El museo ruso dedica una muestra a Lissitzky y al matrimonio Kabakov bajo el título de "Utopía y Realidad"/ Photo Credits: State Hermitage Museum

El museo ruso dedica una muestra a Lissitzky y al matrimonio Kabakov, bajo el título de “Utopía y Realidad”/ Photo Credits: State Hermitage Museum

En el reino de la imaginación, las reglas de la lógica valen menos que el papel mojado. Dentro de las fronteras pretenciosas de los edenes surgidos de la mente es posible encontrar a los líderes del capitalismo, conversando animadamente con los bolcheviques de recios bigotes y abrigos pesados; jornada improbable en el universo real, donde los ciudadanos de la hoz y el martillo bien podrían compartir mesa y aficiones con los hijos de la llamada sociedad de consumo. Tras las fronteras de ese idílico paisaje, las doctrinas carecen de consistencia, y se evaporan a bordo de globos aerostáticos, sin propósito alguno de bajar al suelo terrenal.

Lissitzky veía a los artistas como agentes del cambio social/ Photo Credits. State Hermitage Museum

Lissitzky veía a los artistas como agentes del cambio social/ Photo Credits. State Hermitage Museum

Semejante lugar, de imprecisos contornos geográficos, formó parte durante un tiempo de las obras de los artistas soviéticos, grupo de soñadores afectos al régimen de Moscú que sin embargo trascendían de la mera propaganda, a través de las propuestas comprometidas simplemente con sus migraciones astrales, sin mayor interferencia política reconocida que la de la perspectiva del público al que iban dirigidas.

Los movimientos de la época veían la filosofía comunista con los ojos de la idealización/ Photo Credits: State Hermitage Museum

Los movimientos de la época veían la filosofía comunista con los ojos de la idealización/ Photo Credits: State Hermitage Museum

Veintitrés veranos después de la caída del Muro de Berlín, las tesis de paleta y óleo, de carboncillo y rotulador, postuladas desde las almenas de los idearios de hierro cobran vida mediante la exposición Utopía y Realidad. El Lissitzky, Ilya y Emilia Kabakov, que alberga la Court Gallery del Palacio de Invierno (perteneciente al Museo Hermitage en San Petersburgo). Exhibición que cerrará su curso en las tierras de Alexander Pushkin el próximo  25 de agosto de 2013.

Los creadores rusos vulneraban la censura a base de postulados oníricos y simbólicos/ Photo Credits: State Hermitage Museum

Los creadores rusos vulneraban la censura a base de postulados oníricos y simbólicos/ Photo Credits: State Hermitage Museum

En busca del ideal inmaterializado

Procedente del Van Abbe Museum de la ciudad neerlandesa de Eindhoven, y enmarcada en el programa del año que une las actividades culturales de Rusia y Holanda, la muestra despliega su rocío uniformado de antaño por las salas que van de la 334 a la 342. Un espacio envasado al vacío en el que, si se observa bien, es más que factible encontrarse en la U.R.S.S. del cartelismo belicista; la patria de los mensajes enaltecedores relativos al bienestar de los pueblos, la de los cuadros sometidos a la percepción matemática y arquitectónica, la de los géneros ataviados con la fisonomía del líder salvador. En definitiva, lo que el visitante hallará serán las trazas de una corriente creativa dirigida por instancias superiores, ante la que los profesionales de la plástica se sentían amedrantados e hipnotizados; hasta que –en cierta forma- despertaron de la utopía publicitada a la realidad.

Los Kabakov fueron los representantes de los estados híbridos en las fronteras de la U.R.S.S./Photo Credits: Stage Hermitage Museum

Los Kabakov fueron los representantes de los estados híbridos en las fronteras de la U.R.S.S./Photo Credits: Stage Hermitage Museum

Grandes firmas se sintieron atraídas por las ideas de un comunismo aparentemente más igualitario con los hombres y mujeres, manifiesto activo que denunciaba sin tregua el clasismo del liberalismo económico occidental. Laberinto de imágenes de vivos colores y estudiada iconografía que El Hermitage ha querido limitar al trabajo de los enérgicos El Lissitzky y el matrimonio formado por Ilya y Emilia Kabokov.

Tanto Lissitzky como los Kabakov estaban influenciados por gente como Kazimir Malévich/Photo Credits: State Hermitage Museum

Tanto Lissitzky como los Kabakov estaban influenciados por gente como Kazimir Malévich/Photo Credits: State Hermitage Museum

El artista como agente del cambio social (también expresado como la creación orientada a un objetivo) es el concepto que vertebró a lo largo de su polifacética existencia El Lissitzky (Pochinok, Smolensk, Oblast, Rua, Rusia, 1890- Moscú, 1941). Fieles a la riqueza productiva de este prototipo de la vanguardia eslava, las obras del compañero de Kazimir Malévich sintonizaron de inmediato con el movimiento revolucionario de Lenin, al que veía como una alternativa válida a la dictadura zarista. Maestro en la abstracción y pionero del constructivismo en esas latitudes esteparias, el portentoso ilustrador influyó con sus inspiraciones en los adelantos de La Bauhaus. A la vez que dibujaba un esquema vital que no se correspondía mucho con las luchas intestinas del Kremlin; pero que se identificaba con una fantasía utópica en la que el pueblo de Kirov y Trostky era el verdadero protagonista y modelo.

Los creadores de la época comunista fueron maestros en investigar con nuevas técnicas, como la del fotomontaje

Los creadores de la época comunista fueron maestros en investigar con nuevas técnicas, como la del fotomontaje

En una línea mucho menos sujeta a los alfileres de las consignas bolcheviques, Ilya Kabakov (Ucrania, 1933) y su esposa Emilia surcaron las praderas del comunismo ruso con el espíritu de un par aventureros de los nuevos formatos. Perteneciente al Grupo del Boulevard Sretensky (junto a personajes tan potentes en el mercado internacional como Viktor Pivovarov y Oleg Vassiliev), Kabakov imaginaba una U.R.S.S. que poco o nada tenía que ver con la real, siempre expuesta en dibujos destinados a romper las censuras existentes, con ingredientes insondables de mágica creatividad. Secuencias amparadas en ese escapismo inconsciente, que cobraron alas de sable justiciero bajo nombres como The Russian Series y Moscow Conceptualist.

Los dibujos de Lissitzky influyeron en grupos como el de la Bauhaus

Los dibujos de Lissitzky influyeron en grupos como el de la Bauhaus

Ilya y Emilia tuvieron que padecer el recrudecimiento de las relaciones entre la plástica y la política, cuando el dirigente Nikita Krushchev inició una cruzada contra el arte moderno en 1956. Pero nada pudieron los zapatazos del carismático jefe gubernamental para acallar a las generaciones alumbradas en la Guerra Fría, y menos aún a un hombre –como IK– que había forjado sus coordenadas gremiales con las lecciones de Robert Falk, Kazimir Malévich y Vladimir Tatlin. Al final, en 1992 y cuando el comunismo férreo había dejado paso a la perestroika, la pareja Kabakov emigró a Estados Unidos (Nueva York), donde comenzaron a desarrollar su gusto por las instalaciones “totales”, siempre teñidas de los pretéritos sueños de esa juventud moscovita de barricadas de amor y odio.

Ilya Kabakov es conocido en los circuitos como el responsable de la "instalación total"

Ilya Kabakov es conocido en los circuitos como el responsable de la “instalación total”

Nuestra vida ha adquirido ahora una nueva concreción, la fundación comunista para todas las naciones del mundo. Mi obra Proun-mappes se usará para construir el monolito de las ciudades bolcheviques, donde vivirá la gente del planeta”. Así se expresaba Lissitzky en los albores del estalinismo, justo antes de los prolegómenos de la Segunda Guerra Mundial. Unas palabras que cobran sentido entre las sombras del Hermitage, al calor de una realidad cambiante (eternamente utópica, por la naturaleza de tal término).

La muestra "Utopía y Realidad" estará en el Hermitage hasta el próximo 25 de agosto de 2013

La muestra “Utopía y Realidad” estará en el Hermitage hasta el próximo 25 de agosto de 2013

Más información, entradas y horarios en http://www.hermitagemuseum.org

 

Buñuel1

Seis lustros de ausencia y los espectadores de este tecnológico siglo XXI aún continúan preguntándose por qué no podían salir de su cautiverio los personajes de El ángel exterminador, cuáles eran las motivaciones de Catherine Deneuve para buscar el daño físico en Belle de Jour, o cómo se puede rebanar un ojo humano con tanta vistosidad como la desplegada en El perro andaluz. Las redes de las imágenes prendidas de la eternidad fueron los anzuelos con los que Luis Buñuel Portolés (Calanda, España, 1900- Ciudad de México, 1983) pescó las musas de la grandiosidad en cada una de sus películas y cortometrajes: pedazos de historia en los que el surrealismo se teñía de camposanto colectivo, la burguesía se disfrazaba con encantos adormecidos, la religiosidad levantaba acta en hogueras pecaminosas y el amor chirriaba con bisagras sanguinarias y asfixiantes.

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Tal día como hoy (29 de julio), pero de hace tres décadas, el amigo Dalí y García Lorca se encontraba con La Pelona (a la que seguro galanteó con su elocuencia desbordante) en su hogar ubicado en la tierra de Pancho Villa, lejos de una España de la que el oscarizado cineasta había huido por culpa de la dictadura de Franco; para acomodarse sentimentalmente dentro de las estancias de fundidos en negro y planos experimentales, que halló en su residencia del barrio del Valle (levantada en Ciudad de México).

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Así, a dos bandas, como partido entre dos continentes de figuras espectrales: don Luis es homenajeado en este aniversario de moviola y sala de montaje; acto protocolario que consuma su razón de ser con la reapertura de la residencia centroamericana del artista (convertida para la ocasión en un centro cultural habilitado para la proyección de obras habladas en el idioma de Juan Rulfo, Miguel de Cervantes y Gabriel García Márquez).

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De esta manera, la Casa Buñuel comienza su nueva andadura con la celebración de dos talleres: Curaduría de cine, impartido por Garbiñe Ortega; y El cine como espejo, a cargo de Jonás Trueba. Asímismo, se exhibe el documental Luis Buñuel: un cinéaste de nôtre tempes (Roger Valery, 1964), al tiempo que se procederá a la lectura de algunos fragmentos de la autobiografía del director (titulada Mi último suspiro), en las voces de Silvia Pinal, Arturo Ripstein y Gabriel Figueroa (entre otros colegas del maestro aragonés).

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El programa mencionado con motivo del aniversario y la restauración de la Casa de Buñuel están patrocinados por el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAAA); en colaboración con la Dirección General de Actividades Cinematográficas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y la Consejería de Cultura de la Embajada de España en la misma nación.

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Más información en http://www.lamoncloagob.es/ServiciosdePrensa/NotasPrensa/MinisterioEducacionCulturayDeporte/2013/260713homenajebunuel.htm

 

El director de "Happy" graba un filme sobre la vida, a caballo entre los siglos XVIII y XIX, del autor de "Lluvia, vapor y velocidad"

El director de “Happy” graba una obra sobre la vida, a caballo entre los siglos XVIII y XIX, del autor de “Lluvia, vapor y velocidad”

Paradojas de la vida o del mismo Arte. El pintor de la luz se une al cineasta de los tonos sombríos; todo para enmarcar una película que aún está en las imaginarias tripas del AVID del creador de El secreto de Vera Drake. La historia sobre el idilio profesional entre ambos comenzó a gestarse hace tiempo, mucho antes de que el director de Another Year soltara a los medios de comunicación su intención de plasmar en imágenes la existencia del mejor paisajista británico de la historia (título que acredita en seria disputa con la paleta mucho menos turbulenta de John Constable).

"Turner" es el filme con más complicaciones técnicas y artísticas en la carrera del cineasta

“Turner” es el filme con más complicaciones técnicas y artísticas en la carrera del cineasta

La noticia pilló por sorpresa a los neófitos y a los seguidores del costumbrista realizador nacido en Manchester. Lo cierto es que un largometraje ambientado en la Gran Bretaña del siglo XVIII y primera mitad del XIX no entraba dentro de los rígidos márgenes de individuos maltratados por la realidad con los que Mike Leigh había construido su carrera, hasta el momento del mediático cambio de tercio. Sin embargo, los cuadros de Joseph Mallord William Turner debieron causar una profunda transformación en el espíritu del arquitecto visual de Happy; por lo menos, tanto como para hacerle embarcarse en una empresa de un calado a lo galeón estilístico (lejos de los exitosos y sorprendentes flippers que suele tripular).

Leigh sin duda aplicará parte de su estilo intimista a la acción de esta movie histórica

Sin duda, Leigh aplicará parte de su discurso intimista a la acción de esta movie histórica

Todo por un sueño

Colgados de las instituciones más prestigiosas de Reino Unido, los lienzos de J. M. W. T. tienen un poder de atracción que mezcla con igual intensidad salvajismo y virginidad, naturaleza y destrucción, infierno y divinidad. Trabajados hasta la última pincelada a base de contrarios, la contemplación de las escenas de este maestro alumbrado en el Londres de 1775 produce una reacción en cadena de la que es difícil escapar, ante la que es imposible ofrecer cualquier resistencia consciente. Y con esas atalayas del pensamiento subliminal, el artista de los mares embravecidos pilló la retina de Leigh: un hombre de sensibilidad tamizada por la reflexión, que siempre vio en el artista capitalino un héroe de colores subyugadores y atardeceres cegadores.

Lo más cercano a esta experiencia en la carrera del realizador es el trabajo de ambientación de "El secreto de Vera Drake"

Lo más cercano a esta experiencia en la carrera del realizador es el trabajo de ambientación de “El secreto de Vera Drake”

Sin más título que el de Turner, el filme ya va por derroteros bastante esperanzadores, de cara a su conversión en una movie dispuesta a ser proyectada en las salas del planeta. Localizaciones, equipo y demás apartados de necesaria inclusión están más o menos confeccionados sobre el cuaderno contractual. Secciones que determinarán el funcionamiento o no de la propuesta cinematográfica; las cuales soportan gran parte de su adecuación en la elección del reparto (tarea en que el director anda metido actualmente, y de la que han trascendido algunos nombres de cara a la Prensa internacional).

Timothy Spall es el actor elegido para encarnar a Turner en su etapa adulta

Timothy Spall es el actor elegido para encarnar a Turner en su etapa adulta

En ese laberinto de identidades casi seguras, parece que  Mr. Leigh tiene en mente -para el papel protagonista- a uno de sus actores fetiches: honor que ha recaído en su amigo y colaborador habitual Timothy Spall (Battersea, Londres, 1957). Tras unos lustros sin aparecer en alguna producción de ML, el peculiar alter ego de Wormtail de las últimas entregas de Harry Potter ha sido elegido para caracterizarse como Turner. Sin embargo, como aún no se sabe cuál será el periodo de la existencia del pintor que recogerá el largometraje, es más que factible que el personaje quede dividido a lo largo de las distintas etapas de su evolución plástica y humana.

El intérprete de "Sweeney Todd" es un habitual de las cintas de Leigh

El intérprete de “Sweeney Todd” es un habitual de las cintas de Leigh

A tenor de lo que se conoce de los logros del autor de Lluvia, vapor y velocidad (1884), la precocidad fue una de las constantes en las acciones del vástago de un peluquero dieciochesco londinense. Dato que queda más que claro cuando se echa mano de su biografía, en la que llama la atención que a los 14 años fuera admitido en la prestigiosa Royal Academy of Art; mientras que a la temprana edad de 23 primaveras fue  reconocido por el propio Sir Joshua Reynolds como académico. Por todo ello, es lógico pensar que Spall únicamente se ocupará del físico del paisajista desde su madurez hasta su fallecimiento, ocurrido en la urbe del Támesis en 1851 (a los setenta y seis inviernos).

Joseph Mallord William Turner está catalogado como el mejor paisajista del romanticismo británico

Joseph Mallord William Turner está catalogado como el mejor paisajista del romanticismo británico

Por lo que respecta al resto del casting, todavía no se han filtrado los names de los hijos de Shakespeare que se disfrazarán como el retratista Reynolds o el acuarelista Thomas Girtin; pero sí se ha incorporado a las quinielas la presencia de secundarios tan polivalentes como Roger Ashton-Griffiths (Henry William Pickersgill) y Jamie Thomas King (David Roberts).

El veterano Roger Ashton-Griffits es otro de los actores que colaboran en la película

El veterano Roger Ashton-Griffits es otro de los actores que colaboran en la película

La serenidad impostada, y de interiorismo desquiciado, propia de la cámara de Mike Leigh parecía no poseer el ritmo más adecuado para acercarse a la belleza destructora de un hombre capaz de herir las telas con las prominentes olas de El Temerario remolcado a dique seco, o de surcar las pústulas sangrantes de lo terrenal con Aníbal atravesando los Alpes. No obstante, el responsable de Secretos y mentiras es alguien con el suficiente background como para reinventarse a sí mismo en un par de planos: fórmula de veteranía talentosa, que sólo acreditan los profesionales que no necesitan más que su virtuosa intuición para rozar la definición de masterpiece.

Turner está enterrado en la Catedral de San Pablo, en el centro de Londres

Turner está enterrado en la Catedral de San Pablo, en el centro de Londres

Más información en http://www.imdb.com

 

La editorial Navona reedita la historia que dio pie a la película de Ladislao Vajda y a "El juramento", de Sean Penn

La editorial Navona reedita la historia que dio pie a “El cebo”, de Ladislao Vajda, y a “El juramento”, de Sean Penn

La tranquilidad ciudadana de un cantón suizo en la época de los cincuenta –donde el nerviosismo solía circunscribirse simplemente a las inclemencias meteorológicas, y no a los actos de violencia criminal-  se ve azotada inesperadamente por la desaparición de una niña. La pequeña, de nombre Gritli Moser, había ido a visitar a su abuela atravesando el bosque. Pero nunca llegó a su destino. La tardanza y la falta de noticias hacen temer lo peor a los padres de la cría, quienes llaman a la policía para localizar el paradero de la menor. Al frente de la división se halla el comisario Mathäi, un hombre metódico y concienzudo que toma el caso con la determinación de un investigador avezado y eficaz. Fruto de sus indagaciones, Gritli es encontrada, aunque en estado de cuerpo presente. La autopsia de la joven indica que, antes de morir, fue forzada sexualmente por su agresor. Un dato excesivamente salvaje que hace que el detective prometa a los progenitores de la víctima dar con el asesino, cueste lo que cueste. A ello dedicará sus anhelos profesionales desde ese momento:  juramento emocional y  sincero que da pie al texto de La promesa (Friedrich Dürrenmatt, 1958).

Dürrenmatt fue un hombre al que le gustó experimentar con la ruptura de los géneros

Dürrenmatt fue un hombre al que le gustó experimentar con la ruptura de los géneros

Convertido en 1959 en el guion de El cebo (película dirigida por Ladislao Vajda), este relato espectral y turbador del autor de la excelente obra La visita de la vieja dama es objeto de una cuidada reedición en español a partir del pasado mes de junio, aventura sellada por la editorial Navona Negra (un trabajo de gran calado que se apoya en la más que meritoria traducción de Xandru Fernández).

Navona ya publicó "La promesa" a comienzos del siglo XXI

Navona ya publicó “La promesa” a comienzos del siglo XXI

Un escritor polifacético

Subtitulada con ironía e intención filosófica como Réquiem por la novela policiaca, La promesa es uno de esos libros que quedan en la memoria del lector por su lenguaje claro y directo, sus descripciones altamente visuales y su mensaje sorprendentemente enérgico, muy en la línea de una traslación contemporánea del cuento de Caperucita Roja (versión mucho más coincidente con la macabra atmósfera de Charles Perrault, que con el inocente desarrollo imaginado por los hermanos Grimm).

"El cebo" mostró la eficacia de un texto que aterrorizaba por su aparente normalidad

“El cebo” mostró la eficacia de un texto que aterrorizaba por su aparente normalidad

Dürrenmatt opta en cada página por una prosa cargada de momentos reflexivos, en la que las ecuaciones clásicas de las tramas detectivescas quedan puestas patas arriba, por la entronización del azar en la resolución de los misterios: una apuesta que deja a los agentes de la ley como meras marionetas cuyos hilos maneja el creador, independientemente de las reglas asumidas por el género. Esta fórmula le sirve al literato suizo para planear sobre los estereotipos habituales de las historias de crímenes cruentos; piruetas que cobran su legitimidad en medio del caos, donde parece que le gustaba plantarse a observar al creador alumbrado en la localidad de Konolfingen .

El argumento versa sobre el cruel homicidio de una niña

El argumento versa sobre el cruel homicidio de una niña

Ensayista, dramaturgo, filósofo y guionista el que fuera marido de la actriz Lotti Geissler construyó La promesa con los ingredientes de un libreto cinematográfico; lo que explica la meticulosidad escénica de sus situaciones y la brillantez secuencial en la que se despliega el argumento central. Tales características hicieron que Ladislao Vajda no lo dudara dos veces, cuando convirtió las palabras del natural del cantón de Berna en el thriller bautizado como El cebo (1959). Al igual que su precedente en papel, el largometraje mostró a su manera (siempre pendiente de no vulnerar los controles de la censura cinematográfica de la época) la escalofriante fábula sobre la obsesión del policía Mathäi por detener a un monstruo escurridizo y volátil, que se antoja como un ser multiforme y diabólico. Con estos elementos, la obra ideada por FD juega su partida existencial mediante insinuaciones constantes, que van desde un buhonero a un dibujo esclarecedor, de un psiquiatra intrigante a un viaje frustrado por Jordania… Paisaje de luces y sombras, casi de conexiones circenses, en el que anida hasta la figura de un gigante.

La trama se asemeja un poco a la del cuento de "Caperucita Roja"

La trama se asemeja un poco a la del cuento de “Caperucita Roja”

Algo de atrayente debe tener este volumen que ahora pasea nuevamente por los escaparates la editorial Navona (veintitrés años después del fallecimiento del writer centroeuropeo); sentimiento de enganche al que no se pudo resistir ni el mismo Sean Penn, quien en 2001 trasladó el escenario alpino de La promesa a las fronteras estadounidenses. El resultado fue la movie El juramento, que contó con Jack Nicholson en la parte del comisario que encarnó en 1959 el excelente Heinz Rühmann. Una adaptación de tintes universales que, no obstante, no pudo borrar del cerebro de los aficionados los gestos endemoniados del portentoso Gert Fröbe: retratados en la cinta de Vajda con inspiraciones tomadas del Peter Lorre de El vampiro de Düsseldorf .

El escritor se sirvió de elementos de la psicología para tocar uno de los primeros acercamientos a la pederastia

El escritor se sirvió de elementos de la psicología para tocar uno de los primeros acercamientos a la pederastia

Más información en http://www.navonaed.com

El octavo disco en la carrera del compositor inglés salió al mercado en mayo de 1983

El octavo disco en la carrera del compositor inglés data del año 1983

Durante las tres décadas que lleva el vigilante de la torre como testigo de los acontecimientos mundiales, este individuo extraño y tendente a las huidas programadas ha debido asistir a acontecimientos tan relevantes como el de la caída del Muro de Berlín. Una noticia que seguro acogió con entusiasmo libertario el protagonista de la canción Shadow On The Wall, quien bajo el timbre salvaje de Roger Chapman (el enérgico cantante de la banda Family) gritaba las humillaciones a las que era sometido por una dictadura de índole comunista.

Mercury prepara una edición en cinco compactos y un libro, que estará disponible al público el próximo mes de septiembre

Mercury prepara una edición en cinco compactos y un libro, que estará disponible al público el próximo mes de septiembre

Seis cortes fueron los que ideó Mike Oldfield (Reading, Inglaterra, 1953) para diseñar el octavo álbum de su épica y deslumbrante carrera musical, iniciada hacía en ese momento veinte primaveras (aunque sería más exacto decir dos decenas de meses de mayo) con la inolvidable y esclavizadora pieza titulada Tubular Bells. Hasta ese instante, en que el hermano de Sally dio el carpetazo a Crises en los Denham Studios, el chico de las guitarras y los experimentos sonoros no había podido ni rozar la sombra excesivamente alargada de la mencionada y setentera composición instrumental (y eso que un tema de Five Miles Out, como Family Man, había sido versionado por los norteamericanos Hall & Oates). No obstante, en 1983 la tendencia de quedar bajo el listón de las campanas tubulares iba a variar un poco, dentro de los triunfos melódicos del creador anglosajón.

"Crises" devolvió a Oldfield semejante esplendor al logrado en 1973 con "Tubular Bells"

“Crises” devolvió a Oldfield semejante esplendor al logrado en 1973 con “Tubular Bells”

Debido a esos buenos resultados profesionales, Oldfield no ha querido dejar escapar la oportunidad de celebrar como se merecen los treinta tacos del vinilo cosechado en el 83. Propósito en el que Mercury (en sustitución de la antigua Virgin) ha puesto el resto, con la edición del otrora disco ochentero en tres formatos diferentes; tríptico en el que destaca el compuesto por un libro de textos y fotografías y cinco compactos (incluyendo el consiguiente DVD). Una operación de mercadotecnia que llegará a las tiendas el próximo 2 de septiembre, y que ofrecerá a los fans una nueva dimensión de un título esencial en la historia de los pentagramas populares.

En 1983, Mike perfeccionó la fórmula de intrumentales más canciones, que ya utilizó en "Five Miles Out"

En 1983, Mike perfeccionó la fórmula de cortes intrumentales más canciones, que ya utilizó en “Five Miles Out”

Cómo construir un pelotazo musical

Aunque el estilo de Crises ya fue practicado dos años antes en Five Miles Out, la fórmula de mezclar una pieza de tintes orquestales y duración alargada (en este caso bautizada como el álbum) con una cara B nutrida de letras pegadizas -sello de fábrica en las posteriores propuestas del artista británico- comenzó oficialmente con este trabajo. Subido a este vehículo entre la new age, el folk y el pop, Mike consiguió atraer a un público más mayoritario, que ya había atisbado la hondura lírica del guitarrista isleño a través de trovas como Arrival, Guilty, Portsmouth y Sheba.

El estilo del músico de Reading podría definirse como una mezcla de new age y folk "popero"

El estilo del músico de Reading podría definirse como una mezcla de new age, folk , pop e indie de disco session

Sin embargo, lo que pocos podían suponer es que el muchacho de aspecto tímido y aspiraciones de pentagrama solemne fuera capaz de inventarse un hit con madera de best-seller auditivo. Una song de ritmo envolvente y contagioso que fuera radiada hasta que las barras de los pubs colgaran el letrero de cierre por fin de existencias. Eso y mucho más supuso en el panorama de las notas Moonlight Shadow.

Una de las explicaciones del éxito de Oldfield, incluso en sus empresas más arriesgadas, estriba en su virtuosismo con la guitarra

Una de las explicaciones del éxito de Oldfield, incluso en sus empresas más arriesgadas, estriba en su virtuosismo con la guitarra

Apoyado en la voz clarividente de la escocesa Maggie Reilly (una pelirroja que ya había dado el tono a las letras de MO en Five Miles Out y Q.E.2), el track fue un pelotazo nada más ser lanzado como single; y eso a pesar de que la letra daba pábulo a cierta polémica, al ser entendida como alusiva al asesinato de John Lennon. No obstante, el responsable de Wonderful Land salió al quite; respondiendo ante un medio de comunicación que en realidad sus musas estabas más cercas a la película El gran Houdini, que al homicidio del ex Beatle. Y ahí, el maestro de las cuerdas finiquitó las suspicacias y los comentarios.

Últimamente los intereses del inglés van más parejos a la música clásica

Últimamente los intereses del inglés van más parejos a la música clásica

Después de los seis lustros transcurridos, Mercury refresca las virtudes de Crises (una excelente grabación cargada de fantasía y tonos sustraídos a las emulsiones sensibles) con una remasterización de las que aportan ingenio y brillantez. Lavado de cara que la firma materializa en varias entregas. Así, los diez cortes que integran el primer CD centran su leitmotiv en las mejoras sonoras de las tonadas que componían el LP de 1983, más versiones unplugged mix de Moonlight Shadow y Shadow On The Wall. Temas a los que se añaden trovas arregladas con la tecnología actual como Mistake (single que sólo apareció en Estados Unidos), Cirme Of Passion (extendida de su duración inicial) y Jungle Gardenia. A los que se suman las adaptaciones a doce minutos de las citadas líricas de Moonlight Shadow y Shadow On The Wall.

Junto a "Crises", Mercury también aprovecha para remasterizar algunos temas del legendario "Five Miles Out"

Junto a “Crises”, Mercury también aprovecha para remasterizar algunos temas del legendario “Five Miles Out”

Como apoyo a esta labor de mejora de las pautas ochenteras, las otras cuatro teselas de este mosaico se dedican a inmortalizar el sobresaliente concierto que Mike Oldfield y su banda de entonces (en la que se hallaban el batería Simon Philips, ex de Roxy Music, y el bajo Phil Spailding) ofrecieron en el Wembley Arena de Londres, durante la ya lejana fecha del 22 de julio de 1983. Un vivo y en directo en el que el de Reading interpretó no pocos de los himnos reconocibles de su extenso palmarés, como Ommadawn Part One, Mount Teide y los clásicos acordes de Tubular Bells Part One.

Maggie Reilly contribuyó a los laureles de "Crises" con su inolvidable interpretación de "Moonlight Shadow"

Maggie Reilly contribuyó a los laureles de “Crises”, con su inolvidable interpretación de “Moonlight Shadow”

Bien sea para volver a escuchar a Reilly, Champman y a Jon Anderson (el vocalista de Yes y Jon and Vangelis fue el protagonista de la casi celestial In High Places), o para deleitarse con los heroicos punteos de la Gibson SG Junior y la Ferder Stratocaster de Mike; la adquisición de este Crises de 2013 viene a ser como una ráfaga de nostalgia maqueada con una base de 5.1 Surround Sound, figurado modelo de recuerdos siempre espiado desde la torre por ese misterioso señor del principio, dibujado eficazmente por la pluma de Terry Llott.

"Moonlight Shadow" generó cierta polémica al enlazar su letra con el asesinato de John Lennon

“Moonlight Shadow” generó cierta polémica al enlazar su letra con el asesinato de John Lennon

No siento que sea un músico. Yo creo sonidos que son reflejo de mis emociones. Ser músico es algo bastante diferente”, explica Oldfiled en su página web. Una afirmación que no reduce para nada el talento de este armador de campanas tubulares, a quien se le echa de menos en los saraos festivaleros con un álbum totalmente inédito (el último, Music Of The Spheres, salió en 2007).

Jon Anderson (el cantante de Yes) colaboró en "Crises"poniendo voz a "In High Places"

Jon Anderson (el cantante de Yes) colaboró en “Crises”poniendo voz a “In High Places”

Más información en http://www.mikeoldfieldofficial.com

 

 

El paisajista tokiota presenta "Revolution", un grupo de imágenes inéditas donde experimenta con espectros cromáticos/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

El paisajista tokiota presenta “Revolution”, un grupo de imágenes inéditas donde experimenta con espectros cromáticos/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

La fusión entre el espacio y el tiempo presenta cuerpo de horizontes en penumbra: una línea de naturaleza metafísica en la que no existe la gravedad, y donde el cielo y el piso se confunden con signos de eternidad impostada. La Tierra se torna plana ante semejantes imágenes de funambulismo artístico; y el mar esconde los reflejos azulados bajo un edredón de blanco y negro, hilado a través de contrastes evocadores.

La exhibición concita las obsesiones visuales del artista japonés/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

La exhibición concita las obsesiones visuales del artista japonés/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

El japonés Hiroshi Sugimoto (Tokio, 1948) ha vivido demasiados lustros (desde 1982) como ciudadano de tales puestas de sol y amaneceres; atmósferas de teatros lúcidos y accidentes geográficos manipulados por el objetivo, que -tras la retina del singular creador nipón- adquieren los poros de la piel humana, como si los paisajes y bodegones remitieran irremediablemente a los contornos y curvas de la anatomía de hombres y mujeres.

Muchas de las piezas las tomó con una vieja Polaroid/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

Muchas de las piezas las tomó con una vieja Polaroid/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

Los más de treinta años que lleva el fotógrafo oriental con las alforjas de un explorador de los infinitos en sombras le han llevado a modificar un poco sus obsesiones de grises, blancos y ébanos con el alumbramiento del nuevo milenio. Una determinación de la que ha surgido Revolution (Couleurs de l’Ombre), serie de espectros cromáticos -tomados con la tecnología de una simple y antigua Polaroid- que el compatriota de Tanizaki y Soseki ha reunido en la mencionada exposición, que estará abierta al público hasta el próximo 22 de septiembre (dentro del marco del Festival de Arlés).

Algunos de los trabajos forman parte del libro/ catálogo publicado por Hermès Editeur/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

Algunos de los trabajos forman parte del libro/ catálogo publicado por Hermès Editeur/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

Publicadas por Hermès Editeur, las piezas de HS están tomadas de finales de 2009 a principios de 2010, y representan las sensaciones que experimentó este arquitecto de los negativos en diferentes lugares del mundo, cuando se levantaba a las 5: 30 de la mañana para comprender el discurso diario de la existencia planetaria.

Las variaciones de color están fechadas entre 2009 y 2010/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

Las variaciones de color están fechadas entre 2009 y 2010/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

La misma paz que se respira y emociona en los trabajos más conocidos del artista queda prendida en estas impresiones desenfocadas, y con inspiraciones en una abstracción muy en consonancia con las investigaciones de pintores como Mark Rothko. Unas variaciones de cromatismo ausente de líneas y precisiones, sólo ubicadas por las modificaciones que se producen en la propia evolución del arcoíris propuesto.

La exposición cerrará sus puertas al término del Festival de Arlés, el próximo 22 de septiembre

La exposición cerrará sus puertas al término del Festival de Arlés, el próximo 22 de septiembre

En mis sueños de niño, frecuentemente flotaba en el aire. Y ya de mayor, algunas veces abandono mi cuerpo y me veo dormido, levitando cerca del techo”, explica HS en la página web del Festival de Arlés. Palabras que dejan constancia de los elementos inmanentes que suelen retratar las secuencias congeladas por este individuo de espíritu renacentista, quien armó sus ideas de índole hipnótica tras su paso por los estudios de algunos de los mejores maestros estadounidenses en disciplinas como la pintura, la arquitectura y la escultura.

El propio creador cuenta que la inspiración le llegaba nada más levantarse, a eso de las 5: 30 de la mañana/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

El propio creador cuenta que la inspiración le llegaba nada más levantarse, a eso de las 5: 30 de la mañana/ Photo Credits: Hiroshi Sugimoto

Estos colores que el creador tokiota emulsiona desde las “el interior” son categóricas positivaciones en un señor que confiesa haber comenzado en el proceloso camino de los flashazos subyugado por las vistas del acantilado de Newfoundland, donde confraternizó a corazón abierto con las lunas llenas y los crepúsculos esclarecedores.

El natural del país del Sol Naciente es uno de los líderes de la llamada fotografía metafísica

El natural del país del Sol Naciente es uno de los líderes de la llamada fotografía metafísica

En medio de las numerosas muestras que alimentan el mosaico de tendencias presentes en Arlés, Revolution eleva su diálogo con el espectador a través de un lenguaje universal, en el que es posible encontrar las fantasías de playas nostálgicas, las añoranzas de islas perdidas en el océano, o las colinas tupidas por una flora de impulsos salvajes y primigenios. Simplemente acompañado de sus múltiples cámaras, Hiroshi Sugimoto es capaz de entresacar los rasgos de un objeto, a la vez de los contornos de bóvedas celestes sumidas en el surrealismo de paletas imaginadas. Un sinfín de apetencias sensibles que se dan cita en El Espacio Van Gogh, dentro de una ciudad histórica que -hasta la entrada del otoño- exuda líquido de revelado.

A lo largo de su carrera ha logrado retratar atmósferas cargadas de hipnótico minimalismo

A lo largo de su carrera ha logrado retratar atmósferas cargadas de hipnótico minimalismo

Más información, horarios y entradas en

http://www.rencontres-arles.com,

http://www.sugimotohiroshi.com

http://www.editeur-en-hermes.com

El creador de "The Master" adapta la novela "Inherent Vice", del escritor neoyorquino

El creador de “The Master” adapta la novela “Inherent Vice”, del escritor neoyorquino

El 8 de agosto de 1969, en una zona residencial del californiano barrio de Beverly Hills, la actriz Sharon Tate y algunos de los invitados en ese momento a su propiedad fueron asesinados por una secta, cargada de ácido hasta en las pestañas y efervescencia homicida. El grupo, conocido como The Family, estaba liderado por uno de esos gurús de filosofía química y mirada sanguinolenta, que respondía a la identidad de Charles Manson. La brutalidad con que la mencionada comuna castigó a cada una de sus víctimas (incluida la citada esposa del director de cine Roman Polanski) hizo que la noticia de lo sucedido se propagara a escala planetaria; generando en cada pase televisivo miles de explicaciones, sobre las motivaciones de los alienados psicópatas para perpetrar semejante carnicería (muchas de ellas coincidentes en el trasfondo satanista de los actos cometidos).

Joaquin Phoenix encabeza el reparto del filme/ Photo Credits: Warner Bros, Paul Thomas Anderson

Joaquin Phoenix encabeza el reparto del filme/ Photo Credits: Warner Bros, Paul Thomas Anderson

Thomas Ruggles Pynchon Jr (Glen Cove, Long Island, Nueva York, 1937) contaba por aquel entonces treinta y dos años: edad suficiente como para mantener el hecho en su memoria literaria de los proyectos futuros, con el fin de que adquiriera la solera necesaria para dar pie a una de sus novelas. Y así fue como, en 2009, cuajó un licor de tinta y papel que salió a la venta bajo el nombre de Inherent Vice (editado en español por Tusquests en 2012, con el título de Vicio propio).

Anderson tuvo un año agitado tras el estreno de "The Master"

Anderson tuvo un año agitado tras el estreno de “The Master”

La historia del texto, narrada con un lenguaje y una estructura mucho menos complejos y esquinados que los de los anteriores trabajos del norteamericano, pivotaba en torno un detective al que le encargan diversos casos, en una ciudad de Los Ángeles todavía conmocionada por los sucesos desencadenados por Manson y sus verdugos. Un argumento incendiario, en el que la sociedad estadounidense asiste disfrazada con la feroz metáfora del hedonismo militante y la corrupción generalizada. Lapidario manifiesto de ficción que el cineasta Paul Thomas Anderson (Studio City, California, USA, 1970) traslada actualmente al lenguaje de los fotogramas en movimiento.

Reese Witherspoon es otro de los nombres destacados en el casting

Reese Witherspoon es otro de los nombres destacados en el casting

Larry “Doc” Sportello toma el rostro de Joaquin Phoenix

Josh Brolin encarna en "Inherent Vice" al colérico Christian "Bigfoot" Bjornsen

Josh Brolin encarna en “Inherent Vice” al colérico Christian “Bigfoot” Bjornsen

Después de sacudir los cimientos de la Cienciología con The Master (aunque nunca confesara abiertamente que la movie estuviera inspirada en la vida del fundador de esa variante espiritual, ni en su organización), el responsable de las no menos sorprendentes Boogie Nights, Magnolia y Pozos de ambición aposenta su caudal audiovisual sobre la superficie rugosa de Vicio propio; un manual de exageración medioambiental donde se dan cita las fiestas plagadas de sustancias dopantes, las corruptelas en las altas esferas del poder (tranquilos, Bárcenas todavía estaba en la escuela durante el período que recoge el guion), las redes secretas y depravadas de dentistas, los agentes del FBI reconvertidos en hippies a lo Woodstock y las bellas masajistas de inciertos comportamientos activos. Un cosmos desquiciado, que preside el investigador privado Larry “Doc” Sportello (quien en la película luce las facciones perturbadoras de Joaquin Phoenix).

Owen Wilson aparece en el filme como el músico Coy Harlingen

Owen Wilson aparece en el filme como el músico Coy Harlingen

De esta manera, el actor fetiche de Anderson se mete en la piel aguardentosa y esquizoide de un protagonista que podría definirse como el alter ego -tamizado por el LSD– de Philip Marlowe y Sam Spade; un tipo de los de callejones oscuros y novias pasajeras, al que el sentido del deber le viene de parte de una antigua pareja llamada Shasta. Esta gachí pide a su ex churri que consiga encontrar a un amante desaparecido: el otrora inmobiliario sin escrúpulos Mickey Wolfman, que había visto la luz merced a las pastillas y sus derivados nasales. Pero la cosa se complica con un homicidio en el que parece estar implicado el drogado capitalista; con el añadido de que el bueno de Doc tendrá que vérselas con el temido poli Christian “Bigfoot” Bjornsen, quien no guarda un buen recuerdo del singular detective.

El texto recoge la época en la que "The Family" asesinó a varios residentes de Beverly Hills, masacre ocurrida en 1969

El texto recoge la época en la que “The Family” asesinó a varios residentes de Beverly Hills, masacre ocurrida en 1969

El beneplácito de ser uno de los nuevos y jóvenes genios del Hollywood más talentoso (ese submundo ajeno a los vaivenes de los beneficios industriales y a los remakes, dentro del que residen los creadores que sólo se ponen en marcha al toparse con algún proyecto de enjundia), PThA ha podido reunir un reparto compuesto por estrellas más que atractivas y camaleónicas: eslabones obligados para llevar a buen puerto una empresa de estas características. Tal cuadro dramático se nutre de las esforzadas actuaciones (además de la de Phoenix) de Reese Witherspoon (Penny), Jena Malone (Hope Harlingen), Josh Brolin (Christian “Bigfoot” Bjornsen), Sasha Pieterse (Japonica Fenway), Owen Wilson (Coy Harlingen) y Benicio del Toro (Sauncho Smilax).

La acción se desarrolla en los años setenta, con sustancias como el LSD regando la mente de los personajes

La acción se desarrolla en los años setenta, con sustancias como el LSD regando la mente de los personajes

No obstante, al final todo resulta pecata minuta cuando el asunto que se hornea -entre cámaras y claquetas- tiene la heroica misión de abordar una de las obras más significativas del maestro de las palabras Thomas Pynchon; cabeza visible de una generación enérgica e irrepetible en la que se incluyen magos de los escapismos prosísticos como Dom DeLillo, Philip Roth, Cormac McCarthy y Tom Wolfe.

La novela de Pynchon fue editada por Tusquets en 2012, bajo el título de "Vicio propio"

La novela de Pynchon fue editada por Tusquets en 2012, bajo el título de “Vicio propio”

Más información en http://www.imdb.com

 

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Guste más o menos su cine, lo que no se le puede negar a Giuseppe Tornatore -al igual que a otros colegas gremiales de su misma pasta artística- es que por lo menos suele traer aires diferentes a las salas de proyección, esclavizadas durante la mayor parte del año por la dictadura hollywoodiense de los productos de fábrica (tan impersonales como apabullantes, tan repletos de efectos especiales y presupuestos como faltos de fantasía). El responsable de Cinema Paradiso no es de los que rueda en 3D, ni siquiera está sujeto a los gustos palomiteros de los fans de garrafón refrescante y gominolas en los carrillos: el transalpino se muestra más seguro cuando cuenta las historias apoyado en la guía de su experiencia sensible, senda que no comprende moverse con los cánones del taquillaje programado como única batuta rectora.

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Las aristas descritas son las que han confeccionado los éxitos y fracasos en la carrera de este maestro de la cámara; y son las mismas coordenadas que se reúnen en La mejor oferta: una película sincera y apabullante, que busca transmitir ideas, sin importarle lo más mínimo el sobresalto permanente y simplón de la audiencia. Una cinta que yergue su discurso en pos de rascar la superficie humana de los espectadores, con el afilado estilete de un relato sobre el desengaño y la frustración, sobre el amor y la traición. En definitiva, un largometraje que hunde su escalpelo en el universal argumento de las ilusiones perdidas, muy en la línea de Balzac; pero en esta ocasión arropado con  los espíritus atormentados por la amargura y la vejez, más que subido a las alas de los jóvenes deseosos de aprendizaje perpetuo.

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Por contextos vivenciales, esta obra de Tornatore bien podría equipararse a la insuperable pieza de Thomas Man (y a la versión cinematográfica de Luchino Visconti) titulada Muerte en Venecia. En esa crónica relativa al platonismo de la belleza y al naufragio del universo renacentista, el héroe (el culto Gustav von Aschenbach) deambulaba por la urbe de los canales al capricho de un joven de perfección ambigua e inmanente. Y, en similar encrucijada de obsesiones rimadas al azar se halla el protagonista de La mejor oferta: un experto tratante de arte al que la soledad le ha hecho un hueco insondable en su conciencia, vacío que cree poder rellenar a través de la relación con una mujer misteriosa sin rostro visible, una ninfa corpórea que dota de inspiración sus anhelos de felicidad añorada.

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Algunos medios de comunicación se han referido a este filme de GT como una especie de rara avis en la producción del director, más que nada por estar situado en las fronteras del thriller. Sin embargo, esa distinción es solamente perceptible desde el exterior; ya que el realizador lo único que hace es transitar por los mismos pasillos temáticos que le han interesado a lo largo de su carrera, identificados como el cansancio existencial, las esperanzas en un futuro que se torna imposible, los amores rotos incluso antes de empezar, o las tristezas uniformadas de los personajes principales. Caldo de guion contundente, que también se encuentra presente en cintas anteriores del italiano, como  El pianista en el océano y Cinema Paradiso.

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Fiel a su esquema habitual, subyugado por los rasgos vulnerables de los seres que pueblan el libreto, Tornatore construye una movie sensible e hipnótica, capaz de provocar la misma sensación de amargura evolutiva que conmociona al papel encarnado por el sorprendente y estimulante Geoffrey Rush. Como en su interpretación en la asfixiante Shine, el actor australiano desborda verosimilitud y virtuosismo; siendo él quien lleva la historia en volandas, por medio de un mecanismo de caracterización de relojería suiza. A su lado, da la impresión de que las actuaciones de Jim Sturgess, Sylvia Hoeks e incluso del eficaz y más que solvente Donald Sutherland son mimbres cuya genialidad pende de los hilos que maneja Rush (quien vertebra su trabajo al modo del autómata del siglo XVIII que el experto en arte quiere reconstruir).

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Don Giuseppe consigue con todos esos elementos que nada resulte anecdótico ni superfluo en La mejor oferta: una película cuyas escenas quedan ensambladas de manera portentosa, por la impagable banda sonora de Ennio Morricone. De esta manera, técnica e interpretación se juntan armoniosamente en este largo, destinado a perturbar la conciencia del público desde inicio hasta el fine.

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Alfaguara edita una cuidada edición del clásico título de Julio Cortázar

Alfaguara edita una cuidada edición, en su aniversario, del clásico título de Julio Cortázar

Medio siglo a cuestas, y su sala de espejos sigue estando en plena forma. En este lugar ubicado entre las páginas y los capítulos, los lectores de las más variadas lenguas dibujan sus propias hojas de ruta, tan válidas como leves… Así ha sido desde el ya lejano 1963, y de la misma manera continuará sucediendo cuando hayan transcurrido otras miles de décadas. El círculo de vaporosa y somnolienta prosa, que ideó Julio Cortázar (Ixelles, Gran Bruselas, Bélgica, 1914- París, 1984), no pierde la energía lúdica de sus inicios con el polvo del tiempo. Es más, esa travesura controlada -con la que el autor argentino selló una de las más celebradas gestas de las letras hispanas- se regenera a partir de cada invitación a lanzar la piedra sobre el suelo de la fantasía, el mismo piso por el que cabalgó unas centurias precedentes un romántico caballero bautizado Don Quijote.

El autor argentino consiguió romper los moldes tradicionales de la prosa

El autor argentino consiguió romper los moldes tradicionales de la prosa

El aniversario de tan especial título ha provocado una cierta marea de charlas académicas, relativas a las innovaciones y significados de Rayuela; sin embargo, entre las conmemoraciones resalta la que ha llevado a cabo la editorial Alfaguara, materializada con la edición del texto en mimbres de volumen de lujo (completado con extras tan atractivos como el mapa de París, según es descrito en el relato; o como el apetitoso apéndice en el que el propio creador cuenta la génesis del libro).

Entre los adjetivos que se le adjudicaron al texto estaba el de "antinovela", término que nunca gustó al escritor

Entre los adjetivos que se le adjudicaron al texto estaba el de “antinovela”, término que nunca gustó al escritor

El lector es lo primero

En los años sesenta, donde la obra de Cortázar vio la luz, la experimentación era casi una constante desde todas las instancias y artes. Ya fuera con la pintura, la escultura, el cine, el teatro o la poesía; las poltronas tradicionales, en las que aposentaban sus costumbres los que consumían los frutos de la cultura del momento, comenzaban a combarse en favor de aventuras más arriesgadas. Y, a la par del cambio de perspectiva, la interpretación de las entrañas de un cuadro, una película, una pieza de dramaturgia o un libro comenzaba a reclamar una mayor implicación por parte del degustador. Una apuesta por la participación, que iba pareja a una sociedad que pretendía romper esquemas al clamor de las revoluciones intelectuales.

La prosa de JC tiene la peculiaridad de no perder frescura con el paso del tiempo

La prosa de JC tiene la peculiaridad de no perder frescura con el paso del tiempo

En medio de ese volcán de ideas y de semejante rosario de emociones filosóficas, Cortázar pudo coincidir a lo largo de su nomadismo genético (su padre fue embajador) con maestros de la palabra y los pinceles, que dotaron de profundidad sus planteamientos más esenciales. De Borges a Octavio Paz, de Joan Miró a Piet Mondrian… el cerebro sensible del belga nacido argentino se vistió con costuras de papel, siempre susceptibles a ser destruidas con la simple fuerza de la imaginación.

La estructura de la "Rayuela" se asimila a la de un círculo

La estructura de “Rayuela” se asimila a la de un círculo

Bajo esas consignas de libertad absoluta surgió Rayuela: homenaje a un juego infantil en el que el argumento pierde importancia, para primar una estructura ausente de puntos obligados, ajena a las abrazaderas autorales. Esto se traduce en las múltiples posibilidades de acercarse a la obra. Bien de una manera tradicional (de principio a fin), según el definido como tablero de dirección (alternando episodios) o acorde al capricho del cliente; cualquier posicionamiento es igualmente válido para disfrutar de un volumen que sólo trata “de lados de aquí y de allá”: documentos pegados al estilo de un ingenioso collage, en el que el mural lo componen temas tan sustanciales como el amor, el sexo, la amistad, la existencia, la nostalgia, los recuerdos y la necesidad de acariciar la pequeña porción de humanidad, a la que accede cada individuo en este irracional planeta azul.

En la nueva edición hay un mapa del París que aparece en el relato

En la nueva edición, hay un mapa del París que aparece en el relato

Prosa hecha de aire, sin peso ni cuerpo; pero que sopla con ímpetu y levanta en nuestras mentes bandadas de imágenes y visiones, vaso comunicante entre los ritmos callejeros de la ciudad y el soliloquio del poeta”, dijo en una ocasión el rapsoda Octavio Paz, sobre la novela. Una descripción que redunda en el espíritu omnipresente en el book. Ánima ingrávida, que planea por encima de las restricciones habituales de un género que Cortázar intuye como mucho más grande de lo que se pensaba: como algo con cuyos materiales es posible acceder a otras dimensiones, destinadas a dotar de alas a cada párrafo y a cada línea.

Vargas Llosa, Carlos Fuentes, Roberto Bolaño y Octavio Paz fueron algunos de los que supieron ver las virtudes de "Rayuela"

Vargas Llosa, Carlos Fuentes, Roberto Bolaño y Octavio Paz fueron algunos de los que supieron ver las virtudes de “Rayuela”

Por todo ello, la figura del héroe (el multiforme Horacio Oliveira) trasciende de ser identificado únicamente como un solo hombre; tipo ficticio que hereda la posibilidad de disgregarse en cientos de personalidades, diáfanas y coincidentes. Innumerables rasgos con los que el creador sudamericano compone un verso libre de 155 capítulos, capaces de retratar aleatoriamente a los lectores de un lugar llamado Tierra.

Cortázar logró implicar al lector con los caminos alternativos para acceder a la historia

Cortázar logró implicar al lector con los caminos alternativos para acceder a la historia

Más información en http://www.alfaguara.com/es/libro/rayuela-50-edicion-conmemorativa/

"Large Two Forms", 1966/ Photo Credits: John Lewis Marshall

“Large Two Forms”, 1966/ Photo Credits: John Lewis Marshall

Hay esculturas que toman forma al toque de millones de manos, con el frotado de las palmas multiculturales y los arropes de ojos vacíos de imágenes preconcebidas, inocentes en su contextualización generacional. De niños a ancianos, de adolescentes a adultos, de bebés a sempiternos seres en busca de la originalidad… cualquier individuo es capaz de aportar un poco de sensibilidad para que el bronce adquiera pliegue de inmortalidad, y para que la escayola y el mármol huyan del estudio, con el objetivo de perder su  rigidez al amparo del comadreo con la naturaleza.

"Two Pieces Reclining Figure Cut", 1979-1981/Photo Credits: John Lewis Marshall

“Two Pieces Reclining Figure Cut”, 1979-1981/Photo Credits: John Lewis Marshall

Las piezas que surgieron de las heroicas manos de Heny Spencer Moore (Castleford, Inglaterra, 1898- Much Hadham, 1986) tienen de la primera a la última ese aroma de esencias públicas, que las hacen patrimonio de la humanidad, fluir de fuente artística, croar de llantos tridimensionales desde el carboncillo, y repicar de campanas llamando a las ceremonias colectivas. Lo plural tuvo en la mente del creador británico una intensidad rayana con la obsesión, como si un sueño de impresionista tardío -y de renacentista sin ánimo de figurar en las enciclopedias- prendiera su deambular nostálgico a través de los cuerpos etéreos: surrealistas y a la vez tan arraigados a la tradición como pudieran estarlo los tótem precolombinos.

El Museo Nacional de Holanda expone doce esculturas de Moore, algunas de ellas inéditas fuera de Inglaterra

El Museo Nacional de Holanda expone doce esculturas de Moore, algunas de ellas inéditas fuera de Inglaterra

En ese  sentido, resumido en regalar a los viajantes el placer de la magnificencia titánica y de los espacios robados a las penumbras existenciales propios de Moore, el Rjiksmuseum de Ámsterdam –en colaboración con la Fundación Henry Moore y la firma BankGino Lottery- inauguró el pasado 20 de junio una particular exposición, en la que el inmueble neerlandés junta la belleza insondable de las composiciones del amigo de Bacon con la prestancia veraniega de sus neoclásicos jardines de principios del siglo XX (1901). Una muestra especialmente laberíntica que estará abierta a los visitantes hasta el próximo 29 de septiembre.

Las figuras dejan clara la obsesión del creador inglés por la experimentación sensible

Las figuras dejan clara la obsesión del creador inglés por la experimentación sensible

El gran padre del gótico norteño y el contorsionista de la abstracción

Las obras de arte se suceden en esta exhibición al aire libre, concretada en doce esculturas en gran formato generadas por HM; muchas de ellas degustadas por primera vez bajo la atmósfera que imantó el jengibre virtuoso de Vermeer, Rembrandt, Rubens y Van Dyck. De esta manera, los paseantes pueden admirar a pie de arbusto y florero cada una de las asombrosas diosas relucientes del isleño, mezcladas entre los caprichos inclasificables del viento, el sol, la lluvia y los atardeceres enrojecidos.

Moore siempre abogó por un concepto de arte público

Moore siempre abogó por un concepto de arte público

Bajo esta perspectiva de peregrinaje lúdico, la monumental composición Reclining Woman: Elbow 1981 (que abandona durante unos meses su ubicación habitual, en la Leeds Art Gallery) comparte las sinuosas connotaciones de una fémina sedienta de caricias multitudinarias, la desafiante escala de Large Reclining Figure 1984 toma el impulso de una capilla vaticana, y la superposición blaquecina de la fibra de cirstal sobre el ébano del bronce de Locking Piece 1963-1964 se transforma en una puerta de inmediatez hacia la intemporalidad.

Los cuerpos del maestro anglosajón conforman un laberinto conceptual en los jardines diseñados por Pierre Cuypers

Los cuerpos del maestro anglosajón conforman un laberinto conceptual en los jardines diseñados por Pierre Cuypers

Semejante puzle de reflexiones constantes es saboreado con singular atención en su paradójico escenario de inspiraciones celestiales. Pensamientos de profundidad cercanos a las esencias primigenias del Arte, que se ven reforzados -si cabe- por la ornamentación artificiosa de estar suspendidos encima de las alfombras verdes y ajardinadas de Petrus Josephus Hubertus (Pierre) Cuypers (Roermond, Holanda, 1827- 1927): el arquitecto que, entre 1876 y 1885, dio carácter casi catedralicio a las dependencias del Rijksmuseum.

En el trabajo de HM hay espacio para la modernidad y las culturas más ancestrales

En el trabajo de HM hay espacio para la modernidad y las culturas más ancestrales

Embarcada aún en los fastos de su mediática reapertura tras la publicitada ampliación, la pinacoteca tulipán amadrina como es debido (al calor de los trabajos de Moore) los 14.500 nuevos metros cuadrados con los que cuentan sus salas: cita que, en su versión al aire libre, ha quedado redondeada con la instalación de Jeppe Hein, siempre en medio de la naturaleza, al compás de los cambios de temperatura… como si rindiera pleitasía y vasallaje a las anatomías cuarteadas por el sol, el agua y el fuego.

La exposición quedará clausurada el próximo 29 de septiembre

La exposición quedará clausurada el próximo 29 de septiembre

Más información, horarios y entradas en

http://www.rijksmuseum.nl/en/whats-on/henry-moore-exhibition-to-celebrate-opening-of-rijksmuseum-gardens