Magüi Mira dirige a la pareja de actores en "En el estanque dorado"/ Photo Credits: Teatro Lope de Vega de Sevilla

Magüi Mira dirige a la pareja de actores en “En el estanque dorado”/ Photo Credits: Teatro Lope de Vega de Sevilla

Existe un momento, dentro de la vida de todo ser humano, en que los amaneceres otrora luminosos tornan su brillantez cantarina en cálidos ocres crepusculares. En ese instante, imperceptible por la razón pero nítido para el espíritu, la epidermis abre poros de serenidad, hacia horizontes difuminados en la paleta de la juventud. Y, como cuesta hacia las tonalidades quemadas por la experiencia, sólo queda el camino andado; cual penitencia de imágenes y recuerdos, que llenan el esqueleto de carne henchida de valor. Ernest Thompson únicamente contaba veintiocho años cuando percibió los claroscuros de la madurez; y de sus visiones de nauta privilegiado surgió En el estanque dorado, obra que arriba por primera vez a un teatro español, de la mano de la directora Magüi Mira.

La obra fue escrita por Ernest Thompson cuando contaba veintiocho años de edad

La obra fue escrita por Ernest Thompson cuando contaba veintiocho años de edad

Veteranos en escena

Desde el 28 de febrero de 1979, fecha en que la pieza fue estrenada en el marco del New Apollo Theatre de Broadway (Nueva York), hasta la versión que llega al Lope de Vega de Sevilla; el éxito y los premios han acompañado a las andanzas de Ethel y Norman Thayer. Esta pareja de ancianos, que poseyó en su primigenia gestación los rostros de Frances Sternhagen y Tom Aldredge, ha cautivado a públicos diversos y de distintas generaciones; y todo a base de sus diálogos sinceros, ajenos a las normas del protocolo, y aderezados con las expresiones gruñonas propias de las vacaciones rutinarias.

El texto dio pie a una homónima película protagonizada por Henry Fonda y Katharine Hepburn

El texto dio pie a una homónima película protagonizada por Henry Fonda y Katharine Hepburn

Magüi Mira toma las palabras de Thompson –traducidas para la ocasión por Emilio Hernández– para montar un espectáculo donde los protagonistas son los sentimientos de una familia con demasiados silencios, y cuya extrañeza mutua acentúa el malestar común. Un puzle de jornadas humedecidas con el poder de las confesiones aceradas, en el que Héctor Alterio y Lola Herrera son los encargados de encabezar el reparto, en la piel del octogenario Norman y su esposa Ethel. Ambos hacen suyos los intensos papeles del matrimonio motivado por las décadas de convivencia, y al que persigue el dorado de la eternidad. Trabajo en el que Luz Valdenebro (como Chelsea, la hija que visita a sus progenitores), Camilo Rodríguez y Mariano Estudillo comparecen en calidad de seres dispuestos a calmar las heridas de sus mayores.

Cuatro meses, los que van de mayo a septiembre, es lo que narran los dos actos que conforman el libreto. A través de ese lapso temporal, el espectador asiste a un lienzo pintado en el interior de una casa de campo, donde se concitan las peleas, las ansiedades, las frustraciones y los rigores cotidianos de un grupo de personajes cargados de fuerza dramática, y a los que la tranquilidad metafórica del estanque les transmite un eco de rebeldía casi póstuma.

La trama gira en torno a un matrimonio octogenario y a la relación que mantienen con su hija, y la familia de ésta, durante un verano

La trama gira en torno a un matrimonio octogenario y a la relación con su hija y la familia de ésta

Los más de seis lustros que contemplan a En el estanque dorado han generado interpretaciones prendidas de la cultura audiovisual de cualquier ciudadano contemporáneo. Y lo están, sobre todo, con los alfileres gestuales de Henry Fonda y Katharine Hepburn, quienes encarnaron a los Thayer en la homónima y oscarizada película dirigida por Mark Rydell, en 1981. Un currículo de físicos populares que volvió a concitar (esta vez en la pequeña pantalla) a un dueto de lujo con la identidad de Christopher Plummer y Julie Andrews, en una producción de la CBS de 2001.

Mira es consciente de los antecedentes, contra los que es imposible luchar; por eso vierte su sapiencia coreográfica sobre un decorado de sencillez diamantina, dentro del que emana la hondura profesional de Alterio y Herrera, sin pesos que les cuelguen de las alforjas, ni estrellas de Hollywood sujetas a los pliegues del suelto vestuario… veraniego y deshilachado.

La pieza ha obtenido numerosos premios a lo largo de sus representaciones desde su estreno en 1979

La pieza ha obtenido numerosos premios a lo largo de sus representaciones, desde su estreno en 1979

En el estanque dorado estará en el Teatro Lope de Vega de Sevilla (Av. María Luisa, s/n) hasta el próximo 2 de febrero de 2014.

Más información, entradas y horarios en http://www.teatrolopedevega.org

El trío da cuerpo a la adaptación de "Cell", que dirige Tod Williams

El trío da cuerpo a la adaptación de “Cell”, que dirige Tod Williams

En el mundo moderno, y según Marshall McLuhan, el medio es el mensaje. Para ser un ciudadano de pro dentro la era binaria, a nadie se le ocurriría salir a la calle sin llevar consigo un móvil, un netbook o una tablet (o todos ellos en unión) colgado de la cartuchera cual pistolero del Far West, con munición de ceros y unos en vez de balas. Pero, ¿qué pasaría si estas máquinas transmutaran sus placenteros fines en los rasgos de los ángeles del Apocalipsis, y trajeran con ellas la destrucción de la especie?

Stephen King imaginó algo semejante en 2006, cuando lanzó al mercado su novela Cell: un relato de misterio y realismo catastrofista, en el que la telefonía inalámbrica convertía a los seres humanos en zombis sedientos de sangre (aparte de en unos tipos sumidos dentro de una psicosis criminal, digna de cualquier telefilme de sobremesa). Es obvio que semejante novela, como las que conforman la mayor parte de la carrera del escritor nacido en Nueva Inglaterra, adquirió la vitola de best-seller al poco tiempo de ser publicada, motivo más que sobrado para que la industria del celuloide planteara su más inmediata adaptación a la pantalla grande.

Cusack, Jackson y King ya unieron sus respectivos talentos en "1408" (Mikael Hafström, 2007)

Cusack, Jackson y King ya unieron sus respectivos talentos en “1408” (Mikael Hafström, 2007)

Tras los pasos de John Carpenter

Un presupuesto bastante aceptable para estos momentos de crisis y acción sin tregua son los parámetros de la homónima película, que dirige el neoyorquino Tod Williams (Paranormal Activity 2); realizador que llega al puesto en sustitución Eli Roth, inicialmente escogido para el cargo (el hombre de Hostel se desentendió del rodaje antes de iniciar la grabación). Sea como fuera, el vecino de la Estatua de la Libertad está ya desde hace meses en Atlanta (Georgia), dando cuerpo al guion firmado por el treintañero Adam Alleca (autor del libreto de La última casa a la izquierda).

Rodeado de extensiones amenazantes, Williams hierve ondas electromagnéticas cada vez que grita lo de “corten”. Todo para encajar las piezas de una historia que puede recordar ligeramente a la del filme En la boca del miedo (elaborado por el artesano John Carpenter, en 1995). En esa ocasión, la tesis argumental corría pareja a un libro maldito, que transformaba en peligrosos homicidas a los que se atrevían a leer sus páginas macabras. Un pretexto para la matanza generalizada de la humanidad, que en Cell es identificado como el castigo por abusar de los populares celulares (a propósito, King es de los que afirman no poseer semejante aparato de comunicación en su faceta privada).

La trama de "Cell" trata del fin de la Humanidad

La trama de “Cell” trata del fin de la Humanidad

Y, como desencadenante de los hechos, se halla un narrador llamado Clay Riddell (alter ego figurado del responsable de El resplandor): un individuo alejado de su familia, debido a problemas varios en su desquiciada existencia. Un día, mientras este profesional de las letras celebraba la traducción gráfica de su obra El caminante oscuro, el protagonista observa cómo las personas comienzan a mostrar comportamientos muy raros, provocados por sus respectivos móviles. Los afectados caen en una enfermedad que muta su organismo, y les hace tomar las costumbres de los muertos vivientes (vamos, como si hubieran salido de una movie de George A. Romero). Ante este panorama, al bueno de Clay sólo le queda la alternativa de salir huyendo.

En su periplo por escapar y de paso rescatar a su hijo, el personaje salva la vida a Tom McCourt; y ambos se refugian en la habitación de un hotel, donde se topan con el sospechoso Sr. Ricardi y una adolescente nominada Alice Maxwell. Sin embargo, el grupo no se puede quedar eternamente en el inmueble; por lo que decide salir, más que nada para garantizar la supervivencia y encontrar a otros resistentes al virus telefónico.

Isabelle Fuhrman, de "La huérfana", participa en el largometraje

Isabelle Fuhrman, de “La huérfana”, participa en el largometraje

John Cusack y Samuel L. Jackson (quienes ya colaboraron juntos en1408, cinta basada en las palabras de King) encabezan el elenco interpretativo, donde también interviene la joven Isabelle Fuhrman (la niña de La huérfana se mete en la piel de Alice).

Aún queda tiempo para asistir al estreno del largometraje, pero usted ya puede darse por avisado: el elemento más grave para su subsistencia puede estar a tiro de tímpano…

La historia puede recordar en esencia a la contada por John Carpenter en "En la boca del miedo" (1995)

La historia puede recordar en esencia a la contada por John Carpenter en “En la boca del miedo” (1995)

Más información en http://www.imdb.com[subscribe2]

"Mondrian and Cubism" es la primera con la que la tierra de Rembrandt recordará al pintor, 70 años después de su muerte/ Photo Credits: 2014, Mondrian/Holzman Trust c/o hcr International, Washington

“Mondrian and Cubism” es la primera exhibición con la que la tierra de Rembrandt recordará los 70 años después de la muerte del creador de Stijl/ Photo Credits: 2014, Mondrian/Holzman Trust c/o hcr International, Washington

La Haya fue a principios del siglo XX una acumulación exhaustiva de colores primarios, con los que el fundador del grupo Stijl dibujó tinturas disfrazadas de impresionismo. Por sus calles acuosas, los pinceles imaginaron naturalezas de luces extrañas y sueños en penumbra, y las paletas se inundaron de norteños trazos surgidos de la naturaleza más extrema. Esas aventuras de caballete y modelaje quedan ya muy lejanas en el tiempo, aunque el espectador puede refrescarlas a golpe de retina hasta el próximo 11 de mayo de 2014, con la exposición Mondrian y El Cubismo, que el Gemeente Museum de la mencionada localidad tulipán.

Bajo la experta mirada del comisario Hans Janssen, la muestra reúne algunos los trabajos más sorprendentes y descocidos alumbrados por la profunda mente de Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, Holanda, 1872- Nueva York, Estados Unidos, 1944). Una exhibición que sirve de paso para inaugurar el homenaje a uno de los genios de la abstracción, del cual se cumplen setenta aniversarios desde su fallecimiento.

Pablo Picasso, "Femmeen Corset Lisant un Livre", 1914-1917/ Photo Credits: Triton Foundation

Pablo Picasso, “Femmeen Corset Lisant un Livre”, 1914-1917/ Photo Credits: Triton Foundation

Facetas poco difundidas

Las enciclopedias del Arte suelen colocar la figura del colega de Theo van Douesburg al lado de maestros de las formas disueltas en el lienzo bautizadas como abstracción, un equipo precursor de las nuevas perspectivas que tuvieron en Wassily Kandinski y Kazimir Malévich dos de sus líderes destacados. Sin embargo, el caudal pictórico del creador norteño escapa a una única  definición técnica (y muchos menos intelectual).

Educado profesionalmente en la Escuela de la Haya, con el tutelaje de clases tan inspiradoras como las de August Allebé, el pintor dedicó toda su existencia a buscar la imagen más exacta de la Naturaleza. Bien desde el Neoplasticismo (que él mismo ayudó a alicatar) o a través de la figuración simbolista propia de las vanguardias parisinas, las láminas del flamenco cargaron sus insinuaciones de significados ocultos, como si el simple hecho de visualizar entornos no fuera suficiente.

Fernand Léger, "Contraste de formas"/ Photo Credits: Kunstammlung Nordrhein Westphalen, Düsseldorf

Fernand Léger, “Contraste de formas”/ Photo Credits: Kunstammlung Nordrhein Westphalen, Düsseldorf

Este discurso otorgó profundidad de filosofía andante al currículo de Mondrian, el cual comenzó su andadura sumergido en el Impresionismo, motivado en todo momento por la desnudez paisajística de La Haya. Con esta perspectiva de fiabilidad realista y sugerencia de lágrima oleosa, el compatriota de Rembrandt avanzó hacia proposiciones más cercanas a las verdades inmutables, sin importar lo más mínimo la comprensión exacta de la escena desarrollada en el cuadro.

Trabajar más en la psique del espectador que en sus circunstancias sociológicas; así es que como puede resumirse el proyecto vital del flamenco: plan profesional que el artista completó con el viaje efectuado a la urbe del Sena, entre 1912 y 1914. Una estancia en la Ciudad de la Luz que animó al creador a embarcarse en un conocimiento más exacto y sensible de su nación. Y de esas dos aventuras nació la exposición que él mismo inauguró en 1914, en la Galería Walrecht de La Haya; y que sirve de nexo central para la actual muestra del Gemeent Museum.

Lodewijk Schelhout Stilleven, 1912/ Photo Credits: Gemeente museum, La Haya

Lodewijk Schelhout Stilleven, 1912/ Photo Credits: Gemeente museum, La Haya

Mucho más amplia en sus concepciones de lo que suele pensarse en la línea pictórica de  PM, el centro holandés ha conseguido fondos difíciles de contemplar fuera de sus habituales colecciones, cuadros que reflejan el manantial de inspiraciones de un señor que aunó en su ideario las asociaciones cercanas de Jan Sluijters y Jacoba van Heemskerk con las aplicaciones universales de iconos como Pablo Picasso, Georges Braque, Le Fauconnier y Fernand Léger, entre otros (todos presentes en la exhibición).

Un laberinto de plasticidad atrayente, donde la figuración pierde constancia de rasgos concretos, y la geometría se nutre de espacios comunes, hambrientos por transmitir estados colectivos e individuales. Tal cual lo hicieron esas impresionistas tinturas de La Haya…eternamente selladas con colores primarios…
Vídeo perteneciente al Gemeente Museum

Más información, entradas y horarios http.//www.gemeentemuseum.nl/en

El dúo triunfa con su álbum "Random Access Memories" (Columbia/ Sony)

El dúo triunfa con su álbum “Random Access Memories” (Columbia/ Sony)

La 56 edición de los premios de la academia musical estadounidense tuvieron banda sonora francesa. Los cuatro galardones con los que Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter (entre ellos el de Mejor Álbum y el de Mejor disco de electrónica o dance) fueron damnificados en la noche angelina les otorgó el doctorado honoris causa de las ondas, a la vez que dejaron en el coso sensaciones multicolores (aderezadas con cascos de halcones callejeros). Daft Punk consiguieron así imponerse a sus rivales, con una obra de mensajes funambulistas titulada Random Access Memories; a través de la que elevaron al Olimpo de la bolas de espejos temas de pegada discotequera como Get Lucky (Mejor Grabación y Actuación pop en grupo) y The Game Of Love.

No obstante, la banda parisina ya sabía lo que era triunfar en la gala. Algo que hizo en 2007, con el portentoso Alive. Pero la rendición incondicional de los trovadores del siglo XXI no les ha llegado hasta la mencionada entronización de su primer disco con Sony/ Columbia.

La ceremonia recibió con admiración la parafernalia habitual del grupo

La ceremonia recibió con admiración la parafernalia habitual del grupo

Dance de efectos hipnóticos

Desde 1993, las composiciones de Homem-Christo y Bangalter son casi imprescindibles en cualquier sesión rave con propósito de quedar en la memoria. La electrónica de contorsiones reconocibles -y bases de laboratorio ochentero– con la que los europeos alimentan sus melodías es de las que anima a saltar a la pista con bailes cargados de nostalgia, como sacados de una película de Shaft. Incluso en los CDs de pretendida frialdad futurista (como es el caso de la B.S.O. de Tron: Legacy) el grupo goza de esa virtud especial y multitudinaria, que le hace hipnotizar al personal con unas simples notas y con un solo efecto visual en pantallas gigantes; ya sea mediante su parafernalia estilística, o por la excitación de su puesta en escena.

Amantes de The Pet Shop Boys y otros iconos de los estribillos eufóricos, Daft Punk han evolucionado en Random Access Memories hacia un paisaje exótico de insinuaciones placenteras, en el que es posible atisbar a vuelo de águila la voz del recordado Giorgio “Flashdance” Moroder (Giorgio By Moderer), sumergirse en las profundidades indies de Julian Casablancas (Instant Crush), o corretear sin moderación al lado del juguetón toque de Pharrell Williams (Get Lucky). Un parque de atracciones donde se escucha de fondo la ambientación tribal de Chic, de la mano de su líder Nile Rodgers.

La electrónica de Homen-Christo y Bangalter está teñida de guiños nostálgicos

La electrónica de Homen-Christo y Bangalter está teñida de guiños nostálgicos

Y, como maestros de ceremonias enfundados en sus disfraces de anonimato voluntario, Guy-Maunel y Thomas vierten un sentido experimental al compacto, para convertirlo sin dobleces en una pieza capaz de sacar emociones de pretéritos añorados, más allá de la irrealidad de las imágenes planteadas.

Tras escuchar los trece cortes de RAM, los pantalones campana vuelven a inundar los roperos, al tiempo que la brillantina de fin de semana lucha en clara competencia con los peinados a lo afro. Una época de estampados psicodélicos y camisas imposibles, en la que el techno comenzaba a implantar su dictadura de teclas amortiguadas con la artificialidad, y el house tomaba aire de ametralladora en pleno guateque.

Ya obtuvieron un Grammy en 2007, con "Alive"

Ya obtuvieron un Grammy en 2007, con “Alive”

Todo eso subió anoche, en la ciudad del artisteo, a lo más alto de la palestra de la actualidad mediática. Recreado por el pulso de un par de vecinos de la Torre Eiffel, que lo único que querían era pasar desapercibidos; aparte de animar un poco la fiesta de los gramófonos…

La actuaciones en directo de la pareja están llenas de espectacularidad audiovisual

La actuaciones en directo de la pareja están llenas de espectacularidad audiovisual

Más información en http://www.daftpunk.com

El protagonista de "Solas" representa "Una vida robada" en el Teatro Fernán Gómez de Madrid/ Photo Credits: Teatro Fernán Gómez

El protagonista de “Solas” encabeza el reparto de “Una vida robada” ,en el Teatro Fernán Gómez de Madrid/ Photo Credits: Teatro Fernán Gómez

Es una tarde de viernes (la del 24 de enero de 2014), y Madrid ya despliega tímidamente sus alas de paloma herida, carcomidas por el desahucio colectivo. La Plaza de Colón exhibe sus aristas de abismo social -reflejado en los espejos de los bancos y las multinacionales-, mientras los ejecutivos de fin de semana pasan rápido y delirantes frente a los ojos de los que beben sus desgracias de garrafón. Y allí, bajo la cascada helada del teatro con el nombre amenazado por el gobierno consistorial (el Fernán Gómez), espera en su camerino Carlos Álvarez-Nóvoa (La Felguera, Langreo, Asturias, 1940). Sentado en una sencilla silla de crujidos metálicos, el hombre de la barba blanca da palabra al actor de los mil y un personajes; seres de papel y frases imantadas que le han permitido vivir amaneceres calderonianos, mediodías de rojo y sangre lorquianos y anocheceres estrellados por los flechazos de Valle-Inclán.

La contemporaneidad de Una vida robada, según la pieza de Antonio Muñoz de Mesa, retiene en la capital arreciada por el invierno al vecino de la película Solas (Benito Zambrano, 1999); por lo menos, hasta el próximo 2 de marzo de 2014. Trabajo de intensas líneas curvadas, donde el intérprete de De tu ventana a la mía (Paula Ortiz, 2011) comparte cartel con Asunción Balaguer, Liberto Rabal y Ruth Gabriel.

Aunque ya llevas tiempo con las representaciones, ¿recuerdas que es lo que te sedujo inicialmente para participar en esta obra?

 

–          Bueno, cuando Juan José Seoane, que es el productor, me llamó; estaba grabando Gran Reserva. El origen, en TVE. A través de Petra Martínez, que es la suegra del autor de la obra (Antonio Muñoz de Mesa) y mi compañera en ese serial, le habían hablado de que su yerno había escrito una obra de teatro. Me contó el argumento y me llamó la atención. Así que, cuando me llamó Seoane, ya estaba en antecedentes. Recuerdo que me envió el libreto, y lo primero que me sedujo fue el texto y quién lo iba a dirigir (Julián Fuentes Reta). Me pareció una historia muy bien construida e interesante, con unos personajes muy potentes y muy bien trazados. Y con una estructura muy atractiva.

Photo Credits: Jesús Martín

Photo Credits: Jesús Martín

 

Una vida robada se ha publicitado básicamente como un relato sobre el asunto de los niños vendidos ilegalmente en España; sin embargo, la trama se compone de muchos más ingredientes.

 

–          Efectivamente, lo de los niños robados -más que el tema en sí- diría que es el entorno en que se desarrolla la historia. Es el antecedente que pone en marcha el motor. Pero, me parece que Muñoz de Mesa no intenta nunca hacer un documento o una denuncia contra aquella terrible tragedia, que supongo ya no se volverá a repetir. Dentro de eso, se pone en marcha un mecanismo que comienza en tonos aparentemente de comedia, y que se va endureciendo para convertirse en un drama, remozado por un aliento trágico. Aparentemente, es un drama contemporáneo; pero hay una especie de sino trágico que parece conducir al destino de los personajes. Las referencias helénicas son claras, el libro de La Teogonía, de Hesíodo, está presente en las lecturas que se hacen en escena; además, los nombres de los personajes tienen un sentido simbólico, como Luz, Olvido… Por lo tanto, el argumento va de asistir a la trayectoria de unos personajes de carne y hueso, firmemente trazados por su autor, y a los que cada uno de nosotros intentamos darles lo máximo. En cuanto al tema, es una historia en la que el personaje de Luz viene a casa del doctor Nieto (mi papel), quien presenta un principio de Alzheimer. Con él vive cuidándole una enfermera (Olvido), que es el papel que interpreta Asunción Balaguer; y también vive su hijo, que es la caracterización de Liberto Rabal. La llegada de esta muchacha, por los móviles que la motivan, trastoca la existencia de estos seres. Y ya no te cuento más, porque la destriparía. Pero una de las cosas más interesantes es que la obra se plantea también como un thriller. Es un ingrediente importante, que subraya la puesta en escena. A lo largo de los actos se le facilitan al espectador datos, sin trampa alguna, para que éste vaya llegando al desenlace inesperado, y lo acepte con verosimilitud. Sin embargo, no es como una novela de Agatha Christie, en la que al final se saca una carta oculta para que no puedas imaginar nunca quién era el asesino. En este caso, no hay criminales; pero sí hay un misterio. Y juega honradamente, los personajes van dejando caer pistas que el espectador va asimilando.

Photo Credits: Jesús Martín

Photo Credits: Jesús Martín

 

En este sentido, se podría incluso presumir que se erige como un relato de misterio en el que la evolución argumental no viene de fuera, sino del desarrollo situacional de Nieto y sus compañeros.

 

–          Exacto. Podríamos hablar de acción interna. Efectivamente, el formato de los thrillers se centra en el uso de la acción externa; es decir, los acontecimientos son los que te van llevando hacia ese misterio que se desvela, y que termina en el desenlace. Aquí, esa acción discurre internamente, en los personajes y en las interrelaciones entre ellos.

 

Y como centro de todo está tu papel, el de un hombre cuya memoria falla por enfermedad y a veces por olvido voluntario…

 

–          Pues sí. Digamos que es un caramelo para un actor. Cuando al principio me preguntabas cuál había sido mi primer interés en participar en la obra, yo hablaba del texto y el trazado de los personajes. Pero, principalmente, me atrajo Rosales. A mí, en concreto, me suelen dar tipos bondadosos y nobles, que son muy bonitos de hacer, pero que ya los he interpretado muchas veces. Entonces, cuando me cae un malo, entre comillas, me hace mucha ilusión; aunque tenga que buscarle justificación a sus actos. El interés estaba en que el espectador empatizara de alguna manera con el personaje, el cual empieza insultando, pero también bromea… Y, poco a poco, lleva al público asistente a una encrucijada, en que dice: “este tipo no me cae mal, pero al mismo tiempo es un hijo de su madre”. Y ése fue el arranque. Luego, en la manera de trabajar, tenía el texto, todo lo que yo construí respecto a él, los antecedentes que tuve que perfilar claramente… Y, después, me apoyé en los compañeros. Creo que la virtud fundamental de un actor es saber escuchar. Un actor que no sepa escuchar, y que sólo esté pendiente de lo que él dice, es complicado que haga un buen trabajo. Yo he tenido la suerte de trabajar con tres espléndidos compañeros. A Asunción Balaguer, todo el mundo la quiere. Aparte de esas envidiables facultades a sus 88 años, tiene la cabeza absolutamente lúcida; una energía física maravillosa; y, sobre todo, una alegría continua ante la vida. Es una inyección muy grande de optimismo. Es la naturalidad personificada, la verdad… de ella recibes siempre algo nuevo que te enriquece. Con el personaje de mi hijo (que es Liberto en la función) tengo menos escenas, aunque la relación que hay es muy intensa y potente. Y de Liberto, lo que recibo es la fuerza y el dolor que padece su personaje. Y con quien tengo más texto es con Ruth Gabriel. Nunca había coincidido con ella, y ha sido un regalo tenerla en esta función. Me parece que es una de las mejores actrices que tenemos aquí en España. Trabaja con una enorme verdad, es una tranquilidad estar con ella en escena. (Sonríe abiertamente) No puedo separar a Ruth de Luz, y debo tener cuidado en las representaciones para no confundir los nombres. Basta con mirarla a los ojos para recibir de ella todo; y, en ese sentido, mi personaje viene condicionado por la llegada de Luz a su casa. Esa penumbra de fantasmas, de repente se ilumina. Con esos compañeros, la relación que ellos presentan en mí es lo que me enriquece, y hace que la función sea tan apetecible.

Photo Credits: Jesús Martín

Photo Credits: Jesús Martín

 

¿Te preparaste especialmente para encarnar a alguien aquejado de Alzheimer?

 

–          Sí. Tuvimos diferentes asesorías en los ensayos. Concretamente, sobre las patologías de mi personaje, la del doctor Javier Salas. Aparte, en mi familia, mi tía Carmina padeció esa enfermedad, y alguna vez pude visitarla; por lo que tenía datos directos. El doctor Salas me contó mucho sobre la energía física y sus actitudes. Pero el tema de la enfermedad es una pincelada más de mi papel, al que acude únicamente cuando ve cerca algún riesgo.

 

En uno de tus cortos de 2013 (Zombi, de David Moreno) interpretabas a un anciano con un principio de senilidad. ¿Te sirvieron algunos trabajos previos para preparar a Rosales?

 

–          En cuanto a los referentes, hay dos muy cercanos. El que citas, que es una hermosa historia, en la que se tratan temas como el del Alzheimer y el del derecho a una muerte digna. (Echa la mirada a la infinitud del blanco nuclear de la pared) Por cierto, nos decepcionó a todos el que -después de haber sido uno de los cortos más premiados del año- no fuera seleccionado por la Academia para los Goya; y yo lo voté, porque era muy hermoso. Otro Moreno, Fran, con el que rodé otro corto -que está todavía en posproducción y que grabé en Extremadura-… tuve ocasión de enfrentarme con un personaje tremendo, que está aislado en su casa y convive todavía con el cadáver de su mujer. Y también anda en silla de ruedas, como el doctor. (Hace una mueca amable) Recuerdo que las escenas de la escalera se rodaron en Madrid, y era impresionante; porque este personaje caminaba hacia la escalera para lanzarse desde ella, y teníamos unas medidas artesanas de seguridad para sujetarla. Esos han sido los papeles que he interpretado más similares a Rosales. Y, en cuanto a la estabilidad del personaje, hay tres con los que conecta: uno es el rey Basilio, de La vida es sueño, que hice con ese maravilloso hombre de teatro que es Calixto Bieito. El segundo lo encarné bajo la dirección de Ángel Facio, en un texto titulado El reloj, acompañado por cuatro bailarinas del ballet de Cuba. Es un anciano, en una residencia, y muestra un monólogo tremendo, en el que este hombre pasa unas situaciones absolutas de soledad, de irascibilidad y de borrachera. Y, en menor medida, en este teatro (el Fernán Gómez) hice con Joan Ollé Soldados de Salamina, y el personaje de Miralles (el anciano que perdona la vida a Sánchez Mazas), también iba en silla de ruedas y exhibía parecida acritud y sequedad.

Photo Credits: Jesús Martín

Photo Credits: Jesús Martín

 

El título de la obra, tanto el de Una vida robada y como el de La mala memoria, remite claramente a la intención de olvidar, una actitud tristemente célebre asociada a determinadas épocas de la historia de España…

 

–          Sí… Siempre que se habla incluso de La mala memoria, las referencias inmediatas son las que planteas. Y en el caso de esta obra, el tema concreto al que se hace referencia es el del infame comercio de bebés llevado a cabo por curas, enfermeras y médicos en este país, de los años setenta a los noventa. (Se queda segundos pensando) Yo soy un niño de la posguerra, y muy pocas personas de las que lucharon me han contado que ellos causaran muertes. Parece que nadie había hecho la guerra, y en ella estaban todos mis mayores, toda la generación de mis padres y mis abuelos. Pero, no encontraba a nadie que hablara de ello… Cuando algo te horroriza por dentro hay un deseo de olvidar, de tapar. Y en nuestro país, las grandes lagunas de la Transición han pagado el precio tan injusto de borrar a los que fueron maltratados de esa manera tan terrible por la dictadura franquista. Hay que llegar a todos los caminos de reconciliación, respetando siempre a las víctimas y protegiéndolas en todo momento.

 

¿Tienes la sensación de que los medios de comunicación han trivializado demasiado el asunto de los pequeños sustraídos ilegalmente a sus familias?

 

–          Personas que nos han asesorado, y que fueron niños robados, nos decían que les daba vergüenza ver los programas que tocaban el tema, porque descubrieron que había mucha falsedad y mentira. Veían esa tendencia a la falta de respeto y de pudor, al tratar de ofrecer ante el público el dolor y venderlo a cambio de audiencia.

 

Vamos a cambiar un poco de tercio. Recientemente has hecho tus pinitos como modelo, en el montaje fotográfico The Other Life, de Fernando Bayona. ¿Cómo recuerdas la experiencia?

 

–          Muy peculiar. Me vino a través de una actriz y compañera llamada Ana Otero. Me parece que la exposición tenía que ver con PhotoEspaña. Fernando me contó una historia para ver mi reacción. Me dijo que estaba haciendo una serie de fotografías sobre la homosexualidad, y el relato iba sobre un chapero. A él se le había ocurrido reflejar el encuentro de un padre y su hijo en ese mundo: los dos semidesnudos, en una cama… Y la fábula era muy potente pese a sus pocos datos. A mí me pareció una historia muy bonita. Previamente, busqué trabajos suyos y vi que era un espléndido fotógrafo. Así que me sentí muy cómodo, porque las sesiones fueron muy naturales.

Photo Credits: Jesús Martín

Photo Credits: Jesús Martín

 

Se puede afirmar que eres un actor al que no le asustan mucho los límites, ¿existe alguna barrera que nunca traspasarías a nivel profesional?

 

–          Sí, una muy clara. No participaría en ninguna obra en la que se defendieran cosas contrarias a mis ideas fundamentales. Por ejemplo, no colaboraría con ninguna creación machista… Leí una vez en un libro que una mujer decía que no le importaría hacer de fascista en una película en la que el director no lo fuera; y, en cambio, sí le importaría encarnar un personaje de izquierdas en una pieza dirigida por un fascista, y que encima defendiera el fascismo. Mi límite es no hacer nada que vaya en contra de lo que pienso y creo; y una película machista, racista, homofóbica… no… Esto no quiere decir que no haya participado en películas tontorronas, con personajes tontorrones. Pero no atacaban directamente mis pocas y fundamentales ideas de las que estoy seguro.

 

¿Qué le sueles pedir a un papel para que llame tu atención?

 

–          Que sea un personaje de carne y hueso, que se acerque a un ser humano y que pueda darle vida con mis recuerdos, experiencias y sensaciones.

 

¿Cómo se le queda el cuerpo a un profesional de la escena cuando desde el Ministerio de Cultura se pone en tela de juicio la calidad del cine español?

 

–          Duele mucho, porque cuando uno piensa en nuestro actual ministro José Ignacio Wert… (Enciende sus palabras con el sosiego).  Cuando se nombró a Wert como Ministro de Cultura, a mí la verdad es que me parecía un hombre razonable. Pero la imagen que destapó fue la de un gran despropósito. De hecho, es uno de los ministros peor valorados de este gobierno. Y en nuestro campo, el de la Cultura, estamos muy doloridos con este señor, que ha hecho tanto mal. Ese empecinamiento en cargarnos con ese IVA tan brutal ha hecho mucho daño… No te puedes imaginar la cantidad de compañeros que no han podido seguir trabajando… Esa concepción de que la Cultura es un puro entretenimiento no necesario… No entender que una sociedad sin teatro es una sociedad dañada, es privar al pueblo de su conciencia crítica. Tampoco entiende la cantidad de personas que viven de esta industria, y que es una fuente de riqueza para el país… En marzo, vamos a llevar a la calle la Cultura, con mil manifestaciones. Va ser muy especial.

Photo Credits: Teatro Fernán Gómez y Javier Naval

Photo Credits: Teatro Fernán Gómez y Javier Naval

 

Actualmente, tienes en la agenda el rodaje de La novia, de Paula Ortiz. ¿Podrías contarnos algo al respecto?

 

–          Se trata de una versión de Bodas de sangre, de Lorca. Recuerdo que estaba representando esta obra en el Teatro María Guerrero de Madrid, con José Carlos Plaza. En esa ocasión, el montaje estaba muy focalizado hacia la figura de la madre. Paula Ortiz, con quien ya había rodado algunos cortos y De tu ventana a la mía, asistió a una de las representaciones, y salió vibrando. Tres o cuatro años después de eso surge esta segunda película en la carrera de Paula, a través de un productor turco, uno alemán y la productora de ella. La idea es rodar la película parte en La Capadocia y parte en Los Monegros. Y mi personaje es el del padre de la novia, que creo que al final será Inma Cuesta. He leído algo del guión y es muy hermoso… muy lorquiano y peculiar. Creo que va a ser un largometraje importante.

Photo Credits: Teatro Fernán Gómez y Javier Naval

Photo Credits: Teatro Fernán Gómez y Javier Naval

El filme sigue la adaptación teatral de la novela de Leopold von Sacher-Masoch

El filme sigue la adaptación teatral de la novela de Leopold von Sacher-Masoch/ Photo Credits: Wanda Vision

Los márgenes del amor están muchas veces presurizados por la cápsula del deseo. El platonismo desfigurado por la asfixia lujuriosa suele provocar el acné en los insomnes y los exhibicionistas de armario ropero, los mismos que fustigan sus aspiraciones carnales con látigos de expiación. Esos fragmentos de desgarramientos tenebrosos, a medias entre el colchón y la lencería, diseñaron los renglones torcidos de La venus de las pieles (obra de curso breve y adictivo, publicada en 1870 por Leopold von Sacher-Masoch).

Esas páginas cargadas de suspiros y diálogos cómplices inspiraron al dramaturgo norteamericano David Ives para elaborar una homónima pieza teatral, en la que el juego sexual de los personajes se desarrollaba en la época actual, supeditado a las frustraciones del hombre contemporáneo (tan tecnológico como perdido).

Emmanuelle Seigner es la protagonista de la película

Emmanuelle Seigner es la protagonista de la película/ Photo Credits: Wanda Vision

Después de éxito del montaje del texto en los escenarios del país de las barras y estrellas (así como en los templos del entretenimiento de otras naciones), el director Roman Polanski hace suyas las situaciones planteadas por sus predecesores literarios; y con ellas alicata la que es la última película de su extensa carrera fílmica: crónica sobre las ilusiones a puerta cerrada que lleva el nombre de La venus de las pieles.

El texto describe la relación puntual entre una actriz y un director teatral

El texto describe la relación puntual entre una actriz y un director teatral/ Photo Credits: Wanda Vision

Nuevas lunas de hiel para Emmanuelle Seigner

El espíritu de voyeur que acredita el responsable de El pianista preside este largometraje, en el que la seducción está a la vuelta de cada plano y secuencia, caldeada con especias suculentas por la eficacia interpretativa de dos tipos esclavizados dentro de sus propias obsesiones.

Como si se tratara de una aventura perfumada con feromonas, el guion del director parisino (polaco de adopción consanguínea) narra los padecimientos sentimentales de un atribulado creador teatral, quien se encuentra en la tesitura de escoger a la actriz necesaria para protagonizar su nuevo y polémico proyecto: consistente en traducir a tres actos La Vénus À La Fourrure, del citado Leopold von Sacher-Masoch.

El deseo es el principal nexo del argumento

El deseo  y la ambición son los principales motores del argumento

La búsqueda de la fémina ideal resulta frustrante; pero una noche, cuando los truenos surcan el cielo y la lluvia moja las esperanzas menos impermeables de los hijos de Adán y EvaThomas recibe la visita de una extraña: una señora de rompe y rasca, o de oca-a-oca-y-tiro-porque-me-toca, que dice llamarse Vanda, y que desencadena un auténtico huracán en el corazón del artista de las palabras.

Allí, aislados del mundo, ambos dan rienda suelta a su imaginación, para amarse y vivir un emparejamiento en el que media la ambición y el talento; sin más asideros que los de las ánimas ansiosas por materializarse sobre un escenario, aunque fuera tan sólo por unas horas… unos minutos… unos segundos…

La acción transcurre en un teatro parisino

La acción transcurre en un teatro parisino

Polanski lleva el interés de La venus de las pieles al terreno de los enfrentamientos entre comportamientos antagónicos, como un combate a cara partida en el que únicamente es posible ganar tras desprenderse de las tradiciones y los convencionalismos sociales. La vieja historia del director que se aprovecha de una debutante cegada por un papel regresa con fuerza inusitada, en un relato que mezcla el drama existencial y la comedia de equívocos placenteros (en este caso, nunca romántica y siempre hiriente).

Y encima de esa cúspide de jadeos continuos y danzas macabras de velos inexistentes, la esposa del realizador -la francesa Emmanuelle Seigner– refresca sus mejores dosis de certera Saloméesencias que ya había practicado en el pasado a las órdenes de su marido (en Lunas de hielLa séptima puerta y Fanático). Un figurado baile sin cabeza santificada en el que el camaleónico Mathieu Amalric (007: Quantum Of Solace) ejerce como maestro de ceremonias.

Y mientras, el señor de ochenta y tres años que engendró La semilla del diablo observa desde su atalaya de eroticón enmascarado, no sin licuar las suspicacias con la mejor excusa que puede esgrimir un creador de su altura, la que le avala como uno de los más grandes cineastas en activo.

La venus de las pieles se estrena en España el próximo 31 de enero.

El filme se estrena en España el próximo 31 de enero

El filme se estrena en España el próximo 31 de enero

 

El director de "Cómo ser John Malckovich" consigue 5 menciones de la Academia por "Her"

El director de “Cómo ser John Malckovich” consigue 5 menciones de la Academia por “Her”

La soledad del corredor de fondo sedujo a toda una generación de escritores, un grupo inteligente y rebelde de individuos que fueron -en los cincuenta y sesenta- los azotadores más contundentes de las convenciones clasistas, sin mayor parapeto que el de las palabras y la literatura. Y así, con el verbo de pica, gente como Allan Sillitoe y John Osborne alumbraron el movimiento de los Young Angry Men; todo para plantar cara a la Inglaterra de los estilos marmóreos y el servilismo anímico. Su gesta de atalayas de papel ha volado por las décadas; pero no ha silenciado esa sensación de aislamiento en los huesos, la cual lubricó el famoso movimiento. Una corriente motivada por los refugios emocionales y afectivos.

Joaquin Phoenix es Theodore, el protagonista del filme

Joaquin Phoenix es Theodore, el protagonista del filme

El responsable de la excelente Cómo ser John MalkovichSpike Jonze (nacido como Adam Spiegel, en Rockwell, Maryland, USA,1969), atrinchera su última obra cinematográfica (Her) en un similar contexto existencial al planteado por los citados autores británicos; y eso a pesar de que el protagonista del filme sea un hombre contemporáneo, nutrido de códigos binarios y al que únicamente le queda la esperanza de la informática, para comunicarse con el mundo exterior. Un ser que adquiere -a través de las escenas- los rasgos de un gurú de los amores de laboratorio, de los sueños mediados por las pantallas y los teclados.

El guion, candidato a los Oscar, narra la relación pasional entre un hombre y una computadora

El guion, candidato a los Oscar, narra la relación pasional entre un hombre y una computadora

Rodada entre Holanda y Estados Unidos, la película del realizador de Donde viven los monstruos bebe en las aguas del mestizaje genérico, siempre conviviendo con soltura entre los márgenes de la comedia y la ciencia ficción. El guion, firmado por el propio Jonze (las diversas tensiones con Charlie Kaufman tras la finalización de El ladrón de orquídeas, probablemente le llevaron a confiar más en su cosecha creativa que en los vaivenes de mentes ajenas), versa sobre un tipo algo peculiar, a quien le cuesta un potosí mantener el contacto físico con sus semejantes. Este problema lleva al singular héroe a construir un sistema operativo en su computadora, acoplado con una voz de las que quitan el hipo. Un hecho que irremediablemente desencadenará un sentimiento de atracción, del ser de carne y hueso hacia la figurada mujer de plástico y bytes.

Jonze muestras en "Her" su talento musical, con la composición del tema central al lado de Yeah Yeah Yeah's Karen

Jonze muestras en “Her” su talento musical, con la composición del tema central al lado de Yeah Yeah Yeah’s Karen

Los paisajes extraídos de un futuro indeterminado sirven el cineasta de Maryland para montar un argumento en el que el personaje principal adquiere una omnipresencia complicada y peligrosa. Razón más que comprensible para que el autor de algunos de los mejores vídeos musicales de Björk haya confiado en el polifacético Joaquin Phoenix, para encarnar al solitario y tecnológico Theodore. El actor de The Master no puso muchos inconvenientes para colaborar con uno de los directores más aclamados de la nueva hornada hollywoodiense; un profesional de las cámaras que ha logrado hacerse con una sólida reputación en la industria audiovisual, a la vez de ser considerado el líder destacado de un team en el que igualmente se hallan maestros del tallaje de Michel Gondry y Charlie Kaufman.

Junto a la estrella de Gladiator, el reparto acumula una galería de mujeres eficaces y heterogéneas,  que han copado con sus virtudes de plató gran parte de los mejores títulos del último lustro, tanto en la categoría de blockbuster como de producciones indies. Un cuadro de celuloide en el que sobresalen los rasgos de Rooney Mara (la chica de Efectos secundarios se mete en la piel de Molly), Olivia Wilde (Amelia), Amy Adams (Emily) y Samantha Morton.

Es posible que -a más de uno- la historia de Her le recuerde a la de Simone (Andrew Niccol, 2002), o bien a esa escalofriante movie protagonizada por Julie Christie, conocida como El engendro mecánico (Donald Campbell, 1977). No obstante, la apuesta de Adam Spiegel se adentra por caminos diferentes a los planteados en esos largometrajes; ya que introduce en la cubitera los toques románticos, hebras de futurismo excéntrico y algo de humor teñido de vivencias etílicas. En realidad, es como si Jonze imaginara qué habría pasado si Ripley se hubiera apasionado en Alien con el androide caracterizado por Ian Holm; o si Keir Dullea hubiera hecho algún mimito fuera de lugar al neurótico HAL 9000, en 2001: Una odisea en el espacio. Asuntos de aislamiento virtual y cibernético, que demuestran que el cuore puede estar involucrado incluso en cualquier distopía.

El ingenioso argumento trata de forma inteligente el tema de la soledad futura

El ingenioso argumento trata de forma inteligente el tema de la soledad futura

Más información en http://www.imdb.com

Photo Credits: Museo Nacional del Prado de Madrid

Photo Credits: Museo Nacional del Prado de Madrid

Europa apagaba incendios de fe cuando María de Hungría encargó a Tiziano que pusiera rasgos a Las Furias. Un año antes del mencionado contrato, fechado en 1548, Carlos V pasaba por el acero de las espadas militares a los rebeldes luteranos; los mismos que, bajo la formación de la Liga de Esmalcalda, habían osado plantar cara al Sacro Imperio Germano. La batalla de Mühlberg dejó claro que el poder justiciero de los guerreros católicos era muy superior a los que se atrevían a cuestionar la aceptación literal de los textos sagrados: dogmas de misterios en latín que no permitían la libre interpretación, ni las críticas a las riquezas del clero.

Con todo este material, el renacentista Tiziano Vecellio acercó su pincelada aérea a los cuerpos dionisiacos de Ticio, Tántalo, Sísifo e Ixión, anatomías en escorzo que inspiraron los dolores intestinos del Barroco, alimentados con sus crepusculares fondos de claroscuros militantes.

Photo Credits: Museo Nacional del Prado de Madrid

Photo Credits: Museo Nacional del Prado de Madrid

Esos rostros surgidos del Averno, o del Hades de los castigos espeluznantes, son el reclamo artístico en el que se basa el madrileño Museo del Prado para elevar a la categoría de exposición Las Furias. De Tiziano a Ribera. Un puzle de seres reñidos con los pacíficos cansancios, que estará presente en las Salas A y B del edificio de Los Jerónimos, hasta el próximo 4 de mayo.

Un cuarteto espectral

Numerosas instituciones han prestado algunos de sus fondos más relevantes para dotar de fisonomía a la muestra comisariada por Miguel Falomir (Jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa del Museo Nacional del Prado). A través de esas telas sustraídas de la experiencia sensible de los pintores, el centro pone imágenes a un tiempo de suicidios en masa, de condenas oficiales y excomulgaciones, de visionarios enrabietados por las alucinaciones de Savonarola y geocentrismos erróneos.

Photo Credits: Museo Nacional del Prado de Madrid

Photo Credits: Museo Nacional del Prado de Madrid

Históricamente, Las Furias que imaginó Tiziano no eran esos príncipes alemanes idealizados, con los que María de Hungría intentaba vestir el Palacio de Binche (situado en Bruselas); sino los fantasmas femeninos que velaban para que los reos sufrieran por sus pecados en el Reino de los Muertos (Hades), por las acciones reprobables realizadas durante su existencia. No obstante, el maestro veneciano del siglo XVI cargó los pinceles con las insinuaciones de la belleza helénica, alicatados por las lecciones que Miguel Ángel dejó expuestas en su Ticio (dibujo supremo que el ilustrador de la Capilla Sixtina regaló, en 1532, a Tommaso de Cavaliere).

Con esa pátina de atractiva y dramática masculinidad llegó a las escuelas española y flamenca el tema de Las Furias, a las que otorgaron lágrimas de sangre y escorzos desmembradores genios de la las tinturas como Rubens, Goltzius, Van Haarlem, Ribera o Rombouts.

Photo Credits: Museo Nacional del Prado de Madrid

Photo Credits: Museo Nacional del Prado de Madrid

Hígados devorados por buitres (Ticio), canibalismo de naturaleza divina (Tántalo), piedras con el peso de las eternidades (Sísifo) y ruedas de interminables senderos (Ixión); las cuatro figuras dedicadas a castigar a los rebeldes transformaron su significado original para dotar de excusas aterradoras a los imperios occidentales, y de emoción artística a los palacios y monumentos. Armas con las que los poderosos exigían la obediencia de la razón sin explicaciones, y con las que los creadores reclamaron la dignidad del tenebrismo anímico.

Photo Credits: Museo Nacional del Museo del Prado

Photo Credits: Museo Nacional del Museo del Prado

Más información, horarios y entradas en

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/las-furias-alegoria-politica-y-desafia-artistico

Las Naves del Español acogen, hasta el próximo 2 de febrero, la adaptación del texto "Tierra de nadie"/ Photo Credits: Matadero de Madrid

Las Naves del Español acogen, hasta el próximo 2 de febrero, la adaptación del texto “Tierra de nadie”/ Photo Credits: Matadero de Madrid

Con los escombros de la Tierra baldía, diseñados por el poeta Thomas Stearns Eliot (T.S. Eliot), Harold Pinter (Londres, 1930- 2008) construyó su particular monumento a la derrota humana, a esos seres abrigados con mantas de decadencia y cansancio: autómatas del desencanto, que protagonizaron muchos de los renglones retorcidos del dramaturgo anglosajón. Los senderos de ese inmueble -ennegrecido por los gritos al viento- están conformados con guijarros de pecados y vallas almidonadas con las maderas de la desilusión. “En la tierra de nadie no hay movimiento alguno, ni cambio, ni decrepitud, ni recuerdos, ni eternidad. Sólo existe el aquí…el silencio…”. Y así, según el epitafio esgrimido por el autor de La huella, emprende su odisea con vapores etílicos No Man’s Land (la obra que coloniza, hasta el próximo 2 de febrero, la Sala 1 de las Naves del Matadero de Madrid).

La obra, escrita por Harold Pinter, fue estrenada originalmente en el Old Vic, en 1975

La obra, escrita por Harold Pinter, fue estrenada originalmente en el Old Vic, en 1975/ Photo Credits: Matadero de Madrid

Una casa de beodos

Cuando Tierra de Nadie fue presentada al público del mítico Old Vic Theatre, en 1975, lo que los asistentes descubrieron fue una especie de radiografía de una sociedad alejada de la felicidad, condenada a la autodestrucción por su propia existencia. Un padecimiento colectivo, que el grupo Pink Floyd identificó -dentro de la letra de una de sus canciones- como la desesperación del pueblo británico, virtud que la pluma de Pinter metamorfoseó en confesión sangrante compuesta por dos actos.

La trama cuenta la relación malsana entre cuatro individuos, encerrados en un inmueble londinense/ Photo Credits: Matadero de Madrid

La trama cuenta la relación malsana entre cuatro individuos, encerrados en un inmueble londinense/ Photo Credits: Matadero de Madrid

Una fiesta cargada de reproches, un hogar de incendiadas pasiones ubicado en el barrio de Hampstead (prisión figurada con espíritu a El ángel exterminador de Buñuel, que abre sus pústulas en el centro de la urbe del Támesis), y cuatro personajes con arrugas de complejos guardados en los arcones del pasado, pintados de blanco y negro y con marco de cartón húmedo. Esos son los ingredientes que el compatriota de William Shakespeare mezcló con inusitada eficacia en el mortero de su genialidad desbordante. Cuenco de esencias sensibles, del que salieron conveniente horneados el egocéntrico Hirst, el amargado Spooner, y los extraños y discordantes Foster y Briggs.

Luís Homar (en la imagen) encabeza el reparto, junto a Josep María Pou/ Photo Credits: Matadero de Madrid

Lluís Homar (en la imagen) encabeza el reparto, junto a Josep María Pou/ Photo Credits: Matadero de Madrid

Semejantes coordenadas creativas les sirvieron a los legendarios Ralph Richardson y John Gielgud para sacar resina candente de los recovecos de Hirst y Spooner, unidos en una versión de la pieza difícil de igualar. Un hito de la escena internacional que no ha obsesionado especialmente al director Xavier Albertí, quien convoca las palabras de Pinter desde la óptica primigenia con la que fueron concebidas, sin paños calientes, crudas e irónicas.

La acción se desarrolla en los años setenta/ Photo Credits: Matadero de Madrid

La acción se desarrolla en los años setenta/ Photo Credits: Matadero de Madrid

Tierra de nadie es uno de los viajes más fascinantes e ideológicos del teatro contemporáneo, en términos de vivir la vida con una fuerza que sólo puede lograrse cuando se guarda absoluta fidelidad a uno mismo. En definitiva, se trata de un sitio de ambigüedad y líneas borrosas, donde las identidades se ponen en peligro y, al mismo tiempo, se reconstruyen”, afirma Albertí, en la página web de las Naves del Español. Una aventura de arriesgadas proporciones, y discurso contundente, en la que comparecen reales y vulnerables Lluís Homar, Josep María Pou, Ramón Pujol y David Selvas.

Xavier Albertí es el director de la adaptación que ocupa la Sala 1 de las Naves del Español, ubicadas en la Villa y Corte/ Photo Credits: Matadero de Madrid

Xavier Albertí es el director de la adaptación que ocupa la Sala 1 de las Naves del Español, ubicada en la Villa y Corte/ Photo Credits: Matadero de Madrid

Más información, entradas y horarios en

http://www.mataderomadrid.org/ficha/3056/no-man’s-land-html

Hammer Films produce la secuela de "The Woman In Black"

Hammer Films produce la secuela de “The Woman In Black”/ Photo Credits: Hammer Films

Eel Marsh House (el caserón anegado por las brumas y prisionero de las mareas) regresa a las pantallas, nuevamente de la mano de la productora Hammer Films. La primera aparición cinematográfica del mencionado inmueble victoriano ocurrió en 2012, cuando sus paredes ennegrecidas alojaron los gritos de Daniel Radcliffe. Tales hechos se sucedieron secuencialmente en el largometraje La mujer de negro: fiel adaptación al celuoide del texto original de la autora Susan Hill, bajo la dirección de James Watkins. Una movie dictada por la trama de un fantasma psicópata, el cual se las hacía pasar canutas a un joven abogado decidido a aclarar los misterios del lugar.

Sólo dos años ha tardado la firma responsable del mejor miedo made in Great Britain de los setenta en volver a esos paisajes ensombrecidos, donde Harry Potter descubrió la cara menos amable del Más Allá. Y lo ha materializado con nuevo realizador (Tom Harper), novelista (Martyn Waites) y actor principal (Jeremy Irvine). Secuela que únicamente repite en el apartado del guion: del que se encarga Jon Croker.

La segunda parte se basa en la homónima novela de Martyn Waites/ Photo Credits: Hammer Films

La segunda parte se basa en la homónima novela de Martyn Waites/ Photo Credits: Hammer Films

Más de dos décadas después

El best-seller literario The Woman In Black: Angel Of Death, del citado Waites, se ha convertido en la guía argumental de Harper para dibujar otra vez el diabólico universo de la dama que perdió a su hijo ahogado en las marismas. Sin embargo, el pretérito marco decimonónico ha dado paso al moderno siglo XX; en concreto, a la época de 1940.

En medio de la Segunda Guerra Mundial, la historia comienza en el momento en que un grupo de niños es trasladado al aparentemente seguro refugio de Eel Marsh House. Tras el tiempo transcurrido de los extraños acontecimientos sucedidos al letrado Arthur Kipps (Radcliffe) y a su familia, los espectros han dado una tregua a los vivos. Justo hasta que los escolares y una intrépida maestra se instalan en la destartalada mansión.

Jeremy Irvine y Phoebe Fox son los protagonistas/ Photo Credits: Hammer Films

Jeremy Irvine y Phoebe Fox son los protagonistas/ Photo Credits: Hammer Films

La educadora (Eve Parkins) es una esforzada profesional, que desea salvar de las bombas a sus pequeños, entre los que se encuentra un crío diferente llamado Edward. El chaval es un chico maltratado por la realidad, sobre todo después de haber presenciado el asesinato de su madre (homicidio que ha causado al boy graves problemas para hablar).

Una vez instalados en la propiedad, los menores comienzan a sufrir pesadillas y a padecer problemas de comportamiento; motivo por lo que Eve pide ayuda al militar encargado de su confort: el oficial Harry Burnstow.

En 2012, James Watkins dirigió la trama original, según la obra de Susan Hill

En 2012, James Watkins dirigió la trama original, según la obra de Susan Hill

Sin Daniel Radcliffe como reclamo principal del reparto (existen rumores respecto a una colaboración breve), esta segunda entrega de las desventuras de la dama de luto permanente está encabezada en el apartado artístico por Jeremy Irvine. El veinteañero de War Horse luce el uniforme británico, para caracterizarse como el aguerrido Burnstow; mientras que la por ahora poco conocida Phoebe Fox hace lo propio con la parte de Eve Parkins. Un equilibrio de fuerzas que compensan las efectivas interpretaciones del pequeño Oaklee Pendergast (Edward) y de la turbulenta Leanne Best (como The Woman In Black).

Susan Hill obtuvo con La mujer de negro el mayor éxito (por ahora) de su ya extensa carrera como writer; sin embargo, la narradora se negó a regresar al cosmos malsano de Eel Marsh House (al parecer, la creadora alegó que su intención primigenia era simplemente elaborar un relato gótico de fantasmas, y no inaugurar una saga). A este respecto, muchos pensarán que el estilo de Martyn Waites no posee la misma inspiración dramática que el que acredita la autora de Dolly; aunque Hammer Films sí se ha rendido ante la capacidad del isleño para alterar el espíritu de los lectores (y de horror, sí que sabe la productora de Reino Unido). Un dato que da el cuartelillo necesario a esta segunda estación de la pesadilla andante con faldas anochecidas, siempre pendiente de asesinar a quien se le ponga por delante…

"Angel Of Death" desarrolla el argumento durante la Segunda Guerra Mundial

“Angel Of Death” desarrolla el argumento durante la Segunda Guerra Mundial

Más información en http://www.hammerfilms.com