí es donde el trabajo del autor de Prométeme (2007) adquiere la nitidez del escalpelo afilado, como si abriera las costillas de una anatomía reconocible y terrenal. Esta vez aclarada con el lechoso curso de un camino nostálgico y perdido.

Monica Bellucci encarna a una novia irreal en el filme de Kusturica

Monica Bellucci encarna a una novia imaginaria en el filme de Kusturica

Más información en http://www.facebook.com/OnTheMilkyRoad?fref=ts