Ruth Asawa esparce vida en el Guggenheim

Ruth Asawa fue una escultora implicada obsesivamente con la naturaleza y las formas en continua expansión. La artista californiana alumbró a lo largo de varias décadas un currículo de contornos espaciales, ausentes de fronteras cerradas; en los que el buril transformaba su invisibilidad para dejar el protanismo a los intrincados laberintos de un sinfín alambres determinantes, retorcidos con una intorspectiva técnica enraizada en una sucesión de bucles (justo como la ciencia entiende la evolución del tiempo, en un ecosistema tan inmanente como el del universo).

La experimentación con la que Asawa alimentó sus ansias de descrubrir caminos eclécticos y evolutivos, con los que narró sus inspiraciones tridimensionales, dio consistencia a un conjunto de obras diferentes y llamativas, en las que el lenguaje oculto de la plástica se entona través de diálogos suspendidos de eternidades abismales.“La obra es la que dicta una manera de crecer y, cuanto más se aprende sobre ese modo de crecimiento, más posibilidades se abren para la creación de una escultura específica de ese proceso”, afirmó en una ocasión la creadora estadounidense de ascendencia japonesa.

Semejante capacidad para metamorfosear sus inclinaciones escultóricas queda ampliamente expuesta en la muestra Ruth Asawa: Retrospectiva, que el Museo Guggenheim de Bilbao albergará en su interior hasta el próximo 13 de junio de 2026. Un recorrido organizado en diversas secciones divididas por orden cronológico, y que sigue la labor de la artista desde sus inicios en los años cuarenta del pasado siglo XX hasta su fallecimiento en 2013. Todo un compendio de pinturas, figuras de alambre, documentos, fotografías y bocetos comerciales que ilustran la intensa existencia de alguien que hermanó su estilo con los dictados agresivos e imprevisibles de la naturaleza salvaje.

“Una artista es una persona corriente capaz de convertir cosas corrientes en algo especial“. Estas palabras, de enorme claridad y desconcertante elocuencia, muestran la filosofía rectora de RA. Ubicada bajo el paraguas de tales pensamientos, Asawa comenzó a vertebrar sus obsesiones durante sus primeros años educativos en el Black Mountain College (BMC), donde sometió su pulso visual a la concentración de conceptos antagónicos, con el fin de dotar de una continuidad necesaria a sus piezas, permeadas habitualmente por pinceladas de transparencia y conectividad atmosféricas.

RUTH ASAWA SE ADENTRÓ EN TODOS LOS CAMPOS ARTÍSTICOS QUE LE PERMITÍAN EXPLORAR LA RELACIÓN ENTRE LA PLÁSTICA Y LA NATURALEZA

¿Es posible hallar un idioma secreto de los objetos, a través de los materiales y de su relación con el entorno? Cada pliegue, cada quejido metálico, cada hebra de mimbre y cada manifestación de un modelaje libre cnstituyen los ingredientes fundamentales de los trabajos de Ruth Asawa. Los años transcurridos en el Black Mountain College (BMC) dieron a la entonces joven RA un background de experiencias sensoriales activadas por el aroma de la libertad, materializadas con la ayuda de su profesor Josef Albers.

En el citado centro fundado en 1933 por creadores del talento de Andrew Rice y Theodore Dreyer, la veinteañera Asawa aprendió a entretejer los volúmenes inspirados por la naturaleza con ingeniosas formulaciones matemáticas. Tal simbiosis alcanzó su punto máximo cuando la artista viajó a México, en 1947; lugar en el que descubrió el arte tradicional de las cestas. Estos elementos de necesidad primaria para la población autóctona permitieron a RA realizar sus famosas cestas de alambre, con las que teorizó sobre la necesidad de que el arte fuera un reflejo directo de las manifestaciones de las personas anónimas que emprenden la aventura excistencial diariamente.

“La naturaleza es mi maestra y, para estudiar sus patrones de crecimiento, he utilizado materiales que son producto de nuestro siglo XX”, confesó en una ocasión Ruth Asawa. Esa fijación por hacerse eco de los dictados de los entornos, sin malversar la esencia de los objetos, es la cadena que une cada eslabón de las etapas evolutivas de la creadora californiana. Dentro de esas tesis progresivas, las eculturas de RA siguen creciendo en el interior manifacturado y aparentemente cerrado de las esculturas; un argumento que revela la necesidad de que todas sus piezas sigan cambiando en el interior de sus entrañas de alambre.

Dentro del espacio dedicado a la retrospectiva de RA, una de las secciones más hipnóticas de la muestra de Museo Guggenheim de Bilbao es la dedicada a los grabados de Tamarind. En esa etapa, Asawa se dedicó a elaborar unos cincuenta y cuatro grabados de carácter experimental, en los que flores y plantas elevan su voz silente sobre fondos acuosos e imantados. La artista adaptó una técnica de pintura sobre la piedra caliza o sobre la plancha de alumino, que coloreaba con lápices grasos, rotuladores y tinta litográfica, para diseñar un mundo nuevo y deslumbrante, tan cercano como ilusorio.

“La vida dibuja” parece ser el lema que alimenta cada una de las salas del centro plateado bilbaino. Una formulación realizada por la propia RA que condensa su pasión por idear formas sinuosas, contenidos que montan revoluciones imprecisas contra los continentes y vasallajes coherentes entre lo artiifical y lo natural.

Nota: Ruth Asawa: Retrospectiva estará en el Museo Guggenheim de Bilbao hasta el próximo 13 de septiembre de 2026.

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