Han tenido que pasar cerca de noventa años para que Valancy Stirling expresara sus deseos en el idioma de Lope de Vega. El castillo azul, obra de Lucy Maud Motgomery, aparece por primera vez traducido a la lengua de Cervantes, de la mano de la editorial dÉpoca.

Valancy Stirling fue la más popular de las novelas para adultos de la autora de "Ana de las Tejas Verdes"

Valancy Stirling fue la más popular de las novelas para adultos de la autora de “Ana de las Tejas Verdes”

Para Valancy Stirling, el paraíso no tenía nada que ver con las comodidades de los salones cortesanos, ni con las habitaciones tapizadas con el raso de las sociedades criticonas. Para ella, el lugar ideal donde pasar su existencia gozaba de las voces chirriantes de las maderas hogareñas, y contaba con las luces madrugadoras de las islas del exilio.

Tal mujer, de frágil apariencia y destino solitario, fue la heroína sobre cuyas espaldas Lucy Maud Montgomery cargó la trama de una de sus novelas adultas más laureadas. Un texto entintado en las penurias de las casualidades existenciales y las aventuras impetuosas, que llevó por título El castillo azul.

Publicado originalmente en 1926, el libro alcanzó pronto una popularidad más que notable, lo que animó a Hank Stinson a idear una versión musical del mismo. Todo un hito de la literatura canadiense que, no obstante, ha permanecido ausente de traducciones a la lengua de Cervantes. Error que la editorial dÉpoca ha subsanado con la presentación de Valancy Stirling o El castillo azul: avalado con la interpretación idiomática de Rosa Sahuquillo y Susanna González, y enriquecido con las ilustraciones de Almudena Cardeñoso.

Valancy Stirling gozó incluso de una versión musical en Canadá

Valancy Stirling gozó incluso de una versión musical en Canadá

VALANCY STIRLING Y EL FOLLETÍN

Ambientada en los años veinte del siglo pasado, la historia ideada por la autora de Ana de las Tejas Verdes desarrolla su curso escénico en la imaginada ciudad de Deerwood (situada en Muskoka, región ubicada en Ontario).  Allí, entre penurias rutinarias y tragedias de corredor, vive la amargada Valancy Stirling. La joven ha alcanzado la edad de veintinueve años, y ya no alberga la más mínima esperanza de contraer matrimonio para escapar de su cárcel.

Entristecida y resignada, la protagonista somete su voluntad a los dictados de una madre tiránica y de una familia que anula su personalidad y anhelos. Y esta pesadilla continúa hasta que el doctor diagnostica a la muchacha una enfermedad crónica de corazón.

Valancy Stirling describía la opresión femenina en la Canadá de los años veinte

Valancy Stirling describe la opresión femenina en la Canadá de los años veinte

Con el anuncio de su próxima muerte, VS decide dar un giro a su existencia; y acepta un trabajo como ama de llaves, al lado de una antigua amiga: Cissy Gay. Casi sin pensarlo dos veces, la solterona parte a su nuevo destino, donde descubre los padecimientos de su compañera: quien tuvo que cargar con una hija sin haberse casado.

Un día, mientras conversa con Cissy, Valancy conoce al atractivo y misterioso Barney Snaith. Este hombre resulta fundamental en el devenir de los acontecimientos; ya que, cuando fallece la atormentada CG, la Srta. Stirling pide al citado caballero que la lleve ante el altar, en vistas de lo poco que le queda para marchar al Más Allá.

Lucy Maud Montogomery dio armazón de heroína a Valancy Stirling

Lucy Maud Montogomery dio armazón de heroína a Valancy Stirling

Con ese arriesgado movimiento, la enfermiza solterona se convierte en la Sra. Snaith. Pero los finales felices se hacen esperar, pese a que se produzcan treguas deformadoras. Tras un periodo de dicha compartida en la isla en la que reside el matrimonio por compasión, una revelación secreta por parte del padre de Barney hace que VS abandone a su cónyuge, y que regrese con su madre. Sin embargo, el amor había madurado en el interior de Mr. Snaith; y este no va a permitir que su querida Valancy malgaste sus días con una familia que la desprecia.

El estilo directo y fluido de Montgomery adquiere en El castillo azul unas tonalidades cercanas a las proyecciones de los maestros del melodrama de época y el folletín de altura, tales como Alejandro Dumas y Anthony Trollope. Extensiones apasionadas que la escritora nacida en la Isla del Príncipe Eduardo disfraza con ribetes costumbristas, cercanos a las asunciones sensibles de Elizabeth Gaskell y George Eliot.

Valancy Stirling comparte algunos elementos con la vitalista y legendaria Ana de Avonlea

Valancy Stirling comparte algunos elementos con la vitalista y legendaria Ana de Avonlea

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http://www.depoca.es

 

Alicia Vikander luce los amplios vestidos del siglo XVII, para vivir en primera persona la Tulipomanía. La protagonista de Son of a Gun es la heroína de Tulip Fever, largometraje que graba durante estos meses el inglés Justin Chadwick.

Alicia Vikander interpreta a la bella y valiente Sophie

Alicia Vikander interpreta a la bella y valiente Sophie

La Historia es como un tremendo círculo de puntos equidistantes si se contemplan en línea recta, y coincidentes cuando se juntan: una extensión donde no existe ni principio ni final. En esa forma redonda compuesta por espacio y tiempo, los seres humanos sufren una especie de déjà-vu continuo, sin importar las centurias ni las naciones.

Tales fenómenos cíclicos se dejan entrever, por ejemplo, en la sucesión de las crisis económicas que han asolado el planeta. Si se toma una plantilla de consecuencias y similitudes, ¿quién puede negar que hay un parecido razonable entre la burbuja inmobiliaria española de este tercer milenio y la que padecieron Los Países Bajos con el especulativo mercado de tulipanes en el XVII?

Semejantes razonamientos dan para pensar en el eterno retorno, y en que el hombre es el único animal que tropieza un sinfín de veces con la misma piedra. Aunque, lejos de semejantes ideas, la escritora Deborah Moggach centró su visita a la mencionada Tulipomanía sin el cerebro regurgitando planteamientos más profundos que los de presentar una relación de amor prohibido, ambientada en la Holanda de los bulbos gravados con precios exorbitantes.

El estadounidense Dane DeHaan da vida al pintor Jan van Loos

El estadounidense Dane DeHaan da vida al pintor Jan van Loos

Tras los estudios pertinentes respecto al Siglo de Oro en Flandes, nació la novela Tulip Fever, que ahora ve su traslación al cine de la mano del director británico Justin Chadwick (Las hermanas Bolena), con Tom Stoppard (Shakespeare in Love) como máximo responsable del guion.

ALICIA VIKANDER, MUSA DE PINTORES

Las mansiones de Inglaterra han disfrazado su abolengo imperial para pasar ante las cámaras del responsable de Mandela: del mito al hombre como edificaciones situadas en el núcleo neerlandés de los grandes maestros barrocos; la tierra donde Rubens, Rembrandt, Van Dyck, Van Eyck y Vermeer sembraron con sus pinceles la semilla de las luces huidizas, de los cielos impetuosos y de las miradas rotundas.

"Tulip Fever" es el primer libro de corte histórico que ha escrito Deborah Moggach

“Tulip Fever” es el primer libro de corte histórico que ha escrito Deborah Moggach

En ese contexto de laberintos oleosos, comienza el argumento de Tulip Fever, cuyo arranque tiene lugar dentro de la aparatosa morada del comerciante llamado Cornelis Sandvoort (Christoph Waltz). Este hombre había hecho una cuantiosa fortuna con la elaboración de vistosos y codiciados tulipanes, por lo que contrata a un joven artista para que diseñe el retrato de su admirada esposa, Sophie (Alicia Vikander).

El citado creador plástico, Jan van Loos (Dane DeHaan), se toma el encargo con una pasión desmedida. Y tan esforzado es su trabajo con su vistosa modelo, que -poco a poco- ambos se enamoran.

Sin posibilidades para vivir abiertamente su relación prohibida, la pareja piensa en una alternativa para disfrutar de sus sentimientos desbocados. Así surge su obsesión mutua por fabricar un tulipán único, con el que poder subsistir en una Europa cambiante y confusa.

Christoph Waltz se mete en la piel del marido del personaje de Alicia Vikander

Christoph Waltz se mete en la piel del marido del personaje de Alicia Vikander

La actriz sueca Alicia Vikander (Exmachina) es la encargada de liderar el cuadro escénico, en la piel de la valiente dama que es capaz de arruinar su matrimonio por el individuo que roba sus sentimientos, enmarcados en un tiempo en que el adulterio se penaba incluso con la prisión. A su lado, el norteamericano Dane DeHaan (The Amazing Siperman 2) encarna al impulsivo maestro de la paleta, cuyo nombre recuerda vagamente al de Jacob van Loo.

Un dueto de intérpretes que aún no ha llegado a la treinta, y que está secundado por estrellas más veteranas, como Christoph Waltz, Judi Dench Zach Galifianakis (quien debuta en un filme de época). Aparte de otros componentes más jóvenes, del tipo de Jack O’Connel, Holliday Granger y la modelo londinense Cara Delevingne, entre otros.

Una de las cosas más llamativas del reparto es la presencia del cómico Zach Galifianakis

Una de las apariciones más llamativas del reparto es la presencia del cómico Zach Galifianakis

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Tim Robbins es una de las atracciones de la XV edición de Clásicos en Alcalá de Henares y del Festival de Teatro Clásico de Almagro. El conocido actor estadounidense acude a las mencionadas citas como director de A Midsummer Night’s Dream.

Tim Robbins acude a España con la compañía The Actor's Gang/ Photo Credits: The Actor's Gang

Tim Robbins viaja a España con la compañía The Actor’s Gang/ Photo Credits: The Actor’s Gang

En las extensiones enhebradas con verde boscoso, el travieso Puck se despacha a gusto con los incautos humanos, siempre contemplado en la distancia por los regios Oberón y Titania.

William Shakespeare escribió El sueño de una noche de verano en 1595, con motivo del enlace matrimonial de Thomas Berkeley y Elizabeth Carey. Tal excusa -de festividad conmemorativa- inundó cada uno de los actos del texto con una magia sin redes restrictivas, al tiempo que vistió sus frases juguetonas con las telas de la impetuosidad aventurera.

Ese surrealismo interminable y cautivador (que el bardo de Stratford-upon-Avon volvió a visitar a bordo de naves más telúricas, en La tempestad) es precisamente uno de los ingredientes activos que más cautivó a Tim Robbins, cuando leyó el libreto por primera vez.

Tim Robbins ha escogido "El sueño de una noche de verano" por la libertad que encierra el texto/ Photo Credits: The Actor's Gang

Tim Robbins ha escogido “El sueño de una noche de verano” por la libertad que encierra el texto/ Photo Credits: The Actor’s Gang

Armada con una profunda libertad creativa, A Midsummer Night’s Dream se convirtió en la mente del protagonista de Cadena perpetua en un reto constante, provocativo y rebelde. Una obsesión que Robbins finalmente ha transformado en un montaje teatral con toques de surrealismo rural: trabajo con el que la espigada estrella del celuloide pasea por tierras españolas, durante este largo y cálido verano.

TIM ROBBINS BUSCA SU HECHIZO PARTICULAR

Los próximos 27 y 28 de junio, el actor estadounidense estará presente en la XV edición de Clásicos en Alcalá, al frente de la mencionada pieza elaborada por Shakespeare. Para luego trasladarse a la localidad casi vecina de Almagro, con el fin de continuar con las representaciones, entre el 3 y el 6 de julio. Un peregrinaje de castillos en el aire y corralas pedregosas, donde las palabras del dramaturgo de Romeo y Julieta resonarán con sus alegorías circundantes y atmosféricas, elevadas a las alturas de los palcos por la música del compositor David Robbins (hermano de Tim) y de Mikala Schmiz.

Tim Robbins crea un espectáculo de ato contenido onírico y sonoro/ Photo Credits: The Actor's Gang

Tim Robbins crea un espectáculo de alto contenido onírico y sonoro/ Photo Credits: The Actor’s Gang

Esta es una de mis obras favoritas de Shakespeare porque hay muchas capas de verdad, mentira, sueño, realidad, magia y decepción. Una disputa marital pone patas arriba el universo y la confusión que se crea es peligrosa, llena de comportamientos extravagantes y tremendamente divertidos”, afirma el intérprete de Mystic River, quien ejerce el cargo de director en el montaje.

Sin necesidad de ponerse frente al público, TR entrega el protagonismo absoluto a los integrantes artísticos de la compañía The Actor’s Gang: grupo inaugurado en 1982, que se encarga de dar crédito a autores de cualquier tendencia y condición, además de llevar el gusto por la escena a colectivos poco favorecidos.

En ese contexto y con la ayuda de estrellas de la pantalla como Robbins, Jack Black, John Cusack, John C. Reilly, Helen Hunt y Jon Favreau ; The Actor’s Gang han sobrevivido profesionalmente. Y con sus apoyos han generado un sinfín de reacciones en el público y la crítica, que les han llevado hasta ofrecer su cromática visión sobre El sueño de una noche de verano. Una cuidada perspectiva que se encuentra a medio camino entre las adaptaciones cinematográficas de Ingmar Bergman, Woody Allen, Max Reinhardt y Michael Hoffman.

Tim Robbins destaca en su versión la parte dionisíaca del texto de Williama Shakespeare/ Photo Credits: The Actor's Gang

Tim Robbins destaca en su versión la parte dionisíaca del texto de William Shakespeare/ Photo Credits: The Actor’s Gang

La expareja de Susan Sarandon apuesta por una versión voluntariamente fiel del original, aunque esto no quita para que el oscarizado cineasta introduzca muchos elementos de su propia cosecha. Incorporaciones con el sello de los autores analíticos, que no desentonan en el desarrollo natural de una pieza dibujada con las líneas de las fantasías contagiosas.

The Actor's Gang es una compañía cuyo mayor interés es la difusión del arte escénico, con especial atención a los colectivos marginales

The Actor’s Gang es una compañía cuyo mayor interés es la difusión del arte escénico, con especial atención a los colectivos marginados por la sociedad

Más información, entradas y horarios en

http://www.clasicosenalcala.net

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Valérie Belin es objeto de una extensa retrospectiva sobre sus trabajos fotográficos, en el Centro Georges Pompidou. La exposición, inaugurada ayer, estará abierta hasta el 14 de septiembre.

Valérie Belin incluye en la muestra su última serie de modelos/ Photo Credits: Isthar, de Valérie Belin

Valérie Belin incluye en la muestra su última serie de modelos/ Photo Credits: Isthar, de Valérie Belin

En el tránsito de un estado humano a otro suele haber una atracción compuesta por sensaciones contrarias, como si de dos extremos se tratara. Durante esos momentos de brevedad invisible, una figurada cuerda de acróbata arriesgado hace su aparición, suspendida en el tiempo y el espacio.

Ahí es donde la fotógrafa francesa Valérie Belin (Boulogne-Billancourt, 1964) sitúa su ojo de experta captadora de gestualidades cristalinas, con el que elabora escenas minimalistas de emociones cercanas a la vida y la muerte.

Terrenales, hiperrealistas, evocadoras, conceptuales, alquímicas… tales adjetivos son asumibles por las secuencias silenciosas que jalonan la carrera de esta mujer con estilete digitalizado. Una dama de bártulos artificiales que ocupa -hasta el 14 de septiembre– la cuarta planta del parisino Centro Geroges Pompidou, en la exposición Les images intranquilles.

Valérie Belin elabora sus imágenes con componentes altamente reactivos/ Photo Credits: Ananké, Valérie Belin

Valérie Belin elabora sus imágenes con componentes altamente reactivos/ Photo Credits: Ananké, Valérie Belin

VALÉRIE BELIN MONTA SU PASARELA

En 1973, el cineasta español Luis García Berlanga mostró en el filme Tamaño natural lo que la belleza fría y distante de un maniquí era capaz de provocar. Celos, amor, odio, perversiones… el arco de reacciones descrito por el director valenciano era amplio y variado; algo que Belin intenta emular a su modo, a través de la cámara y los negativos pasados por el laboratorio de las manipulaciones diversas e intencionadas.

Valérie Belin suele trabajar a partir de la alquimia entre la luz y la naturaleza/ Photo Credits: Aura, de Valérie Belin

Valérie Belin suele trabajar a partir de la alquimia entre la luz y la naturaleza/ Photo Credits: Aura, de Valérie Belin

Desde 1984, cuando la artista realizó sus impresiones inaugurales, VB ha identificado su trabajo con una filosofía marcada por la objetividad, sin intermediarios mecánicos ausentes de control. Por medio de primeros planos, la otrora seguidora del minimalismo americano -además de un particular conceptualismo mediático- ha levantado un paisaje de blancos y negros dotado de extravagancias románticas, emulsionadas por la contraposición entre las luces psicológicas y las naturalezas de bodegones barrocos.

Los maniquíes de Belin lanzan sus consignas con la hierática pose de las diosas imaginadas a partir de las mitologías contemporáneas, siempre hundidas en atmósferas congeladas en el espacio, al igual que las heroínas de muchas de las novelas de la literatura decimonónica.

El experto Clément Chéroux ha escogido un excelente conjunto de piezas manufacturadas por la mente de forense visual que acredita Valérie; y con ellas propone un laberinto de insinuaciones respecto a la futilidad de la fama, las vanidades vacías de contenido, la antigüedad ancestral de los pueblos africanos, o los discursos ocultos en los pliegues de los vestidos y las chapas de los automóviles.

Las modelos de Valérie Belin expresan frialdad mezclada con atracción/ Photo Credits: Electra, de Valérie Belin

Las modelos de Valérie Belin expresan frialdad mezclada con atracción/ Photo Credits: Electra, de Valérie Belin

Freud y sus teorías sobre el subconsciente colectivo también parecen contagiar fuertemente la animosidad de los personajes inventados por la compatriota de Victor Hugo; apoyos explicativos en base a los dogmas intelectuales, que alcanzan categoría suprema en Models (el proyecto  más reciente ideado por Belin).

Desde la primera serie de modelos retratada por la creadora en 2001, hasta la actual de 2015; es posible atisbar un cambio de iconografía, una bifurcación en las intenciones y el mensaje. Mientras en el pasado, los rostros parecían responder a los rigores estéticos de una soledad inmanente y desnuda; las mujeres presentes arropan sus poses futuristas con las nebulosas de los añadidos informatizados. Evolución que Valérie Belin tiende a atar a los vaivenes de la sociedad de esta década: confusa y dependiente de los espectáculos tecnológicos.

Valérie Belin comenzó a hacer fotografías en 1984/ Photo Credits: Junita, de Valérie Belin

Valérie Belin comenzó a hacer fotografías en 1984/ Photo Credits: Junita, de Valérie Belin

Más información, horarios y entradas en

http://www.centrepompidou.fr

Florence + the Machine consiguen revelarse como una de las bandas británicas del momento, tras la edición del tercer disco en su carrera: How Big, How Blue, How Beautiful (Island Records).

Florence + the Machine han convertido el álbum en una experiencia más vital respecto a los dos trabajos anteriores

Florence + the Machine han convertido el álbum en una experiencia más vital, respecto a los dos trabajos anteriores

Por su melena tendida al viento y su holgada vestimenta, a nadie le extrañaría que Florence Welch fuera una de las musas del folk tecnológico propio del tercer milenio. Pero las apariencias engañan.

La voz de esta inglesa, nacida durante la cosecha de 1986, ruge mucho más entonada cuando sus compañeras de viaje son notas sustraídas del rock profundo y del soul de aspiraciones legendarias.

Con solo tres discos en el mercado, Florence+ the Machine exhiben un punto de inspiración admirablemente vitalista y poético en How Big, How Blue, How Beatiful (Island Records): la más reciente obra de su aún breve repertorio, que presentarán en directo este verano por festivales como el de Glastonbury (el 26 de junio), el FIB valenciano (el 16 de julio) y el Sziget húngaro (el 11 de agosto).

Florence + the Machine iniciaron su senda profesional con "Lungs"

Florence + the Machine iniciaron su senda profesional con “Lungs”

FLORENCE + THE MACHINE SE ATREVEN CON EL ESTILO DE BJÖRK

Después del brillante álbum Ceremonials (2011), los aficionados estaban preocupados por saber qué camino iba a tomar el sexteto londinense. La perfección sonora en la que se habían embarcado desde su ópera prima, titulada Lungs (2009), cargó con un plus de riesgo y complicación asumida cada una de las futuras estaciones profesionales de la banda. Pero los miedos a la caída -en cuanto a presupuestos artísticos- se disiparon el pasado 5 de junio, cuando fue presentado en el mercado How Big, How Blue, How Beautiful.

Florence + the Machine pusieron el listón muy alto, tras el sobresaliente "Ceremonials"

Florence + the Machine pusieron el listón muy alto, tras el sobresaliente “Ceremonials”

Los once temas que conforman el compacto exhiben la calidad melódica de la garganta de Florence con unos tonos por encima de lo habitual, acoplada con suma comodidad entre los muelles de pentagrama esgrimidos por las teclas de Isabella Summers, las percusiones confesionales de Chris Hayden, las guitarras evocadoras de Roger Ackroyd y Mark Saunders, y el arpa de Tom Morgen.

Mucho más relacionado con las existencias terrenales de lo que mostró Ceremonials, el disco gana en transgresiones electrónicas, a través de los inteligentes arreglos llevados a cabo por el productor Markus Dravs; quien fue tentado por Welch con el fin de acercar los resultados de la obra a los obtenidos por los paisajes sinfónicos de Homogenic, de Björk.

Florence + the Machine basan su fórmula en una mezcla activa entre el soul, el folk y el rock

Florence + the Machine basan su fórmula en una mezcla activa entre soul, folk y rock

El veterano músico, junto al normalmente brillante Paul Epworth, son los encargados de extender la alfombra roja por la que Florence + the Machine elevan sus versos trovadorescos y mitificadores, observados desde el atrio de las colaboraciones estelares por Will Gregory (miembro de Goldfrapp).

Dentro de los surcos de How Big, How Blue, How Beautiful es posible encontrar poemas tan soberbios como el esculpido por las estrofas de What Kind of Man; declaraciones de ámbito utópico, como Queen of Peace; monólogos de heroísmos épicos, como Delilah; armaduras familiares, como Mother; y variaciones espirituales en busca de literaturas salvadoras, como St. Jude.

Florence Welch es la voz solista del grupo

Florence Welch es la voz solista del grupo

Florence Welch y sus muchachos firman con este cancionero uno de los trabajos mejor orquestados por los nuevos grupos que transitan la esfera de las ondas. Ellos no parecen confundidos por el poder de la mercadotecnia, y hunden sus raíces autorales en los bosques inmensos de las experiencias compartidas: híbridas, si se prefiere.

Unos alicientes que, independientemente de los beneficios dinerarios que obtengan, estimulan el ansia para seguir creyendo en la música del futuro, o en el futuro de la música.

Florence + the Machine siempre utilizan una estética que rememora a tiempos pasados

Florence + the Machine siempre utilizan una estética que rememora a tiempos pasados

Vídeo oficial de “Ship To Wreck“, por FlorenceMachineVevo

Más información  en

http://www.florenceandthemachine.net

Christopher Lee imaginó el habla del Supremo Hacedor en su último trabajo para el cine. Interpretación que el protagonista de El sabueso de los Baskerville efectuó para el filme, pendiente aún de estreno, Angels in Notting Hill.

Christopher Lee encarna una presencia atmosférica y envolvente/ Photo Credits: continentfilm

Christopher Lee encarna una presencia atmosférica y envolvente en “Angels in Notting Hill”/ Photo Credits: continentfilm

El pasado 7 de junio, las alimañas de Los Cárpatos entonaron cantos fúnebres por el fallecimiento del inolvidable Drácula de la Hammer. A los noventa y tres años de edad, Sir Christopher Frank Carandini Lee (Belgravia, Londres, 1922- Chelsea, Londres, 2015) murió en su casa capitalina, acompañado de un sinfín de personajes icónicos del terror cinematográfico. Una galería de tipos entre los que –junto al vampiro rumano ideado por Bram Stoker– lucían galones de gritos peleones Fu-Manchú y La Momia.

Dotado de una energía sobrehumana, el compañero más leal de Peter Cushing no paró de ponerse delante de las cámaras hasta casi el momento de su viaje hacia la eternidad. Así se explica el vasto currículo que ilustra su envidiable carrera en los escenarios, del cual el último título corresponde al filme Angels in Notting Hill.

Christopher Lee se mostró interesado por la propuesta de Michael Pakleppa, pese a su precaria salud/ Photo Credits: continentfilm

Christopher Lee se mostró interesado por la propuesta de Michael Pakleppa, pese a su precaria salud/ Photo Credits: continentfilm

Con un presupuesto bastante modesto y alforjas de producción menor, la mencionada película del director germano Michael Pakleppa ha adquirido notoriedad mediática por ser el último largometraje donde colaboró el genial Lee. Un cameo breve que el actor de La monja poseída efectuó con la fuerza de su distinguible dicción.

CHRISTOPHER LEE Y EL VERBO EXISTENCIAL

El guion de Angels in Notting Hill (escrito por el propio Pakleppa) sigue los pasos de un individuo solitario y sin suerte en la vida. Geoffrey (Ryan Mercier) no está en su mejor momento: el tipo acaba de perder a su novia en un accidente, y encima no consigue retomar el rumbo. Por este motivo, el Jefe o el Presidente del universo (Christopher Lee) envía a un ángel llamado Joy (Selma Brook), para que esta ayude al protagonista a subirse al carro de la esperanza. Sin embargo, Joy viene de pifiar su primer encargo, y no empieza con buenas vibraciones en esta nueva oportunidad.

Christopher Lee encarna a Dios en esta comedia con toques sobrenaturales rodada en Inglaterra/ Photo Credits: continentfilm

Christopher Lee encarna a Dios, en esta comedia con toques sobrenaturales rodada en Inglaterra/ Photo Credits: continentfilm

Más tendente a la comedia que al género del terror y a las obras enhebradas por el hilo de la fantasía, la movie muestra la faz más agradable de Sir Christopher: un actor capaz de extraer esquirlas de emoción con la simple lectura de su papel.

Aunque la apuesta por el humor no se traduce en que el largo huya enteramente de lo inexplicable, ya que -aparte del juego entre humanos y seres alados- el personaje de Geoffrey trabaja en una tienda de antigüedades y objetos raros, donde el Jefe Mr. Lee encaja a la perfección.

Después de más de cinco décadas en el Séptimo Arte, el conde Drácula más famoso de las pantallas (se le puede situar a la misma altura que la del mítico Bela Lugosi) enfiló su última etapa en los sets de rodaje a las órdenes de maestros contemporáneos del tipo de Martin Scorsese (La invención de Hugo), Bille August (Tren de noche a Lisboa), Tim Burton (Sombras tenebrosas), Peter Jackson (la trilogía de El señor de los anillos y El hobitt: La batalla de los cinco ejércitos) y George Lucas (El ataque de los clones y La venganza de los Sith).

La veterana Tina Gray encarna a Miss Maple/ Photo Credits: continentfilm

La veterana Tina Gray encarna a Miss Maple/ Photo Credits: continentfilm

No obstante, el gusto por su profesión llevó al londinense de 1,94 de estatura a tener palabras de descontento con alguno de los mencionados. Esto le sucedió con Peter Jackson, cuando Lee comprobó que -en la edición de montaje de El retorno del rey– su parte de Saruman quedó sumida a una aparición casi testimonial. Un mal demasiado extendido por cuestiones de comercialidad que Pakleppa ha procurado evitar, al otorgar a las palabras pronunciadas por el vecino del Támesis de la necesaria presencia argumental.

Así, pese a que se trate únicamente de su voz, los espectadores tienen la sensación de que el conde Drácula de la Hammer vuelve a entonar frases de profundidad sensible, aunque esta vez sea en una versión mucho más amable.

Christopher Lee transmitió toda la emoción contenida a través de sus frases pronunciadas desde el Más Allá/ Photo Credits: continentfilm

Christopher Lee transmitió todo un mundo de emociones en “Angels in Notting Hill”, a través de sus frases pronunciadas supuestamente desde el Más Allá/ Photo Credits: continentfilm

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Chuck Palahniuk edita la secuela de Fight Club en formato de cómic; a la vez que inventa una precuela, integrada en la recopilación de relatos cortos Make Something Up: Stories You Can’t Unread.

Chuck Palahniuk resucita a Tyler Durden con el ritmo acelerado de las novelas gráficas

Chuck Palahniuk resucita a Tyler Durden con el ritmo acelerado de las novelas gráficas

La sociedad inventada por Tyler Durden y el oscuro narrador con insomnio pronto cumplirá veinte años de existencia; y, desde entonces, la norma principal de esa organización clandestina (resumida en la frase “no hables nunca del club de la lucha”) ha sido vulnerada en numerosas ocasiones.

El tiempo transcurrido ha hecho que El Club de la Lucha se haya convertido en un texto de culto admirativo, necesario para una generación marcada por las direcciones confusas. Una brújula trucada a base de letras y diálogos absorbentes, que resume a la perfección el desencanto hacia una sociedad esclava del éxito a cualquier precio, y en la que los comportamientos individuales suelen quedar silenciados por los uniformes aburguesados.

Chuck Palahniuk retoma la historia original diez años después

Chuck Palahniuk retoma la historia original diez años después

Consignas reactivas que tuvieron en Tyler Durden al héroe correoso y luchador contra los pensamientos adocenados, un ser figurado al que la violencia callejera le hacía reinvindicar constantemente la vigencia de los soñadores antisistema, ligeramente en sintonía con la letra de la canción The Logical Song, de Supertramp.

Por lo menos, así era en el pasado; sin embargo, ¿cómo le habrá sentado el paso de los aniversarios a este hombre alimentado a través de puñetazos y rabia desatada?

La respuesta la da el autor de Asfixia en el cómic que acaba de lanzar al mercado, bajo el titulo de El Club de la Lucha 2 (Dark Horse). Cuaderno de viñetas coloreadas donde el literato estadounidense testa el ansia por escapar de los futuros grises; propuestos por el capital indolente, el poder establecido, las corporaciones multinacionales y las políticas de alienación colectiva.

Chuck Palahniuk ha editado "Fight Club 2" con el apoyo de Dark Horse

Chuck Palahniuk ha editado “Fight Club 2” con el apoyo de Dark Horse

CHUCK PALAHNIUK HUYE DE LAS MÁSCARAS

Encuadrada dos lustros después de los acontecimientos relatados en El Club de la Lucha, la trama de esta esperada secuela retoma el papel del taimado joven con insomnio, que encarnó Edward Norton en el homónimo filme dirigido en 1999 por David Fincher. En el momento de arrancar, el lector se encuentra al protagonista encerrado en una existencia que no le agrada lo más mínimo. Un hijo, una esposa y un montón de pastillas son el día a día de este man con naturaleza para el anonimato.

Chuck Palahniuk ha contado con la colaboración de Cameron Stewart, Dave Stewart y David Mack

Chuck Palahniuk ha contado con la colaboración de Cameron Stewart, Dave Stewart y David Mack

Pero dentro de él crece con fuerza la faz delincuente y destructiva de Tyler Durden, hasta que el otrora fundador del club de la lucha regresa al cien por cien, con el fin de recuperar el terreno perdido y dar a Marla Singer y a su colega Sebastian una verdadera razón para tomar las calles de sentido único.

Con la colaboración de Cameron Stewart, Dave Stewart y David Mack, Palahniuk riega las esencias de su obra más celebrada, y lo hace con la pistola de tambor atronador que porta Tyler. Son las acciones del citado e inolvidable personaje las que entretejen la acción de este cómic con espíritu de novela.

En el cómic, el protagonista lleva una vida anodina, con esposa e hijo

En el cómic, el protagonista lleva una vida anodina, con esposa e hijo

CHUCK PALAHNIUK RECURRE A DURDEN POR PARTIDA DOBLE

Dotado de una imaginación desbordante, Chuck no está solo de actualidad por Fight Club 2, sino que el writer nacido en Washington también es noticia por la aparición de Make Something Up: Stories You Can’t Unread (Inventa algo: Historias que no puedes dejar de leer).

Esta colección, compuesta por 21 relatos y una novela, contiene el texto titulado Excursión; en el que el protagonista es un Tyler Durden anterior a lo contado en El Club de la Lucha.

Chuck Palahniuk recupera el pulso desplegado en la primera novela de 1996

Chuck Palahniuk recupera el pulso desplegado en la primera novela de 1996

Toda una oportunidad para llevarse más de una sorpresa con respecto al individuo invisible al que regaló su físico Brad Pitt; y cuyas aventuras están acompañadas de un paisaje literario en el que también hay espacio para estudiantes expuestos a los métodos más salvajes de control con drogas y electroshocks (Zombies), despedidas al borde del colapso entre un hijo y su padre moribundo (Knock, Knock) y masajistas asesinas (Tunnel of Love).

Los seguidores de este enfant terrible, cercano en planteamientos a Bret Easton Ellis, están de enhorabuena; porque Chuck Palahniuk ha vuelto dispuesto a revitalizar las palizas urbanas de un pretérito nunca pasado de moda. Tarea para la que cuenta con la ayuda imprescindible del explosivo Tyler

En la trama también tiene un peso específico la singular Marla Singer

En la trama de “Fight Club 2” también tiene un peso específico la singular Marla Singer

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http://www.chuckpalahniuk.net

 

Napoleón espoleó la fantasía de los caricaturistas del Reino Unido, durante los lustros en los que conquistó Europa. Un tiempo de láminas humorísticas que recuerda el British Museum londinense hasta el próximo 16 de agosto, en la exposición Bonaparte and the British.

Napoleón fue objeto de tiras cómicas desde su periodo del consulado/ Photo Credits: James Gillray, "The plumb-puding in danger -or- stake epicures taking un petit souper", 1805

Napoleón fue objeto de tiras cómicas desde el consulado/ Photo Credits: James Gillray, “The plumb-puding in danger -or- stake epicures taking un petit souper”, 1805

El barro de Waterloo estaba cubierto de sangre hace doscientos años. El 22 de junio se cumplirán dos siglos de la batalla con la que se dio por concluido el llamado imperio de los Cien Días, breve periodo con el que Napoleón Bonaparte intentó recuperar el poder continental, perdido en 1814.

Ríos de tinta se imprimieron en esa década de luchas constantes, sobre los pasos del otrora joven cónsul del país revolucionario con la enseña tricolor. Páginas surcadas de ironías palpitantes, sátiras inteligentes y humor poliédrico, que ahora ocupan la sala 90 del British Museum, en la exposición titulada Bonaparte and the British: Prints and Propaganda in the Age of Napoleon.

Napoleón fue objeto de numerosas láminas en las que se ridiculizaba su agitada vida amorosa/ Photo Credits: James Gillray, "The First Kiss this Ten Years!", 1803

Napoleón fue objeto de numerosas láminas en las que se ridiculizaba su agitada vida amorosa/ Photo Credits: James Gillray, “The First Kiss this Ten Years!”, 1803

NAPOLEÓN A LOS OJOS DE LOS CARICATURISTAS

Desde que William Hogarth (Londres, 1697- 1764) elevara los dibujos satíricos a la altura de las obras de arte nutridas por el exceso y la picaresca, el arte de los apuntes humorísticos desarrollado en Gran Bretaña siempre se ha caracterizado por un fino sentido de la ironía y la mordacidad. Y con esas líneas, los caricaturistas isleños crearon auténticas joyas de la provocación enemiga, en conflictos que bien podrían extenderse hasta la Segunda Guerra Mundial (muy conocidas son las viñetas alusivas a los tics más ridículos de Adolf Hitler).

Esa facilidad para hundir el escalpelo analítico en la realidad, centrado sobre todo en buscar y concretar con gracia los defectos de los personajes más relevantes del momento, tuvo especial reflejo en la visión orquestada por los herederos de Hogarth: hombres a caballo entre el XVIII y el XIX, que dotaron de imperfecciones la imagen del belicoso gobernante nacido en Ajaccio.

La exposición compara las visiones satíricas con las imágenes más heroicas de Napoleón/ Photo Credits: François Gérard, "Napoleón el Grande"

La exposición compara las visiones satíricas con las imágenes más heroicas de Napoleón/ Photo Credits: François Gérard, “Napoleón el Grande”

Entre las piezas rescatadas dentro de la amplia colección del British Museum destacan las escenas estratégicamente elaboradas por James Gillray, las estampas chirriantes de Thomas Rowlandson, las imágenes inspiradas de Richard Newton y los decorados surrealistas de George Cruikshank.

Bajo el diálogo planteado por artistas como los citados, y a modo de la página enorme y variada de un rotativo, el espacio destinado por la institución capitalina para Prints and Propaganda in the Age of Napoleon muestra la progresión del mandatario corso, desde que era un general ambicioso de los ejércitos revolucionarios, hasta su extraña y prematura muerte (contaba solo cincuenta y dos años) ocurrida en la isla de Santa Elena.

Un laberinto de insinuaciones magistrales y textos mareantes, en el que los contenidos pasan de la exaltación de un militar de atractivo evidente, a la representación de un tipo de baja estatura con un apego obsesivo hacia el poder y la dominación planetaria.

Entre los objetos seleccionados existe un molde de la máscara funeraria de Napoleón

Entre los objetos seleccionados existe un molde de la máscara funeraria de Napoleón

Semejante argumento queda ampliamente reflejado por los cartones y las láminas firmados por un conjunto heterogéneo de creadores, dentro del que sobresalen las visiones radicales de Charles James Fox, Richard Brinsley Sheridan y Lord Holland (conjunto que refleja el patriotismo militante de la época en GBR, contrario a los ideales revolucionarios del imperio napoleónico).

Pero la exposición no se queda simplemente en la propaganda vertida a través de la imaginación británica, sino que también recoge amplios ejemplos de las sátiras diseñadas en Francia, Prusia y España.

Bonaparte and the British permite acercarse a la Historia con la retina cargada de distensión guerrera. Aventura de naturaleza desmitificadora en la que corren a salto de liebre la Batalla del Nilo, la Paz de Amiens, Austerlitz, Elba, Waterloo, Santa Elena… Y cuyo telón se encarga de bajar una reproducción de la máscara funeraria del hombre que dio al mundo uno de los códigos jurídicos más brillantes de la era contemporánea.

Napoleón estuvo sometido a constantes chistes relativos a su escasa estatura, a pesar de que acreditaba 1, 68

Napoleón estuvo sometido a constantes chistes relativos a su escasa estatura, a pesar de que acreditaba 1, 68

Más información, entradas y horarios en

http://www.britishmuseum.org

 

Spandau Ballet traen a la Villa y Corte su espectáculo Soulboys of the Western World Live. El grupo iniciará su gira por España en el Barclaycard Center, el próximo 18 de junio.

Spandau Ballet son una de las formaciones legendarias del movimiento conocido como The New Romantics

Spandau Ballet son una de las formaciones legendarias del movimiento conocido como The New Romantics

Hubo un tiempo, no muy lejano, en que el quinteto liderado por Tony Hadley y los hermanos Kemp copaba lo más alto en las listas de éxitos musicales, a la vez que arrancaba suspiros de pasión entre las jovencitas ochenteras.

Los londinenses, abanderados del movimiento New Romantics, eran expertos en crear hits multitudinarios, casi siempre sujetos a una fórmula activa que hundía sus raíces en el pop amable de galanteos trascendentales y en el clasicismo casi orquestal.

Spandau Ballet adquirieron de esta manera una fama de culto adolescente, y consiguieron enlazar una carrera triunfalista con canciones tan recordadas como True, Gold, Through The Barricades, Heaven Is A Secret y Only When You Leave.

Pero los años pasan, y las modas suelen apergaminar la memoria con el polvo del olvido.

Spandau Ballet presentarán su último recopilatorio, en el que hay tres temas nuevos

Spandau Ballet presentarán su último recopilatorio, en el que hay tres temas nuevos

Ahora, el grupo vive de su gloria pretérita, animado por una pléyade de admiradores ya entrados de lleno en la etapa adulta. Aunque, según el currículo sonoro de la banda, tales nostalgias líricas son suficientes para volver a escuchar las baladas profundas de estos antiguos muchachos surgidos de la capital del Támesis.

Unas excusas más que honorables, que los cinco músicos convierten en notas aguerridas, melodías envolventes y gargantas eléctricas en cada una de sus actuaciones en directo. Algo que el público español tendrá la oportunidad de disfrutar en breve, por medio de las comparecencias que los ingleses tienen previstas en la tierra de Cervantes.

Spandau Ballet son los protagonistas del documental "Soul Boys Of The Western World", de George Hencken

Spandau Ballet son los protagonistas del documental “Soul Boys Of The Western World”, de George Hencken

SPANDAU BALLET Y LAS ATMÓSFERAS SENSIBLES

Soulboys Of The Western World Live es el nombre de la gira planetaria que ha traído a los autores de Round And Round a las ciudades de la Península ibérica, y que dará comienzo con el show programado para el próximo 18 de junio, en el Barclaycard Center de Madrid. Para luego continuar en el Palacio Euskalduna de Bilbao (19 de junio), y en el Auditori Aire Lliure de Barcelona (20 y 21 de junio).

El repertorio de estas citas es de sobre conocido por todos, aunque entre los temas a interpretar hay tres de nuevo cuño: los titulados This Is The Love, Steal y Soul Boy (songs recientes que ha producido el veterano Trevor Horn).

Spandau Ballet vendieron más de 25 millones de discos en su época de esplendor

Spandau Ballet vendieron más de 25 millones de discos en su época de esplendor

Sin embargo, y a pesar de que la mayoría los cortes seleccionados son antiguos, las sorpresas estarán a golpe de inmersión ochentera, con unos arreglos especialmente diseñados para actualizar cada uno de los históricos himnos que conforman el ADN de la banda. Una operación de maquillaje que responde a la efectiva puesta a punto que los súbditos de Isabel II han orquestado en su último álbum: The Story (centro neurálgico de los conciertos).

Compilados en dos compactos, los 19 tracks del mencionado disco aportan perspectivas desconocidas a los estribillos amorosos de True, añaden épico humanismo a Gold, y recubren con amianto el virtuosismo caballeroso de la aguerrida Through The Barricades.

Toda una aventura de reencuentro con los incondicionales carpeteros de siempre, que Tony Hadley, Gary Kemp, Steve Norman, John Keeble y Martin Kemp acompañan de un documental sobre la senda profesional del team, que lleva por título Soul Boys Of The Western World (trabajo firmado por George Hencken).

Durante la hora larga que dura cada una de las actuaciones, el público podrá soñar con esos años de peinados lacados y hombreras imposibles de hace tres décadas. Tiempo de humos embriagadores, y quadrophenias circundantes, en que un movimiento bautizado New Romantics supo reclamar su lugar en el paisaje sinfónico: subido a la mezcla híbrida entre la etiqueta mod y las telarañas glam (todo ello alimentado con filosofías cercanas a la literatura del desamparo).

Unas extensiones barrocas, en las que Spandau Ballet montaron su vistoso Camelot de palabras y testimonios rimados.

Trevor Horn ha tenido mucho papel en el resurgimiento de Spandau Ballet

Trevor Horn ha tenido mucho papel en el resurgimiento de Spandau Ballet

Más información, entradas y horarios en

http://www.spandauballet.com

Gaspar Ulliel es el protagonista de Juste la fin du monde, una película que versa sobre la posibilidad de arreglar las relaciones familiares frente a la cercanía de la muerte.

Gaspar Ulliel encarna a Louis, un escritor al que los médicos le diagnostican una enfermedad terminal

Gaspar Ulliel encarna a Louis, un escritor al que los médicos le diagnostican una enfermedad terminal

Jean-Luc Lagarce recurrió a sus sentimientos de felicidades truncadas para narrar la odisea de Louis.

El protagonista de esta casi autobiográfica carta -moldeada con párrafos de diálogos sulfúricos- regresa a un hogar que nunca concibió como tal, del que huyó acompañado de constelaciones bíblicas anidando dentro de su cabeza. Así comienza el calvario de esta metáfora grupal heredada de Caín y Abel, y que concreta sus delaciones en la figura de un individuo al que la Dama de la Guadaña le espera a la vuelta del camino, con paciente semblante de rémora constante.

Lagarce editó Juste la fin du monde en 1990; tan solo un lustro antes de que el autor pereciera víctima del sida. Enfermedad del amor prohibido que truncó la carrera de uno de los autores franceses más destacados de una dramaturgia generacional en la que compartió honores con colegas de talentos mordaces, tales como Bernard-Marie Koltès y Copi.

Gaspar Ulliel se mostró especialmente interesado al saber que el director iba a ser el joven Xavier Dolan

Gaspar Ulliel se mostró especialmente interesado al saber que el director iba a ser el joven Xavier Dolan

Después de dos décadas de ausencia, el creador nacido en Hérimoncourt asciende al escenario de la actualidad con la versión cinematográfica de la trama consanguínea descrita en la mencionada pieza teatral, filme que dirige el enfant terrible de nacionalidad canadiense llamado Xavier Dolan (cineasta de veintiséis años, que llamó la atención mundial con la cinta Yo maté a mi madre).

GASPAR ULLIEL ESCULPE PALABRAS DE ABATIMIENTO

Sin cambios especialmente significativos con respecto a su precedente literario, el argumento del largometraje sigue fielmente los pasos decididos de Louis (Gaspar Ulliel): un escritor al que le han diagnosticado una enfermedad terminal, y el cual desea despedirse de unos parientes a los que no ha visto desde hace bastante tiempo.

Gaspar Ulliel es un actor al que le gustan las caracterizaciones esforzadas

Gaspar Ulliel es un actor al que le gustan las caracterizaciones esforzadas

Cuando el citado protagonista se marchó del hogar, el padre del mismo murió; y la madre y sus tres hermanos se quedaron solos, con un reguero de reproches hacia el joven narrador que anhelaba respirar algo de libertad activa.

Al regresar a su otrora casa de infancias malogradas, Louis descubre que las cosas no han cambiado mucho, y que los viejos conflictos afloran con similar facilidad que la de antaño. Allí, entre los desdibujados ambientes pretéritos transformados en presente polvoriento, el writer se topa nuevamente con la resistencia férrea de su hermana pequeña, Suzanne (Léa Seydoux), el antagonismo de su brother, Antonie (Vincent Cassel) y la volatilidad de su bella sister, Catherine (Marion Cotillard); aparte de estrellarse con la faz de su autoritaria y neurótica madre (Nathalie Baye).

Con los ecos nostálgicos y deprimidos de Tennessee Williams y Eugene O’Neill, Lagarce construye un cuadro esperpéntico, cogido al denominador común del odio fratricida; además de atisbarse prendido a los faldones conceptuales y dramáticos de Antón Chejov, John Steinbeck y Howard Starks.

Marion Cotillard interpreta a Suzanne, la hermana de Gaspar Ulliel en el filme

Marion Cotillard interpreta a Catherine, la hermana de Gaspar Ulliel en el filme

Unas sensaciones de fantasmas de carne y hueso que difuminan los lugares, mientras levantan habitaciones surcadas por las pérdidas anunciadas y las deserciones vitalistas. Así es como Ulliel monta el complicado engranaje que responde a la identificación de Louis; y que, como el resto del elenco, concibe su sentido y trascendencia tendido en la laguna de los barqueros ansiosos por transportar almas anónimas al otro lado.

Confesional y radiográfica, Juste la fin du monde pinta fondos telúricos envueltos en las poses circunstanciales de un grupo de seres regados con el aroma de las derrotas sin luchas intestinas, siempre con los brazos caídos en pos de la eterna comprensión colectiva.

Esas son las teselas del mosaico testimonial de Jean-Luc Lagarce: un pintor de palabras  interesado en las humanidades vulnerables, y con patente de corso para exhibir las equivocaciones razonables de sus personajes.

Léa Seydoux y Vincent Cassel, quienes ya coincidieron en "La bella y la bestia", comparten nuevamente títulos de crédito en "Juste la fin du monde"

Léa Seydoux y Vincent Cassel, quienes ya coincidieron en “La bella y la bestia”, comparten nuevamente títulos de crédito en “Juste la fin du monde”

Más información en

http://www.imdb.com