Mitsuo Miura: “Siempre parto del origen de las cosas”
El artista japonés, afincado en España desde 1966, exhibe una serie de pinturas inéditas para el público, en las que mezcla el pasado y el presente. Las variaciones cromáticas y las percepciones subliminales son las coordenadas de este conjunto de imágenes sensoriales, que el legendario creador nacido en Iwate presenta la Galería Cayón, hasta el próximo 22 de enero.
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Mitsuo Miura es un fabulador de laberintos emocionales, en los que la conciencia humana toma penitencia sin reproches ni castigos, a través de los figurados contextos naturales y urbanos en los que se gestan sus relatos pictóricos. Las obras de este creador japonés se abren paso en la psique de quien las contempla, con mensajes de concordia voluntaria; en base a singulares reconocimientos de las rutinas compartidas por cualquier urbanita del siglo XXI, y normalmente carentes de trasfondos moralizadores y dogmáticos. “Siempre he preferido hacer algo más alegórico, aunque no de bienestar. En las obras parece que no pasa nada, pero sí sucede algo importante“, explica el artista, sentado frente a algunas de sus creaciones.
La muestra que se puede contemplar en la Galería Cayón de Madrid, y que estará a disposición del público hasta el próximo 22 de enero, responde a las emociones que han marcado la trayectoria de este minimalista simbólico y observador, amante de la simplificación plástica y de las geometrías elocuentes. Una exposición que recupera piezas hilvanadas entre 2001 y 2007, y que ahora han sido colgadas por primera vez en el marco de la suculenta cita titulada Dos tiempos (Serie Show Window 2001- 2007). Mis archivos 2021.
TLCM: Las pinturas que exhibes en la Galería Cayón parecen inspiradas en la actividad un tanto neurótica que se vive en la actualidad. ¿Se trata de experiencias personales?
Mitsuo Miura: Sí, a finales de los noventa había muchas ferias de arte, y actividades comerciales. Y empieza a haber una alegría y bienestar bastante artificiales. Aproveché un poco este tipo de idea, ya que para mí ese aspecto social era totalmente nuevo… Y muchos cuadros los cogí de organigramas de grandes empresas. Aproveché el diseño de los organigramas, y lo implanté un poco en los cuadros. (Señala los lienzos sujetos a las paredes impolutas) ¿Ves esas líneas que cruzan? Es como si fueran departamentos que se comunican, de una manera o de otra.. Me llamó mucho la atención ver cómo cambian estas estructuras, de grandes empresas y grandes ciudades…
TLCM: ¿Te obsesiona el espacio del que vas a disponer, a la hora de proyectar una muestra?
Mitsuo Miura: Tampoco me preocupa mucho. También un espacio pequeño puede presentar algo de manera diferente. Lo que pasa es que, muchas veces, el sentido comercial impone los grandes tamaños en grandes galerías. Eso es cuestión del espectáculo. Pero, un libro, en tamaño pequeño, da para desarrollar un montón de ideas. Creo que un artista, cambiando de concepto y formato, debe adaptar la forma de presentación según la oportunidad expositiva que se le ofrece. Por ejemplo, el Palacio de Cristal, con su luz… Estudio cómo puedo mejorar mis trabajos a través del lugar que ofrecen, e intento adaptarlo. Lo que cambio es la forma de presentación. En ese sentido, para mí sí es muy importante el sitio. Las galerías presentan estructuras diferentes; pero suelen ser como cajas blancas, que presentan los cuadros muy elegantemente, y facilitan la manera de ver los trabajos. No obstante, en general, el espacio tampoco me afecta mucho.
TLCM: En tu trayectoria se entremezclan la cultura japonesa y la occidental, ¿te resultó complicado integrarte en un país tan diferente del tuyo, como es España?
Mitsuo Miura: Vine aquí muy joven, y todavía no estaba muy formado, ni en Japón ni aquí. Cuando salí de Japón tenía el aprendizaje en Bellas Artes desde pequeño, pero no estaba formada mucho ni mi parte española ni japonesa; simplemente quería aprender algo nuevo para mí. Vine con 20 años, y todo era cuestión de estudio. Entré con mucha facilidad, y no me planteé las diferencias, no tenía mucha conciencia de ellas. Me adapté con mucha facilidad. Además, me encantaban el arte americano y el europeo.
TLCM: Sin embargo, sí existe una distinta manera de entender los símbolos entre Japón y España. Por ejemplo, el uso del color negro cambia mucho si el espectador es de uno u otro lugar…
Mitsuo Miura: Sí, eso sí. Pero este tipo de relaciones tienen elementos comunes. Aunque el concepto sea diferente, el negro tiene diferentes aplicaciones. En mi caso, he hecho muchos trabajos con tinta muy negra, y grabado… Pero no me preocupa mucho ese concepto del negro europeo y el negro oriental. Creo que seguramente no tengo conciencia de este tipo de cosas. (Sonríe abiertamente, aunque la mascarilla quirúrgica oculta boca y nariz). También es cierto que aquí, el negro, por ejemplo, simboliza mucha tragedia; pero para nosotros no lo es tanto. El sentido cambia según el lugar, según la situación, según todo… Uno tiene que aplicar su propia experiencia…
TLCM: Tus creaciones guardan mucha relación con el contexto en el que están inspiradas. ¿Cuál es tu proceso habitual de trabajo?
Mitsuo Miura: Siempre he pintado lo que veo. Observo, y me llaman la atención determinadas cosas. A partir de ahí, empiezo a generar mi trabajo. Es el proceso natural de todo el mundo, y tiene que ver con la curiosidad. Tampoco me preocupa mucho el uso de diferentes artes. Es verdad que siempre me ha interesado la estética del arte minimalista, y también creo que la vida cotidiana japonesa puede haberme influido en eso. Por ejemplo, en Japón, el gusto europeo se veía muy recargado. Allí, cuando entras en una casa, apenas hay muebles; porque prefieren el vacío… Este tipo de estética, quizá desde pequeño, se quedó en mi concepto. La vida cotidiana es posible que haya producido esa influencia en mi obra…
TLCM: Entre los elementos que nutren tus imágenes, el color parece jugar un papel predominante…
Mitsuo Miura: En ese aspecto, sí. El color… Ese tipo de color para mí es como alegórico, seguramente nunca he hecho la presentación de las partes negativas de la vida como un tema esencial de mi trabajo. Ese sentido me gusta. Paseando por la calle, la gente que mira un escaparate con mucha ansiedad… este tipo de sensaciones me gustan. Ese tipo de consumismo me inspira. Son esos pequeños detalles, de deseos íntimos de las personas…. Observar este tipo de situaciones me atrae mucho.
TLCM: El uso de ese cromatismo que explicas tiene en tus cuadros un significado muy particular, nada disruptivo.
Mitsuo Miura: Sí, no pretendo utilizar colores agresivos. Estos pequeños detalles, como el uso del color, funcionan; e intento ordenarlos a mi manera, para que la idea sea lo más nítida posible. Nunca trato de hacer crítica social. Me gustaría que los espectadores entendieran los cuadros como un placer, para llamar la atención.
TLCM: Estos trabajos, que se pueden contemplar en la Galería Cayón, parecen como procesos informáticos, en los que hay circuitos difíciles de concretar.
Mitsuo Miura: Es como ver el interior de un ordenador, como una maraña de conexiones. No entiendo nada, pero me interesa cómo pueden funcionar estas cosas. Siempre me ha atraído cómo funcionan estos procesos. Todo eso me llama la atención. Hay muchas cosas que no funcionan bien, pero son estupendas. El no funcionamiento, a veces me sienta bien. Mi área es una ficción, y puedo trasladar al cuadro este tipo de fabulación. No es necesaria la perfección, y muchas veces busco la no funcionalidad.
MITSUO MIURA: “NINGÚN MATERIAL MUERE REALMENTE, LE PUEDES DAR OTRA VIDA”
TLCM: Has practicado diferentes artes a lo largo de tu carrera, ¿por qué has optado por la pintura para esta exposición?
Mitsuo Miura: Las ideas no están limitadas por el tipo de material con el que tienes que trabajar. El material ofrece las distintas maneras de comprender una idea. Por eso me gusta la pintura, pero también la instalación. Todas las aplicaciones que pueda usar, según el concepto. No soy muy dogmático. Yo he estudiado arte, y la pintura es una posibilidad de aplicar esa materia.
TLCM: Dentro de tu arco de especialidades, las instalaciones, a las que te referías antes, han gozado de cierto protagonismo a lo largo de tu trayectoria. ¿Dónde reside lo esencial para que una instalación se convierta en arte?
Mitsuo Miura: Cada cosa es difícil. La instalación se puede hacer simplemente colocando una cosa en un espacio. Pero lo más difícil está en teorizarlo, y que se convierta en arte. Creo que hay que conocer bien la función del material que estás utilizando, y cómo quieres aplicarlo.
TLCM: ¿Cómo fue el proceso de aplicación en estas pinturas que se pueden contemplar en la Galería Cayón?
Mitsuo Miura: Hombre, primero, busqué un tema que pudiera interesar. Luego está cómo compongo la materia. Primero, vi e hice organigramas. Estos no son pinturas, pero son dibujos que explican cómo funciona una empresa, cómo comunica, y se convierte en una energía que funciona a través de un simple dibujo… ¡Qué estructura más poderosa, que un folio mueva a cinco mil personas! Estas cosas me interesan… (Reflexiona un momento) Entonces, esa energía me dio la pauta de cómo tenía que pintar y estructurarla dentro de un cuadro; aunque mucha parte del público no entre en ello, porque no haya entrado en mi proceso. Sin embargo, pienso que siempre hay algo que funciona bien; y detrás hay una estructura, que es lo que me interesa, con el resultado que tiene y la energía que produce. Siempre parto del concepto y del origen de las cosas, porque es lo que siempre me ha gustado. Por eso, una idea es aplicable a través de diferentes materiales. Pero tampoco hago muchas cosas. Por ejemplo, no entro en la alta tecnología, no sé hacerlo. (Sonríe)
TLMC: La naturaleza siempre ha sido un soporte argumental importante en tus creaciones. Sin embargo, llama la atención de que hayas optado por la abstracción, cuando semejantes temáticas suelen estar más acorde con los movimientos hiperrealistas…
Mitsuo Miura: El hiperrealismo… Los americanos hacían realmente hiperrealismo; porque, cuando miras desde cerca, la imagen está compuesta por una mancha de código, y desde lejos parece hiperreal. Aquí, muchas veces se llama hiperrealismo a lo que está pintado más real, o como si estuviera bajo el microscopio. Yo creo que esto no es así. El hiperrealismo es más como en un ordenador. Cuando se amplía, la imagen está compuesta a base de puntos y códigos. Los americanos pintan más allá de lo real, como si usaran la técnica digital. Dan la sensación de pintar con la captación a través de máquinas, pero pintada manualmente. Aquí el hiperrealismo se asoció con la naturaleza, porque esta se encuentra pintada minuciosamente. Pintar minucioso solo es pintar de manera más detallada. Lo entiendo así. Antonio López es más un artista realista y minucioso, pero no es híper, porque tiene sombra real… En los americanos hay sombra que parece real; pero no lo es, ya que lo hacen a través de tecnología.
TLCM: Naciste al año de finalizar la Segunda Guerra Mundial, cuando Japón vivía un proceso de confusión cultural, que llevó a muchos de sus habitantes a abjurar de las tradiciones. ¿Notaste semejantes sensaciones durante tu época de formación?
Mitsuo Miura: Creo que no. Japón, la parte comercial e industrial, es verdad que entró muy fuerte en la cultura americana; pero se siguen manteniendo las tradiciones. La gente vive una doble vida. La enseñanza japonesa es bastante tradicional, Siguen usando el mismo concepto de disciplina, sobre la que se ha construido la sociedad. En el arte, la caligrafía sigue siendo muy importante. El arte más caro de Japón es la caligrafía, no es arte occidental ni americano. Desde pequeños, hacemos caligrafía. Yo, cuando empecé, mi primer cuadro fue una experiencia caligráfica, con repetición de formas constantes, hasta llegar a un fondo completamente negro… (Para un momento, para verbalizar sus pensamientos) Da la sensación de que en Japón conviven las culturas moderna y clásica a la vez. Desde fuera, choca que las personas vivan dos tiempos tan diferentes. Pero, dentro de la casa, siguen manteniendo la estética japonesa clásica, y funciona bien.
TLCM: ¿Te afectó de alguna manera, a nivel creativo, el confinamiento provocado por la pandemia de coronavirus?
Mitsuo Miura: Acepté rápidamente la situación. En ese aspecto, soy bastante disciplinado. Estoy jubilado, y tampoco sufrí mucho con las restricciones. Para mucha gente fue problemático; pero, como vivo en mi casa solo con mi mujer, a nosotros nos afectaba muy poco. Siempre tenía que hacer mis cosas y mi trabajo, en el que no afecta si hay gente o no. Me encanta la rutina, y es necesaria. Directamente, para mí fue pasable, cuestión de dejar que el tiempo transcurriera. Aunque no pudiera ir al estudio, podía hacer mis obras sobre folio o con ordenador. Me dedicaba a leer, a escuchar música, a crear mis pequeños proyectos…
TLCM: ¿Tras la relajación de las restricciones más duras por la Covid, cómo siguen tus proyectos?
Mitsuo Miura: Estoy aprovechando mucho, después del tiempo de la pandemia y eso, para revisar mis trabajos minuciosamente. De ahí salió esta exposición y la segunda parte, que se va a llamar Mis archivos pintados. La documentación ya está hecha. Y presenté hace cinco años, en el Museo de Casa de la Moneda, este trabajo, junto a otras obras. De ahí surgió esta nueva serie que ves. Estaba hecha de mis historias, y pensé cómo pintar estos archivos, y trasladarlos.
TLCM: ¿Se puede afirmar que es como una remasterización de tus obras pasadas?
Mitsuo Miura: Sí, se puede decir que es una remasterización, como en música; o todo proyecto, que es pasado, trasladarlo a proyecto de futuro. La interpretación cambia mucho, porque no es lo mismo algo que hice a los cincuenta años, con lo que puedo hacer ahora a los setenta y cinco. En el momento presente, puede mejorar; o cambiar el sentido. No se trata de copiar, se trata de cómo traslado esos trabajos, según el conocimiento de ahora.
TLCM: ¿La revisión de tus archivos ha cambiado mucho tu perspectiva, en términos de tecnología y materiales?
Mitsuo Miura: Ahora entiendo todo este tipo de cosas como otra experiencia. Con la edad, entiendes de otra manera. Se trata de ajustar todo el material que tengo, al tiempo actual. Ningún material se muere realmente, le puedes dar otra vida, si quieres. No se trata de que si vivo ahora tengo que empezar con una tecnología nueva. La tecnología es el material, y lo importante es el concepto. Tengo posibilidad de entender esa época con más conocimiento, y voy a intentar conseguirlo.
Nota: Dos tiempos (Serie Show Window, 2001-2007) Mis archivos, 2021 estará abierta al público hasta el próximo 22 de enero de 2022, en la Galería Cayón (Madrid, Blanca de Navarra 7-9).
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