Teatro - THE LIVING CULTURE MAGAZINE TU ESPACIO DE CULTURA Y DE OCIO Tue, 19 Jul 2022 18:00:21 +0000 en-GB hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.1.1 https://kevinjesus20.com/wp-content/uploads/2016/04/cropped-Cabecera-posible-2-32x32.jpg Teatro - THE LIVING CULTURE MAGAZINE 32 32 Hadrian llora por amor en el Real https://kevinjesus20.com/2022/07/hadrian-llora-por-amor-en-el-real/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=hadrian-llora-por-amor-en-el-real https://kevinjesus20.com/2022/07/hadrian-llora-por-amor-en-el-real/#respond Tue, 19 Jul 2022 17:53:42 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70378 El cantautor estadounidense y afincado en Canadá Rufus Wainwright presenta "Hadrian", en el Teatro Real de Madrid: una ópera en cuatro actos, sobre el profundo amor del emperador romano Adriano, hacia el joven griego llamado Antinoo. Un espectáculo inspirado en el libro "Memorias de Adriano", de Marguerite Yourcenar.

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Hadrian
Hadrian es una ópera que deambula entre la realidad y el sueño

Hadrian (Adriano, en su traslación española) sufre entre mármoles oscuros, mientras la figura omnipresente y titánica de Antinoo ocupa la mayor parte del escenario. Así es como Rufus Wainwright retrata al que fuera el aclamado sucesor de Trajano, considerado como un gobernante reflexivo, y supeditado a la filosofía estoica y epicúrea,

El dramaturgo canadiense Daniel MacIvor es el autor del libreto de esta ópera marcada por el sentimiento trágico y la pérdida irreparable de un emperador anciano e inconsolable, que busca infructuosamente el fantasma de su amante muerto antes de cumplir los veinte años, ahogado misteriosamente en las aguas del río Nilo. Ese duelo, sujeto a los recuerdos y las rememoraciones dolorosas, es el que marca la evolución dramática de la segunda ópera de Wainwright -después de Prima Donna-, una obra en la que el norteamericano somete las melodías y accesos sinfónicos a un ritual de afectos carcomidos, dominados por una atmósfera sobrenatural.

Desde su estreno oficial, celebrado en la Canadian Opera Company de Toronto el 13 de octubre de 2018, Hadrian ha exhibido su triste letanía de músicas heterogéneas y atemporales por distintos escenarios del planeta, como el Festival Castell de Peralada. Un itinerario de estaciones líricas, que ahora recala en el interior del Teatro Real de Madrid, en una única función, programada para el próximo 27 de julio de 2022.

Hadrian
Hadrian es el trabajo más complicado que ha efectuado Rufus Wainwright, hasta el momento

El barítono estadounidense Thomas Hampson es quien se enfunda los vaporosos ropajes de Hadrian, mientras moldea su potente timbre a través de las apasionadas declaraciones de un hombre que busca hallar un rastro de lo que ha perdido en las aguas del Nilo.

La relación física y anímica del heredero de Trajano y el casi adolescente Antinoo (a quien interpreta el tenor Santiago Ballerini) se ejecuta en la ópera con un potente efecto romántico, que contrasta con el componente político de un libreto que une realidad y deseo, pesadilla y anhelo, evocación y hundimiento psíquico.

HADRIAN ESCAPA A LA IDENTIFICACIÓN CON SU ÉPOCA, AL INCORPORAR PARTITURAS DE JAZZ Y BLUES

Las más de dos horas que dura el curso escénico de Hadrian prometen dejar en el auditorio del bel canto de la Villa y Corte un conjunto de melodías diversas, que van desde las notas orquestales de sobriedad clásica, a accesos que recuerdan vagamente a las aportaciones inaprensibles del jazz sureño y a las mixturas calóricas del blues de largo recorrido. Este viaje a través de las centurias, diseñado con efectismo sonoro por Rufus Wainwright, tiene el poder de mostrar la universalidad de los sentimientos de Adriano y Antinoo: un canto épico en favor de la ternura mediada por la atracción física y espiritual, que define a esta pareja de eternidades perennes.

Dentro de semejante intención por actualizar el argumento de Hadrian, RW incorpora en el escenario una serie de proyecciones de fotografías de Robert Mapplethorpe, que ayudan a comprender el entramado sensible de un argumento que habla poéticamente del amor entre dos personas, sin importar el sexo ni el género de los amantes.

Hadrian
Hadrian utiliza en su desarrollo algunas imágenes proyectadas de las fotografías de Robert Mapplethorpe

Según la historia que aparece en las enciclopedias, Adriano nunca pudo olvidar al determinante Antinoo; al que recordó incluso en la hora de su muerte, ocurrida a los sesenta y dos años. Tales evocaciones de carácter íntimo se efectúan en Hadrian con tonos oscuros, casi tétricos; que combinan los elementos concertistas con los cuadros dramatizados en cada una de las palabras, frases y arias que pronuncia el emperador romano nacido en Hispania.

Junto a Thomas Hampson y Santiago Ballerini, la representación de esta singular creación operística cuenta con la colaboración de la guipuzcoana Ainhoa Arteta (en el papel de Pompeya Plotina, la esposa de Adriano), el santanderino Alejandro del Cerro (Trajano) y el barítono canadiense Gregory Dahl (Hermógenes), entre otros. Todos ellos dirigidos por el escenógrafo alemán Jörn Weisbrodt, y por el director musical Scott Dunn.

Nota: Hadrian estará en el Teatro Real de Madrid el próximo 27 de julio de 2022.

Más información, entradas y horarios en

https://www.teatroreal.es

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Helen Hunt viaja al Old Vic https://kevinjesus20.com/2022/07/helen-hunt-viaja-al-old-vic/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=helen-hunt-viaja-al-old-vic https://kevinjesus20.com/2022/07/helen-hunt-viaja-al-old-vic/#respond Thu, 14 Jul 2022 17:34:07 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70353 La actriz ganadora del Oscar por "Mejor... imposible" encabeza el elenco interpretativo de la obra de teatro "Eureka Day": una hilarante sátira sobre la extremada protección de los hijos en pleno siglo XXI. Un texto del dramaturgo californiano Jonathan Spector que, previamente a su llegada a Londres, ha triunfado en Estados Unidos.

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Helen Hunt
Helen Hunt ha alternado sus apariciones en cine y televisión, con su participación en montajes teatrales

Helen Hunt es una intérprete de singular curso profesional, a la que conseguir el Oscar a la Mejor Actriz Principal en 1997, por su sorprendente caracterización de Carol Connelly en la comedia Mejor… imposible, la alejó del fulgurante futuro que se le auguraba en sus inicios.

No obstante, y a pesar de una trayectoria algo irregular en el séptimo arte, la carrera de la norteamericana está trufada de trabajos de reconocida brillantez artística, como el elaborado en La maldición del escorpión de jade (Woody Allen, 2001) y en Náufrago (Robert Zemeckis, 2000).

Ahora, la aventurera Jo Harding de Twister abandona por un tiempo la nación de las barras y estrellas, para recalar en la urbe del Támesis. El motivo del traslado no es otro que el de protagonizar el montaje de la sátira social titulada Eureka Day, que estará en el interior del Old Vic Theatre desde el próximo 6 de septiembre, hasta el 31 de octubre de 2022.

Después del éxito obtenido en el Aurora Theatre de Berkeley y el off Broadway neoyorquinoEureka Day afronta su estreno europeo tras la vetusta fachada del escenario situado en The Cut. Y lo hace con parte del equipo original, desplegado con imaginación por la directora de Katy Rudd, y las aportaciones artísticas de Matthew Warchus.

Helen Hunt
La visita a Londres de Helen Hunt es uno de los mayores atractivos mediáticos de la temporada teatral británica

El dramaturgo californiano Jonathan Spector es el autor de este libreto neurótico y aguerrido, concebido como una esperpéntica reunión padres, los cuales discuten si es aconsejable la vacunación obligatoria de los alumnos del centro en el que estudian sus respectivos vástagos, tras conocerse el caso de un niño con paperas.

Las distintas controversias entre personas que se consideran abiertas y tolerantes marcan el argumento de una obra que recuerda ligeramente a las agresiones discursivas de Un dios salvaje, de Yasmina Reza, o a las constantes lagunas existenciales que suele recrear Woody Allen en sus películas.

HELEN HUNT SE PONE AL FRENTE DE UNA TRAGICOMEDIA CARGADA DE ESTEREOTIPOS

Una de las genialidades del trabajo de Jonathan Spector reside en la determinación del creador estadounidense de diseñar arquetipos humanos, fácilmente identificables con amplios sectores de la población. De esta manera, entre los personajes es posible localizar el típico líder que esconde actitudes dogmáticas, el padre adinerado que solo piensa en su bienestar afectivo, la madre elegante y sofisticada que esconde multitud de complejos (papel que supuestamente va a encarnar Helen Hunt), la abnegada esposa del infiel millonario al que antes se hacía referencia, y la madre soltera que está enamorada de un hombre casado. A este grupo se les une Carina: una dama proveniente del exterior, que aporta una nueva visión del cuidado de los niños y el significado de los sentimientos paterno filiales.

Semejante fauna humana compone el cuadro dramático de la excéntrica reunión de progenitores en la biblioteca de la escuela privada Calif, en Berkely. Una cita en la que Spector pone en escena muchas de las grandes diatribas de la sociedad actual. Problemas enfatizados por las posturas con respecto a las vacunas, que entroncan directamente con lo vivido en el presente, con la protección química para evitar el contagio severo y la propagación del coronavirus.

Helen Hunt
Helen Hunt (en la foto) tiene la misión de encarnar a la elegante y acomplejada Suzanne

El sencillo escenario, alimentado por varios ordenadores portátiles y libros en las estanterías, convierte la discusión coral de Eureka Day en un carrusel de acusaciones y razonamientos deshilvanados, mediados por la impetuosidad y el nerviosismo de los instantes vividos. Una especie de plano secuencia trucado, en el que afloran los sentimientos más diversos, y las revelaciones carentes de salvavidas contextual.

Jonathan Spector aprovecha el caso concreto de la cuarentena por paperas de un alumno para profundizar en los miedos e incertidumbres de los hombres y mujeres del siglo XXI. Temores que suelen estar difuminados por una pátina de solidaridad comunitaria que, en realidad, no es más que un disfraz de modernidad ilusoria.

Nota: Eureka Day estará en el interior del Old Vic Theatre de Londres desde el 6 de septiembre, hasta el 31 de octubre de 2022.

Más información, entradas y horarios en

https://www.londontheatre.co.uk/theatre-news/news/your-guide-to-london-theatre-shows y https://www.oldvictheatre.com

 

 

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Marion Cotillard visita el Real https://kevinjesus20.com/2022/05/marion-cotillard-visita-el-real/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=marion-cotillard-visita-el-real https://kevinjesus20.com/2022/05/marion-cotillard-visita-el-real/#respond Thu, 19 May 2022 17:45:30 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70142 La actriz francesa, ganadora de un Oscar de Hollywood por su interpretación en "La vida en rosa", se instalará en el Teatro Real de Madrid desde el próximo 7 de junio, con el oratorio "Juana de Arco en la hoguera". Un montaje que Marion Cotillard ya exhibió en la sala Pau Casals del Auditori de Barcelona, el 17 de noviembre de 2012.

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Marion Cotillard
Marion Cotillard emula a Ingird Bergman, en el papel de la mártir Juana de Arco

Marion Cotillard acudirá al escenario limpia de maquillajes deslumbrantes y ropajes estelares, para meterse en la piel de la Doncella de Orleáns, momentos antes de que esta sienta el amargo dolor de las llamas, sobre su frágil cuerpo casi adolescente. Así ha acontecido en cada una de las representaciones en los distintos recintos de la dramaturgia planetaria en los que que la actriz de Origen ha materializado el ecléctico oratorio Juana de Arco en la hoguera: obra del compositor franco-suizo Arthur Honegger, sobre un estremecedor poema de Paul Claudel. Unas sensaciones que MC volverá a concitar entre el 7 y el 17 de junio, en el interior del preciosista Teatro Real de la Villa y Corte.

Dotada de una capacidad oral de incuestionable gradación trágica y épica, la actriz de Aliados hace suyas las apresuradas y profundas palabras de Juana de Arco, cuando ya conoce su destino de perecer en una cruel pira, mientras acuden a su mente las visiones celestiales que la animaron a vestir la armadura para abanderar la lucha por Francia, en el lejano siglo XV.

La modernidad de la partitura ideada por Arthur Honegger, en la que existen accesos jazzísticos y de los ritmos en boga a finales de los años treinta, nutre al esqueleto sinfónico de Juana de Arco en la hoguera de una atmósfera simbólica y atemporal, que va más allá del referente histórico en el que se basa la pieza; para situarse en cualquier escenario donde existe la injusticia de los poderosos contra los vulnerables. No en vano, el propio Honegger añadió un prólogo en 1945, en el que narró algunas de sus experiencias militares en la Segunda Guerra Mundial, para reforzar el espíritu alegórico de un oratorio que nunca pierde el hilo de la actualidad bélica (muchas de sus 11 escenas y frases podrían ambientarse en el sanguinario marco de la invasión de Ucrania, por parte de Rusia, y no perdería ni un ápice de su verosimilitud humana).

Marion Cottilard
Marion Cotillard despliega gran energía trágica, como Juana de Arco

Marion Cotillard aterrizará en el aristocrático coliseo del bel canto madrileño acompañada por el imaginativo director escénico Àlex Ollé, de la Fura dels Baus; el actor francés Sébastien Dutrieux (Padre Dominique); las sopranos Sylvia Schwartz (La Virgen) y Elena Copons (Margueritte); la mezzosoprano Enkelejda Shkosa (Catherine); el tenor Charles Workman (Porcus); y el bajo-barítono Torben Jügens (Heraldo).

El mencionado elenco arropa a Cotillard en su aguerrida disertación testamentaria hacia el patio de butacas: un oratorio que despierta la conciencia culpable de los verdugos, y alienta el ascua de veracidad que moldean las palabras, los silencios, las lágrimas, los miedos, y la ennegrecida sombra de las eternidades irreparables.

MARION COTILLARD INTEGRA SU VOZ A LAS VARIACIONES ORQUESTALES

El programa propuesto por el Teatro Real arranca con la cantata La Damoiselle Élue (La doncella bienaventurada), de Claude Debussy, que cuenta con el libreto del pintor y poeta Dante Gabriel Rossetti. Un sorprendente aperitivo que ejecutan la soprano Camilla Tilling y la mezzosoprano Enkelejda Shkosa. Semejante elección resulta bastante interesante desde el punto de vista sensitivo, ya que prepara a los espectadores para afrontar el espectral oratorio de Juana de Arco en la hoguera.

Junto al coro y orquesta del Teatro Real y los pequeños cantores de la JORCAM, bajo la dirección de Juanjo Mena; Marion Cotillard subirá al escenario con el único apero de su unión anímica con la Doncella de Orleáns, cuando esta intenta explicar el origen de los mensajes que recibía del más allá, y de figuras como la de La Virgen.

Con una soledad amenazante, la mártir quemada en Ruan se dirige sin rencor a los asistentes, perdida en un laberinto de emociones contrapuestas y estrofas eléctricas.

Marion Cotillard
El oratorio de Juana de Arco en la hoguera, protagonizado por Marion Cotillard, cuenta con una excelente edición en DVD

Casi setenta años antes de la versión de Marion Cotillard, Ingrid Bergman acudió al Liceu de Barcelona al lado de Roberto Rossellini, para escenificar el oratorio hagiográfico de Arthur Honegger, y poner voz al poema trágico de Paul Claudel. El reto de seguir los pasos de la icónica estrella de Casablanca fue uno de los puntos determinantes para que MC aceptara ponerse al frente de un proyecto que lleva más de diez años paseando con su cuidada cadencia fantasmal, por los principales teatros del mundo. Aunque otro de los atractivos de cara al interés de la actriz francesa estriba en la fuerza que despliega el poema que desgrana el personaje de Juana de Arco, y en el que se percibe un mosaico de sentimientos impulsados por los instrumentos, lo cuales sonorizan la letanía de camposanto que trasciende a través de los versos.

Nota: El oratorio Juana de Arco en la hoguera tiene previsto su estreno en el Teatro Real el próximo 7 de junio.

Más información, entradas y horarios en

https://www.teatroreal.es

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Harold Pinter humaniza Madrid https://kevinjesus20.com/2022/03/harold-pinter-humaniza-madrid/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=harold-pinter-humaniza-madrid https://kevinjesus20.com/2022/03/harold-pinter-humaniza-madrid/#respond Wed, 16 Mar 2022 18:20:16 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69920 El Teatro Bellas Artes de la Villa y Corte acoge las representaciones de "El cuidador": el primer éxito profesional de Harold Pinter en la escena británica, cuyo argumento versa sobre los problemas de comunicación, afectividad y empatía entre tres hombres encerrados en una casa destartalada, y con grietas en sus cimientos.

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Harold Pinter
Harold Pinter elaboró en “El cuidador” un efectivo fresco humano, de extrañas conexiones sensitivas

Harold Pinter manejaba como pocos el arte de descubrir los resortes afectivos de los tipos de a pie con los que se encontraba en las calles de la cosmopolita ciudad de Londres. Los individuos que más interesaban al dramaturgo y escritor eran entes con ropajes escamoteados a la normalidad, los cuales diluían sus esperanzas de presente y futuro en las luces deslumbrantes de la urbe del Támesis, mientras intentaban aguantar su rutina sobre la resbaladiza base de comportamientos agrestes y conversaciones erizadas.

Avalados por un lenguaje cortante y agresivo (preciso como la punta de los dardos sobre la diana de cualquier pub insomne y pendenciero), los textos del que fuera Premio Nobel de Literatura se componen de historias sombrías y espectrales, estimuladas por las irracionales acciones de unos personajes perseguidos por sus propias frustraciones existenciales.

Títulos tan celebrados del autor londinense como The Homecoming, The Birthday Party y No Man’s Land nutren sus secuencias con semejante brebaje dramático de inusitadas consecuencias, e ingredientes sulfurosos. Un nexo sensible y tenebroso que igualmente es perceptible en el curso de El cuidador: la obra que llega el próximo 18 de marzo al interior del Teatro Bellas Artes, en Madrid.

Hemos planteado una adaptación que recrea los hechos en cualquier ciudad de hoy de nuestro país, una puesta en escena llena de juego y trabajo actoral, llena de humor, sorpresas y muchos objetos. Un teatro para disfrutar“, explica Antonio Simón, director del montaje.

Harold Pinter
Joaquín Climent (en la imagen) encarna al manipulador Davies/ Foto: Pentación Espectáculos

El gallego Antonio Simón es el encargado de poner en escena el impactante cosmos descrito en The Caretaker, según la traducción efectuada por Juan Asperilla. Una versión que intenta incorporar la idiosincrasia española, al universo claramente británico que ideó el responsable de Betrayal.

Dentro del preciso engranaje creativo pensado por Simón, el actor valenciano Joaquín Climent (El sustituto) encabeza el elenco interpretativo de un cuadro artístico que completan Álex Barahona (Canallas) y Juan Díaz (Noviembre). Los tres se meten sin chalecos protectores en el interior de Davies, Mick y Aston: unos roles marcados a nivel psicológico, a los cuales mueven diferentes actitudes frente a la crudeza de la realidad y de un entorno hostil.

HAROLD PINTER SIGUIÓ LAS HUELLAS DE SAMUEL BECKETT

Muchos expertos han señalado las similitudes existentes entre el texto de El cuidador y Esperando a Godot, de Samuel Beckett. Un parecido que ambas obras asumen desde el parapeto del absurdo situacional llevado a los límites de lo caricaturesco, como si los seres que deambulan por las dos tramas fueran incapaces de huir de la sinrazón en la que estos se hallan enclavados. Tanto Harold Pinter como Beckett incorporan a sus textos una visión cruel de la sociedad, en la que el darwinismo se enfatiza personalizado en intransigentes clases dirigentes y sus supuestos esclavos.

La confrontación constante que experimentan los tres protagonistas de El cuidador es un ejemplo elocuente de la pose de batalla eterna a la que se ven sometidos los personajes de HP. Mientras Davies se muestra esquivo y huidizo, Mick se erige como el elemento violento e irascible del espacio en que estos conviven. Por su parte, Aston viene a ser un ente de luz en medio de las sombras, el único capaz de inspirar una honda confianza hacia el denostado género humano.

Harold Pinter
“El cuidador” presenta un elenco de actores realmente brillante/ Foto: Pentación Producciones

El cuidador supuso en su momento el primer éxito de HP en la escena británica, popularidad a la que ayudó el elenco interpretativo escogido para las representaciones de 1960. Tal fue el reconocimiento de crítica y público, que la obra llamó la atención de Clive Donner, quien la adaptó al séptimo arte en 1963, con Donald Pleasence, Alan Bates y Robert Shaw en los papeles de Davies, Mick y Aston, respectivamente.

Consciente de la importancia a la hora de elegir a los actores para recrear una pieza tan agreste, Antonio Simón ha elegido intérpretes con suficiente potencial dramático, como para hacer verosímiles los diálogos afilados esgrimidos por Pinter. Un cuadro artístico que forman Joaquín Climent, quien encarna al intrigante y camaleónico Davies, y los jóvenes Álex Barahona y Juan Díaz, los cuales hacen lo propio con el ambicioso Mick y el ingenuo Aston.

Junto al trío protagonista, el montaje de El cuidador adquiere significancia a través de la atmósfera malsana y opresiva que transmite. Un espacio similar al de una olla a punto de estallar, cuya estructura recuerda a las oscuridades sensibles que se percibían en la casa residencial de El sirviente, de Robin Maugham.

Nota: El cuidador tiene previsto su estreno para el próximo 18 de marzo, en el Teatro Bellas Artes de Madrid.

Más información, entradas y horarios

https://www.teatrobellasartes.es

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Raymond Carver pasea por Madrid https://kevinjesus20.com/2022/01/raymond-carver-pasea-por-madrid/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=raymond-carver-pasea-por-madrid https://kevinjesus20.com/2022/01/raymond-carver-pasea-por-madrid/#respond Mon, 24 Jan 2022 18:24:26 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69751 La sala verde de los teatros del Canal acoge el montaje de "Principiantes": un profundo y reflexivo relato escrito por el norteamericano Raymond Carver, sobre las diferentes etapas de las relaciones amorosas. Andrés Lima dirige la adaptación del texto elaborada por Juan Cavestany, con Javier Gutiérrez (La hija) como uno de los protagonistas de la puesta en escena.

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Principiantes
Raymond Carver incluyó el texto de “Principiantes” en un libro de relatos publicado en 1981

Raymond Carver inmortalizó los vaivenes afectivos de cuatro personajes con el rumbo cansino de las existencias opacas, sumidos en el blanco y negro de las realidades evidentes, y asolados por los fantasmas del inmovilismo acumulado a través de un puñado de sentimientos moldeables.

What We Talk About When We Talk About Love (De qué hablamos cuando hablamos de amor) era el título que encerraba los miedos rutinarios de un cardiólogo llamado Herb McGuinnis y de su pareja Terri. Unos personajes a los que se unen Nick y Laura (dos seres más jóvenes, todavía esperanzados en lo referente a tratar con la pasión conyugal). Los cuatros se hallan reunidos en la aparente respetabilidad de un hogar de clase media, situado en una ciudad de Alburquerque (Nuevo México, USA) ahogada por el polvo de los sueños ilusorios. Tal marco le sirve a Raymond Carver para desarrollar una bomba conceptual de costumbrismo contundente, en sintonía a lo que los expertos tildaron de realismo sucio: un subgénero que se fortalece al declarar su compromiso evolutivo con  los infiernos cotidianos de los desengaños beat, y con las revoluciones de anonimatos voluntarios de los setenta.

El actor y director escénico Andrés Lima aprovecha la savia depresiva y alucinatoria del relato de Carver, para configurar un espectáculo de palabras y acciones congeladas en el tiempo, donde las revelaciones trascendentales y la sensibilidad subyacente componen un crisol de emociones sinceras y elocuentes, exhibidas con dramatismo anímico por Javier Gutiérrez (Herb), Mónica Regueiro (Marjorie/ Terri), Daniel Pérez Prada (J.P./ Nick) y Vicky Luengo (Bea/ Laura).

Principiantes
“Principiantes” trata de las relaciones amorosas en los tiempos de la desilusión programada/ Foto: Los Teatros del Canal

Para este montaje nos hemos basado sobre todo en la versión original, que se recuperó en 2007, y también hemos recurrido a otros pasajes y fragmentos del autor americano, con lo que nuestra propuesta quiere ser una inmersión completa en los elementos recurrentes del universo Carver: las relaciones de pareja, el amor y el alcohol como refugios, pero también como armas mortales, la predestinación frente al azar, y la textura literaria de la experiencia americana“, asegura el dramaturgo Juan Cavestany, respecto a las peculiaridades de Principiantes.

RAYMOND CARVER DA PARA MUCHOS ACERCAMIENTOS

El montaje dirigido por Andrés Lima tiene la peculiaridad de ir más allá del texto What We Talk About When We Talk About Love, para servir en el interior de Los Teatros del Canal un suculento cóctel de las obsesiones del escurridizo e impactante Raymond Carver, expuestas en el apego del autor nacido en Oregón a la desacralización del amor contemporáneo, y a las declaraciones envueltas en sustancias etílicas de borrosos contornos.

Principiantes descubre, a través de diálogos cruzados y falso ambiente de celebración amistosa, una singular madeja de conocimiento entre individuos de diferente condición y mentalidad, inmersos en procesos de confusión generalizada. Unos tipos para los que no existen felicidades duraderas, ni los bienestares publicitados por la sociedad de la inmediatez.

Principiantes
Raymond Carver no ofrece soluciones redentoras ni paños calientes, en “Principiantes”

Bajo semejante prisma argumental, todo lo que acontece en la obra se antoja como un paso más hacia el abismo de las confesiones sin vuelta atrás; de las que resulta imposible escapar, y donde tarde o temprano cualquier persona está destinada a aceptar la derrota.

La versión de Cavestany accede al relato original que Raymond Carver quiso publicar en 1981, y que se vio seriamente recortado por la acción de Gordon Lish. Esta determinación, consistente en abordar el texto con las aristas que el escritor norteamericano quiso esgrimir desde el inicio, convierte Principiantes en una tesis colectiva de enorme trasfondo vivencial, en la que los actores parecen estigmatizados por la rocosa realidad que acompaña a sus respectivos roles.

Un fresco de dolorosas asunciones, en el que sobresalen las convincentes y sinceras interpretaciones de Javier Guitérrez, Mónica Regueiro, Daniel Pérez Prada y Vicky Luengo. Así como la acertada puesta en escena, amueblada con toques de somnolienta modernidad, y vasos comunicantes con los esquejes telúricos de Ingmar Bergman y los sutiles ecos de la triste iconografía humana del teatro de Ionesco.

Nota: Principiantes estará en la Sala Verde de los Teatros del Canal hasta el próximo 5 de febrero.

Más información, entradas y horarios en

https://www.teatroscanal.com

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Eddie Redmayne maquilla Londres https://kevinjesus20.com/2021/11/eddie-redmayne-maquilla-londres/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=eddie-redmayne-maquilla-londres https://kevinjesus20.com/2021/11/eddie-redmayne-maquilla-londres/#respond Tue, 16 Nov 2021 18:41:35 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69531 El oscarizado actor de "La teoría del todo" se convierte en el lascivo y rítmico Emcee, dentro del nuevo y colorista montaje de "Cabaret": la legendaria obra que Bob Fosse convirtió en película de éxito en 1972, y que Redmayne protagoniza en el Playhouse Theatre, del West End londinense.

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Eddie Redmayne
Eddie Redmayne lidera un elenco en el que comparte escenario con Jessie Buckley/ Foto: The Playhouse Theatre

Eddie Redmayne mantiene la pasión artística dividida entre la televisión, el cine y el teatro. Respecto a la dramaturgia sin redes técnicas de por medio, la estrella de La chica danesa nunca ha abandonado la ansiedad que suele experimentar al subirse a un escenario: una plataforma de senderos discursivos e inspiradores, a través de la que puede mantener el contacto directo con el público, alimentado por la adrenalina que aporta saber que cada representación es distinta de la anterior, y que cualquier error o titubeo resulta imposible de soslayar con la repetición de la escena fallida.

Después de ganar prestigiosos premios, como el Tony o el Olivier por su recordada actuación en Red, Redmayne regresa a los escenarios de la urbe del Big Ben, con Cabaret: un ambicioso e imaginativo espectáculo de luz y sonido, que dirige la fogueada Rebecca Frecknall (Sanctuary City), aliada con las sorprendentes coreografías diseñadas por Julia Cheng.

El Playhouse Theatre de la ciudad del Támesis es el lugar escogido para levantar el lisérgico y glamuroso Kit Kat Club, el sitio en el que transcurre la acalorada trama de este musical escrito por Joe Masteroff, a partir de la obra de teatro I Am a Camera, de John Van Druten. Un show cargado de números imperecederos, que cuenta con las partituras de John Kander y las letras de Fred Ebb, y cuyos primeros antecedentes se encuentran en la novela Goodbye to Berlin, de Christopher Isherwood.

Eddie Redmayne
Eddie Redmayne (en la foto) se encarga de escenificar el papel del maestro de ceremonias del Kit Kat Club

La actriz irlandesa Jessie Buckley (Judy) y el inglés Omari Douglas (Doctor Who) acompañan a Eddie Redmayne en este esperado estreno de la cartelera capitalina. Un montaje en el que el público buscará los rastros sensibles de la oscarizada película de Bob Fossemovie que hicieron eterna la gestualidad y los movimientos de Liza Minnelli, la esforzada caracterización de Michael York, y las excentricidades atronadoras y contagiosas de Joel Grey.

EDDIE REDMAYNE DA LA BIENVENIDA A LOS CLIENTES DEL KIT KAT

El restaurado Playhouse Theatre transforma -desde el pasado 15 de noviembre– su controlada fisonomía de finales del siglo XIX, para someter su artesonado a la asfixiante atmósfera del Berlín de 1931.

Sepultado bajo la apariencia agresiva del abismal y tentador Kit Kat Club, el coliseo londinense acoge los alaridos ensordecedores del pletórico Emcee, quien exhibe su capacidad para romper las rigideces de la moral espartana propia de las sociedades encarriladas por la dualidad entre la virtud y el pecado; con maquillajes deslumbrantes, canciones picantes, e insinuaciones de carácter sexual, muy relevantes en los bailes circenses que se desarrollan en el citado local.

Entre luces y sombras (los focos son esenciales para acometer con coherencia la escenificación de Cabaret), Rebecca Frecknall repasa la laureada batería de letras determinantes y orquestaciones ilusorias, en la que se destapan los vicios de un pueblo que acabó cambiando el hedonismo supremo por la sumisión alienante a las tesis genocidas del nazismo; mientras los poderes fácticos entregaban el poder a los atemorizantes seguidores de Adolf Hitler.

Eddie Redmayne
El montaje protagonizado por Eddie Redmayne seguro que recordará a los espectadores la película dirigida por Bob Fosse

Esta nueva adaptación de Cabaret recupera el pulso de la célebre cinta dirigida en 1972 por Bob Fosse, con la que ganó ocho premios Oscar. Objetivo artístico que da como resultado un trabajo escenográfico de altura, donde se nota el interés por concitar el ambiente conseguido por el film setentero, y el cual adquiere su significancia afectiva al calor de temas como Wilkommen, Mein Herr o Money, Money.

Con la fuerza que le otorga el libreto de Joe Masteroff y la obra de John Van Druten, Frecknall construye el armazón de un show destinado a la diversión esculpida a base de ritmo y maquillaje, donde las melodías conocidas restallan un atisbo de nostalgia, esgrimida ahora por las potentes de voces de Jessie Buckley (ella es la encargada de tomar el testigo de Liza Minnelli, como Sally Bowles) y Eddie Redmayne (el británico se deja llevar por el papel que encarnó Joel Grey, en el film de 1972).

Más información, entradas y horarios en

https://www.playhousetheatre.co.uk

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Hugh Jackman alumbra Broadway https://kevinjesus20.com/2021/10/hugh-jackman-alumbra-broadway/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=hugh-jackman-alumbra-broadway https://kevinjesus20.com/2021/10/hugh-jackman-alumbra-broadway/#respond Fri, 29 Oct 2021 17:32:02 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69472 El protagonista de "Lobezno" y "Los miserables" animará la cartelera neoyorquina desde el próximo 20 de diciembre, con la adaptación del musical "The Music Man". Un espectáculo plagado de ritmo, coreografías acrobáticas y colorido deslumbrante, que dirige el premiado Jerry Zaks (La habitación de Marvin).

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Hugh Jackman
Hugh Jackman (en un momento de “El gran showman”) encarna al elocuente Harold Hill, en “The Music Man”

Hugh Jackman ha demostrado ser un actor que se mueve a la perfección y con soltura en el género del musical. Films como Los miserables (Tom Hooper, 2012) y El gran showman (Michael Gracey, 2017) acreditan la sólida relación del intérprete australiano con las historias que contienen canciones y coreografías en su desarrollo argumental. Un sentimiento de afección profesional, que ha reportado a Jackman numerosos reconocimientos entre el público y la crítica.

Semejante confianza en sus dotes como bailarín y vocalista, que el alter ego de Lobezno ha perfeccionado previamente con una preparación exhaustiva, ha animado a Jackman a no dudar a la hora de aceptar convertirse en el protagonista de la célebre obra titulada The Music Man, en el montaje que ocupará el interior del Winter Garden Theatre (1634 Broadway, Nueva York) desde el próximo 20 de diciembre, para levantar oficialmente el telón a partir del 10 de febrero de 2022 (siempre y cuando la pandemia de coronavirus lo permita).

HJ se ha involucrado totalmente en el proyecto, para prestar sus servicios como protagonista destacado en un espectáculo de la envergadura de The Music Man, en el que comparte protagonismo con la brillante Sutton Foster (Little Woman.- The Musical), quien se encarga de prestar su físico y el timbre de su garganta a la ingenua bibliotecaria llamada Marian Peroo.

Hugh Jackman
Hugh Jackman se mostró encantado, cuando fue escogido para encabezar el reparto de “The Music Man”

El director Jerry Zaks (La habitación de Marvin) es el hombre encargado de recuperar el imaginativo musical ideado por Meredith Willson y Franklyn Lacey; libreto que se convirtió desde su estreno, en 1957, en uno de los musicales de Broadway más taquilleros de la historia.

Tal fue la fama alcanzada por The Music Man, que -en 1962Warner Bros. transformó la obra teatral en una película de cine, bajo el título de Vivir de ilusión (Morton DaCosta, 1962). Una movie que contó con las inolvidables actuaciones de Robert Preston y Shirley Jones, como la pareja protagonista.

HUGH JACKMAN VISITA ROCK ISLAND

La acción de The Music Man tiene lugar en 1912, en la denominada América profunda. En esa época, dada a los embaucadores de carretera y ferrocarril, es en la que transcurre la trama de esta obra construida por Meredith Willson y Franklyn Lacey, al calor de los dramas clásicos, no exentos de toques de humor.

El texto sigue los pasos del falso profesor de música Harold Hill (Hugh Jackman): un hombre elegante y elocuente, que se gana la vida estafando a los que creen en sus dotes para conformar orquestas de éxito. Y, con estas artes de trilero de las esperanzas, Harold recala en la localidad de Rock Island, en Illnois: un lugar ideal para elaborar sus astutos planes.

Con una palabrería eficaz y determinante a lo flautista de Hamelin, Hill se gana la pronto confianza de los habitantes del bucólico sitio, quienes sueñan con dotar a la banda del pueblo de la calidad necesaria como para ganar concursos, y generar el ansiado prestigio que da una orquesta de altura. Ante la ingenuidad de los representantes de la comunidad, todo parece ir sobre ruedas para HH, hasta que la bibliotecaria Marian Paroo (Sutton Foster) se cruza en el camino del timador, y ya nada vuelve a tener el mismo sentido en el universo de engaños que despliega el protagonista.

Hugh Jackman
Morton DaCosta dirigió la adaptación al cine de “The Music Man”, en 1962

Hugh Jackman se mete en la piel del citado embaucador con capacidad para seducir a los incautos; el cual cambia profundamente ante las relaciones con los lugareños de Rock Island, hasta el extremo de modificar sus intereses meramente materialistas, por otros de índole sentimental y afectiva. Una metamorfosis a golpe de encendidas coreografías, con temas tan recordados como Till There Was You.

Al lado de Jackman y Foster, The Music Man también incluye las esperadas actuaciones de Jefferson Mays (I Am The Night), Jayne Houdyshell (Mujercitas) y del cantante Shuler Hensley (Oklahoma!), entre otros.

Más información, entradas y horarios en

https://shubert.nyc/theatres/winter-garden/

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Los pazos de Ulloa sacude Madrid https://kevinjesus20.com/2021/10/los-pazos-de-ulloa-sacude-madrid/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=los-pazos-de-ulloa-sacude-madrid https://kevinjesus20.com/2021/10/los-pazos-de-ulloa-sacude-madrid/#respond Fri, 22 Oct 2021 17:24:22 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69441 La genial obra de Emilia Pardo Bazán ocupa la sala Guirau del capitalino Teatro Fernán Gómez hasta el 7 de noviembre, con un montaje plagado de imaginación y momentos inspirados, a cargo de Helena Pimenta.

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Los pazos de Ulloa
Los pazos de Ulloa adquiere nuevos bríos tenebrosos, a través de la adaptación de Eduardo Galán/ Foto: Juan Carlos Arévalo y Teatro Fernán Gómez

Los pazos de Ulloa marcó con salvaje dramatismo las guías del naturalismo agreste y costumbrista que Emilia Pardo Bazán quiso esculpir con palabras, inspirada en la abismal propuesta del francés Émile Zola, y con la ironía esperpéntica de Ramón María del Valle-Inclán como singular bote salvavidas.

En una Galicia de prados surcados por las nebulosas mortecinas y de ciudades embriagadas por sombras, la obra de la creadora que fue pareja epistolar de Benito Pérez Galdós alimentó su argumento con una galería de personajes devorados por sus miedos y ambiciones, por sus vicios y virtudes, por su desgaste existencial y su determinismo social. Unos seres caricaturizados sobre osamentas agrietadas, a los que persigue un continuo aroma de camposanto enrarecido y explosivo.

Publicada inicialmente en 1886, la historia coral de Los pazos de Ulloa se ha transformado ahora en enérgica dramaturgia escénica, por medio del intenso trabajo de Eduardo Galán. Una adaptación que el madrileño Teatro Fernán Gómez alberga, en su sala Guirau, desde el pasado 8 de octubre; y cuyas representaciones sirven de sincero homenaje para recordar el primer centenario de la muerte de Emilia Pardo Bazán, hecho ocurrido el 12 de mayo de 1921.

Los pazos de Ulloa
Los pazos de Ulloa llega a Madrid como parte del homenaje al primer centenario del fallecimiento de Emilia Pardo Bazán

La directora salmantina Helena Pimenta es la responsable de esta enriquecedora versión de la celebrada novela decimonónica; una narración en prosa, que en su día fue comparada con La regenta, de Leopoldo Alas. Aunque, el marco y las connotaciones situacionales entre ambos textos son notablemente diferentes, con un distinto tratamiento de las pasiones internas que mueven a los personajes principales.

LOS PAZOS DE ULLOA ABREN LA PUERTA A LA CONDENACIÓN VOLUNTARIA

La inteligente adaptación materializada por Eduardo Galán preserva el cosmos enfermizo y asfixiante de la narración original, que cala en los huesos de los tipos que deambulan por las oscuras y tenebrosas extensiones ideadas por Emilia Pardo Bazán. Dentro de este laberinto de condenaciones voluntarias, el papel del don Julián (el sacerdote que protagoniza la trama, al que encarna con brillantez Pere Ponce) ejerce como desencadenante de las numerosas desgracias que suceden en el escenario. Un lugar que Helena Pimenta acompaña con proyecciones de naturalezas urgidas por el viento y el frío, como si la tierra adquiriera una importancia épica en el devenir de los acontecimientos.

Como telón de fondo, la bicefalia localista entre la ciudad (Santiago de Compostela) y el campo (Los pazos de Ulloa) cincela los infiernos a los que se ven abocados los individuos que dialogan las secuencias: dos enclaves que lanzan raíces en el cuadro humano, hasta el punto de esculpir las tristezas, los anhelos, los temores y las contadas alegrías de los habitantes del texto. Unos entes que siempre esperan la condenación por sus actos y pensamientos, como si supieran que son simples mártires de una época incapaz de permitir las debilidades propias de los hombres y de las mujeres.

Los pazos de Ulloa
Pere Ponce (en la imagen) realiza una brillante caracterización de don Julián

Sometido a tales rigores artísticos, Pere Ponce (El sustituto) ajusta su rictus y fisonomía al dibujo afilado de la faz atemorizada y huidiza de don Julián: potente catalizador de un amor prohibido, hacia la esposa del cruel y violento don Pedro (Marcial Álvarez).

Ponce introduce su actuación en un sinfín de vaivenes sentimentales, que Helena Pimenta acompaña con peculiares juegos de luces y sombras, como si fueran fieles testigos de las luchas intestinas que el religioso presenta, para combatir su admiración hacia la joven Nucha.

En esos rincones de la conciencia enfermiza del sacerdote, las palabras de Eduardo Galán exhiben con acierto las profundas simas de dolor sentimental que diseñó Emilia Pardo Bazán, eternamente sujetas a los rigores climáticos y anímicos de lo que ella llamó Los pazos de Ulloa.

Más información, entradas y horarios en

https://www.teatrofernangomez.es

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Gioachino Rossini y la magia del Real https://kevinjesus20.com/2021/08/gioachino-rossini-y-la-magia-del-real/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=gioachino-rossini-y-la-magia-del-real https://kevinjesus20.com/2021/08/gioachino-rossini-y-la-magia-del-real/#respond Mon, 16 Aug 2021 12:37:24 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69250 El Teatro Real de Madrid tiene previsto estrenar el 23 de septiembre una singular y colorista versión de "La Cenerentola" (La Cenicienta): la ópera bufa del genial Gioachino Rossini, basada en el célebre cuento de Charles Perrault.

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Gioachino Rossini
Gioachino Rossini se convierte en un personaje más, en el montaje ideado por Stefan Herheim

Gioachino Rossini tenía solo veinticinco años, cuando estrenó su versión de La Cenerentola en el Teatro Valle de Roma, el 25 de enero de 1817.

La capacidad del compositor y músico nacido en Pésaro para desarrollar tramas divertidas y jocosas, no exentas de sus momentos dramáticos y reflexivos, hizo que su adaptación del famoso relato de Charles Perrault adquiriera tintes de espectáculo mágico y onírico, en una línea semejante en holgura lúdica a la lograda por Wolfgang Amadeus Mozart con La flauta mágica.

Los dos actos de los que se nutre el libreto original de La Cenerentola exhiben un sinfín de escenas pintorescas y partituras emocionantes, en las que los intérpretes juegan a transformares en seres con piel de eternidad contrastada y casual, mientras afrontan obstáculos afectivos de naturaleza variable, para la consecución de la felicidad que busca la protagonista: una joven sirvienta llamada en la ópera Angelina.

El Teatro Real de Madrid acoge en su interior el regreso de esta historia inmortal sobre la bondad y los comportamientos éticos, con la sorprendente perspectiva del escenógrafo noruego Stefan Herheim, quien tiene previsto sorprender a los asistentes con cambios sustanciales respecto a las representaciones anteriores de la obra. Sutiles giros artísticos, que incluyen la aparición en el casting del propio Gioachino Rossini, como un improvisado personaje, dentro de este laberinto de espejos y apariencias que lleva el título de La Cenerentola.

Gioachino Rossini
Gioachino Rossini logró un inusitado éxito con “La Cenerentola”

La mezzosoprano Karine Deshayes es la elegida para lucir los ropajes remendados de la entristecida Angelina (su sustituta en parte de las 15 funciones programadas inicialmente será la mezzosoprano rusa Aigul Akhmetshina), hasta que un azar del destino la convierte en la preferida para ser la esposa del príncipe Ramiro. La cantante francesa asume de esta forma un papel que ya ha escenificado en numerosas ocasiones, y en distintos templos del bel canto; siempre con un sentido preciso e imaginativo de cada aria, que entona el corpus lírico de la ingenua sirvienta que protagoniza el texto.

GIOACHINO ROSSINI APROVECHÓ TODO

Tres semanas es lo que los estudiosos y biógrafos estiman que tardó Gioachino Rossini para elaborar La Cenerentola. Un tiempo realmente corto, que le sirvió también para reutilizar de manera puntual algunas piezas de sus trabajos más laureados.

La Cenerentola llegó a los teatros tras el aún reciente éxito de El barbero de Sevilla, y esto se nota por las influencias directas que existen entre ambas composiciones, y que se tornan notorias y determinantes. De hecho, una de las arias de El barbero de Sevilla fue remodelada para alimentar el jolgorio orquestal que Rossini deseaba transmitir con su peculiar Cenicienta.

Bromista e irónico, el genial maestro de la ópera bufa transalpina (así como de óperas dramáticas y piezas musicales de distinto género) quiso distanciar su versión melódica, del cuento narrado por Charles Perrault; y aportar novedades a la trama, que resultaran peculiares y entretenidas.

Un empeño creativo que le llevó a sustituir a la icónica madrastra por un padrastro, llamado don Magnífico; y a la cómica hada madrina por un filósofo nominado Alidoro. Aunque, lo que más llamó la atención en su época estribó en el  hecho de que Cenicienta no fuera descubierta por el príncipe encantador a través de un zapato de cristal, sino por un espectacular brazalete, que ella porta en la noche del baile.

Gioachino Rossini
La mezzosoprano francesa Karine Deshayes (en la imagen) encarna a la buena y dulce Angelina

Stefan Herheim se acerca al libreto decimonónico de Jacopo Ferreti con la excepcional ayuda del dramaturgo Alexander Meier-Dörzenbach, quien recrea el relato lírico de Rossini con una estimulante y onírica aura, que parece inspirada en El sueño de una noche de verano, de William Shakespeare; y que contribuye a fortalecer el aspecto visual y mágico de una de las grandes composiciones del responsable de la traslación al pentagrama de Otelo.

Junto a Herheim. el Teatro Real también cuenta para las representaciones de La Cenerentola con la dirección musical de Riccardo Frizza, y la actuación del coro del coliseo madrileño. Un equipo al que se suman las voces de la citada Deshayes, del tenor ruso Dmitry Korchak, del barítono francés Florian Sempey, y de la soprano española Rocío Pérez, entre otros intérpretes.

Más información, entradas y horarios en

https://wwww.teatroreal.es

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Golfus de Roma acude a Mérida https://kevinjesus20.com/2021/07/golfus-de-roma-acude-a-merida/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=golfus-de-roma-acude-a-merida https://kevinjesus20.com/2021/07/golfus-de-roma-acude-a-merida/#respond Tue, 13 Jul 2021 17:25:48 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69144 Carlos Latre protagoniza un colorido montaje del musical de Stephen Sondheim, cuyo estreno está previsto para el próximo 29 de julio, en el marco de la programación de la 67 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

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Golfus de Roma
Golfus de Roma ofrece un espectáculo plagado de situaciones hilarantes, inspiradas en las comedias de Plauto

Golfus de Roma irrumpió con rotundidad en el panorama del teatro musical estadounidense, cuando alcanzó la cartelera del Alvin Theatre de Broadway (ahora llamado Neil Simon Theatre), en la temporada de 1962. Entre las páginas y partituras de tan singular obra, el sentido para el espectáculo del genial Stephen Sodheim se sumó con eficacia al ingenioso y fresco libreto de Burt Shevalove y Larry Gelbart, para dar como resultado una de esas creaciones escénicas por las que no parece transcurrir el tiempo; y cuyos diálogos y números coreografiados resisten el paso de generaciones enteras, sin perder ni un ápice de su singular efecto humorístico.

Así quedó reflejado en la adaptación cinematográfica que Richard Lester llevó a cabo en 1966, film que inicialmente llevó el título de A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (Una cosa divertida ocurrió en el camino al foro); película que albergó entre sus fotogramas  las inmortales interpretaciones de los insuperables Zero Mostel, Buster Keaton, Jack Guilford, Michael Hordern y Michael Crawford, entre otros.

Daniel Anglès y Marc Gómez recuperan el brillo imperecedero de Golfus de Roma, para mostrar las virtudes de un musical construido milimétricamente para provocar la risa generalizada, a pesar de que un espíritu caótico parezca imperar en la mayor parte de sus enloquecidas secuencias. Un auténtico homenaje al divertimento absoluto, cuyo estreno está programado para el próximo 29 de julio, en el incomparable marco del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

Golfus de Roma
Golfus de Roma viajará al madrileño Teatro de la Latina, a partir del próximo 9 de septiembre

Han pasado los años y necesitábamos una versión para el siglo XXI. Tenía muy claro que quería que esta fuera mi primera comedia… cruzaba los dedos para que llegara el momento adecuado, y es este. Ahora tenemos todos los elementos necesarios. Una comedia brillante con una partitura de lujo. Una gran estrella para liderar un reparto excepcional. Un equipo creativo absolutamente loco. Y una producción ambiciosa y generosa. Nuestro GOLFUS DE ROMA quiere ser también un homenaje a las compañías de cómicos que viajan por pueblos y ciudades con el único objetivo de hacer feliz a la gente, provocando la sonrisa riéndose de ellos mismos. Así que, con vuestro permiso, aquí nos tenéis. Dispuestos a todo“, declara Daniel Anglès en madridteatro.com, respecto a esta aproximación al trabajo de Sondheim.

GOLFUS DE ROMA TIENE PREVISTO ATRONAR EN EL TEMPLO ESCÉNICO DE MÉRIDA

Sin renunciar a un espíritu del showbusiness muy enraizado en el universo de los años sesenta, Golfus de Roma deambula con personalidad e inteligencia entre el cosmos de los textos clásicos de Plauto, y la escenografía de los históricos musicales de reminiscencias en tecnicolor. Una mixtura destinada a colmar las expectativas de entretenimiento de los espectadores de cualquier edad, con su peculiar manera de presentar una Roma imperial desamortizada en tragedias profundas, y rebosante de chascarrillos pícaros que sugieren ocurrencias cómplices, a través de los diferentes diálogos.

Golfus de Roma
Golfus de Roma tuvo una sorprendente adaptación cinematográfica, de la mano de Richard Lester

Carlos Latre es el cómico encargado de encarnar a Pseudolus, el mismo personaje al que puso físico el legendario Zero Mostel. El popular presentador y showman afronta uno de los mayores retos de su carrera, al intentar dotar de vida al hilarante e irreverente tipo que desencadena los variopintos equívocos que sustentan el argumento de la obra.

Este esclavo, referente romano del lazarillo de Tormes o el Papageno de La flauta mágica, es quien desarrolla la trama amorosa de Golfus de Roma. Inspirado en el personaje creado por Plauto, Pseudolus acompaña a los espectadores a través de los intrincados laberintos sentimentales de Eros, Philia, o Miles Gloriosus. Y lo que acontece en semejante aventura es un mosaico de chistes hilarantes y entuertos imaginativos, que cuenta en esta ocasión con las estimulantes coreografías de Óscar Reyes.

Más información, entradas y horarios en

https://www.festivaldemerida.es

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