Bruce Willis debuta en el teatro con Misery.

El montaje está dirigido por el hijo de Stephen Frears.

Bruce Willis toma el testigo de James Caan, quien encarnó el mismo papel en la película de 1990

Bruce Willis toma el testigo de James Caan, quien encarnó el mismo papel en la película de 1990

Hay personajes de ficción que perviven en la memoria, más allá incluso de lo programado por sus creadores.

Unos lo hacen merced a su bondad declarada, otros a su romanticismo de naturaleza épica, algunos por su heroísmo desinteresado, y no pocos por la maldad con que tratan a sus incautas víctimas. Annie Wilkes no entra de lleno en esta última categoría, pero se acerca peligrosamente a ella.

La desequilibrada fan descrita en Misery por Stephen King es una mujer con catadura de torturadora inquisitorial, aunque en el fondo está dominada por una obsesión que escapa a su propio control; lo que la convierte en verdugo y sufridora. Así lo mostró el autor estadounidense en 1987, y de la misma manera lo exhibió el cineasta Rob Reiner, en la homónima adaptación al Séptimo Arte que este llevó a cabo de la citada novela, en 1990.

Bruce Willis ha esperado hasta cumplir los sesenta años para subirse a un escenario como profesional

Bruce Willis ha esperado hasta cumplir los sesenta años para subirse a un escenario como profesional

Veinticinco años después de la movie, la relación destructora entre Annie y el narrador siniestrado -llamado Paul Sheldon– regresa a la actualidad, esta vez en formato teatral.

Un proyecto desbordante de posibilidades e imaginación que colgará carteles de apertura el próximo 15 de noviembre (el 22 de octubre comenzarán los pases de previews), en el Broadhurst Theatre de Broadway.

BRUCE WILLIS SE METE EN CAMA

Will Frears (hijo del director Stephen Frears) es el encargado de trasladar a la escena neoyorquina esta espeluznante historia, con la que la actriz Kathy Bates ganó un Oscar por su interpretación en el mencionado largometraje de Reiner. Sin embargo, la mayor parte del interés no se la ha llevado la designación del vástago del responsable de Mi hermosa lavandería por parte de Warner Bros., Theatre Ventures, Raymond W. y Castle Rock Entertainment; sino la inclusión en el reparto del mediático Bruce Willis.

Laurie Metcalf se lo hace pasar muy mal a Bruce Willis

Laurie Metcalf se lo hace pasar muy mal a Bruce Willis

La estrella de La jungla de cristal nunca antes se había puesto delante del público a lo largo de su extensa carrera, y al final –tras cumplir sesenta primaveras– el recordado protagonista de la serie Luz de luna ha dado el paso definitivo. Ahora solo queda comprobar cómo se mueve en un decorado, sin que nadie grite “acción” y “corten”.

Un reto absoluto para un actor al que le ha gustado siempre dar bandazos en su currículum profesional. Inicialmente asociado a la comedia, y posteriormente con el género de la adrenalina camisetera y el drama de carácter sobrenatural; Willis nunca se ha conformado con los encasillamientos con marca de fábrica. Algo que se ha metamorfoseado en una máxima conforme ha acumulado velas en su tarta de aniversario.

Bruce Willis mostró su interés en cuanto le propusieron llevar a escena "Misery"

Bruce Willis mostró su interés en cuanto le propusieron llevar a escena “Misery”

No obstante, el ex de Demi Moore no exhibirá sus virtudes y sus defectos ante los ojos de los curiosos en completa soledad, ya que en todo momento estará acompañado por la conocida hermana de Roseanne: Laurie Metcalf.

Laurie y Bruce se muestran omnipresentes en el desarrollo de la evolución argumental de Misery, versión que –como en su precedente fílmico- sigue con confianza absoluta el guion redactado por el veterano William Goldman.

Los ensayos corren a marchas forzadas para que el teatro entre la octava y Broadway hiele la sangre de los asistentes a las funciones, siempre sorprendidos por las torturas físicas a las que la psicótica Annie Wilkes somete al un tanto petulante y algo egocéntrico Paul Sheldon. Y todo por la simple razón de que a la señora no le gustaba cómo el writer había despachado al personaje favorito de sus libros: Misery Chastain.

Sin duda, hay decisiones editoriales que matan…

Will Frears intentará sacar lo máximo de Bruce Willis a través del asfixiante libreto de William Goldman

Will Frears intentará sacar lo máximo de Bruce Willis a través del asfixiante libreto de William Goldman

Más información, entradas y horarios en

http://www.miserybroadway.com

Il Falco e la Colomba fue estrenada en 2009.

La serie es una de las mejores producciones italianas del último lustro.

la historia de "Il Falco e la Colomba" estaba inspirada en "La abadesa de Castro", de Stendhal

La historia de “Il Falco e la Colomba” está inspirada en “La abadesa de Castro”, de Stendhal

Hace algo menos de seis temporadas, el Canal 5 de Mediaset emitió en Italia una de esas producciones capaces de alejar a los espectadores de la alienación de realities vacíos, y darles una cura preventiva de los programas de caspa y griterío.

La serie constaba únicamente de seis episodios, pero demostró noche tras noche que el poder de una buena adaptación literaria siempre merece la pena.

Il Falco e la Colomba (El halcón y la paloma) estuvo en los hogares transalpinos del 13 de octubre al 17 de noviembre de 2009; tiempo suficiente para dar a conocer a una pareja de actores con química y sobresaliente potencial escénico: la que formaron Giulio Berruti y Cosima Coppola. A pesar de la evidente juventud de ambos, Giulio y Cosima derrocharon pasión y efervescencia romántica, para hacer creíble el amor desgraciado y maldito del soldado y mercenario Giulio Branciforte, hacia la noble e ingenua Elena Campireali.

Giulio Berruti y Cosima Coppola son los intérpretes de "Il Falco e la Colomba"

Giulio Berruti y Cosima Coppola son los intérpretes de “Il Falco e la Colomba”

IL FALCO E LA COLOMBA Y EL PAPADO DE CLEMENTE VII

Cuando los ejecutivos de Mediaset decidieron apoyar el rodaje de Il Falco e la Colomba lo hicieron a sabiendas de la fuerza dramática que se podía desencadenar con una adaptación libre de La abadesa de Castro: relato breve de Stendhal, publicado en 1832. Encuadrado en el libro de viajes Crónicas italianas, la obra utilizaba la técnica de la narración externa, expuesta a través de un manuscrito hallado supuestamente por el vicecónsul de Francia en Civitavecchia.

"Il Falco e la Colomba" constaba de seis episodios

“Il Falco e la Colomba” consta de seis episodios

En el pliego, el diplomático se topaba con la historia de amor prohibido entre un oficial del Cardenal Colonna y la joven prometida del poderoso Príncipe Savelli. Bajo esos destinos literarios, Giulio Branciforte y Elena Campireali debían hacer frente a obstáculos casi imposibles de sortear, mientras en el exterior los ejércitos del emperador Carlos V acometían el asedio de Roma, en 1527.

Tales ingredientes permitieron a los responsables de la producción televisiva jugar con elementos tan adictivos como los de las aventuras de capa y espada, el romanticismo de tintes épicos y los acontecimientos históricos de significación primordial en la Europa del siglo XVI.

La acción de "Il Falco e la Colomba" cubre el saqueo de Roma, en 1527

La acción de “Il Falco e la Colomba” cubre el saqueo de Roma, en 1527

Sin embargo, el copión original incorporaba novedades llamativas respecto al modelo de Stendhal. Adicciones ideadas por los guionistas para garantizar el enganche de un argumento capaz de prender al público desde el inicio del mismo.

Como en el escrito del autor francés, la serie comienza con la voz en off de una tercera persona que accede a la relación de Giulio y Elena, figura que en la adaptación audiovisual adquiere la fisonomía de Anna Galiena (quien da vida a la comprensiva Vittoria Colonna). Esta dama es la que describe lo que se va a ocurrir en la pantalla, para pasar sin tregua a la banda sonora compuesta por Maurizio de Angelis.

Anna Safroncik (en la foto) encarna a la celosa Lisetta

Anna Safroncik (en la foto) encarna a la celosa Lisetta

Rodada en escenarios naturales de la Toscana, Il Falco e la Colomba aún se recuerda por su excelente ambientación, a la que se sumó la efectividad de un elenco que mezclaba en adecuadas dosis juventud y veteranía.

En semejante apartado artístico, y por la parte de los nuevos rostros, los que más destacaron fueron los ya mencionados Giulio Berruti (a quien se ha podido contemplar recientemente en la película Walking on Sunshine) y Cosima Coppola, sin olvidar a la ex modelo Anna Safroncik. Mientras que en el equipo de las estrellas consagradas se contaban intérpretes de la categoría de Fabio Testi, Anna Galiena, Vincent Riotta y Enrico Lo Verso.

El amor desgraciado de Gulio y Elena pudo verse en España bajo el título de El halcón y la paloma, en Divinity y el desaparecido Canal 9. Una opción seguida por otros países del Viejo Continente, siempre con resultados de audiencia realmente interesantes.

Datos que inexplicablemente aún no han animado a Mediaset para comercializar el serial en formato de DVD.

Entre los actores de "Il Falco e la Colomba" se encuentra el veterano Fabio Testi

Entre los actores de “Il Falco e la Colomba” se encuentra el veterano Fabio Testi

Más información en

http://www.video.mediaset.it

Leche presentan su música por distintos países del Viejo Continente.

El 14 de agosto actuarán en el Sziget Festival de Hungría.

Leche se han convertido en una de las máximas referencias de la electrónica chilena, junto a Los Updates o Lesbos in Love

Leche se han convertido en una de las máximas referencias de la electrónica chilena, junto a Los Updates o Lesbos in Love

Más que a través de las letras demoledoras o los estribillos recordados, la electrónica perdura en la memoria por las atmósferas que evoca.

Desde los lejanos inicios de Krafwerk y las contorsiones profundas de O.M.D., el género ha dado para toda clase de experiencias; aunque todas ellas suelen confluir en su capacidad para diseñar un mundo propio, dibujado mediante sonidos sincopados e inspiradores.

Dentro de tal estilo de cromatismo habitualmente barroco, los chilenos Leche han demostrado con su aún escaso currículo (la banda comenzó su andadura en 2005, ubicada en la escena vanguardista de Santiago) que las notas pueden adquirir las formas espectrales de universos ilusorios, como si se hallaran suspendidas en el espacio y el tiempo, sin identificaciones ni apoyos específicos.

Leche obtuvieron el reconocimiento del público con su disco Hogar

Leche obtuvieron el reconocimiento del público con su disco Hogar

Con semejantes ingredientes activos, el productor y músico Leandro Muñoz asentó los pilares de la formación; y así se han mantenido hasta la actualidad, arropados por trabajos tan sorpresivos y telúricos como Hogar, Afama Amanecer.

Apodados como los Portisheads de la tierra de Salvador Allende, Muñoz, Celeste Shaw, Javiera Benavente, Luis Lemos y Francisco Seguel pasean sus temas por Europa a lo largo de este verano de lujurias y azoteas. Un itinerario que tendrá su punto culminante en el Sziget Festival (el grupo tomará el escenario TDK Sziget Beach- Cokxpon el próximo 14 de agosto, en torno a la 1:00 de la madrugada).

"Solo bajo la piel" se convirtió en un éxito del indie en países como Italia y España

“Bajo la piel” se convirtió en un éxito del indie en países como Italia y España

LECHE Y LA VIOLENCIA DEL SILENCIO

Bastante más oscuras que las variaciones de los mismos Portisheads y sin las excentricidades huracanadas de Massive Attack (con los que algún avezado crítico ha llegado a compararles), las composiciones de Leche quedan sublimadas por las narrativas vaporosas, asociadas con estados de ánimo cercanos a la introspección en clave fantasmagórica.

En ese universo, las voces de Celeste Shaw y Javiera Benavente adquieren la fuerza de los metales esculpidos, siempre dialogantes y en expansión; aunque igualmente lubricados con giros constantes, disfrazados de aparente tranquilidad armónica.

Leche han sido catalagados como los Portisheads de Santiago

Leche han sido catalagados como los Portisheads de Santiago

Ese extraño efecto cognitivo provoca una hipnosis de naturaleza colectiva, favorecida por la ingesta de songs del calado de Bajo la piel y Amanecer; sistema de enganche con el que lograron embrujar al conocido Tricky. Precisamente, fruto de esa relación sensitiva, el británico presentó internacionalmente a Leche, al escogerles como teloneros en sus conciertos en Chile.

Una oportunidad que Muñoz y sus colegas no desaprovecharon, ya que establecieron una especie de amistad profesional con la mencionada estrella del trip-hop. Aparte, el encuentro también ayudó a que ambos alumbraran un principio de colaboración en el sello discográfico creado por Tricky y el veterano Chris Blackwell (Brownpunk).

Con Leche, la electrónica mezclada con insinuaciones de r&b y de soul hispano juega de manera cómplice con los acordes seductores, además de adentrarse en el futurismo de invenciones fantásticas. Toda una aventura de inquietantes sonidos, que se convierten en aguerridas atmósferas de signo evocador.

Celeste Shaw ayuda con su particular voz a dotar de profundidad las melodías compuestas por Leche

Celeste Shaw (en la imagen) ayuda con su particular voz a dotar de profundidad las melodías compuestas por Leche

 

Bajo la piel, tema interpretado por Leche, con la voz de Celeste Shaw. LecheOfficialChannel

Más información en

http://www.leche.bandcamp.com

 

 

Basquiat acude al Museo Guggenheim con un centenar de sus obras.

La exposición recoge incluso la relación del pintor con el jazz.

Jean-Michel Basquiat fue uno de los artistas más relevantes de su generación/ Photo Credits: Lee Jaffe

Jean-Michel Basquiat fue uno de los artistas más relevantes de su generación/ Photo Credits: Lee Jaffe

Llevar Nueva York en los genes significa crecer con los sueños peleados contra los cielos rasgados por el cemento y las cristaleras.

Los naturales de la metrópoli que nunca duerme suelen experimentar dicotomías diversas, normalmente asentadas sobre filosofías extraviadas de la razón. Sensaciones que provocan ansiedad e inestabilidad emocional, vértigo vital y pesadillas encadenadas al espíritu.

Jean-Michel Basquiat (1960-1984) sabía muy bien qué se experimentaba cuando los cables de la tensión hunden sus raíces en el ánima, y las meditaciones aceleradas asaltan el ring de los combates a muerte con la historia y el arte.

Los autorretratos de Jean-Michel Basquiat tienen un componente ancestral/ Photo Credits: Autorretrato, 1984, Yoav Harlap Collection, Estate of Jean-Michel Basquiat Licensed by Artestar, Nueva York

Los autorretratos de Jean-Michel Basquiat tienen un componente ancestral/ Photo Credits: Autorretrato, 1984, Yoav Harlap Collection, Estate of Jean-Michel Basquiat Licensed by Artestar, Nueva York

Probablemente, el que fuera amigo de Andy Warhol y Keith Haring nunca pretendiera almacenar sus visiones de asfalto y ratoneras dentro de las dimensiones ordenadas de las salas museísticas. Pero el mercado no tuvo más remedio que premiar el talento rebelde y callejero de este combatiente de lo políticamente correcto: un grafitero inmenso, amamantado por la nocturnidad y el compromiso.

El hijo de inmigrantes alumbrado en Brooklyn lleva portando el estandarte de genio contemporáneo de la plástica desde antes de su prematura muerte, a los veintisiete años. Categoría a la que accedió por la simbología enriquecedora de sus dibujos y collages, y por la fuerza ilustrativa de sus trabajos gozosos en el mestizaje de estilos.

Un currículo alimentado con el éxito que alcanza Bilbao a través de cerca de 100 de sus obras, que conjuntan la exposición Basquiat. Ahora es el momento: la cual se celebra en el Museo Guggenheim del mencionado enclave norteño, hasta el próximo 1 de noviembre.

Jean-Michel Basquiat encadenó su visión artística al pulso activo de Nueva York/ Photo Credis: Número 4, Foto de Jason Wyche, Colección de Andre Sakhai

Jean-Michel Basquiat encadenó su visión artística al pulso activo de Nueva York/ Photo Credis: Número 4, Foto de Jason Wyche, Colección de Andre Sakhai

BASQUIAT Y SUS MITOS

Orquestada en colaboración con la Art Gallery de Ontario (Canadá), la muestra recorre el rompecabezas de aerosoles y colores de tenebrismo impostado con el que el joven Jean-Michel asombró a los popes de la estela neoyorquina durante los ochenta.

En esa década, el arte rendía pleitesía a las aportaciones cargadas con espontaneidad y a los discursos capaces de huir del tradicionalismo. Los dos lustros en los que imperaron las lacas y las hombreras, las galerías caían rendidas a la dictadura del Pop Art, con los sofocos libertarios de Andy Warhol y su Factory. Sin embargo, Basquiat no pretendía sublimar el hedonismo sin más, sino concienciar e innovar con sus materiales reciclados y sus personajes surgidos de abismales aquelarres interiores.

Jean-Michel Basquiat solía representar su figura subida a un ring de boxeo/ Photo Credits: "El ring", Acquavella Galleries

Jean-Michel Basquiat solía representar su figura subida a un ring de boxeo/ Photo Credits: “El ring”, Acquavella Galleries

Buscador incesante de la prehistoria casi cavernaria de los pigmentos, JMB comenzó su carrera maquillando la urbe de los rascacielos, con murales de sentido conceptual y alegórico, al lado de su colega Al Díaz. En ese tiempo, el aún desconocido pintor solía firmar sus escenas como SAMO. Y tales pintadas -inspiradas en muchas ocasiones en los cómics que leyó a lo largo de su infancia y adolescencia- consiguieron convertirse en la puerta por la que el soñador rebelde entró en el circuito artístico.

1980 fue una fecha clave en la proyección del falso grafitero, ya que en esa jornada el hijo de Gérard y Matilde inauguró su primera exposición, en la 41st Street and Seven Avenue, en Time Square. Una cita a la que asistieron numerosos críticos y compañeros de profesión, que alabaron las propuestas del entonces veinteañero.

Las pinturas y dibujos de Jean-Michel Basquiat elaboran un particular aquelarre de formas y discursos/ Photo Credits: Sin título, Museum Bojimans van Beuningen, Róterdam, Foto de Studio Tromp, en Róterdam

Las pinturas y dibujos de Jean-Michel Basquiat elaboran un particular aquelarre de formas y discursos/ Photo Credits: Sin título, Museum Bojimans van Beuningen, Róterdam, Foto de Studio Tromp, en Róterdam

Comprometido desde sus inicios con la reivindicación racial y con la lucha de los derechos civiles, Basquiat acomodó su producción en un resbaladizo terreno compuesto por dureza y ternura, sensibilidad y enérgicas agresiones al sistema social de USA. Un paisaje de continuas y potentes paradojas, en el que cabían tanto las consignas guerrilleras como las evocaciones poéticas de las músicas envolventes. En este apartado, gozó de especial protagonismo el jazz de inolvidables intérpretes como Charlie Parker y Miles Davis: gestas de notas aparentemente improvisadas, que el pintor intentó trasladar a sus lienzos.

El breve tiempo en la Tierra de Jean-Michel no le impidió vivir sus días con la pasión caníbal de los que se nutren únicamente de imágenes robadas a la oscuridad, y eso queda reflejado en la exhibición del Museo Guggenheim.

Aunque, pese al centenar de piezas reunidas, el autorretrato real del maestro de las fugas urbanas siga quedando a contraluz. Una característica que el simbolista nacido en Brooklyn siempre procuró preservar.

Jean-Michel Basquiat hizo de las reivindicaciones sociales un leitmotiv de su trabajo/ Photo Credits: "La ironía de un policía negro"

Jean-Michel Basquiat hizo de las reivindicaciones sociales un estímulo para su trabajo/ Photo Credits: “La ironía de un policía negro”

Más información, entradas y horarios en

http://www.basquiat.guggenheim-bilbao.es/exposicion/

 

Charlize Theron encabeza el elenco de Dark Places.

El filme narra, en clave de thriller, un crimen múltiple ocurrido en el pasado.

Charlize Theron encarna a una mujer congelada por el recuerdo del asesinato de su familia

Charlize Theron encarna a una mujer congelada emocionalmente por el recuerdo del asesinato de su familia

Gillian Flynn entró de manera fulminante en el terreno de la literatura hace apenas unos años, con el pelotazo editorial que supuso Perdida.

La escritora estadounidense se dedicaba antes a redactar artículos en un medio de comunicación sobre información televisiva. Aunque sus antecedentes profesionales no explicaban la capacidad innata de esta treintañera para crear atmósferas inquietantes, personajes con múltiples capas y tramas con más giros que las carreteras del Principado de Mónaco.

Perdida fue carne de adaptación cinematográfica en 2014, de la mano del perfeccionista David Fincher; y la cosa fue bastante bien, con unos beneficios en taquilla más que destacables y varias nominaciones a los premios Oscar.

Después de una experiencia tan lucrativa, apostar por el triunfo en las salas de una nueva novela de Flynn era casi como participar en una tómbola con los números trucados . Por eso, los productores lo dudaron poco al acometer el rodaje de Dark Places. Y eso que esta obra -anterior a Perdida– no tiene muchos puntos en común con el argumento protagonizado por Ben Affleck.

Charlize Theron trabaja en el filme a las órdenes de Gilles Paquet-Brenner

Charlize Theron trabaja en el filme a las órdenes de Gilles Paquet-Brenner

El director Gilles Paquet-Brenner (La llave de Sarah) es el máximo responsable de esta traslación a imágenes en movimiento de la obra de Gillian, una película que se enfrenta a su próximo estreno en USA, programado para el 7 de agosto por A24.

CHARLIZE THERON, EN BUSCA DEL ASESINO

La espectacular Charlize Theron es la estrella de la movie, que sigue los traumas vivenciales de una mujer tras presenciar la muerte de su madre y sus hermanas, cuando era tan solo una niña de siete primaveras. En ese momento, la superviviente de la citada masacre acusó a su propio hermano de los asesinatos. Sin embargo, cinco lustros después, la víctima ya no está tan segura.

El estreno mundial de "Dark Places" fue en Asia

El estreno mundial de “Dark Places” fue en Asia

Los suelos resbaladizos en los que se asienta la memoria acuden a la realidad de Libby Day (Charlize Theron) conjuntados con la acción de un grupo de investigadores independientes llamado The Kill Club; los cuales desean demostrar la inocencia del pariente de la dama.

Los paisajes de Arkansas, empastados por la naturaleza desoladora, encuadran un guion que juega en todo momento a las revelaciones imprevistas, clavadas en el libreto como marcas profundas de la evolución dramática.

Charlize Theron exhibe sus virtudes para los papeles rotos por pasados amargos y oscuros, a través de un trabajo intenso para el que se preparó a conciencia. Aunque en su misión estuvo secundada por un elenco eficaz y poliédrico: cuadro escénico que componen –entre otros- la joven Sterling Jerins (Guerra Mundial Z), Nicholas Hoult (Mad Max: Furia en la carretera), Chloë Grace Moretz (Carrie) y Christina Hendricks (Mad Men).

Charlize Theron aporta verosimilitud al personaje creado por Gillian Flynn

Charlize Theron aporta verosimilitud al personaje creado por Gillian Flynn

Muy diferente a Perdida, Dark Places (que en España, en su formato impreso, llevó el título de La llamada del Kill Club) centra su interés en un acontecimiento trágico, desencadenado por un asesinato cruel y devastador. Pero, en esencia, la categoría humana de los modelos que aparecen en ambas novelas casi parte de un mismo ADN, como si las razones para acogerse a la maldad depredadora y a los comportamientos sociópatas y psicopáticos no formaran un ramillete de causas verdaderamente extenso.

"Dark Places" salió antes en el mercado editorial que "Perdida"

“Dark Places” salió antes en el mercado editorial que “Perdida”

Tráiler oficial de “Dark Places“. A24 films

Más información en

http://www.imdb.com