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Apenas unas horas antes de que dé comienzo la excelente Semana Santa zamorana (con pasos tallados realmente emocionantes), el excelente periodista y escritor con vuelo delibeano José Arroyo estará en el señorial edificio del Casino Círculo de la mencionada ciudad castellano-leonesa (Calle Santa Clara, nº 2), donde firmará ejemplares de su apasionante y entretenido estudio (el primero y más completo en esta materia, pese a quien pese) titulado Un siglo y pico de cine en Zamora.

La cita se prolongará durante dos días, los próximos martes 26 y miércoles 27 de marzo; díptico de fechas en el que el venerable cronista de la intrahistoria hecha fotogramas dialogará animadamente con los asistentes. Un dato nada baladí, sobre todo para aquellos a los que les apasione el Séptimo Arte; los que siempre estén sedientos de conversaciones estimulantes sobre un terreno cuya alfombra se halla compuesta de sueños y películas. En ese ecosistema de arquitecturas figuradas, el inmueble construido por Arroyo tiene la imponente fachada de más de cien años de rodajes, estrenos y anécdotas: todos ellos ocurridos en la tierra donde se asienta la estatua del heroico Viriato, y cuyo álbum visual va desde el desembarco del invento de los hermanos Lumière (1897) hasta la materialización de la última grabación importante efectuada en la urbe del poeta Agustín García Calvo (quien redactó un bello y nostálgico prólogo para el libro); es decir, Celda 211, de Daniel Monzón.

Recordad:

Días de la firma de Un siglo y pico de cine en Zamora, de José Arroyo Gago, los días 26 y 27 de marzo.

Horas: de las 19:00 a las 22:00

Lugar: Casino Círculo de Zamora, en la calle Santa Clara 2

Colabora en el evento la Cafetería-Restaurante La Oronja

Los que prefieran adquirir Un siglo y pico de cine en Zamora en formato digital, pueden hacerlo en http://www.amazon.com/s/ref=nb_sb_noss?url=search-alias%3Daps&field-keywords=Un+siglo+y+pico+de+cine+en+Zamora

El mundo celebra hoy, 21 de marzo, el día internacional de las obras en verso

El mundo celebra hoy, 21 de marzo, el día internacional de las obras en verso

Europa ha colgado el cartel de territorio en ruina moral. Los grandes almacenes del Viejo Continente llenan calvas en los escaparates con peluquines de rigor financiero, mientras los edulcorantes de tarima y vocerío intentan teñir -con recortes e impuestos- la depresión existencial de los herederos de los romanos, los griegos, los germanos, los celtas, los íberos, los galos y los britanos. Aunque, más allá de los placebos supuestamente alentadores que esgrimen los cuadriculados políticos de este siglo XXI, los rapsodas atan las liras a su cuerpo para enjugar las lágrimas de los ciudadanos desmembrados por el capital, de los peregrinos sin sandalias de futuro y con suelas de esparto en el presente. Tal vez no consigan reunir los millones de almas que concitan los autores entregados en carne y entrañas al nuevo becerro de oro conocido como best-seller; pero con una simple retina estremeciéndose ante un soneto de fuego y agua, ante un endecasílabo de costillas adheridas al gaznate, es suficiente para reclamar la necesidad de un mundo versificado. Universo de rimas y ritmo vital que celebra su día mundial el 21 de marzo, fecha que le otorgó la UNESCO desde el ya lejano 1999.

La Biblioteca Nacional ha organizado en su sede madrileña una lectura ininterrumpida de poemas

La Biblioteca Nacional ha organizado en su sede madrileña una lectura ininterrumpida de poemas

Y, como los aniversarios hay que festejarlos con guirnaldas de apaño y escenificaciones de postín, España se suma a lo largo y ancho de sus urbes y pueblos a los guateques en los que las palabras y las figuras literarias son las auténticas protagonistas. Melodías de resonancias heroicas que llevan los nombres y apellidos de ilustres maestros de tinta y cuartilla de la casta de Federico García Lorca, Pablo Neruda, Rubén Darío, Miguel Hernández, Pedro Salinas, Tomás Segovia… Citas con las lecturas hay cientos durante esta inspiradora jornada; aunque, si hubiera que escoger una en concreto para materializar la importancia de los poetas en esta sociedad del desencanto y la confusión, lo más apropiado sería adentrarse en las tripas de la Biblioteca Nacional de Madrid, para seguir con pasión la declamación competente con la que recitarán –a partir de las 19:00 horas– compañeros de Góngora tales como Luis Alberto de Cuenca, Juan van Halen, Laura Casielles y Benjamín Prado, entre otros.

La cita viene festejándose desde 1999

La cita viene festejándose desde 1999

No obstante, la verdadera celebración tiene que estar acompasada por el simple hecho de abrir un buen libro de odas aderezadas con la emoción, fruto de autores desnudos frente a la página en blanco, con las únicas armas de su imaginación y la perspectiva mediada por el dominio del lenguaje. Así que, a estas alturas del texto, bueno es recomendar el acercamiento a una selección breve de posibles enganches, con un género que elevó por encima de sus expectativas a emperadores, y que ofreció terciopelo de sosiego a los individuos anónimos que buscaron -entre sus ritmos acompasados- la seguridad que les faltaba en su rutina diaria. Aquí viene el quinteto de novedades que esperamos, desde este blog de bisoñez asumida, sea de su agrado.

El trabajo de los rapsodas tiene, si cabe, mayor importancia en tiempos de crisis, como los actuales

El trabajo de los rapsodas tiene, si cabe, mayor importancia en tiempos de crisis, como los actuales

1)      ATENAS (Visor), de Juan Vicente Piqueras

Poesía4 (Juan Vicente Piqueras)

Rutas de emigración se dejan sentir en las composiciones del valenciano instalado en la sucursal del Instituto Cervantes en Argelia, creador de kilómetros en la mochila que se llevó con este texto el último Premio Loewe de Poseía. Lo que el lector encontrará en sus versos tiene su hilo constitutivo en la nostalgia del que dibuja su tierra, del que ansía un sendero hacia un hogar que se antoja sumido en las nieblas de la memoria. Traductor de Tonino Guerra e Izet Sarajlic, Piqueras descarga sus experiencias en la capital griega con la sencillez de un admirador de la obra de Antonio Machado, siempre dotando de timbre a los derrotados por el triunfalismo de los sueños meramente crematísticos.

2)      EL LIBRO DE LAS BALADAS Y ROMANCES DE COLORIDO (Visor), de Luis Rosales

Poesía2 (Luis Rosales)

El simbolismo del genial líder de los rapsodas del 36 vuelve a lucir sus rincones surrealistas y clásicos. Apasionante en cada renglón, este volumen descubre la capacidad innata de Rosales para transmitir las sensaciones alumbradas por los discursos solemnes y juguetones de sus coetáneos, que aún poseían la fuerza de la enérgica generación del 27. Sólo un simple apunte: una vez termine de degustar cada pieza, cierre los ojos y comprobará por qué las imágenes trascienden a través de las letras del granadino.

3)      ANOLOGÍA POÉTICA (Visor), de Leopoldo Lugones

CUB. ANTOLOGIA POE TICA - L. LUGONES:CUB. LA CANCIO N DEL AOUTSI

El indispensable pensador argentino recupera actualidad en la tierra de Lope de Vega con esta reedición de algunas de sus creaciones más proteicas, testigos de un modernismo no exento de identificación con los desfavorecidos. En sus rimas hay misterio, vanguardismo y esperanza, tres ejes con los que el natural de Villa de María del Río Seo montó una producción en la que hallarán refugio los espíritus cansados de vagar.

4)      A MIL BESOS DE PROFUNDIDAD (Visor), de Leonard Cohen

Poesía3 (Leonard Cohen)

El septuagenario cantante canadiense de Take this waltz es también un autor de nocturnidades, romanticismo de caballería andante y quijotesca, y psicólogo de las enfermedades críticas de la época contemporánea. Al igual que en las letras de su repertorio auditivo, Cohen otorga fisonomía de confesionario a su almanaque de querencias, cual enamorado desprovisto de los guarismos de la veteranía, continuamente animado por el aroma de las hipnosis a golpe de evocación baladista.

5)      EL SILENCIO VASCO (Visor), de Gabriel Celaya

Poesía5 (Gabriel Celaya)

Para finalizar esta escasa selección, pocas cosas mejor que descansar en el hostal editorial del poeta de Hernani. En sus composiciones sociales, a la vez de  bellas por su humanidad latente, es posible toparse de cara con la atmósfera de comprensión de un artista que ensambló su coraza en la fragua de Blas de Otero; y que se convirtió en el mejor embajador, en la España hemofílica posterior a la Guerra Civil, de las ilustraciones verbales de Arthur Rimbaud, Paul Éluard, Rainer María Rilke y William Blake, entre otros (labor que Celaya efectuó con clamor de riesgo pendiente, desde su atalaya de talento bautizada Norte).

Feliz lectura

¡Feliz lectura!

Más información en http://www.bne.es y http://www.fundeu.es

El compositor italiano presenta el 21 de marzo, en el Teatro Circo Price, su álbum "Abriti Sesamo"

El compositor italiano presenta el 21 de marzo, en el Teatro Circo Price, su álbum “Apriti Sesamo”

En los ochenta, la voz fina de un caballero con armadura de nihilismo consciente invitaba a bailar -con ritmos de vals y volteretas de derviche- a todos los espíritus sedientos de olvido. Fueron años en los que el siciliano, próximo ahora a cumplir 68 primaveras, detenía el curso de sus vivencias cosmopolitas en la estación de los amores. Mucho ha llovido desde entonces, tiempo en el que la falsamente virginal Europa se ha visto constantemente maltratada por un Júpiter transformado en moneda malversada. Pero el trovador italiano no ha suavizado su canto con las lluvias y la escarcha continental, sino que se ha tornado en huracán de descreimiento, más apegado –si cabe- a las filosofías de Nietzsche, Cioran y Sgalambro.

La gira finalizará el viernes 22 de marzo en Burgos

La gira finalizará el viernes 22 de marzo, en Burgos

Franco Battiato (Riposto, Catania, Sicilia, 1945) arriba a la Villa y Corte con un cancionero construido a base de versos libertarios, esencias de esquelas de lo políticamente correcto. Un repertorio de consejos unas veces hedonistas y otras cargados con una necesidad de actuar frente a las adversidades y a la manipulación de los poderosos, siempre en estado de levitación sobre los grandes axiomas de la humanidad (llámense religión, ética, moral o justicia social). Líricas de afectos reconocibles por el público español que el transalpino desplegará el 21 de marzo en el interior del capitalino Teatro Circo Price, dentro de la gira que le trae por la Piel de Toro, y cuyo viaje finalizará el 22 del mismo mes en la ciudad de Burgos.

Entre los temas que interpretará tiene previsto mezclar pasado y presente

Entre los temas que interpretará tiene previsto mezclar pasado y presente

Pero el poso evidente de los hits del sureño no es el único reclamo para que el veterano creador se haya dejado ver por las extensiones del país de Cervantes, sino que también servirá para presentar en sociedad el nuevo álbum de este poeta de la actualidad; compacto titulado ingeniosamente Apriti Sesamo (¡Ábrete sésamo!, en referencia más al cuento de Alí Babá que al célebre programa infantil de televisión).

El creador siciliano mantiene en alza su espíritu contestatario y desmitificador

El creador siciliano mantiene en alza su espíritu contestatario y desmitificador

Los nueve cortes del CD aún por estrenar marcarán más que probablemente un programa en el que el discurso del Battiato de 2013 se dejará visitar a través de odas como Un irresistible reclamo, Mi testamento, Cuando era joven, Estabas conmigo, Pasacalle, El polvo del rebaño, ¡Pliégate junco!, Tráeme la luz y La serpiente. Temas de nostalgia hacia un futuro tan oscuro como un lienzo del Barroco, al que el autor de la eurovisiva tonada I treni di Tozeur intenta dotar de la profundidad del prestidigitador en busca de placebos oníricos, aderezados con mezclas explosivas de estilos que van del rock progresivo al folk étnico de exotismo circense.

En 1984, Battiato representó a Italia en el Festival de Eurovisión

En 1984, Battiato representó a Italia en el Festival de Eurovisión

Apriti Sesamo llega a la carrera del vecino del comisario Montalbano en un momento en que las investigaciones de este compositor poliédrico le solían llevar por los caminos del bel canto, con óperas modernas del tipo de la escasamente comprendida Telesio (2011). Senda de prolongadas contorsiones que el cerebro de la excelente Perspectiva Nevski ha querido interrumpir, o enriquecer, con esta obra de enérgicos estribillos y ensoñaciones de carácter existencial.

El nuevo disco se compone de cerca de una decena de tracks

El nuevo disco se compone de cerca de una decena de tracks

Aunque este tour de reconciliación con su público no es simplemente sinfónico, ya que haber ofrecido únicamente  esta faceta sería desmembrar artificialmente el conjunto -extenso y sorprendente- de un pensador comprometido intensamente con el Arte, entendido en sentido pleno e integrador. Y fruto de esa relación pasional con la creación han surgido los trabajos de FB encuadrados en medios como el Cine y la Pintura (a la que suele acudir bajo el pseudónimo del retratista Süphan Barzani). Precisamente, en versión de largometraje es el terreno en el que la Cinemateca de Madrid (situada en el Matadero) acogerá la presencia del compatriota de Umberto Eco. Acto que se materializará con la proyección, hoy miércoles 20 de marzo, de Musikanten: documental dirigido por el cantante en 2006.

Junto a su actuación musical, la Cinemateca madrileña proyectará el filme Musikanten, dirigido por FB

Junto a su actuación musical, la Cinemateca madrileña proyectará el filme “Musikanten”, dirigido por FB

En la rueda de la vida “nunca morimos, y nunca hemos nacido” (tal cual refleja el track Mi testamento), aunque igualmente es correcto a nivel situacional el ripio que  también esgrime Franco Battiato respecto a que “millones de almas están caminando hacia la nada”. Como se ve, las imágenes más diversas tienen pigmentos de fotogramas factibles, a través de la pluma sujeta por el heredero renacentista de las gafas de pasta y aspecto de tímido incurable: cualidad de arquitecto de estribillos alumbrados por un talento capaz de partir en canal los males de las generaciones arruinadas por el capital.

Como en sus trabajos pasados, "Apriti Sesamo" alterna con soltura distintos estilos musicales

Como en los trabajos anteriores, “Apriti Sesamo” alterna con soltura distintos estilos musicales

Más información en http://www.battiato.it

White U (house), 1975-76, Nakano-ku, Tokyo, Japan/ Photo Credits: Koji Taki

White U (house), 1975-76, Nakano-ku, Tokyo, Japan/ Photo Credits: Koji Taki

Existen lugares en la mente de los constructores que se quedan simplemente en la concepción virtual; pero, para este soñador de estructuras -nacido hace setenta y un años en una extensión que ahora pertenece a Corea del Sur-, los márgenes de lo cibernético no tienen que mantenerse tras la pantalla de un ordenador, sino asaltar la realidad cotidiana y someterse al juicio de los ciudadanos. Así, sus casas, bibliotecas, parques, museos, tiendas, oficinas… tienen en común esa característica de postal de código binario, en cuya gestación reside una filosofía de encantador de imágenes (visiones del subconsciente con las que ha enriquecido durante más de cuatro décadas la fisonomía volcánica de Japón).

White U (house), 1975-76, Nakano-ku, tokyo, Japan/ Photo Credits: Koji Taki

White U (house), 1975-76, Nakano-ku, tokyo, Japan/ Photo Credits: Koji Taki

En la noche del 17 de marzo, cuando el vocal del Premio Pritzker de Arquitectura (Thomas J. Pritzker) comunicó a los periodistas el nombre de Toyo Ito (Keijo, Chosen, 1941) como el sucesor del chino Wang Shu (dentro de la lista de damnificados con el prestigioso galardón), muchos de los expertos aplaudieron la decisión de otorgar al artista de la modernidad la máxima distinción, para una profesión que convive en vértices y costuras con cada uno de los hombres, mujeres y niños que se mueven en las urbes, en los campos y en cualquier espacio medianamente habitable del planeta Tierra.

Matsumoto Performing Arts Centre, 2000-2004, Matsumoto-shi, Nagano, Japan/ Photo Credits: Hiroshi Ueda

Matsumoto Performing Arts Centre, 2000-2004, Matsumoto-shi, Nagano, Japan/ Photo Credits: Hiroshi Ueda

Puede parecer un tanto extraño que un señor que ya peina canas sepa entender tan claramente los vaivenes de una sociedad digitalizada hasta en los actos menos tecnológicos, siempre esclava de ventanas en los formatos electrónicos más diversos, como rebaños hipnotizados por el neón y el mercadeo a base de bytes y microchips. Sin embargo, el responsable de la Torre Porta Fina de Barcelona y del Parque de la Relajación en Torrevieja captó -pese a primeras impresiones- a partir de su licenciatura en la Universidad de Tokio (en 1965) la esencia de unos congéneres que estaban cambiando a un ritmo muy acelerado, generación lejana a los sometimientos doctrinales e imperialistas dictados a corte de katana por el tradicionalismo feudal anterior a la Segunda Guerra Mundial.

Sendai Mediatheque, 1995-2000, Sendai-shi, Miyagi, Japan/ Photo Credits: Nacasa & Partners Inc.

Sendai Mediatheque, 1995-2000, Sendai-shi, Miyagi, Japan/ Photo Credits: Nacasa & Partners Inc.

El nuevo Prometo necesitaba definir su singular transformación a través de las paredes y las fachadas, de interiores más cercanos a la exaltación de la naturaleza y de lugares en comunidad, donde poder sentirse a gusto compartiendo las experiencias grupales, sin que por ello el entorno impidiera la identificación con el paisaje artificial circundante.

Dome in Odate, multipurpose dome, 1993-1997, Odate-shi, Akita, Japan/ Photo Credits: Mikio Kamaya

Dome in Odate, multipurpose dome, 1993-1997, Odate-shi, Akita, Japan/ Photo Credits: Mikio Kamaya

Preocupado por satisfacer las exigencias de sus coetáneos, la verdadera obsesión de Toyo siempre fue la de crear cubículos y edificios, en los que los seres al borde del siglo XXI se mostraran en plenitud, carentes de complejos afectivos y en absoluta paz. Bien como líder destacado del Urban Robot (Urbot) o desde la plataforma del Toyo Ito & Associates, Architects, este colega de Kenzo Tange y Tadao Ando nunca ha escondido sus obligaciones en pos de acercarse a los individuos de a pie, a partir de sus elucubraciones de alcoba y papel, de escuadra y cartabón, de compás y rotulador de punta fina. “La arquitectura que me interesa es la que desarrollo antes en mi pensamiento. Es posible realizar espacios más confortables si conseguimos liberarnos de las restricciones que asumimos como tales”, afirma el escultor de formas nipón, en la página web de la fundación del Pritzker Prize.

Yatsushiro Municipal Museum, 1988-1991, Yatsushiro-shi, Kumamoto, Japan/ Photo Credits: Tomio Ohashi

Yatsushiro Municipal Museum, 1988-1991, Yatsushiro-shi, Kumamoto, Japan/ Photo Credits: Tomio Ohashi

Trabajador incansable (“Nunca estoy satisfecho con mis trabajos una vez terminados”), Toyo Ito recibirá el PP el próximo 29 de mayo, en una ceremonia que tendrá lugar en la biblioteca presidencial John Fitzgerald Kennedy, emplazada en el Museo de Boston (Massachusetts, USA). En esa noche de campanillas y medallas de bronce (aparte del cheque correspondiente de 100.000 dólares), el cerebro de la mediateca de Sendai (en Miyagi, Japón) rememorará sus tesis de alquimista de los circuitos, axiomas que ya concitó tras horas de estudio en manuales de uso y costumbres tales como El jardín de los microchips y La imagen de la arquitectura en la era microelectrónica. Habrá quien esté convencido de que sus ilustraciones de metal galvanizado y sus bosques de luces dinamizadoras no tendrían sentido lejos de la tierra del Sol Naciente. Pero, incluso en calidad de peregrino samurai de la innovación informática, los inmuebles de este profundo dibujante de contornos transmiten una química universal, asociada a la emoción del azote del viento, la sinuosidad de las fuentes en ebullición y la poética de los sonidos de la humanidad (palpitantes y caprichosos, embelesados y confusos).

Tower of Winds, 1986, Yokohama-shi, Kanagawa, Japan/ Photo Credits: Tomio Ohashi

Tower of Winds, 1986, Yokohama-shi, Kanagawa, Japan/ Photo Credits: Tomio Ohashi

Más información en http://www.pritzkerprize.com y http://www.toyo-ito.co.jp

El actor alemán suena para encarnar al autor de "Look Homeward, Angel"

El actor alemán suena para encarnar a Thomas Clayton Wolfe

Galeradas de plomo revolucionario quemaron las páginas de los libros avalados por William Maxwell Evarts Perkins (1884- 1947). En una época -la comprendida entre la década de los veinte y la de finales de los cuarenta– en la que la modernidad vanguardista redactaba a marchas forzadas el cuaderno de ruta de la modernidad, el editor de Scribner puso a trabajar su olfato visionario para dibujar los contornos de la literatura del siglo XX; acomodado bajo nombres tan determinantes como los de Ernest Hemingway, Thomas Clayton Wolfe y Francis Scott Fitzgerald. Con su capacidad para descubrir las virtudes ocultas de los narradores en ciernes, este famoso cazatalentos abigarró empresarialmente las palabras de textos de la naturaleza de Adiós a las armas, El gran Gatsby y Of Time and the River.

Colin Firth se encargaría de la parte del protagonista del filme: Max Perkins

Colin Firth se encargaría de la parte del protagonista del filme: Max Perkins

Esa labor en la sombra, siempre al ralentí del cromatismo racial de un entorno portentoso, de la que fue protagonista Perkins sedujo en su momento al ganador del Premio Pulitzer Andrew Scott Berg (Norwalk, Connecticut, USA, 1949); quien no pudo evitar relatar la apasionada existencia de este señor (enamorado veinticinco aniversarios y en secreto de la sufridora Elizabeth Lemmon) en una crónica con disfraz de bestseller bautizada Genius.

El guion de "Genius" se basa en la homónima novela de Andrew Scott Berg

El guion de “Genius” se basa en la homónima novela de Andrew Scott Berg

La nostalgia de esos días de vino y rosas -en los que la brillantez de las teclas y las plumas embriagaba sus noches en tinta, penumbra, sudor, ansiedad y alcohol- es lo que describe la enérgica obra, que adquiere márgenes de aguafuerte y templanza de gris tenue volando a la par de un héroe, que dedicó su vida a ser intermediario necesario de la sabiduría de sus colegas para con el mercado lector. Crítico contumaz, manager de lágrimas de terciopelo entre renglones, y prestamista de intereses mediados únicamente por la comprensión de las debilidades (a la vez de padre, confesor y amigo de los creadores a los que recogió en su regazo explorador de la riqueza intelectual), Mr. Maxwell podría ser definido como un individuo cuyo trabajo contribuyó a dotar de mayor sentido al pensamiento incompleto de la humanidad. Labor que alternó con el penoso papel hogareño de esposo amargado, abonado maritalmente a los tormentosos vaivenes de la infidelidad por un amor de biombo y oscuridad.

La historia sigue las vivencias del editor de Wolfe, Hemingway y Fitzgerald

La historia sigue las vivencias del editor de Wolfe, Hemingway y Fitzgerald

Por todo lo mencionado (y más que se halla implícito en los corredores de las frases contenidas en el book), es fácil entender que una novela como Genius se antoje oro en barras en las manos de un guionista tan competente como John Logan (autor, entre otros, de los libretos de Skyfall y La invención de Hugo). Diamante pulido a base de diálogos que captó rápidamente la atención del actor Michael Grandage, cuando leyó la versión llevada a efecto por el veterano escritor de imágenes en movimiento. La constante alternancia de estados de ánimo, y de situaciones encauzadas hacia la destrucción de las muertes prematuras (como de hecho ocurrió con Hemingway, Wolfe y Fitzgerald), hipnotizó la mente sensible del debutante director, quien se quedó sin aliento ante la asombrosa escenificación que se podía generar con un cuadro existencial como el recogido en el volumen.

El editor de Scribner concitó en torno suyo a una de las mejores generaciones de la literatura contemporánea

El editor de Scribner concitó en torno suyo a una de las mejores generaciones de la literatura contemporánea

De esta manera, el proyecto de grabar en fotogramas los episodios experimentados por Perkins y su grupo de amigos empezó a tomar connotaciones de realidad. Una situación que aún no ha confluido en el río de las filmaciones, pero que espera su turno en puestos avanzados dentro de la ensaladera de los argumentos con visos de futuro, guardados a recaudo en el frigorífico enclavado en las entrañas de Hollywood. Papeleta de metamorfosis anhelada que adquiriría signos de largometraje con mayor premura, en caso de confirmarse definitivamente la incorporación al reparto de dos de las estrellas europeas con más tirón en la industria audiovisual estadounidense: el británico Colin Firth (a quien el cineasta pretende caracterizar como Max Perkins) y el alemán de nacimiento Michael Fassbender (al que Grandage le ha reservado la neurosis artística del portentoso coetáneo de William Faulkner, Thomas Clayton Wolfe).

Adrew Scott Berg es famoso por las emocionantes biografías de Lindbergh y Katharine Hepburn

Adrew Scott Berg es famoso por las emocionantes biografías de Lindbergh y Katharine Hepburn

Si finalmente todo sale como está previsto, Genius llegará a las salas con el beneplácito de dar a conocer al gran público el oficio de un antiguo reportero de The New York Times, que inventó para sus congéneres un universo en el que jugar con las salvajes e hirientes redacciones hechas de recuerdos de Hemingway, adormecerse en la piscina del desencanto de Scott Fitzgerald o sumirse en las profundidades del costumbrismo de Thomas Wolfe. Un planeta de letras y sonidos, donde la literatura susurra cantos de atalaya devastada por los excesos y nanas inconclusas, normalmente aderezadas con las corazas de la frustración y el apego a los espíritus al borde del abismo.

Berg también fue el responsable del guion del largometraje "Su otro amor", de Arthur Hiller

Berg también fue el responsable del guion del largometraje “Su otro amor”, de Arthur Hiller

Más información en http://www.imdb.com

El centro escénico de la Villa y Corte acoge las representaciones de "Kafka enamorado"

El centro escénico de la Villa y Corte acoge las representaciones de “Kafka enamorado”

Para rozar la genialidad, y sentarse en la misma mesa que esta dama de caprichosa máscara danzarina, hay que sufrir. Los estados de felicidad continua –esos que muchos relacionan con la posesión de una casa medianamente lujosa, matrimonio de “churri” hasta en el delantal, familia plus ultra y cotizaciones consumadas en vistas a obtener una sustanciosa pensión- suelen estrangular la pasión de creativa, degollar a mordiscos el canibalismo sinfónico que produce obras magistrales y guías del pensamiento con birrete enciclopédico. Tal vez, si el autor de La metamorfosis hubiera pasado por el altar del brazo de la cerebral Felice Bauer, el temperamento turbulento y neurótico que impregnó la producción literaria del autor checo se hubiera visto silenciado con la armonía sin rebelión, por el discurso simplista de un hombre satisfecho consigo mismo, sin alternativas para quedar en la memoria de la Historia.

Las actuaciones tienen lugar en la Sala de la Princesa, hasta el próximo 28 de abril

Las actuaciones tienen lugar en la Sala de la Princesa, hasta el próximo 28 de abril/ Photo Credits: Marta Vidanes

Pero, esa unión de prevista consagración por la sinagoga nunca llegó a producirse; y el responsable de El proceso acabó alejándose voluntariamente de su enamorada, para refugiarse en su profesión de dinamitero de las convenciones, de diseñador portentoso de edificios entintados con la sabiduría de los soñadores insomnes. La pareja rompió definitivamente su noviazgo en 1917; aunque, fruto de esos escasos años (de 1913 a 1917) de sentimientos a flor de piel, surgió un libro titulado Cartas a Felice: compuesto por 500 misivas y numerosas postales que los enamorados se dirigieron mutuamente, con el objetivo de caldear sus emociones románticas.

La pieza sigue las vicisitudes que experimentó el autor de "El proceso" con Felice Bauer

La pieza sigue las vicisitudes que experimentó el autor de “El proceso” con Felice Bauer

Esas frases alumbradas a través de deseos -volátiles y abismales- sirvieron de base al dramaturgo español Luis Araújo para crear Kafka enamorado (lienzo escénico que se representa hasta el próximo 28 de abril en el Teatro María Guerrero de Madrid); una pieza teatral en la que el veterano dramaturgo se adentra en el universo del narrador de El castillo, para desvelar sus dolores de corazón mientras éste decidía si era más importante abandonarse al anonimato ciudadano con la mujer elegida, o beber las mieles de la inmortalidad acompañado de sus trabajos teñidos de soledad y desesperación.

La relación entre Kafka y Bauer se mantuvo entre 1913 y 1917

La relación entre Kafka y Bauer se mantuvo entre 1913 y 1917

El argumento del fresco concebido por el compatriota de Calderón de la Barca comienza su curso de muerte anunciada en el citado 1913, cuando el entonces joven Franz Kafka (Praga, 1883- Kierling, Austria, 1924) conoció a la chispeante directiva de una firma comercial llamada Felice Bauer (1887- 1960). Ambos coincidieron durante una comida en casa de un amigo común: Max Brod (el editor que salvó para la posteridad los escritos del narrador checo). Y el magnetismo fue inmediato. Sin embargo, los dos eran diferentes en todos los aspectos; hasta el punto de que ella se mostraba un tanto esquiva y decepcionada frente a las obras del funcionario con aspiraciones a ser el adalid de las letras centroeuropeas en el amanecer del siglo XX.

Uno de los motivos barajados para explicar la ruptura estuvo (según algunos estudiosos) en la imposibilidad de Bauer para entender los escritos del autor checo

Uno de los motivos barajados para explicar la ruptura de la pareja estuvo (según algunos estudiosos) en la imposibilidad de Bauer para entender los escritos del autor checo

Hasta en tres ocasiones estuvieron comprometidos, y en todas las veces el que se echó para atrás fue el tormentoso autor de América. La primera de esas rupturas la propició la intromisión de una tercera persona (identificada como “la suiza”); y las otras dos se debieron a causas más o menos similares. No obstante, en el fondo subyacía el miedo de Kafka hacia algo que el intelectual valoraba más allá de cualquier bien terrenal: su don y energía para convertir un papel en blanco en palabras capaces de aportar claridad a las contradicciones del hombre.

Pese al carácter turbulento del responsable de "El castillo" se le conocieron varias relaciones sentimentales

Pese a su carácter turbulento, al responsable de “El castillo” se le conocieron varias relaciones sentimentales

Estas aristas psicológicas, que impidieron a Franz y a Felice materializar su pasión, las explora Araújo con el bisturí de un admirador de los textos del praguense; un informe más emocional que meramente verídico, en el que las situaciones extremas y los diálogos con múltiples lecturas otorgan a los personajes similar intensidad en su vida interior a la que desplegaron durante sus respectivas existencias, hace ahora cerca de cien aniversarios.

El intervalo del noviazgo entre Bauer y Kafka dio como resultado el libro "Cartas a Felice"

El intervalo del noviazgo entre Bauer y Kafka dio como resultado el libro “Cartas a Felice”

Arropados en torno a la batuta rectora del director José Pascual, los actores Jesús Noguero, Beatriz Argüello y Chema Ruiz exhiben con intenciones cabales las heridas de unos seres determinados a ser infelices, como si en el sufrimiento hallaran la armonía necesaria para poder seguir adelante con su heroico camino de peregrinaje.

La soledad del praguense fue una norma esencial para preservar su genio

La soledad del praguense fue una norma esencial para preservar su genio

Más información, horarios y entradas en http://www.cdn.mcu.es/espectaculo/kafka-enamorado/

El calabrés Carlo Carlei rueda una fiel versión de la obra de Shakespeare

El calabrés Carlo Carlei rueda una fiel versión de la obra de Shakespeare

Las calles empedradas de Verona vuelven a espiar entre balcones a su pareja de amantes más famosa. Poco importa si los jóvenes -pertenecientes uno a los Montesco y otro a los Capuleto- existieron o no en la vida real, ya que las palabras bruñidas con la genialidad con que les vistió el bardo inglés William Shakespeare han hecho de los dos adolescentes un par de referentes clásicos del romanticismo apasionado, de los galanteos condenados a la tragedia por los convencionalismos, y de las veleidades de la sociedad con respecto a los corazones puros e ingenuos. Tanto es así que, desde que el creador británico estampara su firma en la obra fechada en 1597, millones de lectores han suspirado con las declaraciones nocturnas de estos héroes rodeados de mallas y escudos nobiliarios; al tiempo que derramaban lágrimas de desesperación, ante el destino de mausoleo prematuro al que se vieron abocados por la pluma ebria del responsable de Hamlet.

El londinense Douglas Booth encarna a Romeo Montesco

El londinense Douglas Booth encarna a Romeo Montesco

Varias centurias después de su bautismo en la época isabelina, Romeo y Julieta alimenta una vez más la inspiración de un director de escena; aunque en esta ocasión no sea en su ecosistema teatral, sino en versión cinematográfica (con lo que aumenta la lista de adaptaciones, que de la pieza del natural de Stratford-upon-Avon se han llevado a cabo con carne de celuloide).

La joven de diecisiete años Haille Steinfeld hace de Julieta Capuleto

La joven de diecisiete años Haille Steinfeld hace de Julieta Capuleto

Las calles de la ciudad italiana donde el autor desarrolló el drama han servido de paleta al realizador transalpino Carlo Carlei (conocido por sus trabajos televisivos Padre Pío y el remake de El general della Rovere) para recrear la acción de los enamorados traicionados por su propio linaje. Una decisión artística que recuerda a la que efectuó en 1968 el sensible Franco Zeffirelly, quien pasa por ser el cineasta que mejor ha sabido captar la profundidad de las frases contenidas en el fresco ideado por Shakespeare (y que protagonizaron para placer de los espectadores los más que excepcionales Leonard Whiting y la casi niña Olivia Hussey).

Stellan Skarsgard participa como el Príncipe de Verona/ Photo Credits: Swarovsky Entertainment

Stellan Skarsgard participa como el Príncipe de Verona/ Photo Credits: Swarovsky Entertainment

Pero esta Romeo & Juliet no respeta la literalidad de su modelo de papel únicamente desde el punto de vista geográfico; sino que el director alumbrado en Calabria también ha procurado acogerse a los márgenes conceptuales de los roles principales. Este es el motivo por el que el compatriota de Federico Fellini ha optado por contratar a una pareja de actores desconocidos para la gran masa, pero muy acorde con las edades que presentaban los debutantes susurradores de almohadas. Este dueto interpretativo lo compone el londinense Douglas Booth (a quien pronto se le podrá ver en Noé, de Darren Aronofsky) y la californiana Hailee Steinfeld (famosa tras su caracterización como la arrojada Mattie Ross de Valor de ley, a las órdenes de los hermanos Coen).

Booth y Steinfeld tienen la misión de emular las magníficas interpretaciones de Leonard Whiting y Olivia Hussey

Booth y Steinfeld tienen la misión de emular las magníficas interpretaciones de Leonard Whiting y Olivia Hussey

Eso por la parte de los líderes del elenco, aunque el resto del casting tampoco deja lugar a dudas de que Carlei desea generar un largometraje de cierta notoriedad creativa. Dentro de tal cuadro dramático destacan las aportaciones de Damian Lewis (el prisionero de Homeland encarna a Lord Capuleto), Paul Giamatti (Fray Lorenzo), Stellan Skarsgard (Príncipe de Verona), Natascha McElhone (Lady Capuleto), Ed Westwick (Teobaldo), Kodi Smit-McPhee (Benvolio), Christian Cooke (Mercucio), Tomas Arana (Lord Montesco) y Laura Morante (Lady Montesco).

Damian Lewis se caracteriza como el padre de Julieta

Damian Lewis se caracteriza como el padre de Julieta

Todos ellos orquestados por el enérgico y efectivo guion que ha construido el hombre de moda en los libretos de fabricación británica: el polifacético Julian Fellowes (el cairota con sangre isleña que se ha hecho célebre con los argumentos aristocráticos de la serie Downton Abbey).

Leonardo DiCaprio y Claire Danes interpretaron a los amantes de Verona

Leonardo DiCaprio y Claire Danes interpretaron a los amantes de Verona

Ante las mencionadas razones de contundencia efectiva, sólo queda aspostillar que: si la rosa no se llamara así, conservaría el mismo aroma. Pues eso: si Romeo y Julieta no hubieran sido especímenes de chicha y esqueleto, seguirían siendo una de las parejas con más rostros a lo largo de la historia. Y, para dejar constancia de semejante axioma, únicamente hay que visitar la filmografía de Baz Luhrmann, Franco Zeffirelly… y Carlo Carlei.

La adaptación de 1968, firmada por Franco Zeffirelly, es hasta el momento la más conseguida

La adaptación de 1968, firmada por Franco Zeffirelly, es hasta el momento la más conseguida

Más información en http://www.imdb.com

La exitosa escritora edita la cuarta novela de su carrera

La exitosa narradora edita la cuarta novela de su carrera

Pese a que aún no lleva ni una década humedeciendo la pluma de escritora en los tinteros de la celebridad, esta treintañera australiana y crepuscular puede vanagloriarse de ocupar un lugar privilegiado en la lista de los autores más vendidos. Su fórmula, cargada con los oropeles del envejecimiento, le ha granjeado desde 2006 (cuando presentó internacionalmente su primera novela, La casa de Riverton) ese espacio por el que pelean los buhoneros de las palabras, una distinción de seguridad artística que le ha proporcionado también una cohorte de seguidores que alimenta su prosa de páramos sombríos y viajes en el tiempo, de damas tocadas por el suspense y situaciones ambientadas en los márgenes huidizos del subconsciente.

La historia comienza en Suffolk (Inglaterra), en 1961

La historia comienza en Suffolk (Inglaterra), en 1959

Tres títulos conforman la todavía escasa producción de Kate Morton (Berri, Australia del sur, 1976), trilogía de herencia suscrita a las lecciones de maestros como Charles Dickens; Emily, Charlotte y Anne Brontë, Daphne du Marier y Jane Austen, que la narradora recrea en cuanto tiene ocasión, concitando los fantasmas de las literaturas pretéritas, cual dramaturga de lo telúrico. Puzle de corredores mortuorios y revelaciones de confesionario que acaba de conocer su cuarto hijo de papel impreso: The Secret Keeper (El cumpleaños secreto).

"The Secret Keeper" saldrá en breve traducida al español

“The Secret Keeper” ha sido traducida al español por Suma de Letras

De reciente aparición en el idioma de Cervantes (a cargo de la editorial Suma de Letras), el ansiado texto de esta amante de las crónicas decimonónicas desarrolla su trama a tres bandas históricas, que coinciden con los períodos de La Segunda Guerra Mundial1959 y el tecnológico de 2011. Momentos en la existencia de los protagonistas que marcan la inflexión emocional de un fresco en el que Morton ha incorporado muchas de sus obsesiones y pensamientos, como si fuera un diario a media asta, pero sin las precisiones exactas de los hechos acaecidos como están reflejados en el volumen (con nombres y apellidos).

El libro sigue una estructura similar a la de "El jardín olvidado"

El libro sigue una estructura similar a la de “El jardín olvidado”

El camino señalado comienza su discurso testimonial en 1959, dentro de las extensiones de una bucólica granja en Suffolk, Inglaterra. Allí, entre las nubes de campiña y los sentimientos tormentosos de pigmentación propia de William Turner, una joven de 16 primaveras llamada Laurel fantasea en un árbol sobre un chico llamado Billy. Todo resulta idílico y apropiado en ese universo de cuento de hadas, hasta que la cría es testigo de un crimen; lo que precipita el final anticipado de la descrita torra de marfil.

La autora australiana confiesa su gusto por la literatura de Dickens y las hermanas Brönte

La autora australiana confiesa su gusto por la literatura de Dickens y las hermanas Brontë

Después del traumático acontecimiento, esta fémina condenada por el azar de la realidad regresa a su pasado, desde el lejano horizonte de 2011 (cincuenta y dos aniversarios más tarde). Ahora, Laurel ya ha apagado sesenta y ocho velas en su tarta curricular, aunque las imágenes borrosas de su adolescencia se han convertido en quistes que continúan doliendo profundamente. La voz interior que llena sus noches de pesadillas constantes hace que la heroína (actriz de éxito mundial en su ancianidad) regrese a la mítica casa de Suffolk de su pubertad, sólo para enfrentarse a las telarañas de un pretérito envuelto en incertidumbres. Y en ese recóndito lugar, la figurada colega de Vanessa Redgrave se topa con la relación de tres seres en La Segunda Guerra Mundial: Dorothy, Vivien y Jimmy.

Morton suele superponer varios momentos vivenciales en sus obras

Morton suele superponer varios momentos vivenciales en sus obras

Sin cambios notables en la estructura habitual, las coordenadas temáticas de The Secret Keeper describen un fresco similar al retratado en los libros anteriores de Morton: con sus discursos absorbentes en habitaciones sin abrir, y sombras que no resultan tan aterradoras cuando les da la luz de la comprensión. No obstante, ese ecosistema afectivo que construye la oceánica no es anímicamente identificable con el estilo victoriano; normalmente cortado por el filo de la rabia social, de las marginaciones continuas y de la infelicidad asumida por los genios que vistieron las ruinas pasionales de Jane Eyre, Cumbres borrascosas, Grandes esperanzas, El profesor

La creadora prepara una tesis doctoral sobre la novela victoriana

La creadora prepara una tesis doctoral sobre la novela victoriana

Ese poso de muchacha del siglo XXI hace que la prosa de Kate planee con una soltura más convencional que la asumida por sus reconocidos maestros; sin embargo, la joven autora trae -con su apego a los manuscritos de la nostalgia romántica y costumbrista- un aire de frescura mucho más alentador que lo que vienen produciendo algunos de sus colegas contemporáneos. Un ejercicio de traslación, y de acercamiento a la esencia de los hombres y mujeres carentes de triunfalismo, que da esperanzas al subgénero del best-seller, más allá de los experimentos meramente comerciales de otras firmas millonarias, únicamente pendientes de engrosar sus respectivas cuentas bancarias.

"The Secret Keeper" (que en el idioma de Cervantes  se titulará "El cumpleaños secreto") describe un violento asesinato

“The Secret Keeper” (que en el idioma de Cervantes se titula “El cumpleaños secreto”) describe un violento asesinato

Más información en http://www.katemorton/the-secret-keeper/ y http://www.sumadeletras.com/es/libro/el-cumpleanos-secreto/

El veterano guitarrista y cantante saca al mercado su vigésimo disco de estudio

El veterano guitarrista y cantante saca al mercado su vigésimo disco de estudio

Las humedeces de las lágrimas celestiales, más los sensuales geles de declaraciones amorosas teñidas de blues, suelen lubricar las estiradas cuerdas de la guitarra de Slowhand. Cuando el músico alumbrado en Surrey se sienta en su atril estelar, los misterios que esconde una balada se hacen sentencias rítmicas a través de reveladores punteos, mientras las confesiones de iglesia vivencial alardean gestualidad de pentagrama al compás de alguna portentosa e intuitiva lírica jazzística. Así es como este señor con cerca de setenta aniversarios (en concreto, de la cosecha de 1945) ha compuesto su arcón profesional de 20 discos de estudio, un veterano de silueta trovadora que enfila este 2013 con una nueva obra bajo el brazo.

El álbum se compone de diez temas que forman parte de la vida del músico

El álbum se compone de diez temas, más dos inéditos, que forman parte de la vida del músico

Old Sock (Calcetín viejo) es el título del más reciente álbum creado por Eric Patrick Clapton, un CD que sale a la venta el presente martes 12 de marzo, día de capa ambivalente y nubarrones en el ánima que ofrece a los amantes de la música un producto íntimo y casi autobiográfico, en el que el antiguo líder de Cream se dedica a interpretar un puñado de temas que han diseñado su banda sonora añorada, sus recuerdos de ondas y cadencias.

Clapton versiona composiciones de los hermanos Gershwin y Ottis Redding

Clapton versiona composiciones de los hermanos Gershwin y Otis Redding, entre otros

Lejos en el tiempo, acompañadas únicamente por las telarañas de las gramolas y los conciertos otrora multitudinarios, quedan las danzas endiabladas de Mano Lenta, con los enérgicos rumbos de la experimentación estilística a lomos de una stratocaster; como igualmente hundidos en las esencias de unas décadas irrecuperables se sitúan las variaciones eléctricas que Mr. Clapton alumbró con materiales tan variados como los cancioneros de Bob Marley y The Beatles. Sin embargo, el poso de la investigación y el disfraz de técnico de laboratorio aún siguen ligeramente visibles en la mente del isleño, aunque haya perdido -con los años de carretera y los destinos figurados- mucha de su fuerza natural y primigenia.

El CD sigue al trabajo conmemorativo que el británico editó en 2010

El CD sigue al trabajo conmemorativo que el británico editó en 2010

El talento del autor de Jorneyman y Layla todavía continúa subyaciendo en cada uno de los doce cortes que alimentan Old Sock; pero la rabia de antaño ha sido sustituida por una falta de riesgo productivo, lo cual aligera la posible sorpresa ante el resultado final, siempre por encima de la media cuando se trata de un compositor tan especial como el responsable de Tears On Heaven aunque sea carente de odiseas abiertamente aventureras.

Entre los amigos que colaboran en "Old Sock" se encuentra Paul McCartney

Entre los amigos que colaboran en “Old Sock” se encuentra Paul McCartney

No obstante, un cierto aroma a renovación planea por este vigésimo disco en el currículo del compatriota de Charles Dickens. Para empezar, este trabajo inicia su relación con Bushbranch Records; aparte de proponer un discurso sinfónico que no se queda en una simple remasterización de los temas que han hecho célebre al inglés, sino que toma su nudo argumental a raíz de las piezas de otros maestros de la composición.

Muchos de los temas del nuevo compacto transitan por el jazz y el blues

Muchos de los temas del nuevo compacto transitan por el jazz y el blues

De la docena de tracks desplegados en el compacto, dos de ellos son inéditos: el melódico Angel y el esperanzador Gotta Get Over; mientras que el resto se vertebra en torno a esas songs que han acompañado a Clapton en su vida privada, desde antes -incluso- de ser ciudadano del planeta Tierra: cortes que el británico acumula con su particular idiosincrasia, transformando sus esencias mediante los acordes reconocibles de su singular capacidad instrumental.

De la pareja de canciones inéditas, "Gotta Get Over" recuerda vagamente al pasado de Cream

De la pareja de canciones inéditas, “Gotta Get Over” recuerda vagamente al pasado de Cream

De los hermanos George e Ira Gershwin (Our Love Is Here To Stay) a los sudorosos escalofríos propiciados por Otis Redding (Your One And Only Man), de las veleidades vocalistas de Huddie “Lead Beally” Ledbetter (Goodnight Irene) a la electricidad envolvente de Gary Moore (Still Got The Blues); el mural escogido por EC se presta con creces a sus senderos de guitarras polvorientas, a sus sentimientos de caja de resonancia enlazada con la sed por el líquido de la emoción. Un repertorio que emprende el vuelo a los oídos del personal con compañeros de sessions tales como J.J. Cale (Angel), Chaka Khan (Gotta Get On Over), Steve Winwood (Still Got The Blues), Jim Keltner (Our Love Is Here To Stay) y Paul McCartney (All Of Me).

Entre los invitados de lujo también están Steve Winwood y J.J. Cale

Entre los invitados de lujo también están Steve Winwood y J.J. Cale

Más información sobre el disco y el tour en http://www.ericclapton.com

La institución parisina dedica una extensa muestra a las representaciones fantasmales/ Photo Credits: RMN Musée d'Orsay/ Jean-Gilles Berizzi

La institución parisina dedica una extensa muestra a las representaciones fantasmales/ Photo Credits: RMN Musée d’Orsay/ Jean-Gilles Berizzi

Más allá de la penumbra existe un mundo de niebla y rocío, cadenas chirriantes y alaridos desencajados, en el que las ánimas pasean hasta el canto del gallo, para amortajar a los vivos con sus cánticos dantescos, en busca de purgatorios emocionales. Dentro de una gran superficie de hornada a lo Kevin Smith es cierto que se antojaría difícil ver estos espectros de rebeldía sobrenatural (salvo que haya algún que otro cineasta de terror asiático deambulando por allí); pero en la soledad de un estudio artístico, mientras las velas compaginan los sueños de paleta, estas visiones son más que factibles. Al menos eso es lo que ha pensado el experto en pintura de los siglos XIX y XX del Städel Museum de Frankfurt, el doctor Felix Krämer; al concebir la muestra L’ange du bizarre. Le romantisme noir de Goya à Max Ernst: exhibición que está abierta al público en el parisino Musée d’Orsay desde el pasado 5 marzo, dispuesta a asustar al personal que acuda a la urbe del Sena antes de la preveraniega fecha del 9 de junio.

La exhibición se centra en la seducción del Más Allá

La exhibición se centra en la seducción del Más Allá

Doscientas piezas con lo macabro como bandera conforman el misterioso recorrido, en el que subyacen las narraciones de góticos de la talla de Horace Walpole, Matthew Lewis y Edgar Allan Poe; páginas impregnadas con moralidad de camposanto y tierra santificada que emborracharon las láminas de muchos de los maestros del caballete, hipnotizados con sus cuentos al borde de la histeria.

En muchas de las obras se pueden contemplar las influencias literarias de Milton y Shakespeare

En muchas de las obras se pueden contemplar las influencias literarias de Milton y Shakespeare

Según el trabajo realizado por los expertos, para concebir esta particular cita con los ángeles y los demonios de la conciencia humana, las primeras obras de trasfondo romántico que se interesaron por el universo de los 21 gramos -descarga de báscula a la que el cuerpo renuncia en el momento de fallecer- están fechadas entre 1760 y 1770, justo cuando la Ilustración intentaba inundar cualquier esfera social y académica mediante la lucidez racionalista. Pero, pese a los esfuerzos de coherencia enciclopedista, los hombres y las mujeres siempre estuvieron fascinados por lo oculto, y por el tránsito hacia el Cielo, el Infierno o el Purgatorio. Tal aseveración es fácilmente comprobable si se hojean, por ejemplo, muchas de las celebradas composiciones de William Shakespeare y John Milton, o si se contemplan con los nervios del misterio las tablas de El Bosco y El Greco.

Las imágenes sobre ánimas y espectros comenzaron a ser habituales entre los pintores y escultores a partir del siglo XVIII

Las imágenes sobre ánimas y espectros comenzaron a ser habituales entre los pintores y escultores a partir del siglo XVIII

No obstante, con la aparición de textos del calibre de El castillo de Otranto y El monje, el amor por lo sobrenatural adquirió síntomas de preocupación colectiva, normalmente asociados a los períodos de guerra y hambrunas. Bien imbuidos por el neoclasicismo y las narraciones breves de Alejandro Dumas sobre los efectos de la Guillotina en la Revolución Francesa, por los crímenes cometidos en las antiguas colonias americanas con los puritanos marcando la inflexión religiosa, o por los fusilamientos de los patriotas españoles contra las invasiones napoleónicas; los motivos que alumbraron las sombras de grises y negros de los grabadores, pintores y escultores fueron varios y prolijos, dando como resultado pesadillas de tinte telúrico, que confluyeron en series tan sobrecogedoras como Las Pinturas Negras de Francisco de Goya y las escenificaciones patricias de Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix.

En muchas de las imágenes existen referencias a la mitología clásica

En muchas de las imágenes existen referencias a la mitología clásica

Al igual que un poltergeist de extensos tentáculos, esa querencia gótica por los caserones solitarios, los fantasmas con rostros amenazantes y las almas de mirada ausente volvieron a campar a sus anchas por los museos y galerías -después de la fiebre dieciochesca- a partir de 1880, cuando Europa observaba el nacimiento de un continente con reunificaciones anunciadas e imperios que colgaban el letrero de agotamiento y bancarrota. Testimonios de aquelarres y mesa camilla que unas décadas antes ilustraron las portentosas telas de Théodore Géricault y Johann Heinrich Füssli, entre otros.

Las pesadillas de los artistas seleccionados tienen un poso en el goticismo de narradores como Lewis y Poe

Las pesadillas de los artistas seleccionados tienen un poso en el goticismo de narradores como Lewis y Poe

Sin embargo, ese virus creativo por el Más Allá no alcanzó sus cotas máximas de aceptación hasta el desembarco del siglo XX y de las vanguardias emparentadas con el Surrealismo y los ecos expresionistas de Centroeuropa. Precisamente, el universo del inconsciente trajo consigo una dictadura de pitonisas y videntes, que los artistas plásticos tradujeron convenientemente en secuencias arrancadas a la agonía apocalíptica, en la que estaba imbuido el planeta Tierra.

Medusa es un tema recurrente entre los románticos de lo telúrico

Medusa es un tema recurrente entre los románticos de lo telúrico

Dentro de ese contexto, la Primera Guerra Mundial propició, con sus dosis elevadas de violencia y mortandad, que afloraran los sentimientos cercanos a los espíritus sin descanso, y a la mitología relativa a seres plagados de maldad simbólica. Por lo menos, así lo reflejaron maestros como Edward Munch, Paul Klee y Salvador Dalí. Un recurso temático que se vio sublimado con la eclosión del cine, mediante películas como Nosferatu y El gabinete del doctor Caligari.

La exposición también tiene un apartado dedicado al cine expresionista

La exposición también tiene un apartado dedicado al cine expresionista

Preludio de la gran devastación acaecida en la Segunda Guerra Mundial, ese romanticismo negro alicató sus grietas con la superación mórbida de una realidad que enmudeció en el arranque de 1939, a través de los gritos del silencio de crematorios para millones de cuerpos, de sinagogas convertidas en cenizas, de niños quemados por las radiaciones nucleares, de ciudades metamorfoseadas en infiernos sin escapatoria posible… Ante todo esto, el Arte se vio incapacitado para soñar más con los monstruos, porque éstos ya empezaron a formar parte de la rutina diaria.

Frankestein es una de las criaturas que más fascinaron a los surrealistas

Frankestein es una de las criaturas que más fascinaron a los surrealistas

Más información, horarios y entradas en http://www.musee-orsay.fr