Música - THE LIVING CULTURE MAGAZINE TU ESPACIO DE CULTURA Y DE OCIO Thu, 24 Nov 2022 19:06:23 +0000 en-GB hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.1.1 https://kevinjesus20.com/wp-content/uploads/2016/04/cropped-Cabecera-posible-2-32x32.jpg Música - THE LIVING CULTURE MAGAZINE 32 32 Pablo Milanés, in memoriam https://kevinjesus20.com/2022/11/pablo-milanes-in-memoriam/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=pablo-milanes-in-memoriam https://kevinjesus20.com/2022/11/pablo-milanes-in-memoriam/#respond Thu, 24 Nov 2022 19:03:22 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70619 El pasado 22 de noviembre, el cantautor cubano Pablo Milanés falleció Madrid, víctima de una terrible enfermedad oncológica. Numerosas personas, entre admiradores y amigos, acudieron a la capilla ardiente, emplazada en la céntrica Casa de América, en la Villa y Corte, para dar el último adiós al genial compositor de "Yolanda", "Te doy una canción", "Yo no te pido" y "Para vivir".

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Pablo Milanés
Pablo Milanés exportó su gusto por la mezcla de las músicas tradicionales y las nuevas tendencias

Pablo Milanés siempre fue un trovador inspirado e imaginativo, capaz de sacar adelante un estilo propio: ajeno a los encorsetamientos mercadotécnicos, y alambicado por su pasión declarada hacia los sones cubanos tradicionales, el barroquismo lírico y los giros descontextualizados de pertenencias geográficas férreas y desamortizadoras.

Las composiciones de este artista de aspecto tranquilo y palabra certera se nutrieron de brisas provenientes de Brasil, Colombia, Norteamérica. España y su sempiterna Cuba. Esta isla, en la que el músico nació en 1943, nunca abandonó los pentagramas callejeros del creador alumbrado en Bayamo, alentado por la nostálgica prestancia de una Habana de malecones elocuentes y desamores en carne viva, moldeados por las suaves notas de su guitarra destripadora y sincera.

Yolanda, Te doy una canción, Para vivir, Los caminos, Quien me tienda la mano al pasar… El repertorio de Pablo Milanés es prolijo en sentimientos sin caretas, expresados con la sencillez de frases comprensibles y directas. Un baúl de confesiones rítmicas a contrapelo, en las que el cantautor cubano quiso poner en solfa su existencia de penas y quebrantos; universo más de luces que de sombras, en el que igualmente se concitaban sensaciones placenteras de amores románticos y excelsos.

Pablo Milanés
Pablo Milanés alcanzó su madurez artística con “Querido Pablo” (1985)

La carrera del responsable de El amor de mi vida es como una prolongada carta de sensibilidad profunda, en la que se perciben “los restos de humedad“, como entonó en el tena El breve espacio en que no estás. Una canción de perfección emotiva, que Milanés compartió con el talentoso Silvio Rodríguez (también nacido en Cuba).

Semejante legado ha hecho de PM uno de los nombres más destacados de la trova contemporánea, nutrida en los contextos del cambio de paradigma mundial, y sacudida por los movimientos sociales y políticos de los años sesenta y de la determinante década de los pantalones campana y los sometimientos inaccesibles.

PABLO MILANÉS FUE UN ARTISTA INVOLUCRADO CON LAS LÍRICAS EMOCIONALES Y SENSITIVAS

Desde niño, cuando ganó un prestigioso premio radiofónico de la canción a los seis años, Pablo Milanés se comprometió con su talento a hallar una senda renovadora y singular en el panorama de los sones cubanos. Un empeño que le llevó a mezclar sus lecciones en el conservatorio de La Habana con las experiencias que obtenía de sus charlas con los músicos callejeros. De ese binomio surgió el componente nómada y peregrino que tanto se admira en el conjunto de sus letras, carentes de aburguesamientos y dogmas ideológicos.

Fogueado en los clubes habaneros, PM construyó su currículo sonoro con versos en los que no se percibían triunfalismos existenciales, sino zozobra y fracasos que al final ayudaban al autoconocimiento, pese al dolor y el llanto que envolvía sus entrañas. Ingredientes que están presentes en hits tan recordados como Para vivir: una de las creaciones más rotundas del inspirado cancionero del prestigioso colega generacional de Noel Nicola.

Pablo Milanés
Pablo Milanés colaboró en dos discos y dos giras con Víctor Manuel

Pablo Milanés demostró con su trabajo que es posible tratar el amor sin coraza ni armadura, solo con la pose honorable de un jugador con la baza menos halagüeña en la partida trascendental de los sentimientos compartidos. Las líricas del trovador cubano están teñidas de una pátina de amargura que las hace imperecederas; y que, con la voz de Pablo, se convierten en dardos que aciertan en la diana de los pensamientos en penumbra voluntaria.

Me fundiré en la noche/donde me aguarda la nada…“. Estas palabras de El amor de mi vida resumen la trayectoria increíble de este inolvidable músico de congas mixtas, chagüí renacido, son eterno y guajira sin nacionalidad exportadora.

Pablo Milanés (1943-2022), in memoriam…

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Bruce Springsteen solo canta https://kevinjesus20.com/2022/11/bruce-springsteen-solo-canta/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=bruce-springsteen-solo-canta https://kevinjesus20.com/2022/11/bruce-springsteen-solo-canta/#respond Tue, 15 Nov 2022 18:34:51 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70602 El "boss" de Nueva Jersey lanza su segundo disco de covers, titulado "Only The Strong Survive" (Columbia Records): un álbum de versiones, donde el fogueado roquero de "Born To Run" se atreve con temas que popularizaron Diana Ross & The Supremes, Commodores, The Tenptations, Frankie Valli y Four Tops, entre otros.

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Bruce Springsteen
Bruce Springsteen lleva las canciones de “Only The Strong Survive” a su terreno

Bruce Springsteen, a estas alturas de su exitosa carrera, no parece dispuesto a modificar su naturaleza artística, por mucho que recupere canciones pertenecientes a estilos musicales aparentemente alejados de sus raíces roqueras. El intérprete nacido en Nueva Jersey es experto en diseñar los discos que se amoldan a las características de su voz profunda, como surgida de las páginas de una novela realista de John Steinbeck, o de un libro nómada y vagabundo de Jack Kerouac.

Dentro de este universo entre literario y experiencial es donde se incluye Only the Strong Survive (Columbia Records), aunque la estrella norteamericana sustituya el figurado blanco y negro de sus últimos trabajos por una pátina de colorido vintage, en el que bucean notas inspiradas en el pop de ritmos suaves, el r&b de guitarras plañideras y el soul de carreteras convenientemente agrietadas. Una obra que rezuma admiración en clave de repertorio sonoro, cuyos acordes comienzan con la tonada Only the Strong Survive: una confesión de vulnerabilidad amorosa y versos surgidos de conmovedores desengaños sentimentales y románticos, que popularizó el sureño Jerry Butler en 1968.

Bruce Springsteen
Bruce Springsteen tiene previsto actuar en Barcelona, los días 28 y 30 de abril de 2023

Junto al ingenioso Ron Aniello, quien también colabora al frente de varios instrumentos, Bruce Springsteen diseña un merecido homenaje a las melodías que llenaron sus años de juventud, mientras luchaba por salir adelante en el complicado mundo de la música. Un empeño que el líder de la E Street Band concibe como una aguerrida misión, destinada a hacer justicia a aquellas composiciones que deben gozar de un mejor lugar en el ideario de las songs estadounidenses del pasado siglo XX, y que él ha grabado sin estridencias: con dignidad y aplomo.

BRUCE SPRINGSTEEN INTENTA RECUPERAR EL ESPÍRITU ORIGINAL DE LOS TEMAS QUE VERSIONA

Only the Strong Survive es el segundo disco de covers que firma el “boss” de Nueva Jersey, El primero llevó por título We Shall Overcome: The Seeger Sessions (Columbia Records, 2006), y propició a Springsteen el premio Grammy al Mejor Álbum de Folk Tradicional.

En esta ocasión, los rastros folk a lo Pete Seeger quedan mitigados por unas sensaciones más heterogéneas, tanto en intenciones como en inspiraciones. De las inmersiones vitalistas de Nightsift al estribillo épico de The Sun Ain’t Gonne Shine Anymore, la garganta de Bruce se torna dúctil y acomodaticia, aunque nunca se esmere en seguir el tono de los originales Lionel Ritchie y Frankie Valli.

BS no es un hombre de extravagancias timbrales, sino de sonidos agudos y aguardentosos pese a estar pulidos de manera leve, para entonar las estrofas de temas tan carismáticos como Soul Days (apabullante dueto, el que se marca Bruce “boss” Springsteen con Sam Moore), When She Was My Girl, Don’t Play That Song o Someday We’ll Be Together.

Bruce Springsteen
“Only the Strong Survive” es el segundo disco de covers de Springsteen, tras “We Shall Overcome: The Seeger Sessions”

A diferencia de We Shall Overcome: The Seeger Sessions, Only the Strong Survive desvela datos sorprendentes sobre los gustos del autor de Born to Run. Entre ellos está la asunción de que el estadounidense de joven escuchaba con pasión la música de Commodores, de Four Tops y de las estilosas Diana Ross & The Supremes. Datos que vienen a refrendar la determinante influencia que el r&b y el soul tuvieron en el rock de notas incendiarias y rebeldes (no hay más que comprobar la relación entre Elvis Presley y los artistas de Sun Records).

A través de la entonación segura y vibrante de Only the Strong Survive es posible imaginar a un Springsteen barbilampiño de apenas veinte años, mientras coincide con Jerry Butler en que es posible curarse las heridas amorosas con ritmos seductores…

Nota: Bruce Springsteen y la E Street Band tienen previsto actuar en el Estadio Olimpic Lluis Compayns de Barcelona, los días 28 y 30 de abril de 2023.

Más información en

https://www.columbiarecords.com

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Arctic Monkeys move out https://kevinjesus20.com/2022/11/arctic-monkeys-move-out/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=arctic-monkeys-move-out https://kevinjesus20.com/2022/11/arctic-monkeys-move-out/#respond Fri, 04 Nov 2022 18:26:14 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70584 La banda de Sheffield presenta "The Car" (Domino Recording Company): un disco de madurez impostada y orquestal, que aleja el resultado de los inicios contestatarios del grupo británico. Alex Turner y sus compañeros imaginan un universo de sonidos elegantes y barrocos, en el que se percibe el diseño de alta gama que los antiguos representantes del indie rock desean potenciar en estos momentos.

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Arctic Monkeys
Arctic Monkeys apuestan por una interesante y melódica mixtura de ritmos

Arctic Monkeys parecen haber seguido literalmente el mensaje de su primer disco en el mercado, centrado en el título de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (Cualquier cosa que la gente dice que soy, es precisamente lo que no me define). Mientras los especialistas se empeñaban no hace mucho en ver al grupo inglés como uno de los pilares artísticos del renacimiento del indie fresco y rebelde propio del nuevo milenio, los autores del deslumbrante AM están decididos a contradecir a los sesudos críticos de las ondas, y reciclarse como una especie de herederos aventajados de Steely Dan, David Bowie y Roxy Music.

Desde su hogar en Los Ángeles, Alex Turner se ha aprestado a seguir la línea creativa de Alex Kapranos, con un similar rictus de hombre cool y determinante, al que le llueven las letras de canciones profundas y emotivas. Y así ha construido un espacio dominado por pentagramas que desencadenan los sentidos, y desparraman el gusto por las melodías empáticas e hipnóticas. Dentro de semejante universo -voluntariamente ajeno a los géneros de hierro y óxido-, The Car (Domino Recording Company) se complace en juguetear con soltura por los territorios agradecidos del pop emulsivo, la electrónica de tintes aristocráticos, el rock de blandura acomodaticia, el jazz de fisonomía urbana y el glam con aroma a colonia de marca.

Arctic Monkeys
Arctic Monkeys han modificado su ADN artístico, desde su primer álbum

Con el habitual James Ford como productor, Arctic Monkeys dan un paso más allá en su sólida y triunfalista carrera, para revelar su madurez musical; la cual comenzó con Tranquility Base Hotel & Casino (la primera entrega de esta extraña y sutil bilogía). Una saga en dos partes, que muestra la hondura escenográfica de un grupo siempre capaz de sorprender a sus seguidores, y al que no le asustan las metamorfosis en plena efervescencia del éxito mediático.

ARCTIC MONKEYS PARECEN SEDUCIDOS POR EL AMBIENT SESENTERO

No resulta descabellado calificar The Car como un disco pensado para enganchar a los oyentes de los más variados estilos y preferencias. Tal es el objetivo de Alex Turner y sus colegas, a quienes se les ocurren hasta chispazos de bossa nova aguardentosa y soul de satén, planeados para aumentar el número de su legión de seguidores.

Ya en los acordes iniciales de There’d Better Be a Mirrorball se percibe que el séptimo trabajo de Arctic Monkeys no va a transitar por los asfaltos demoledores y agrietados de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, Favourite Worst Nightmare, Humbug y Suck It and See. Una decisión que comunica la inspiración musical de Turner, Jamie Cook, Nick O’Mailey y Matt Helders con los paisajes orquestales de sintonías de evocación sesentera, relacionadas emotivamente en no pocas ocasiones con fotogramas imaginarios pertenecientes a las películas de James Bond, y con ciertas comedias de altura de la época de los films de Sean Connery como el icónico y seductor agente 007.

Arctic Monkeys
“The Car” es como una elegante continuación de “Tranquility Base Hotel & Casino”

Esa naturaleza camaleónica y los giros constantes son los mejores aliados de The Car. Bajo esta agradecida carpa de cromatismo melódico, los diez cortes de los que consta el álbum despiertan la variante atmosférica que quiere concitar Alex Turner, la cual transforma la degustación del Cd en una experiencia de signo fantasioso.

Las notas sugerentes de Body Paint, las disertaciones vaporosas de Sculptures of Anything Goes, las ideas beat enlazadas con el rodaje del tema The Car, los ecos somnolientos de Perfect Sense… Los surcos de esta obra del cuarteto de Sheffield destilan un buqué de elevada factura compositiva. No en vano, la grabación del producto siguió la cosmopolita ruta de Suffolk (Inglaterra), París, Londres y Los Ángeles. Todo un itinerario estelar…

Nota: Arctic Monkeys tienen previsto actuar entre el 6 y el 8 de julio de 2023, en el Bilbao BBK Live.

Más información en

https://www.dominomusic.com/uk

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Beyoncé invita a la diversión https://kevinjesus20.com/2022/08/beyonce-invita-a-la-diversion/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=beyonce-invita-a-la-diversion https://kevinjesus20.com/2022/08/beyonce-invita-a-la-diversion/#respond Wed, 31 Aug 2022 17:44:33 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70499 La cantante texana lanza un disco plagado de melodías bailables y ritmos eufóricos, titulado intencionadamente "Renaissance" (Parkwood Entertainment y Columbia Records). Una obra con la que la diva del r&b intenta olvidar los trágicos tiempos sufridos por el confinamiento y la pandemia de coronavirus, y en la que se suceden las estrofas inspiradas y desafiantes.

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Beyoncé
Beyoncé exhibe su talento para las mezclas y el mestizaje de sonidos y géneros

Beyoncé regresa al mercado discográfico con un trabajo de sintonías emulsivas y nostálgicas,; en el que es posible hallar reflejos cegadores del dance setentero (Cliff It), unidos a las sutiles ráfagas de retroceso hacia las sessions house de los noventa, ofertadas en clubs de moda y etiqueta (I’m That Girl).

El resultado de tal experimento o exploración emocional es el de una imaginativa coctelera de sonidos diversos y acumulativos, nominada Renaissance (Parkwood Entertainment y Columbia Records), dentro de la que la voz de Beyoncé ejerce como privilegiada maestra de ceremonias, eligiendo la mezcla más efectiva.

La diva que interpretó la banda sonora del remake de El rey león en acción real se esfuerza para diseñar un universo de melodías impactantes, en las que se solapan distintas bases de ritmo frenético, con letras que contienen fondos irónicos y aguerridos, destinados a definir la fortaleza de una estrella que se niega a ser previsible.

Si con Lemonade (2016) la antigua componente del grupo Destiny’s Child llamó la atención por la hondura creativa de sus composiciones, en esta nueva pieza de la publicitada trilogía el asunto va de construir una compulsiva sensación de desenfreno voluntario; aunque sin renunciar a ciertos mensajes de naturaleza ideológica, planteados con un lenguaje directo y fácilmente entendible por cualquier oyente.

Beyoncé
Beyoncé reivindica un singular renacimiento humano, en su nuevo disco

Un bonito viaje de exploración“. Con estas palabras, Beyoncé centró el significado de su esperado y glamuroso séptimo álbum de estudio. Un Cd que cuenta con la colaboración de gente tan solvente como el jamaicano BEAM, Drake o la icónica Grace Jones; aparte de contar con un nutrido equipo de maestros de las mezclas, capaz de hornear temas tan deslumbrantes como Plastic Off the Sofa (puro sonido setentero de herencia envuelta en la sensualidad de Diana Ross y The Supremes) y el contagioso Break My Soul (en la línea de Chaka Khan, si esta hubiera contado con el técnico Terry Hunter).

BEYONCÉ SE RECREA, CON SU IMPACTANTE GARGANTA Y LAS MELODÍAS HIPNÓTICAS

Renaissance puede ser comprendido como una ambiciosa regeneración en clave hedonista, destinada a recuperar todo lo que se ha perdido en las oscuras aguas del confinamiento y del aislamiento provocado por la COVID-19. Esa especie de purificación artística cuenta con la garganta multicolor de Beyoncé, ansiosa por ofrecer una versión de sí misma ajena a las tristezas insondables de tiempos pretéritos, como presenta en cortes tan sugerentes como Virgo’s Groove.

Bajo una inteligente fórmula liberada de la pertenencia a un género concreto, los catorce temas del séptimo álbum de la diva texana participan de la figurada fiesta montada por la cantante estadounidense, en la que alterna con innegable soltura el r&b de signo adictivo, el pop de talante discotequero, el dance de raíces noctámbulas, el funk de neones agitadores y el tecno y el acid house de fuerte contextualización colectiva.

Beyoncé
Beyoncé se olvida momentáneamente de las letras comprometidas y de los mensajes sociales

Elegante de principio a fin, y controlado con un equipo de producción de enorme experiencia en la industria de las ondas (apartado en el que destaca la labor de The Dream, Nova Wax, Tems, BEAM, Grace Jones…), Renaissance refleja la necesidad de Beyoncé por virar ligeramente su trayectoria, y darse un respiro en figuradas y alienantes pistas de baile.

Sin embargo, y pese a que esta obra es menos concienciadora que otras de la estrella de Singles Ladies, las letras de los catorce cortes exhiben las confesiones de una dama fuertemente implicada con la defensa de la dignidad femenina, frente a los engaños sentimentales de hombres infieles y a los ataques de un mundo todavía muy masculinizado, que suele cosificar a las mujeres en cuanto tiene ocasión de ello (I’m That Girl, Thique, America Has A Problem…).

Nota: Especial atención al tema Summer Renaissance, en el que Beyoncé rinde un cálido homenaje al hit I Feel Love, de la inolvidable Donna Summer.

Más información en

http://www.columbiarecords.com

 

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Olivia Newton-John, Grease y mucho más https://kevinjesus20.com/2022/08/olivia-newton-john-grease-y-mucho-mas/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=olivia-newton-john-grease-y-mucho-mas https://kevinjesus20.com/2022/08/olivia-newton-john-grease-y-mucho-mas/#respond Tue, 09 Aug 2022 18:49:32 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70446 La cantante y actriz nacida en Gran Bretaña, aunque criada en Australia, falleció a los setenta y tres años el pasado 8 de agosto en su residencia californiana, debido a una larga y terrible enfermedad. Entre sus trabajos cinematográficos más destacados se encuentran su encarnación de Sandy Olsson,, en la película "Grease", y el papel de la hija de Zeus, en "Xanadu"; aunque sus mayores logros profesionales se dieron en su faceta musical, con varios premios Grammy y un puñado de hits imperecederos.

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Olivia Newton-John
Olivia Newton-John se convirtió con “Grease” en una estrella a nivel planetario

Olivia Newton-John siempre tuvo claro que lo suyo era el mundo del espectáculo, desde que a una edad muy temprana recibió con emoción los aplausos en las funciones escolares. Tal vez esa fue la causa de que la estrella nacida en Cambridge (Inglaterra) no tuviera problema alguno en alternar la música con sus escarceos en el cine y la televisión, al igual que lo hacían colegas suyas como Barbra Streisand y Dolly Parton.

Por currículo e inclinaciones artísticas, Olivia Newton.John podría ser considerada como el precedente de Kylie Minogue, ya que ambas supieron cómo pasar de la pantalla a los escenarios de la lírica, sin por ello renunciar a nada; y sin que hubiera en sus decisiones atisbo alguno de pérdida de confianza o de zozobra.

Aunque el momento más glamuroso de Olivia Newton-John en calidad de actriz coincidió con su participación en Grease (Randal Kleiser, 1978), la nieta del físico Max Born no cerró nunca la puerta al séptimo arte ni a la industria audiovisual, a pesar de dirigir sus pasos hacia las gestas musicales, más que a la búsqueda de un taquillazo semejante al de la película protagonizada junto a su amigo John Travolta.

Todos los que compartieron set de rodaje o un estudio de grabación con Newton-John se sorprendían ante el caudal de energía que transmitía, siempre sonriente y ajena a rencillas y a egos vacuos. Desde John Travolta a Jeff Lynne, Barry Gibb o Elton John; las muestras de tristeza por el inesperado fallecimiento de la cantante anglo-australiana reflejan esa característica de alegría contagiosa y optimismo efectivo, con que solía encapsular sus pegadizas y emotivas canciones.

Olivia Newton-John
Olivia Newton-John pensaba que era algo mayor para el papel de “Grease”

I Love You, I Honestly Love You; Physical; Please Mr. Please; If Not For You; Have You Ever Been Mellow…. La lista de hits de Olivia Newton-John es abundante y contundente, avalada por el peculiar timbre bienintencionado e hipnótico que desarrolló desde sus inicios como singer, a principios de los años setenta. Un repertorio que los aficionados comparten como si se tratara de una banda sonora existencial y colectiva, en la que relucen los temas que ella hizo célebres en films del tipo de Grease, Xanadu (Robert Greenwald, 1980) y Tal para cual (John Herzfeld, 1983).

OLIVIA NEWTON-JOHN FUE UNA DIVA Y MUSA GENERACIONAL A NIVEL PLANETARIO

Cuando Olivia Newton-John representó a Reino Unido en el festival de Eurovisión en 1974, con la canción Long Live Love, la todavía estrella en ciernes tuvo que defender un tema en el que no creía; además de enfrentarse con el grupo sueco ABBA y su Waterloo. No obstante, y a pesar de los inconvenientes, la futura Sandy Olsson quedó en una meritoria cuarta posición.

Pero, más allá del certamen continental y de su mayor o menor trascendencia, Olivia ya había comenzado a apuntalar una sólida carrera musical, con celebrados hits del estilo de If Not For You. Su imagen alegre y su mirada inocente casaban a la perfección con las composiciones que moldeaba con brillantez y a su gusto, para llevarlas a su terreno de suaves toques melódicos. Así lo mostró con su interpretación de What Is Life, del exBeatle George Harrison, y de Take Me Home, Country Roads, de su amigo John Denver.

Enfocada en su exitosa faceta musical, ONJ dejó aparcada un poco su proyección como actriz, que había comenzado tímidamente en la televisión australiana; hasta que la llamaron para hacer una prueba para Grease. La historia de los adolescentes Danny Zuko y Sandy había logrado un espectacular éxito en su versión teatral, y Paramount albergada la esperanza de repetirlo en las salas de cine. En el momento en que Newton-John se presentó para el papel estaba a punto de cumplir treinta años, y se veía algo mayor para encarnar a una teenager ingenua y enamorada. Sin embargo, la química con el entonces veinteañero John Travolta fue explosiva, a lo que se sumó el hecho de que la actriz venida de Australia entonaba las canciones con una brillantez muy por encima de las otras candidatas, entre las que se encontraban Carrie Fisher, Deborah Raffin y Susan Dey (incluso se llegó a pensar en Ann-Margret, siete años mayor que Olivia).

Olivia Newton-John
Olivia Newton-John protagonizó también el musical “Xanadu”

La cinta causó sensación desde su estreno, con unas ventas en taquilla inimaginables. Algo que situó a Olivia Newton-John y a John Travolta (quien por esas fechas también levantaba pasiones con Fiebre del sábado noche) en lo más alto del estrellato entre los espectadores más jóvenes.

Aunque, a diferencia de Travolta, la cuatro veces ganadora de un premio Grammy aprovechó el tirón para alimentar sus gestas en el universo de la canción, y no tanto en el de la interpretación. Tras escenificar su Hopelessly Devoted To You en la ceremonia de los Oscar de 1979 (la estatuilla fue al final para Donna Summer y su mítico Last Dance), ONJ se puso a trabajar afanosamente en sus discos posteriores. Un esfuerzo que se vio recompensado con Physical, en 1981: un letra estimulante y sensual, que estuvo acompañada de un vídeo en defensa de las relaciones homosexuales.

Un poco antes de PhysicalOlivia Newton-John probó suerte nuevamente con el cine, a través de Xanadu, en 1980: un largometraje colorido y eufórico, que supuso la última aparición en las pantallas del legendario Gene Kelly. Pese a que la obra de Robert Greenwald estuvo nominada a varios premios Razzies (ceremonia en que se galardona a las peores producciones cinematográficas del año), las canciones compuestas por Jeff Lynne y la ELO otorgaron a la alegre ONJ uno de los himnos más coreados de su carrera, titulado como la película.

Tras Xanadu, la trayectoria como actriz de la estrella anglo-australiana se vio algo contrariada. Ni siquiera el intento de reverdecer los laureles de Grease, compartiendo protagonismo con John Travolta en Tal para cual, surtió el efecto deseado. No obstante, si le valió para ejecutar una canción tan sorprendente y talentosa como Twist Of Fate (tema que ha vuelto a poner de moda la serie Stranger Things).

A partir de Tal para cual, las mayores aventuras profesionales de Olivia Newton-John se centraron en la música, con un interesante giro hacia el country de tonos poperos, muchos menos aguerrido y enraizado de lo habitual. Un camino que la acercó a los territorios melódicos y baladistas de John Denver, Kenny Rodgers y Dolly Parton.

De fácil trato y sorprendente en sus registros vocales, ONJ siempre se prestó a compartir escenario con algunos de sus mejores colegas, tales como el tristemente desaparecido Andy Gibb: una relación de apoyo emocional, que siempre agradecieron los hermanos de Andy (The Bee Gees Barry, Maurice y Robin.

Con la muerte de Olivia Newton-John se pierde todo un icono generacional, que aún levanta ovaciones y sueños en sepia, cuando suenan los acordes de You’re The One That I Want y Summer Nights. Un logro que nadie le puede quitar.

 

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Alan Parsons y el nuevo mundo https://kevinjesus20.com/2022/07/alan-parsons-y-el-nuevo-mundo/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=alan-parsons-y-el-nuevo-mundo https://kevinjesus20.com/2022/07/alan-parsons-y-el-nuevo-mundo/#respond Sun, 24 Jul 2022 12:41:11 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70390 El legendario músico, productor y técnico británico, uno de los máximos exponentes del rock progresivo, lanza al mercado "From the New Wold" (Frontiers Rercords): un disco repleto de melodías épicas e instrumentaciones profundas, en el que Parsons recupera parte de las esencias desplegadas en "I, Robot" y "Eye in the Sky".

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Alan Parsons
Alan Parsons finalizó “From the New World” tras el confinamiento por el coronavirus

Alan Parsons tiene desde hace tiempo un compromiso eterno con la música, desde que en 1967 (cuando contaba solo 18 años) participó en la producción de Abbey Road (el inolvidable e histórico disco de The Beatles).

Debido a sus numerosas aficiones y habilidades, el multiinstrumentista, compositor y técnico británico siempre ha estado interesado en explorar cada uno de los territorios de la creación melódica; y esa pasión es la que le mantiene en la carretera de las líricas imperecederas, subido a lomos de su inabarcable talento para pergeñar trabajos coherentes y de perfeccionismo milimétrico, aunque no exentos de riesgos asumibles.

From the New World (Frontiers Records) es el título de la última aventura discográfica del cofundador -con el tristemente desaparecido Eric Woolfson– de The Alan Parsons Project. Una obra que exhibe la nunca oculta admiración del autor de Pyramid por los relatos de Edgar Allan Poe y por las ambientaciones góticas; a la vez de desencadenar una serie de singulares mezclas de ritmos y géneros, en la que se perciben accesos del rock progresivo setentero, el pop de raigambre ochentera, y el blues de notas atronadoras y estirpe de asfalto.

El sexto álbum en solitario de Alan Parsons es un digno exponente de lo que supone el currículo de este maestro de hits multitudinarios e intergeneracionales, como Eye in the Sky, Don’t Answer Me, Let’s Talk About Me, Days Are Numbers y Old and Wise. Aunque, en su curso dramático se eche de menos la voz sinuosa del insustituible Eric Woolfson, a pesar de que cuenta con colaboradores tan capaces como Tommy Shaw y James Durbin.

Alan Parsons
Alan Parsons tiene previstas algunas actuaciones en España

En las entrañas de la inspiración de From the New World está la misteriosa relación del artista con la muerte, y con las sinfonías deprimidas y aguerridas. Unos elementos que se perciben desde el primer corte del álbum, titulado Fare Thee Well: una sugerente composición de naturaleza poética, en la que Parsons vierte parte de las esencias de sus añejos proyectos musicales, en los que siempre existía un interés discursivo hacia las reflexiones determinantes y los pensamientos existenciales.

ALAN PARSONS ALIMENTA SU GUSTO POR LAS INSTRUMENTACIONES ÉPICAS

Los discos de The Alan Parsons Project eran un compendio de diferentes sensaciones e intereses. Un laberinto de emociones, muchas veces contradictorias, en el que se percibía el aroma del suspense vital. Precisamente, esos ingredientes son los que dan forma a From the New World. Y el resultado es un puzle de once canciones, en el que el ahora caballero de la orden del imperio británico planea como un autor de nostalgias voluntarias, nunca acomplejado por la pervivencia del rock progresivo en sus pentagramas, con el que alimentó desde sus inicios el universo musical que ha explotado durante décadas.

Tales esfuerzos por alcanzar un denominador común lírico quedan exhibidos de manera notable en temas como el eufórico The Secret, el pegadizo Uroborus (con la complicidad del eléctrico Tommy Shaw), la balada apacible Don’t Fade Now, la estimulante y blusera trova  Give’Em My Love y la apasionada song Obstacles.

Alan Parsons
“From the New World” ha sido editado en varios formatos

Pese a que The Alan Parsons Project finalizó su existencia como tal en 1990, Alan Parsons ha mantenido la marca del dúo en las seis obras que ha diseñado en solitario, y que configuran su trayectoria sin Eric Woolfson. Un ADN que está muy presente en los cortes de From the New World, en los que predominan los momentos evocadores, acompañados únicamente con un timbre vocal y un ligero aporte instrumental.

Al final, esta especie de homenaje a la Sinfonía del Nuevo Mundo de Antonín Leopold Dvořák (la relación la deja clara con la inclusión del track Goin’ Home, escrito por Dvořák ) se erige como un poético y sentido aporte de Alan Parsons a su ya legendario repertorio. Unas composiciones que marcan los diferentes momentos argumentales con brillantez, a la vez de remitir la mente hacia un pasado de melodías épicas y reflexivas. Un viaje al pretérito, que culmina con la inclusión de Be My Baby, interpretado por The Ronettes.

Nota: Alan Parsons tiene previsto actuar este verano en Madrid, Barcelona, Marbella, Cádiz y Sevilla.

El lanzamiento de From the World ha coincidido con la gira de conmemoración del 40 aniversario de Eye in the Sky.

Más información en

http://www.frontiers.it

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Hadrian llora por amor en el Real https://kevinjesus20.com/2022/07/hadrian-llora-por-amor-en-el-real/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=hadrian-llora-por-amor-en-el-real https://kevinjesus20.com/2022/07/hadrian-llora-por-amor-en-el-real/#respond Tue, 19 Jul 2022 17:53:42 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70378 El cantautor estadounidense y afincado en Canadá Rufus Wainwright presenta "Hadrian", en el Teatro Real de Madrid: una ópera en cuatro actos, sobre el profundo amor del emperador romano Adriano, hacia el joven griego llamado Antinoo. Un espectáculo inspirado en el libro "Memorias de Adriano", de Marguerite Yourcenar.

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Hadrian
Hadrian es una ópera que deambula entre la realidad y el sueño

Hadrian (Adriano, en su traslación española) sufre entre mármoles oscuros, mientras la figura omnipresente y titánica de Antinoo ocupa la mayor parte del escenario. Así es como Rufus Wainwright retrata al que fuera el aclamado sucesor de Trajano, considerado como un gobernante reflexivo, y supeditado a la filosofía estoica y epicúrea,

El dramaturgo canadiense Daniel MacIvor es el autor del libreto de esta ópera marcada por el sentimiento trágico y la pérdida irreparable de un emperador anciano e inconsolable, que busca infructuosamente el fantasma de su amante muerto antes de cumplir los veinte años, ahogado misteriosamente en las aguas del río Nilo. Ese duelo, sujeto a los recuerdos y las rememoraciones dolorosas, es el que marca la evolución dramática de la segunda ópera de Wainwright -después de Prima Donna-, una obra en la que el norteamericano somete las melodías y accesos sinfónicos a un ritual de afectos carcomidos, dominados por una atmósfera sobrenatural.

Desde su estreno oficial, celebrado en la Canadian Opera Company de Toronto el 13 de octubre de 2018, Hadrian ha exhibido su triste letanía de músicas heterogéneas y atemporales por distintos escenarios del planeta, como el Festival Castell de Peralada. Un itinerario de estaciones líricas, que ahora recala en el interior del Teatro Real de Madrid, en una única función, programada para el próximo 27 de julio de 2022.

Hadrian
Hadrian es el trabajo más complicado que ha efectuado Rufus Wainwright, hasta el momento

El barítono estadounidense Thomas Hampson es quien se enfunda los vaporosos ropajes de Hadrian, mientras moldea su potente timbre a través de las apasionadas declaraciones de un hombre que busca hallar un rastro de lo que ha perdido en las aguas del Nilo.

La relación física y anímica del heredero de Trajano y el casi adolescente Antinoo (a quien interpreta el tenor Santiago Ballerini) se ejecuta en la ópera con un potente efecto romántico, que contrasta con el componente político de un libreto que une realidad y deseo, pesadilla y anhelo, evocación y hundimiento psíquico.

HADRIAN ESCAPA A LA IDENTIFICACIÓN CON SU ÉPOCA, AL INCORPORAR PARTITURAS DE JAZZ Y BLUES

Las más de dos horas que dura el curso escénico de Hadrian prometen dejar en el auditorio del bel canto de la Villa y Corte un conjunto de melodías diversas, que van desde las notas orquestales de sobriedad clásica, a accesos que recuerdan vagamente a las aportaciones inaprensibles del jazz sureño y a las mixturas calóricas del blues de largo recorrido. Este viaje a través de las centurias, diseñado con efectismo sonoro por Rufus Wainwright, tiene el poder de mostrar la universalidad de los sentimientos de Adriano y Antinoo: un canto épico en favor de la ternura mediada por la atracción física y espiritual, que define a esta pareja de eternidades perennes.

Dentro de semejante intención por actualizar el argumento de Hadrian, RW incorpora en el escenario una serie de proyecciones de fotografías de Robert Mapplethorpe, que ayudan a comprender el entramado sensible de un argumento que habla poéticamente del amor entre dos personas, sin importar el sexo ni el género de los amantes.

Hadrian
Hadrian utiliza en su desarrollo algunas imágenes proyectadas de las fotografías de Robert Mapplethorpe

Según la historia que aparece en las enciclopedias, Adriano nunca pudo olvidar al determinante Antinoo; al que recordó incluso en la hora de su muerte, ocurrida a los sesenta y dos años. Tales evocaciones de carácter íntimo se efectúan en Hadrian con tonos oscuros, casi tétricos; que combinan los elementos concertistas con los cuadros dramatizados en cada una de las palabras, frases y arias que pronuncia el emperador romano nacido en Hispania.

Junto a Thomas Hampson y Santiago Ballerini, la representación de esta singular creación operística cuenta con la colaboración de la guipuzcoana Ainhoa Arteta (en el papel de Pompeya Plotina, la esposa de Adriano), el santanderino Alejandro del Cerro (Trajano) y el barítono canadiense Gregory Dahl (Hermógenes), entre otros. Todos ellos dirigidos por el escenógrafo alemán Jörn Weisbrodt, y por el director musical Scott Dunn.

Nota: Hadrian estará en el Teatro Real de Madrid el próximo 27 de julio de 2022.

Más información, entradas y horarios en

https://www.teatroreal.es

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F.R. David: “Words es una canción inusual” https://kevinjesus20.com/2022/06/f-r-david-words-es-una-cancion-inusual/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=f-r-david-words-es-una-cancion-inusual https://kevinjesus20.com/2022/06/f-r-david-words-es-una-cancion-inusual/#respond Sun, 26 Jun 2022 19:01:00 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70288 El cantante franco-tunecino celebra el cuarenta aniversario de "Words": la balada más famosa de su amplia trayectoria artística. Una ocasión especial, que F.R. David ha querido festejar con el lanzamiento del tema "Time Is Not Mine", cuyo ritmo y sonido recuerda vagamente al del famoso hit synth-pop popularizado en 1982.

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F.R. David
F.R. David ha lanzado recientemente su última canción, titulada “Time Is Not Mine”/ Foto: https://www,frdavid.net

F.R. David se convirtió en una auténtica estrella de la música en 1982, cuando su canción Words copó los primeros puestos en las listas de éxitos de medio mundo, con su melodía acompasada y sensible. Armado con una potente base de sintetizadores, y una singular voz entre el timbre trovadoresco de Jon Anderson y el efecto épico de Russell Hitchcock, el músico franco-tunecino dio con la tecla caprichosa y mágica del éxito más absoluto.

Cuarenta años después de su brillante gesta, Words sigue sonando en películas (Call Me By Your Name, de Luca Guadagnino) y anuncios de televisión, mientras F.R. David continúa con su pasión inagotable de probar estilos rítmicos, inventar melodías y explorar cualquier chispazo de inspiración, con el que desplegar su desatada obsesión por idear orquestaciones empáticas y contagiosas.  “Siempre estoy pensando en nuevos proyectos”, asegura el cantante, desde su residencia valenciana; mientras comenta animadamente sus ocupaciones e ilusiones actuales y pasadas.

The Living Culture Magazine: Time Is Not Mine (El tiempo no es mío) es el título de tu última canción. ¿La letra esconde alguna especie de confesión autobiográfica?

F.R. David: Te aseguro que es pura ficción. Me he inspirado en las historias que escucho de las personas que tengo alrededor. La fama y el dinero hacen que te sientas diferente… Pregunta a los políticos, si no me crees… Pienso que es difícil quedarse en la misma situación de manera permanente, aunque parezca que es posible.

TLMC: ¿Piensas que tu música ha cambiado durante el tiempo transcurrido entre Words y Time Is Not Mine?

F.R. David: Después de Words probé diferentes esferas (con Bob Sinclair, y con singles como Your Love Shines y Paris Is Her Home). Sin embargo, elijo Time Is Not Mine entre todas mis nuevas composiciones, porque despliega el mismo sentimiento que Words, en 1982. Lo hice a propósito, para agasajar a mis fans, y porque estamos en el aniversario de Words.

F.R. David
F.R. David alcanzó la fama mundial con el tema “Words”, en 1982

TLCM: En Time Is Not Mine coincides en algunas frases con la canción Time, de Freddie Mercury. En concreto, las letras de ambos temas recalcan que “el tiempo no espera a nadie”. ¿Realmente esto es así, incluso para los músicos? ¿Cómo trasladarías estas palabras a tu experiencia vital?

F.R. David: Honestamente, no conocía la canción de Freddie Mercury. Siempre escribo musicalmente lo que siento que debo decir. Suelo escoger las palabras que mejor se ajustan a la melodía. Lo de que “el tiempo no espera a nadie” es una evidencia que puedes comprobar todos los días en tu vida. Personalmente, no me gusta mirar hacia atrás, y las lamentaciones no tienen lugar en mi manera de pensar. Te puedo confesar que el tiempo no cuenta cuando estoy en mi elemento, que es la música; incluso se me olvida mirar el reloj. Eso no quiere decir que no sea puntual…

TLCM: Tu nombre real es Elli Robert Fitoussi, pero tu nombre artístico es F.R. David. Supongo que la F y la R responden a las iniciales de Robert y Fitoussi; pero, ¿de dónde viene la parte de David? ¿Es un guiño a tu grupo David Explotion?

F.R. David: Sí, F.R. son mis iniciales, como dices. Y David viene por el sonido y el símbolo de la adversidad. Por cierto, el verdadero nombre de mi banda, que mencionas, era Cockprit; pero alguna compañía de discos belga lo cambió sin permiso, por el de David Explosion. Es algo increíble…

TLCM: Empezaste en la música tocando el bajo en una banda de rock. ¿Por qué decidiste convertirte en cantante?

F.R. David: En los sesenta, tuve un grupo en la escuela, y solíamos tocar en clubes parisinos todos los domingos, por un dólar por cada actuación. Un día, nuestro cantante se puso enfermo, y el dueño del local dijo: “uno de vosotros deberá cantar“. Recuerdo que me obligaron a hacerlo. Desde entonces, las proposiciones para que actuara como cantante fueron bastante numerosas…

TLCM: Tus primeros pasos te llevaron por la variante del rock progresivo. ¿Qué echas de menos de esos tiempos? ¿Por qué viraste posteriormente hacia el synth-pop?

F.R. David: Siempre me ha apasionado experimentar todos los estilos musicales, del sonido sinfónico al r&b y el hard rock… Mi curiosidad no tiene límites. Cuando escucho una canción, ni me pregunto a qué estilo o género pertenece, simplemente la amo o la odio.

F.R. David
F.R. David ha editado varios discos como cantante, desde “Words”

TLCM: Cuando todavía eras muy joven, creaste con Michael Haubrich el sello Aztec Records. ¿Cómo recuerdas esa aventura?

F.R. David: Éramos dos compositores en la Midem de Cannes (Marché International du Disque et de l’Edition Musicale) para conocer compañías internacionales y enseñar nuestras canciones. Un tipo nos ofreció crear un sello dentro de una gran y nueva compañía de discos. Aceptamos, porque lo consideramos un reto. Nuestra primera producción fue Superman Superman, de Doc & Prohibition. El tema se convirtió súbitamente en un éxito. Para mí eso significó una nueva experiencia. Nos divertimos y fue fácil mientras duró.

TLCM: A lo largo de tu extenso currículo, has trabajado como productor, compositor, guitarrista y cantante. ¿Qué faceta es la que prefieres ejercer?

F.R. David: Solo la de cantante, porque con ella puedo compartir una gran cantidad de emociones con el público.

TLCM: ¿Cómo recuerdas el éxito de Words? Pienso que debió ser muy gratificante; pero también se puede antojar un poco aterrador, por las dimensiones alcanzadas…

F.R. David: Claro que fue emocionante, y súbito. Pero ya estaba acostumbrado a los grandes escenarios y a las actuaciones en televisión. Lo que sí me atemorizó fue cuando toqué en el Queen Elisabeth Hall, con Vangelis, en 1972. Salimos al escenario sin programa ni ensayos previos. Todo fue improvisado, pero al final hicimos cinco bises…

TLCM: En la letra original de Words aseguras “this is just a simple song” (“es solo una simple canción“). ¿Dónde consideras que reside la magia de este hit planetario e imperecedero? ¿Por qué se alzó como el corte más admirado de un disco en el que también se encontraban composiciones tan brillantes como Music, Porcelain Eyes y Pick Up The Phone?

F.R. David: Quizá, Words se convirtió en un éxito porque es una canción bastante inusual: una especie de acumulación de todo mi background hasta ese momento. No obstante, Pick Up The Phone era mi favorita en ese álbum. Sin embargo, solo el público decide, y yo lo acepto.

F.R. David
F.R. David ha creado un estilo propio y reconocible

TLCM: Tal vez, una de las principales virtudes de Words resida en que se trata de un tema que nunca pasa de moda, incluso Luca Guadagnino lo usó para la banda sonora de su película Call Me By Your Name

F.R. David: No sabía que esa película iba a ser tan famosa, pero se lo agradezco mucho a Luca, por la promoción que dio a mi canción por todo el mundo…

F.R. DAVID: “PREFIERO SER CANTANTE, PARA COMPARTIR EMOCIONES CON EL PÚBLICO”

TLCM: Words se adelantó por meses a un año en que el pop vivió uno de sus períodos más florecientes, con hits del calado de Moonlight Shadow, de Mike Oldfield; Deborah, de Jon and Vangelis; Juliette, de Robin Gibb; Baby Jane, de Rod Stewart…. ¿No resultaba excitante formar parte de esa ola de creatividad, con una de las canciones más seguidas a nivel planetario?

F:R. David: Oh, sí… Esos meses estuvieron llenos de positividad, color y estilo. En esa ola pop a la que aludes, compartí grandes momentos con Robin Gibb, que fue siempre uno de mis cantantes favoritos.

TLCM: ¿Cómo crees que ha cambiado la música desde el lanzamiento de Words? ¿Por qué es tan difícil editar un álbum en la actualidad?

F.R. David: Las reglas de actuación en la industria de la música han cambiado completamente. Pienso que la gran diferencia a la hora de componer una canción es que antes solíamos crear la melodía, y luego los arreglos. Ahora, se hace en el sentido contrario: primero los arreglos, y luego la melodía.

TLCM: En los sesenta colaboraste con Vangelis. ¿Cómo fue trabajar con el genio visionario de las bandas sonoras de Blade Runner y Carros de fuego?

F.R. David: Después de la ruptura de Aphrodite’s Child (el grupo iniciático de Vangelis), conocí a Vangelis en una sala de ensayos, y conectamos. Fuimos inseparables por dos años, y grabamos numerosas canciones, incluyendo Earth. Nunca lo vimos como trabajo, ya que siempre nos divertimos mucho juntos. Le admiraba por su talento y amabilidad. De todas formas, ambos éramos mediterráneos; y, por lo tanto, compatibles.

F.R. David
F.R. David reconoce el elemento confesional de su disco “Words”

TLCM: En 1974, viajaste a Estados Unidos desde París, para actuar como vocalista del grupo Les Variations. ¿Esa época te ayudó a madurar como músico?

F.R. David: Estuve un año de gira por Estados Unidos, con Les Variations, donde grabamos un disco. Fue un viaje duro, pero me encantó hacerlo… cuando lo miro en retrospectiva… Nuestra manera especial de sentir el rock and roll causó sensación allí, y el tour fue un auténtico éxito. Definitivamente, me ayudó a crecer profesionalmente a todos los niveles.

TLCM: Durante tu estancia en Nueva York, trabajaste con David Krebs como manager. ¿Fue importante tu relación artística con este legendario representante?

F.R. David: Le recuerdo como un buen hombre, porque creía en mí; pero me falló en la labor de manager. Me sentía un poco frustrado, viendo a Aerosmith, Ted Nugent, y otros artistas a los que llevaba la oficina de David Krebs, con sus discos de oro y platino. Recuerdo que un día estaba sentado en un sillón, hablando con otro tipo que tenía la misma sensación de frustración que la mía. Su nombre era Michael Bolotin, conocido posteriormente como Michael Bolton.

F.R. DAVID: “AHORA, PARA CREAR UNA CANCIÓN, PRIMERO SON LOS ARREGLOS Y LUEGO LA MELODÍA”

TLCM: Tras un tiempo en Norteamérica, volviste a París, y nació Words. ¿Cómo surgió este éxito imperecedero?

F.R, David: Creé la canción en Nueva York, en 1980. David Krebs me mandó compositores y escritores para confeccionar un álbum. Después de grabar varias demos (incluyendo Words), el feelling entre mi manager y yo se había debilitado, por lo que regresé a París. Un día nevoso, fui a mi estudio de entonces (Le Clos Fleuri), en un suburbio parisino, pero se me olvidó la guitarra en casa. Y, de pronto, la magia apareció de manera instantánea.

TLCM: Al escuchar el álbum Words en su totalidad, más allá del corte que da título al mismo, el oyente tiene la sensación de estar ante una extensa carta confesional, como si fuera un disco autobiográfico…

F.R. David: Sí, el disco estaba concebido como una entidad, como si se tratara de una canción extendida. Así es como esperaba que fuera percibido por el público.

TLCM: Después de Words, seguiste en la estela del synth-pop con Sahara Nights, que es un tema realmente bueno; aunque no obtuvo el mismo apoyo por parte de los fans. 

F.R. David: Pienso que el tiempo rítmico en esa canción no era bueno, pero el tema sí lo era. Cada vez que toco Sahara Nights en los conciertos, me doy cuenta de ello.

F.R David
F.R. David expresó parte de los sentimientos hacia su profesión en el tema “Music”

TLCM: ¿Qué echas de menos de la época de Words?

F.R. David: El ambiente en el estudio, con músicos intercambiando ideas en el momento, y grabando al instante esa conjunción de energías. Hoy en día, casi siempre trabajo solo en el estudio que tengo en casa, y la relación con los otros músicos es a distancia. Lo que no echo mucho de menos son los programas de televisión, destinados a la promoción; ya que son dolorosos y aburridos.

F.R. DAVID: “SUELO CANSARME FÁCILMENTE DE ALGO QUE YA ESTÁ HECHO”

TLCM: ¿Puede ser Time Is Not Mine el primer single de un álbum en ciernes?

F.R. David: Es posible, aunque lo que me apasiona es anticipar nuevas canciones. Suelo cansarme fácilmente de algo que ya está hecho.

TLCM: ¿Tienes previsto volver a dar conciertos en futuro próximo?

F.R. David: Claro, pero soy muy quisquilloso. Suelo escoger entre las distintas proposiciones para actuar en directo. Algunas las acepto, y otras las rechazo.

TLCM: ¿Podrías contestarme a una curiosidad bastante compartida entre tus seguidores? ¿Por qué siempre llevas gafas de sol en tus actuaciones y en las fotografías de tus discos?

F.R. David: Tuve un accidente cuando era niño. Debido a ello, no puedo exponerme a luces fuertes ni a focos muy potentes.

 

 

 

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Danny Boyle y la revolución punk https://kevinjesus20.com/2022/05/danny-boyle-y-la-revolucion-punk/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=danny-boyle-y-la-revolucion-punk https://kevinjesus20.com/2022/05/danny-boyle-y-la-revolucion-punk/#respond Tue, 31 May 2022 18:07:29 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70197 El oscarizado director de "Slumdog Millionaire" viaja a la Inglaterra de los años setenta, para mostrar la efervescencia musical de esa época, a través de uno de los grupos más míticos del punk rock: Sex Pistols. El responsable de "Trainspotting" narra, a lo largo de seis episodios, la montaña rusa de emociones que supuso la carrera artística de Steve Jones y sus colegas, en la miniserie "Pistol".

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Danny Boyle
Danny Boyle deseaba que los actores cantaran ellos mismos los temas de Sex Pistols

Danny Boyle era uno de los jóvenes que disfrutó de lleno la increíble década musical en la que los Sex Pistols apuntalaron las bases de su punk rock gamberro y contestatario, con el que insuflaron energía rebelde a sus miles de seguidores, que se desfogaban sin reservas en conciertos de barra libre y estribillos voluntariamente aguerridos.

Mientras la nación de la Union Jack apelaba institucionalmente a los comportamientos mediados por la etiqueta y el protocolo ajeno a las demostraciones vocingleras, Steve Jones y sus colegas proclamaban la lucha sin cuartel contra el aburguesamiento y la aceptación de las existencias carentes de riesgo activo. Una actitud que marcó el rumbo de una de las bandas más determinantes de la música en el pasado siglo XX, pese a que su trayectoria real únicamente se prolongó entre 1975 y 1978.

La autobiografía publicada por Steve Jones en 2017, titulada Lonely Boy, ha servido a Danny Boyle para rodar una antológica y verosímil miniserie de seis episodios, en la que el sudor asalta al espectador en cada fotograma y secuencia, mientras los actores que interpretan a los componentes de Sex Pistols intentan salir airosos de las actuaciones en las que deben cantar y moverse como los icónicos fundadores del punk rock británico.

Danny Boyle
“Pistol” muestra la adrenalina que desplegaba la música británica en la década de los setenta

El libreto diseñado por Craig Pearce y Ben Thompson recoge las impresiones narradas por Steve Jones en las citadas y polémicas memorias. En ese volumen, el que fuera guitarrista de la banda londinense reconoce que si no hubiera sido por Sex Pistols, su vida habría estado marcada por el crimen y la cárcel. Una realidad que Danny Boyle exhibe con su peculiar fórmula de acercarse al interior de los personajes, como si la cámara fuera un espejo que no oculta ni los defectos ni las virtudes, sino que simplemente conforma un retrato sincero y comprensible de lo que acontece delante del objetivo.

De esta manera, Steve Jones se convierte en el protagonista de Pistol, con su infancia descarriada tras el abandono de su padre, y los abusos sexuales de su padrastro. Tal situación lleva a Jones a cometer numerosos hurtos, por los que las autoridades le acaban encerrando en un reformatorio. Semejante relato dota al argumento del serial de un poso dramático de salvación agresiva, que adquiere el formato de la música; como si fuera la única tabla a la que sujetarse, después del naufragio existencial anterior a su accidentada carrera como guitarrista.

DANNY BOYLE TUVO QUE ENFRENTARSE CON LA ACTITUD NEGATIVA DE JOHN LYDON/ JOHNNY ROTTEN

Sin un reparto con nombres conocidos, Pistol reúne un conjunto de actores desligados de estrellatos mediáticos, pero que guardan un gran parecido físico con los icónicos papeles, a los que deben encarnar con convicción y pasión desbocada.

El australiano Toby Wallace (The Society) es quien porta la chaqueta de cuero de Steve Jones, mientras Toby Woolf hace lo propio con la versión infantil del mismo rol. Wallace se convierte, bajo la máscara de StJ, en el motor humano de una historia en la que también participan de la fiesta Anson Boon (Johnny Rotten), Christian Lees (Glen Matlock), Louis Patridge (Sid Vicious) y Jacob Slater (Paul Cook).

Un entrenamiento intensivo de tres meses, bajo el mensaje de que el perfeccionismo escénico no entraba en los planes de Boyle, sirvió al grupo de intérpretes para subirse a la tarima sin complejos, y enfrentarse al público con el cancionero pletórico y devastador de Sex Pistols. Todo ello desarrollado en un ambiente que el cineasta de Yesterday define como singularmente caótico; justo como las atmósferas que solía crear la banda punk de God Save the Queen, en los lisérgicos y coloristas años setenta.

Danny Boyle
Danny Boyle ha basado “Pistol” en las memorias narradas por Steve Jones, bajo el título de “Lonely Boy”

Drogas, alcohol y un frenesí desmedido por plantar cara al sistema capitalista y a la adocenada industria del disco (en algunos de los momentos se podría establecer una cierta similitud entre el punk y las contradicciones literarias de los “jóvenes airados” y la generación beat) son los ingredientes básicos del cóctel preparado por DB. Una bebida ácida y alucinógena, en la que suenan los belicosos acordes del legendario disco Never Mind the Bollocks. Here`s the Sex Pistols; al tiempo que queda constancia de la inolvidable entrevista realizada por Bill Grundy, en el programa Today.

A lo largo de las seis horas de duración, Pistol consigue trasladar a los espectadores a la conflictiva Inglaterra gobernada por Edward Heath, Harold Wilson y James Callaghan, con las ansias de los precursores del punk rock por apaciguar sus acelerones existenciales y sus desilusiones afectivas. Un sendero en el que los acordes impetuosos de Sex Pistols consiguieron despertar la conciencia dormida de miles de jóvenes, a base de canciones incendiarias y esteticismo rupturista.

Nota: Hulu tiene previsto el comienzo de las emisiones de Pistol a partir de este 31 de mayo de 2022.

Dato: John Lydon intentó impedir que sonaran las canciones originales de Sex Pistols, a la vez que calificó la miniserie de ser poco respetuosa con el legado de la banda británica.

Más información en

https://www.hulu.com

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The Rolling Stones, en estado puro https://kevinjesus20.com/2022/05/the-rolling-stones-en-estado-puro/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=the-rolling-stones-en-estado-puro https://kevinjesus20.com/2022/05/the-rolling-stones-en-estado-puro/#respond Mon, 23 May 2022 17:40:06 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70159 La longeva banda británica, liderada por Mick Jagger, edita "El Mocambo 1977" (Polydor): esperada remasterización de uno de los dos conciertos que "Sus Satánicas Majestades" ofrecieron en el interior del bar canadiense El Mocambo. Un par de citas con audiencias restringidas, en las que sonaron algunos de los temas más conocidos del repertorio del grupo, con una sensación sincera de improvisación, y de entrega absoluta al discurrir de la música.

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The Rolling Stones
El Mocambo 1977 supuso una necesaria reflexión artística, dentro del devenir icónico de The Rolling Stones

The Rolling Stones siempre han sido una formación de ritmos acumulativos, casi siempre avalados por los cambios generacionales y las preferencias entre los oyentes y fans. Sin embargo, cada concesión que Mick Jagger y sus compañeros de escenario han hecho a géneros tan agradecidos como la música disco, el funk o el pop aderezado con descargas de rock tormentoso y deslumbrante no ha conllevado negación alguna del ADN de la banda configurada en el Londres lejano y colorista de 1962. Todo lo contrario; ya que los pasos dados por los Stones han contribuido a engrandecer su leyenda, más que ha provocar socavones de inseguridad. Un currículo carente de fisuras en la naturaleza creativa, dentro de la larga cadena de hits elaborados por los responsables de Sympathy for the Devil y Satisfaction.

En esa carrera de fondo, en la que se ha convertido la trayectoria de The Rolling Stones, 1977 fue un año especial para el equipo nutrido en sus inicios por el talento revolucionario de Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman y Charlie Watts. Durante esos 365 días, los isleños -en pleno furor exitoso y multitudinario- se vieron obligados a ofrecer dos conciertos intimistas y de escaso calado mediático, en un bar de Toronto (Ontario, Canadá) llamado El Mocambo.

El motivo por el que los autores de Lady Jane aceptaron animar el interior del local norteamericano, en el que posteriormente tocaron Duran Duran y Elvis Costello, se explica por la detención de Keith Richards, debido a la posesión de sustancias estupefacientes. La espera de juicio y la imposibilidad de moverse a otro sitio hizo que los célebres antagonistas de The Beatles acudieran a El Mocambo. Un compromiso que, desde el principio, fue concebido por el grupo como una oportunidad para disfrutar con la interpretación de sus canciones de una manera diferente a la habitual: sin presiones, ni la necesidad de diseñar un repertorio cerrado a cal y canto.

The Rolling Stones
La edición del concierto de El Mocambo muestra a unos Rolling Stones ausentes de divismos

Precisamente, esa libertad para operar sin piloto automático se transformó en un par de noches cargadas con la magia de un rock and roll emulsionado con las huellas del r&b. Una vuelta a las esencias sesenteras del grupo londinense, que se nota especialmente pletórica en los duelos guitarreros que se marcan Keith Richards y Ronnie Wood, mientras Mick Jagger desgrana ecos aguardentosos y calóricos, a través de odas moldeadas con la impostura artística de un crecido Huckleberry Finn.

THE ROLLING STONES EXHIBEN SUS JUEGOS MUSICALES EN EL MOCAMBO

Para entender la importancia de lo sucedido en El Mocambo, en 1977, sería bueno retrotraerse a la época en que se efectuó la grabación convertida ahora en un doble compacto de enorme valor para los amantes de The Rolling Stones. En esa década, después de la disolución de The Beatles, el grupo liderado por Mick Jagger estaba en lo más alto entre las preferencias de los aficionados al rock and roll de fuerte armazón musical. Un posicionamiento que invitaba a los entonces treintañeros a entrar en la categoría de las leyendas vivas del olimpo de la música popular, pese a llevar en circulación escasamente tres lustros en el circuito.

Tal dato explica con mayor claridad lo anodino de la situación descrita para los británicos en Toronto, al tener que reverdecer sus comienzos en los garitos capitalinos de comienzos de los sesenta, por culpa de asuntos que nada tenían que ver con su carrera discográfica. Las 300 localidades disponibles que prometía El Mocambo poco se asemejaban a los escenarios en los que los Stones solían descargar sus atronadores hits. Sin embargo, desde que se subieron a la tarima hundida en la sudorosa atmósfera de alta gradación etílica de El Mocambo, algo encendió la llama creativa del conjunto, y los temas se sucedieron a velocidad vertiginosa, sin treguas dadas a la pérdida de la emoción sensible. Un recorrido certero, que Jagger animaba con soflamas del tipo de “vigilad vuestros traseros“, destinados al desatado público congregado en el interior del recinto.

The Rolling Stones
The Rolling Stones volvieron a sus raíces r&b en El Mocambo

Situado en Spandina Avenue, al sur de Colledge Street, en la urbe de Toronto (todavía existe), El Mocambo era más un bar que una sala de fiestas. Pese a compartir franquicia con el fenecido El Mocambo de West Hollywood, en California (USA), la taberna canadiense daba a sus clientes la posibilidad de pasar una noche agradable, con músicos deseosos simplemente de regalar sus entrañas trovadorescas y líricas, a quienes quisieran comprometerse en tan particular aquelarre.

Cuando los responsables del bar recibieron la propuesta de The Rolling Stones, las puertas de El Mocambo se abrieron rápidamente para acoger a los ingleses durante un par de actuaciones, programadas para el 3 y 4 de marzo de 1977. Unos conciertos que habían permanecido ocultos hasta la actualidad, cuando Bob Clearmountain rescató las grabaciones originales, y las convirtió en el doble CD y los cuatro discos de vinilo en los que se presenta El Mocambo 1977.

Honky Tonk Women, All Down The Line, Route 66, Mannish Boy (realmente sorprendente), Crackin’ Up, Dance Little Sister, Hot Stuff, Worried Life Blues, Brown Sugar, Jumpin’ Jack Flash, Melody… Los veintitrés cortes de El Mocambo 1977 son historia melódica y constitutiva de The Rolling Stones. Un delirio de caderas vaporosas y gritos contundentes, con guion a lo Nouvelle Vague y resultado aguerrido e imborrable.

En medio de la escalada instrumental y vocalista, incluso escapa desapercibida la confusión de Ronnie Wood, cuando le preguntaba por lo bajo a Mick Jagger cuál sería la siguiente canción que iban a interpretar…

Nota: The Rolling Stones tienen previsto actuar en el Wanda Metropolitano de Madrid, el próximo 1 de junio de 2022. 

Más información en

https://www.polydor.co.uk

 

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