Muchas Felicidades. Tres visiones y más de la idea de felicidad” (Editorial Ariel) es el título de un imaginativo libro en el que Fernando Savater, Carlos García Gual y Javier Gomá Lanzón exploran la evolución histórica de lo que se entiende por happiness.

La felicidad ha ido perdiendo su sentido real y hedonista conforme ha avanzado el tiempo

La felicidad ha ido perdiendo su sentido real y hedonista conforme ha avanzado el tiempo

Estado del ánimo que se complace en la posesión de un bien”. Con semejante guisa de perfume consumista, la primera acepción del diccionario de la RAE con respecto a la palabra felicidad encierra en sí misma una sutil tendencia hacia el hedonismo voluntario.

Entendidos como seres creados para satisfacer sus ansias individuales, el hombre y la mujer deberían tender por naturaleza –y a tenor de la citada definición- a cumplir los impulsos destinados a provocar el triunfo de sus apetencias. Así podría resumirse el pensamiento de filósofos como Epicuro, los cuales no aceptaban las amarguras impuestas desde instancias sociales o religiosas.

Fernando Savater ya ha tratado el tema de la felicidad en otras obras, como "El contenido de la felicidad" (1996)

Fernando Savater ya ha tratado el tema de la felicidad en otras obras, tales como “El contenido de la felicidad” (1996)

Ante este planteamiento, ¿es justo pensar que la civilización progresiva ha conllevado a la frustración y la tristeza? Preguntas como esta, esculpidas con el mármol de las complicaciones existenciales, son las que han llevado a Fernando Savater, Carlos García Gual y Javier Gomá Lanzón a escribir a seis manos el ensayo “Muchas felicidades. Tres visiones y más de la idea de felicidad“, que publica Ariel como guía didáctica sobre la evolución del universal y obsesivo término.

LA FELICIDAD A CUALQUIER PRECIO

A lo largo de las centurias, la satisfacción anímica de la raza humana ha sido un modelo esquivo y poliédrico, siempre sujeto a los vaivenes de las circunstancias históricas y personales. De esta manera, en la Grecia clásica, los estudios apuntaban hacia la idealización de una condición completa y posible de los paraísos terrenales. El individuo se revelaba para esta corriente de eruditos como un animal capacitado para acceder a la felicidad sin más, y lo que le alejaba de la misma eran los condicionantes provenientes del hábitat en el que este se movía.

Carlos García Gual es un experto en exponer los contrafuertes helenísticos de la felicidad

Carlos García Gual es un experto en ilustrar sobre los contrafuertes helenísticos de la felicidad

La caverna platoniana hablaba de percepciones distorsionadoras, pero la cuestión se agravaba en suma con la dedicación a los pensamientos abstractos, normalmente sujetos al dogmatismo espiritual y político. El martirio sublimado y la necesidad del sufrimiento vital -junto a la supuesta pequeñez en el cosmos de los hijos de Adán y Eva, frente a la supremacía divina- fueron configurando unas teorías más esquivas de la felicidad, diametralmente alejadas de las que ocupaban las mentes de los atenienses en la era del atomista Epicuro de Samos (341 a. C.- Atenas, 270 a.C).

Pensadores de todo signo y tendencia han tenido alguna vez como heroico protagonista a ese estado -llamado felicidad- que escapa a los armazones de la aldea global; y que, sin embargo, llena la boca y los sueños de los terrícolas a cada hora del día. Para unos, el dinero; para otros, el amor; para muchos, la salud… la dama de las plenitudes exultantes esconde con frecuencia su faz de nobiliario fantasma, para tomar los rasgos intercambiables del legado enciclopédico.

Javier Gomá Lanzón incorpora su sentido didáctico a esta sorprendente guía sobre la felicidad

Javier Gomá Lanzón incorpora su sentido didáctico a esta sorprendente guía sobre la felicidad

Dentro de la acotación de la eterna búsqueda del Dorado interior, Savater, García Gual y Gomá Lanzón son conscientes de la imposibilidad de sentar una pétrea cátedra sobre un proyecto tan resbaladizo como este. Por eso optan por clavar sus posturas en las ranuras de la documentación dialogante, en el pretérito más lúcido de un objeto de estudio tan necesario como volátil.

Arthur Schopenhauer, Jean-Paul Sartre, Soren Kierkegaard, Lord Byron, John Locke e incluso John Lennon; las visiones de la felicidad son tan diferentes y variables como ciudadanos hay en el planeta. Un recorrido que el trío de intelectuales efectúa con manga ancha, y con pleno acomodo a la claridad expositiva.

Hundidos en la crisis de las éticas institucionales, y amortajados por los futuros fundidos a negro, trabajos como “Muchas felicidades” alumbran con ingenio las estancias oscurecidas de las esperanzas difusas. Aventuras bastante más estimulantes y orientativas, que las esgrimidas por el caudal libresco de la autoayuda manufacturada por los emergentes psicodramaturgos.

Epicuro resulta un excelente puntal desde el que los tres autores desgranan los elementos asociados a la felicidad

Epicuro resulta un excelente puntal, desde el que los tres autores desgranan los elementos asociados a la felicidad

Más información en

http://www.planetadelibros.com/muchas-felicidades-libro-168649.html/

 

Frank Sinatra regresa a la actualidad con la edición de “London” (Universal Records), un completo pack de sus conciertos y grabaciones más importantes efectuados en la tierra de William Shakespeare.

Frank Sinatra es el protagonista absoluto de una colección que forma parte de la historia del pasado siglo XX

Frank Sinatra es el protagonista absoluto de una colección que forma parte de la historia del pasado siglo XX

El hombre con zapatos de vagabundo, que quería ser el top of the list en la urbe que nunca duerme (conocida en las enciclopedias como Nueva York), también arrancó esquirlas de admiración en la aristocrática  metrópoli del Big Ben.

A tres años de cumplir el medio siglo, Francis Albert “Frank” Sinatra (Hoboken, Nueva Jersey, 1915- West Hollywood, California, 1998) triunfó como el rey de los crooners en las entrañas del londinense Royal Festival Hall, en 1962.

A partir de ese momento, las actuaciones que protagonizó el ganador del Oscar por De aquí a la eternidad destilaron la categoría de las voces horneadas en la fragua de la genialidad, al tiempo que permitieron exhibir en las islas el talento de uno de los mejores cantantes melódicos del pasado siglo XX.

 

El recopilatorio de Frank Sinatra muestra la intensa relación del cantante con la capital de Gran Bretaña

El recopilatorio de Frank Sinatra muestra la intensa relación del cantante con la capital de Gran Bretaña

A dieciséis inviernos desde su fallecimiento, Universal Records recupera ese intenso y confesado romance entre el man y la city, amor a dos bandas que el el trovador de “Strangers In The Night” mantuvo con la capital del Reino Unido. La citada discográfica ilustra tan apasionante affaire por medio de un deslumbrante cofre, compuesto por tres compactos (“Great Songs From Great Britain“, “Sessions” y “Live At The Royal Albert Hall de 1962“); dos DVDs (correspondientes a los conciertos dados en The Royal Albert Hall, en 1970, y en The Royal Festival Hall, en 1962), un libro de sesenta páginas con fotografías de sobresaliente calidad visual y dos carteles promocionales del artista.

Tal es el regalo propuesto para los fans de FS: obsequio que dibuja la inmensa faz del señor que hizo de Los Ángeles su dama de la suerte, y que enmudecía las ruletas de los casinos en Las Vegas cuando sacaba a pasear su garganta prodigiosa.

FRANK SINATRA, EL EUROPEO DE ADOPCIÓN

Los cincuenta temas que conforman “London” son pedazos insustituibles en la historia de “the Voice”, a la vez que se posicionan como memorias latentes de los hombres, mujeres y niños que alguna vez soñaron al ritmo de sus letras inspiradoras.

Frank Sinatra comparece ante sus fans a lo largo de tres CDs, un DVD y un libro de sesenta páginas

Frank Sinatra comparece ante sus fans a lo largo de tres CDs, dos DVDs y un libro de sesenta páginas

Esa naturaleza de documento vital y necesario se hace visible como el denominador común de “London“, sensación que aparece incluso verbalizada por las propias palabras de Sinatra; las cuales sirven para presentar cada uno de los cortes que inmortalizan los inolvidables conciertos, ofrecidos por el de Nueva Jersey en la ciudad del Támesis.

The Very Thought Of Out“, “We’ll Gather Lilacs“, “If I Had You“, “London By Night“, la nostálgica “We’ll Meet Again“, “Fly Me To The Moon“, “The Lady Is A Tramp” o “My Way” se materializan con la magia del vivo y el directo, a través de los surcos metálicos del esperado álbum. Cancionero de larga trayectoria y emocionantes notas, que se ve alimentado con un interesante ramillete de declaraciones realizadas por Frank, y rescatadas de los archivos del programa de radio BBC Light Programme (espacio fechado en 1962).

"London" comienza con una brillante remasterización del clásico "Great Songs From Great Britain"

“London” comienza con una brillante remasterización del clásico álbum “Great Songs From Great Britain”

A estas alturas, resulta incluso sorprendente que los responsables de semejante proyecto hayan podido vestir con los ropajes de la tecnología auditiva un conjunto tan numeroso de líricas inéditas, entre las que destaca la desconocida “A Foggy Day“. Un catálogo de felices descubrimientos, coronado por el leitmotiv de refrescar trabajos del estadounidense un tanto abandonados en el baúl de los objetos perdidos.

Durante las más de seis décadas que Sinatra lideró las discotecas de los terrícolas, pasaron con la sombra de los hielos amortajados acontecimientos como la Segunda Guerra Mundial, la división del mundo entre Comunismo y Capitalismo, la llegada del hombre a la Luna o la caída del Muro de Berlín.

Toda una galería de hechos determinantes en la historia contemporánea, que hermanaron sus consecuencias al calor de la banda sonora entonada por este tipo de ojos azules y registros sorprendentes. Un héroe con esqueleto de crooner, bautizado por sus padres como Francis Albert.

Frank Sinatra alimentó la leyenda de sus directos después de sus actuaciones en The Royal Albert Hall de Londres

Frank Sinatra alimentó la leyenda de sus directos después de las actuaciones en The Royal Albert Hall de Londres llevadas a cabo en 1970, 1975 y 1984

Más información en

http://www.store.universalmusic.com/udiscover/*/Deluxe-Boxsets/Sinatra-London/31D503QU000

Kate Winslet encabeza el reparto de la segunda película como director de Alan Rickman (tras “El invitado de invierno“). Un filme titulado “A Little Chaos“, en el que se cuenta la brillantez de una diseñadora del siglo XVII llamada Sabine de Barra.

Kate Winslet vuelve a coincidir con Rickman, casi veinte años después de "Sentido y Sensibilidad"

Kate Winslet vuelve a coincidir con Rickman, casi veinte años después de “Sentido y Sensibilidad”

Luis XIV de Francia (también conocido como el Rey Sol) no solo fue el monarca más longevo de la Historia (superó en el trono, por ocho años, a la Reina Victoria), sino que también consiguió elevar a las alturas del estrellato a los servidores que campaban por sus rocambolescos territorios.

No hace mucho, poco más de una década, François Vatel (el cocinero más voluminoso en la Corte del gobernante francés) accedió a las pantallas cinematográficas de la mano de Roland Joffé, retrato que el director de “La misión” regó con excelente vino tinto y con el físico de Gérard Depardieu como plato principal. Y ahora le toca el turno a la figurada jardinera de Versalles, una chica surgida de la imaginación de Jeremy Brock y Alison Deegan que lleva el nombre de Sabine de Barra.

Probablemente, cuando Alan Rickman comenzó a rodar “A Little Chaos”, los aristocráticos huesos de André Le Nôtre (el hasta creador verdadero de las pletóricas naturalezas albergadas en el palacio más célebre de la patria de Victor Hugo) amenazaron con revolverse en su cuidada sepultura. Aunque el conocido arquitecto y paisajista del siglo XVII sin duda calmó pronto su pesar, al tomar constancia -entre nocturnidades eternas- de la carga romántica con la que el álter ego de Severus Snape había reflejado la aparición del también responsable de los jardines del Palacio de Windsor (cuyos planos ejecutó para Guillermo III de Inglaterra).

Kate Winslet encarna a la jardinera y arquitecta de ornamentos naturales Sabine de Barra

Kate Winslet encarna a la jardinera y arquitecta de ornamentos naturales Sabine de Barra

KATE WINSLET SUFRE Y LLORA EN EL SIGLO DE LOS TRES MOSQUETEROS

Después de grabar “El invitado de invierno” (obra que firmó en 1997), AR vuelve a ponerse detrás y delante de las cámaras, para contar el guion redactado por los casi noveles Jeremy Brock y Alisson Deegan. Para ello, el veterano actor ha contado con el apoyo financiero y artístico de Lionsgate Films UK y BBC Films; dentro de una empresa audiovisual que -independientemente de lo que habría sido lo normal- no ha generado ni uno solo de sus fotogramas en las explanadas versallescas.

Rodada en su mayor parte en los Pinewood Studios, Black Park, Cliveden House y Blenheim Palace, “A Little Chaos” sigue las andanzas de una mujer con ideas de progreso en su mente, pero lastrada por una sociedad abiertamente machista. Sabine de Barra tiene talento a la hora de desplegar las plantas y las flores; sin embargo, el reconocimiento hacia su trabajo nunca se acerca a sus sueños de coloristas perspectivas.

Kate Winslet vive en el filme un apasionado romance con Matthias Schoenaerts, quien hace de André Le Nôtre

Kate Winslet vive en el filme un apasionado romance con Matthias Schoenaerts, quien hace de André Le Nôtre

No obstante, cuando la joven es requerida para adornar Versalles, esta puede convertirse en su gran prueba de fuego. Pero la situación no iba a ser nada fácil, ya que contentar a Luis XIV no era moco de pavo. Aparte, su relación amorosa y apasionada con el arquitecto y jardinero real que la contrata (André Le Nôtre) no hará más que quemar las alas de la creadora con ansias de triunfo.

Experto en testar intérpretes, Alan Rickman ha confiado el papel protagonista a Kate Winslet, con la que mantiene una larga relación amistosa, cimentada desde que ambos trabajaran a las órdenes de Ang Lee en la adaptación de “Sentido y sensibilidad” (1995).

Tal decisión ha ayudado a que el aún poco prolífico director restara algo riesgo añadido, a esta segunda aventura en formato de celuloide que configura su carrera como cineasta. Una decisión comprensible, sobre todo a la hora de enfrentarse a un proyecto en el que el elenco actoral y la cuidada ambientación de época son dos de los elementos primordiales de cara a la atracción del filme.

Alan Rickman se ha reservado el papel de Luis XIV

Alan Rickman se ha reservado el papel de Luis XIV

Tras su paso por el Festival de Toronto, parece que los comentarios de la prensa especializada no han sido del todo malos. Un crédito de saludable energía que Rickman también debe agradecer al resto de sus compañeros escénicos, entre los que se encuentran Stanley Tucci, el belga Matthias Schoenaerts y Jennifer Ehle.

La próxima primavera, las salas de USA recibirán el estreno de esta cortesana historia. Para entonces, si alguien escucha los lamentos de un jardinero bautizado André Le Nôtre, que no se asuste; ya que son solo los cantos versallescos de un maestro cuya labor nunca va a quedar en entredicho.

"A Little Chaos" llegará a las salas estadounidenses en la primavera de 2015

“A Little Chaos” llegará a las salas estadounidenses en la primavera de 2015

Tráiler oficial de “A Little Chaos“, proporcionado por LionsgateFilmsUK

Más información en http://www.bbc.co.uk/bbcfilms/film/a_little_chaos

Estimados amigos:

Desde la atalaya informática que supone The Living Culture Magazine (TLCM), aprovecho la ocasión para felicitaros las fiestas. No sin antes recomendaros que disfrutéis mucho de estas jornadas de asueto, y que no perdáis la oportunidad de asistir a algún evento cultural (no importa la geografía, el idioma, el presupuesto o la naturaleza del mismo).

¡Qué os vaya bonito!

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Samuel Beckett y Billie Whitelaw nunca fueron marido y mujer, pero su relación profesional arrancó algunas de las mejores páginas del teatro contemporáneo. La muerte de la actriz, ocurrida el pasado 21 de diciembre, ha refrescado una de las amistades más prolíficas de la escena en el siglo XX.

Samuel Beckett y Billie Whitelaw se conocieron en 1963

Samuel Beckett y Billie Whitelaw se conocieron en 1963

El número veinticinco aparece como una triste elegía clásica, cuando alguien se acerca a la biografía compartida entre la mejor Josefina de la historia de la televisión (interpretación efectuada para la serie “Napoleón y el amor”, en 1974) y el autor de “Esperando a Godot”.

Un cuarto de siglo es lo que duró la amistad mantenida por este par de seres canibalizados por el arte; y el mismo lapso es el que ha mediado entre la muerte de uno y de otro.

Un día antes de la fecha en la que se cumplían los veinticinco inviernos de la desaparición de Samuel Beckett (Dublín, Irlanda, 1906- París, Francia, 1989), el cruel destino ha querido que la actriz Billie Whitelaw (Coventry, Warwickshire, 1932- Hampstead, Londres, 2014) falleciera en su colectiva residencia capitalina: rodeada por recuerdos de plateas y aplausos, de directores generosos y caracterizaciones memorables, de sueños frente a los focos y reseñas admirativas.

Samuel Beckett escribió varias de sus obras pensando en Billie Whitelaw

Samuel Beckett escribió varias de sus obras pensando en Billie Whitelaw

Lo que sentimos fue una confianza al primer vistazo”; así definió la terrorífica niñera de “La profecía” el pálpito que la embargó en 1963 (traducido directamente de la biografía de la actriz, publicada en 1996 bajo el título de “Who He?”), momento en que BW tuvo el contacto iniciático con Beckett. Un lazo invisible de inspiraciones portentosas, que se mantuvo inalterable hasta el momento de la defunción del dramaturgo y novelista.

SAMUEL BECKETT Y BILLIE WHITELAW, EVOLUCIONES A GOLPE DE MONÓLOGOS

No resulta nada exagerado afirmar que Billie Honor Whitelaw fue para el creador de “El innombrable” el alter ego femenino de Jack MacGowran. El cofundador con Eugène Ionesco de lo que se vino a llamar Teatro del Absurdo (calificación un tanto estrecha para incluir todo el universo que configuró la inmensidad del legado del dublinés) se sintió subyugado por la belleza esquiva de la muchacha de Coventry, a la que conoció en el momento en que esta contaba tan solo veintinueve primaveras.

"Play" fue una de las primeras piezas que Samuel Beckett elaboró para Billie Whitelaw

“Play” fue una de las primeras piezas que Samuel Beckett elaboró para Billie Whitelaw

Las facciones de tintes helenos y mediterráneos de Whitelaw no reproducían los típicos rasgos de las Rosas Inglesas, sino que eran más bien todo lo contrario. Una mirada capaz de desarmar los argumentos de los espíritus dubitativos y la actividad inteligente de un timbre deslumbrante fueron suficientes complementos para que la joven se transformara en musa, y para que el Nobel de  la Literatura en 1969 rindiera su pluma a los afectos profesionales que le transmitía esa chica tocada con la varita del ingenio.

Beckett nunca prefirió a otra intérprete antes que a Billie, e incluso se mostró un tanto decepcionado cuando la dama tuvo que ofrecer -por cuestiones de agenda y asuntos privados- su papel en “Eh Joe” a la no menos perfecta Siân Phillips, para la versión de la pieza que se efectuó al calor de la BBC2, en 1965.

en "Not I", Samuel Beckett utilizó a Billie Whitelaw como boca reflexiva

En “Not I”, Samuel Beckett utilizó a Billie Whitelaw como boca reflexiva

Fruto de ese amor declarado hacia el trabajo de BW, el literato isleño obsequió a su pupila rubia y de ojos claros con un ramillete de escritos, que harían las delicias de cualquier estrella con hálito de triunfo. Un conjunto de títulos que incluían las visionarias percepciones de “Play”, “Eh Joe”, “Happy Days”, “Not I”, “Footballs” y “Rockaby”.

Sin embargo, Mrs. Whitelaw nunca fue una mujer especialmente interesada en los honores multitudinarios. El ADN de la colaboradora de gente como Alfred Hitchcock (para el que actuó en “Frenesí“) y Orson Welles (quien la utilizó como voz en off para “Mr. Arkadin“) se movía más por los impulsos de las aventuras arriesgadas, que por el éxito vacuo de lo simplemente mediático.

Al final, cuando la efervescencia dejó de hacer el efecto hipnótico en su ánima y el público excesivo comenzó a congelar su energía, la propia Billie decidió alejarse de los escenarios voluntariamente, sin resentimientos ni exclusivas.

Esto ocurrió un tiempo después de la muerte de su admirador Samuel Beckett.

Tras la marcha de ambos, únicamente queda el fulgor de los esplendores en la hierba, dormidos con el rumor activo de los monólogos robados a la sinrazón de lo inverosímil… coloreados con los pinceles de la imaginación eterna…

"Happy Days" ya estaba en circulación cuando Samuel Beckett conoció a Billie Whitelaw, pero su relación ayudó a dotar al texto de su fisonomía actual

“Happy Days” ya estaba en circulación cuando Samuel Beckett conoció a Billie Whitelaw, pero su relación ayudó a dotar al texto de su fisonomía actual

Más información en http://www.amazon.com/Billie-Whitelaw-Who-He/dp/0312139292

La muerte de Joe Cocker, producida por un traicionero cáncer de pulmón a los setenta años, ha dejado huérfana a la música de una de las mejores voces con acordes de soul y aroma a sudor de barra, siempre regada con una pinta de enérgica cebada. Esforzado, singular y aguerrido; el solista británico deja como legado un puñado de canciones de las que forman parte de la banda sonora de generaciones enteras.

Dentro de ese extenso lienzo de letras y experiencias, “You Are So Beautiful” es una lírica sencilla y emocionante, digno emblema de las notas orquestadas por este hombre de inmensa dicción distorsionada. No obstante, la balada no fue concebida en su génesis para Cocker (de hecho, fue grabada en 1974 por Billy Preston, para el disco “The Kids And Me“; pero la versión del intérprete de “You Can Leave Your Hat On” es de las que elevó a la trova de Preston y Bruce Fisher a los altares de los trabajos que marcan época. Tal gesta la llevó a cabo el artista nacido en Sheffield en su vinilo “I Can Stand A Little Rain” (también fechado en 1974); y, pese al transcurso del tiempo, su estribillo sigue siendo una de las declaraciones de amor más aceradas e impactantes.

Sirva como homenaje a John Robert Cocker y aYou Are So Beatifulesta grabación que Ricardo Ruiz tiene colgada en su canal de youtube.

David Baldacci y Mary Higgins Clark se suben al carro de los renos fineses para repartir sus últimas obras: “The Escape” y “The Cinderella Murder“, respectivamente.

David Baldacci presenta la tercera aventura del enérgico agente John Puller

David Baldacci presenta la tercera aventura del enérgico agente John Puller

El día en que Santa Claus reparte sus regalos procedentes de Laponia suele ser una fecha marcada a fuego en la cabeza de los que tienen algo que vender. Y los escritores entran de lleno en la citada categoría.

No obstante, no resulta habitual encontrarse a la vez a tres pesos pesados de la ficción literaria norteamericana, compitiendo para meter sus recién condimentados textos en los calcetines navideños. Un trío de ases que en realidad es una pareja, sobre todo si se tiene en cuenta que por un lado está David Baldacci; y por el otro –en voluntariosa unión- se hallan las damas Mary Higgins Clark y Alafair Burke.

El primero de los citados presenta estos días en el circuito anglosajón la tercera novela de su saga, dedicada al veterano de guerra John Puller: un relato repleto de persecuciones, titulado “The Escape“. Mientras que el dueto de féminas firma a cuatro manos una trama con asesino en serie incluido, nominada estratégicamente “The Cinderella Murder“.

Mary Higgins Clark, la reina del misterio asentado en la clase media alta de USA, se une a Alafair Burke en su última novela/ Photo Credits: maryhigginsclark.com

Mary Higgins Clark, la reina del misterio asentado en la clase media alta de USA, se une a Alafair Burke en su última novela/ Photo Credits: maryhigginsclark.com

DAVID BALDACCI Y MARY HIGGINS CLARK, MILLONES DE EJEMPLARES VENDIDOS A SUS ESPALDAS

Nacido en 1960, en la localidad Richmond (Virginia, USA), David Baldacci representa a una generación de escritores vitaminados con el triunfo. Como su colega John Grisham, la profesión inicial de este narrador era la de abogado, aunque pronto colgó la toga para dedicarse a cocinar best sellers como rosquillas.

El primero de los éxitos del virginiano fue “Poder absoluto” (argumento que popularizó Clint Eastwood en la homónima película de 1997), y así hasta foguear un buen puñado de novelas, divididas en series: tales como la de Will Robie, la de Sean King y Michelle Maxwell, la de Shaw y Katie James y la de Camel Club. Dentro de ese organigrama, John Puller es como el chico más activo del faustoso conjunto de héroes ideados por Baldacci.

David Baldacci narra en "The Escape" un argumento sobre traiciones en las esferas del poder

David Baldacci narra en “The Escape” un argumento sobre traiciones en las esferas del poder

En “The Escape“, el competente y arriesgado agente del gobierno JP se enfrenta a una aventura en la que se desvelan muchos de los interrogantes respecto a su escurridiza personalidad. A través de una odisea a contrarreloj, el ex militar se verá metido en un peligroso entramado para salvar la vida de Robert, su hermano mayor: preso por traición en una cárcel de máxima seguridad, de la que escapa para probar su inocencia.

Por su parte, la ya octogenaria Mary Higgins Clark (Nueva York, 1927) apuesta por un terreno que domina de sobra: el de los asesinatos sin resolver (género al que permanece asociada desde “¿Dónde están los niños?“, argumento con el que saltó a la fama en 1975). Con esta temática de trasfondo salvaje, toma cuerpo “The Cinderella Murder“; la última novela de la veterana writer, en la que comparte créditos con la joven y exitosa Alafair Burke (Florida, 1969).

Mary Higgins Clark y Alfair Burke se acercan peligrosamente a la psique de un homicida salvaje

Mary Higgins Clark y Alafair Burke se acercan peligrosamente a la psique de un homicida salvaje

Ambientado en el mundo de la televisión norteamericana, el relato centra su atención discursiva en el cosmos de la productora Laurie Moran, encargada de poner en antena un reality llamado Under Suspicion.

Un día, aparece en el espacio un muchacho que reclama justicia para aclarar la muerte de su novia: una bella estudiante de la universidad de UCLA, que responde a la identidad de Susan Dempsey. Las pesquisas llevadas a cabo por Moran y su invitado Alex Buckley concluyen que la chica ha sido víctima de un serial killer, al que le gusta que ser apodado como El Asesino de Cenicienta

Todavía no hay una fecha fija para la aparición en las librerías españolas de los mencionados books. Sin embargo, cuando este par de historias sean traducidas a la lengua de Cervantes, seguro que ya habrán colmado las expectativas de entretenimiento de muchos lectores con acento anglosajón. Eso sí, siempre que estos hayan especificado su ansias peticionarias en la debida carta dirigida al orondo Papá Noel.

David Baldacci ya había publicado en 2014 "The Target", esta vez con Will Robie como protagonista

David Baldacci ya ha publicado en 2014 “The Target”, esta vez con Will Robie como protagonista

¡Es la norma que conlleva la Navidad, y estas fechas destinadas a encargar regalos!

Más información en

http://www.davidbaldacci.com/

http://www.maryhigginsclark.com/

http://www.alafairburke.com/

Charles Stewart y sus treinta dibujos para “El tío Silas“, de Le Fanu, son objeto de una completa exposición, que The Royal Academy Of Arts tiene previsto inaugurar en Londres el próximo 20 de diciembre.

Charles Stewart inunda el interior de The Royal Academy Of Arts con sus creaciones de estilo gótico/ Photo Credits: The Royal Academy Of Arts

Charles Stewart inunda el interior de The Royal Academy Of Arts con sus creaciones de estilo gótico/ Photo Credits: The Royal Academy Of Arts

Charles Stewart1El papel se quedaba escaso en su extensión de blancura cegadora, cuando las afiladas plumas de gente del calibre de Paul Gustave Doré, Hablot Knight Browne (Phiz) o Rex Whistler comenzaban a imaginar los rasgos de las novelas y los cuentos.

A través de sus pinceles ahogados en tinta y grafito, los relatos de los Grimm, Dickens o Jonathan Swift adquirieron sueño en sus letras y fantasía en sus párrafos.

Dentro de ese gremio de intérpretes ingeniosos de la literatura, Charles William Stewart fue un ilustrador con arcadas de espectrales visiones, tocado por un profundo sentimiento victoriano, que desbordó al compás de las páginas de “El tío Silas” (el texto breve escrito por el narrador dublinés Joseph Thomas Sheridan Le Fanu). Tal maestro de las líneas historiadas es actualidad en la temporada artística de la ciudad del Big Ben, al convertirse en el protagonista de la exposición Black And White Gothic, que la Royal Academy Of Arts abrirá el 20 de diciembre.

Charles Stewart llegó a la ilustración por su pasión por el ballet/ Photo Credits: The Royal Academy Of Arts

Charles Stewart llegó a la ilustración a través de su pasión por el ballet/ Photo Credits: The Royal Academy Of Arts

CHARLES STEWART Y EL MISTERIO DE LAS CASAS MISTERIOSAS

En clave de sentido homenaje, la institución capitalina ha montado un recorrido compuesto por algunos de los dibujos más celebrados del fundador del Museo del Traje de Shambellie House (situado cerca de Dumfries, en Escocia). Tres decenas de decorados casi teatrales que cuentan la existencia del oscuro Silas y de su ingenua sobrina Maud.

Al hilo del argumento ideado por Le Fanu, las láminas de Stewart hunden sus inspiraciones en las fantasmagóricas estancias de la mansión a la que acude Maud, una chica que  se ve obligada a residir con su tío (Silas) después de la muerte de sus padres.

Rodeada por una insondable atmósfera de terror decimonónico, la protagonista irá descubriendo lo que oculta su reservado pariente. Revelaciones que parecen losas de texturas sobrenaturales, esculpidas por las ilustraciones del genial y polifacético diseñador nacido accidentalmente en Ilo-Ilo (Islas Filipinas).

Charles Stewart falleció en 2001 a los ochenta y cinco años

Charles Stewart falleció en 2001, a los ochenta y cinco años

POLIÉDRICO Y MULTIDISCIPLINAR

Cuando Charles Stewart murió en 2001 (a la avanzada edad de ochenta y cinco años), dejaba tras de sí una vida llena de emociones constantes, normalmente asociadas con su pasión por el arte y la escenografía.

Hijo de un comerciante de ultramar, el brillante dibujante comenzó su afición por la Cultura a través del ballet, cuando intentó infructuosamente convertirse en bailarín. No obstante, este fracaso a medias le valió para dirigir sus pasos hacia el diseño. Una afición que se había despertado en él desde su niñez, cunado se topó por casualidad con una bella muñeca de porcelana del siglo XVIII, mientras esta lucía su semblante congelado en el escaparate de una tienda de Edimburgo.

A partir de esas emulsiones, el británico encaminó su senda profesional hacia los terrenos de un Toulouse-Lautrec privado de los lienzos, solamente interesado en el papel y las plumas de punta afilada. Con sus escenas, el propietario de la casa construida por el arquitecto David Bryce ayudó a que el libro de Le Fanu volara por cielos que el autor ni siquiera percibió al publicar su cuento en 1864.

Una virtud de inspiración compartida a la que la Royal Academy Of Arts de la urbe del Támesis no ha dudado en vestir con los honores de lo excelso, y en adornarla con los laureles de la maestría.

La muestra versa sobre la relación artística entre Charles Stewart y "El tío Silas", de Le Fanu

La muestra versa sobre la relación artística entre Charles Stewart y “El tío Silas”, de Le Fanu

Más información, entradas y horarios en http://www.royalacademy.org.uk/exhibition/charles-stewart

Rinoceronte exhibe los mecanismos del Teatro del Absurdo en el interior del María Guerrero. Pepe Viyuela y Fernando Cayo protagonizan esta adaptación de la homónima obra de Ionesco, que dirige Ernesto Caballero.

Rinoceronte estará en la capital hasta el próximo 8 de febrero de 2015

Rinoceronte estará en la capital hasta el próximo 8 de febrero de 2015

En 1959, los totalitarismos aún tenían enaguas de movie star en la política internacional.

Apenas una década después de la caída del Fascismo italiano y del Nacionalsocialismo alemán, Eugène Ionesco imaginó una obra de teatro en la que la metamorfosis anulaba la voluntad, y en la que subyacía la conversión de las masas a través de la sinrazón de los cambios sociales.

Rinoceronte llegó a las salas cuando el mundo se dividía entre barras y estrellas y las hoces y los martillos sobre fondos rojos; cuando los terrícolas seguían las corrientes dominantes de las ideas colectivas; cuando la escena cultural demandaba a grito pelado propuestas ajenas a las camisas de fuerza, normalmente impuestas subrepticiamente por los poderes ejecutivos.

En esa época, que presagiaba el desembarco rabioso del mayo parisino del 68 y que ya dormía pesadillas con el chute literario de la generación beat, España todavía andaba sometida al yugo férreo de una dictadura de grisáceas perspectivas, sin ánimo para levantar la cabeza en busca de un hermanamiento oficial con las corrientes del pensamiento más renovador y surrealista.

Rinoceronte muestra un montaje que recuerda las oscuras sensaciones de los relatos de Kafka/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Rinoceronte muestra un montaje que recuerda las oscuras sensaciones de los relatos de Kafka/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Han pasado muchos inviernos desde entonces, pero las ascuas de semejante fuego compartido aún están más que vivas en las palabras de Rinoceronte. Un calor necesario y esclarecedor que resurge como el Ave Fénix en la Piel de Toro del 21% de IVA y de las corruptelas en las cúpulas mandatarias; alojado para tan especial ocasión dentro de la egregia arquitectura del Teatro María Guerrero de Madrid (Calle de Tamayo y Baus, 4)

RINOCERONTE Y EL VIRUS DE LA ALIENACIÓN

El tema de la voluntad es el eje central de este mordaz relato que se emplea a fondo en la suscitación de múltiples preguntas sobre nuestra responsabilidad,  tanto individual como colectiva. Así por ejemplo, qué postura debemos o podemos adoptar con respecto a la degradación generalizada de la sociedad,  o ante determinadas propuestas para su radical transformación”,  explica Ernesto Caballero, el director y máximo responsable de la nueva versión de la pieza, que estará en La Villa y Corte hasta el próximo 8 de febrero de 2015.

Rinoceronte es una ácida reflexión sobre los totalitarismos y la voluntad/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Rinoceronte es una ácida reflexión sobre los totalitarismos y la falta de voluntad para resistir/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

La acción arranca en un figurado pueblo de una geografía kafkiana, lugar espectral donde viven dos amigos llamados Juan y Berenger. Ambos tienen una estrecha relación, hasta que tienen noticias de un rinoceronte fugado. Es entonces cuando empieza a cambiar la naturaleza del primero de ellos.

Sin saber muy bien por qué, el resto de los habitantes del enclave también sufren los mismos síntomas que Juan, los cuales les convierten en bestias sin capacidad para preservar su individualidad. Tan solo Berenger permanece indemne ante los efectos desatados por el misterioso mal.

Rinoceronte fue estrenada originalmente en 1959/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Rinoceronte fue estrenada originalmente en 1959/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Como en la mayoría de las obras concebidas por Ionesco, lo singular se impone como una dolorosa elección en medio de lo considerado como normal y mayoritario: una paradoja de voluntariedad que  subyacía igualmente en algunos de sus títulos más celebrados, como “La cantante calva” y “El nuevo inquilino“. Dentro de semejante realidad, los juegos de palabras pergeñados por el dramaturgo rumano sirven a Caballero para enlazar una trama reflexiva y de rabiosa actualidad, muy emparejada en esencia a esta virtual tristeza del siglo XXI; llorosa dama de infortunios poblacionales, muy dada a dejarse manipular por las mentes maquiavélicas.

Un ecosistema de engranajes expresionistas (con un aura casi de boceto de Chagall y de Kokoschka) en el que los actores se mueven como enfermos encerrados en un manicomio existencial. Un elenco donde participan -con los uniformes de la pasión visceral- Pepe Viyuela, Fernando Cayo, Janfri Topera y Fernanda Orazi, entre otros.

La obra de Ionesco ha ganado fulgor con la complicada situación social en la España de 2014/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

La obra de Ionesco ha ganado fulgor con la presente situación social/ Photo Credits: CDN y Valentín Álvarez

Vídeo de “Rinoceronte“, proporcionado por el CDN

 

Más información, entradas y horarios en http://www.cdn.mcu.es/

Léa Seydoux toma el testigo de Paulette Goddard y Jeanne Moreau en la nueva adaptación de “Le Journal D’une Femme De Chambre“. El veterano director Benoît Jacquot es el encargado de testar a la francesa con el uniforme de criada.

Léa Seydoux viajó al siglo XIX antes de meterse en la piel de Madeleine Swann, la chica Bond de "Spectre"

Léa Seydoux viajó al siglo XIX antes de meterse en la piel de Madeleine Swann, la chica Bond de “Spectre”

Octave Mirbeau imaginó a Célestine como una fémina de papel, con cofia y delantal cosidos a base de tinta y palabras.

Cuando el novelista soñó con esta mujer de ambivalente moral, el personaje aún no había adquirido los rasgos de Paulette Goddard y Jeanne Moreau; pero en su genética anidaban los contornos de las mencionadas estrellas del cine. Un retrato de facciones cambiantes y diversas, al que acaba de sumar las suyas la joven Léa Seydoux.

La musa virginal de “La bella y la bestia” es la protagonista de “Jorunal D’une Femme De Chambre“, la película dirigida por Benoît Jacquot (“Adiós a la reina“), que este acaba de finalizar con fidelidad declarada hacia el homónimo texto de Mirbeau.

Léa Seydoux es la decidida Célestine, en la película de Benoît Jacquot

Léa Seydoux es la decidida Célestine, en la película de Benoît Jacquot

LÉA SEYDOUX SE PONE A LA BÚSQUEDA DE UN ASESINO

Como en el precedente literario, la trama de la movie sigue las vicisitudes de una joven doncella, llamada Célestine. La chica, que arrastra un pasado de privaciones, acaba de llegar a la casa de una familia pudiente, aunque un tanto extraña.

Por un lado se encuentra la matriarca del clan: una señora enferma de frigidez latente, que es incapaz de aportar una mínima chispa de amor a los suyos. Junto a ella comparece el esposo y padre, un hombre al que le gusta demasiado la carne de las gachís completamente diferentes a su esposa. Y luego se posiciona el abuelo, un fetichista de objetos femeninos al que le pierden el voyeurismo y las herederas de Eva.

No obstante, si estos seres resultan oscuros y contradictorios, el que se lleva la palma es uno de los trabajadores de la finca. En concreto, se trata de un hombre rudo y perturbado, al que la protagonista ve como el probable asesino y violador de una niña de la comarca.

Léa Seydoux hace suyo un papel que antes interpretaron Paulette Goddard y Jeanne Moreau

Léa Seydoux hace suyo el papel que antes interpretaron Paulette Goddard y Jeanne Moreau

Decidida a hacerle confesar ante las autoridades, Célestine no parará en su propósito de enmienda social; llegando incluso a concebir el matrimonio con el presunto homicida.

Hipnótica y atrayente, la historia de “Le Journal D’Une Femme De Chambre” ya sedujo completamente a Jean Renoir, quien adaptó el argumento en su excelente obra “Memorias de una doncella” (estrenada en 1946). En esa ocasión, y probablemente por la carga escandalosa del libro, el director de “El río” modificó un poco la acción, trasladándola a una familia algo distinta de la original. Aunque lo que sí mantuvo fue la fuerza motriz de Célestine, la cual estuvo perfectamente interpretada por la venusiana Paulette Goddard (a la que acompañó en escena su pareja de entonces, el no menos genial Burgess Meredith).

La novela de Octave Mirbeau fue adaptada al cine por luis Buñuel en 1964

La novela de Octave Mirbeau fue adaptada al cine por Luis Buñuel, en 1964

Tras el éxito de esta versión, el texto cayó casi veinte años después en manos del inmenso y surrealista Luis Buñuel, concretamente en 1964. El maestro aragonés tradujo con mayor rigor la narración de Mirbeau. Y, con su paisajismo trágico, elaboró un largometraje incómodo y asfixiante, perturbador y atmosférico. Un filme presidido por la envolvente presencia de la admirable actriz Jeanne Moreau, enquistada por imperativo del creador español en la casa de los Monteils.

Jacquot, pese a no poder acreditar todavía una filmografía tan determinante como la de sus antecesores, ha entendido su empresa como una aventura esencialmente dramática, en la que suceden sucesos que la acercan convenientemente al género del thriller de época.

Tesis de intenciones sorpresivas en la que participa sin restricciones el más que estimulante reparto, en el que -además de Seydoux– incrustan sus nombres  los efectivos Vincent Lindon, Clotilde Mollet, Vincent Lacoste y Hervé Pierre.

Jean Renoir también versionó libremente el relato en 1946

Jean Renoir también versionó libremente el relato, en 1946

Más información en http://www.imdb.com