Discos - THE LIVING CULTURE MAGAZINE TU ESPACIO DE CULTURA Y DE OCIO Tue, 15 Nov 2022 18:34:51 +0000 en-GB hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.1.1 https://kevinjesus20.com/wp-content/uploads/2016/04/cropped-Cabecera-posible-2-32x32.jpg Discos - THE LIVING CULTURE MAGAZINE 32 32 Bruce Springsteen solo canta https://kevinjesus20.com/2022/11/bruce-springsteen-solo-canta/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=bruce-springsteen-solo-canta https://kevinjesus20.com/2022/11/bruce-springsteen-solo-canta/#respond Tue, 15 Nov 2022 18:34:51 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70602 El "boss" de Nueva Jersey lanza su segundo disco de covers, titulado "Only The Strong Survive" (Columbia Records): un álbum de versiones, donde el fogueado roquero de "Born To Run" se atreve con temas que popularizaron Diana Ross & The Supremes, Commodores, The Tenptations, Frankie Valli y Four Tops, entre otros.

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Bruce Springsteen
Bruce Springsteen lleva las canciones de “Only The Strong Survive” a su terreno

Bruce Springsteen, a estas alturas de su exitosa carrera, no parece dispuesto a modificar su naturaleza artística, por mucho que recupere canciones pertenecientes a estilos musicales aparentemente alejados de sus raíces roqueras. El intérprete nacido en Nueva Jersey es experto en diseñar los discos que se amoldan a las características de su voz profunda, como surgida de las páginas de una novela realista de John Steinbeck, o de un libro nómada y vagabundo de Jack Kerouac.

Dentro de este universo entre literario y experiencial es donde se incluye Only the Strong Survive (Columbia Records), aunque la estrella norteamericana sustituya el figurado blanco y negro de sus últimos trabajos por una pátina de colorido vintage, en el que bucean notas inspiradas en el pop de ritmos suaves, el r&b de guitarras plañideras y el soul de carreteras convenientemente agrietadas. Una obra que rezuma admiración en clave de repertorio sonoro, cuyos acordes comienzan con la tonada Only the Strong Survive: una confesión de vulnerabilidad amorosa y versos surgidos de conmovedores desengaños sentimentales y románticos, que popularizó el sureño Jerry Butler en 1968.

Bruce Springsteen
Bruce Springsteen tiene previsto actuar en Barcelona, los días 28 y 30 de abril de 2023

Junto al ingenioso Ron Aniello, quien también colabora al frente de varios instrumentos, Bruce Springsteen diseña un merecido homenaje a las melodías que llenaron sus años de juventud, mientras luchaba por salir adelante en el complicado mundo de la música. Un empeño que el líder de la E Street Band concibe como una aguerrida misión, destinada a hacer justicia a aquellas composiciones que deben gozar de un mejor lugar en el ideario de las songs estadounidenses del pasado siglo XX, y que él ha grabado sin estridencias: con dignidad y aplomo.

BRUCE SPRINGSTEEN INTENTA RECUPERAR EL ESPÍRITU ORIGINAL DE LOS TEMAS QUE VERSIONA

Only the Strong Survive es el segundo disco de covers que firma el “boss” de Nueva Jersey, El primero llevó por título We Shall Overcome: The Seeger Sessions (Columbia Records, 2006), y propició a Springsteen el premio Grammy al Mejor Álbum de Folk Tradicional.

En esta ocasión, los rastros folk a lo Pete Seeger quedan mitigados por unas sensaciones más heterogéneas, tanto en intenciones como en inspiraciones. De las inmersiones vitalistas de Nightsift al estribillo épico de The Sun Ain’t Gonne Shine Anymore, la garganta de Bruce se torna dúctil y acomodaticia, aunque nunca se esmere en seguir el tono de los originales Lionel Ritchie y Frankie Valli.

BS no es un hombre de extravagancias timbrales, sino de sonidos agudos y aguardentosos pese a estar pulidos de manera leve, para entonar las estrofas de temas tan carismáticos como Soul Days (apabullante dueto, el que se marca Bruce “boss” Springsteen con Sam Moore), When She Was My Girl, Don’t Play That Song o Someday We’ll Be Together.

Bruce Springsteen
“Only the Strong Survive” es el segundo disco de covers de Springsteen, tras “We Shall Overcome: The Seeger Sessions”

A diferencia de We Shall Overcome: The Seeger Sessions, Only the Strong Survive desvela datos sorprendentes sobre los gustos del autor de Born to Run. Entre ellos está la asunción de que el estadounidense de joven escuchaba con pasión la música de Commodores, de Four Tops y de las estilosas Diana Ross & The Supremes. Datos que vienen a refrendar la determinante influencia que el r&b y el soul tuvieron en el rock de notas incendiarias y rebeldes (no hay más que comprobar la relación entre Elvis Presley y los artistas de Sun Records).

A través de la entonación segura y vibrante de Only the Strong Survive es posible imaginar a un Springsteen barbilampiño de apenas veinte años, mientras coincide con Jerry Butler en que es posible curarse las heridas amorosas con ritmos seductores…

Nota: Bruce Springsteen y la E Street Band tienen previsto actuar en el Estadio Olimpic Lluis Compayns de Barcelona, los días 28 y 30 de abril de 2023.

Más información en

https://www.columbiarecords.com

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Arctic Monkeys move out https://kevinjesus20.com/2022/11/arctic-monkeys-move-out/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=arctic-monkeys-move-out https://kevinjesus20.com/2022/11/arctic-monkeys-move-out/#respond Fri, 04 Nov 2022 18:26:14 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70584 La banda de Sheffield presenta "The Car" (Domino Recording Company): un disco de madurez impostada y orquestal, que aleja el resultado de los inicios contestatarios del grupo británico. Alex Turner y sus compañeros imaginan un universo de sonidos elegantes y barrocos, en el que se percibe el diseño de alta gama que los antiguos representantes del indie rock desean potenciar en estos momentos.

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Arctic Monkeys
Arctic Monkeys apuestan por una interesante y melódica mixtura de ritmos

Arctic Monkeys parecen haber seguido literalmente el mensaje de su primer disco en el mercado, centrado en el título de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (Cualquier cosa que la gente dice que soy, es precisamente lo que no me define). Mientras los especialistas se empeñaban no hace mucho en ver al grupo inglés como uno de los pilares artísticos del renacimiento del indie fresco y rebelde propio del nuevo milenio, los autores del deslumbrante AM están decididos a contradecir a los sesudos críticos de las ondas, y reciclarse como una especie de herederos aventajados de Steely Dan, David Bowie y Roxy Music.

Desde su hogar en Los Ángeles, Alex Turner se ha aprestado a seguir la línea creativa de Alex Kapranos, con un similar rictus de hombre cool y determinante, al que le llueven las letras de canciones profundas y emotivas. Y así ha construido un espacio dominado por pentagramas que desencadenan los sentidos, y desparraman el gusto por las melodías empáticas e hipnóticas. Dentro de semejante universo -voluntariamente ajeno a los géneros de hierro y óxido-, The Car (Domino Recording Company) se complace en juguetear con soltura por los territorios agradecidos del pop emulsivo, la electrónica de tintes aristocráticos, el rock de blandura acomodaticia, el jazz de fisonomía urbana y el glam con aroma a colonia de marca.

Arctic Monkeys
Arctic Monkeys han modificado su ADN artístico, desde su primer álbum

Con el habitual James Ford como productor, Arctic Monkeys dan un paso más allá en su sólida y triunfalista carrera, para revelar su madurez musical; la cual comenzó con Tranquility Base Hotel & Casino (la primera entrega de esta extraña y sutil bilogía). Una saga en dos partes, que muestra la hondura escenográfica de un grupo siempre capaz de sorprender a sus seguidores, y al que no le asustan las metamorfosis en plena efervescencia del éxito mediático.

ARCTIC MONKEYS PARECEN SEDUCIDOS POR EL AMBIENT SESENTERO

No resulta descabellado calificar The Car como un disco pensado para enganchar a los oyentes de los más variados estilos y preferencias. Tal es el objetivo de Alex Turner y sus colegas, a quienes se les ocurren hasta chispazos de bossa nova aguardentosa y soul de satén, planeados para aumentar el número de su legión de seguidores.

Ya en los acordes iniciales de There’d Better Be a Mirrorball se percibe que el séptimo trabajo de Arctic Monkeys no va a transitar por los asfaltos demoledores y agrietados de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, Favourite Worst Nightmare, Humbug y Suck It and See. Una decisión que comunica la inspiración musical de Turner, Jamie Cook, Nick O’Mailey y Matt Helders con los paisajes orquestales de sintonías de evocación sesentera, relacionadas emotivamente en no pocas ocasiones con fotogramas imaginarios pertenecientes a las películas de James Bond, y con ciertas comedias de altura de la época de los films de Sean Connery como el icónico y seductor agente 007.

Arctic Monkeys
“The Car” es como una elegante continuación de “Tranquility Base Hotel & Casino”

Esa naturaleza camaleónica y los giros constantes son los mejores aliados de The Car. Bajo esta agradecida carpa de cromatismo melódico, los diez cortes de los que consta el álbum despiertan la variante atmosférica que quiere concitar Alex Turner, la cual transforma la degustación del Cd en una experiencia de signo fantasioso.

Las notas sugerentes de Body Paint, las disertaciones vaporosas de Sculptures of Anything Goes, las ideas beat enlazadas con el rodaje del tema The Car, los ecos somnolientos de Perfect Sense… Los surcos de esta obra del cuarteto de Sheffield destilan un buqué de elevada factura compositiva. No en vano, la grabación del producto siguió la cosmopolita ruta de Suffolk (Inglaterra), París, Londres y Los Ángeles. Todo un itinerario estelar…

Nota: Arctic Monkeys tienen previsto actuar entre el 6 y el 8 de julio de 2023, en el Bilbao BBK Live.

Más información en

https://www.dominomusic.com/uk

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Beyoncé invita a la diversión https://kevinjesus20.com/2022/08/beyonce-invita-a-la-diversion/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=beyonce-invita-a-la-diversion https://kevinjesus20.com/2022/08/beyonce-invita-a-la-diversion/#respond Wed, 31 Aug 2022 17:44:33 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70499 La cantante texana lanza un disco plagado de melodías bailables y ritmos eufóricos, titulado intencionadamente "Renaissance" (Parkwood Entertainment y Columbia Records). Una obra con la que la diva del r&b intenta olvidar los trágicos tiempos sufridos por el confinamiento y la pandemia de coronavirus, y en la que se suceden las estrofas inspiradas y desafiantes.

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Beyoncé
Beyoncé exhibe su talento para las mezclas y el mestizaje de sonidos y géneros

Beyoncé regresa al mercado discográfico con un trabajo de sintonías emulsivas y nostálgicas,; en el que es posible hallar reflejos cegadores del dance setentero (Cliff It), unidos a las sutiles ráfagas de retroceso hacia las sessions house de los noventa, ofertadas en clubs de moda y etiqueta (I’m That Girl).

El resultado de tal experimento o exploración emocional es el de una imaginativa coctelera de sonidos diversos y acumulativos, nominada Renaissance (Parkwood Entertainment y Columbia Records), dentro de la que la voz de Beyoncé ejerce como privilegiada maestra de ceremonias, eligiendo la mezcla más efectiva.

La diva que interpretó la banda sonora del remake de El rey león en acción real se esfuerza para diseñar un universo de melodías impactantes, en las que se solapan distintas bases de ritmo frenético, con letras que contienen fondos irónicos y aguerridos, destinados a definir la fortaleza de una estrella que se niega a ser previsible.

Si con Lemonade (2016) la antigua componente del grupo Destiny’s Child llamó la atención por la hondura creativa de sus composiciones, en esta nueva pieza de la publicitada trilogía el asunto va de construir una compulsiva sensación de desenfreno voluntario; aunque sin renunciar a ciertos mensajes de naturaleza ideológica, planteados con un lenguaje directo y fácilmente entendible por cualquier oyente.

Beyoncé
Beyoncé reivindica un singular renacimiento humano, en su nuevo disco

Un bonito viaje de exploración“. Con estas palabras, Beyoncé centró el significado de su esperado y glamuroso séptimo álbum de estudio. Un Cd que cuenta con la colaboración de gente tan solvente como el jamaicano BEAM, Drake o la icónica Grace Jones; aparte de contar con un nutrido equipo de maestros de las mezclas, capaz de hornear temas tan deslumbrantes como Plastic Off the Sofa (puro sonido setentero de herencia envuelta en la sensualidad de Diana Ross y The Supremes) y el contagioso Break My Soul (en la línea de Chaka Khan, si esta hubiera contado con el técnico Terry Hunter).

BEYONCÉ SE RECREA, CON SU IMPACTANTE GARGANTA Y LAS MELODÍAS HIPNÓTICAS

Renaissance puede ser comprendido como una ambiciosa regeneración en clave hedonista, destinada a recuperar todo lo que se ha perdido en las oscuras aguas del confinamiento y del aislamiento provocado por la COVID-19. Esa especie de purificación artística cuenta con la garganta multicolor de Beyoncé, ansiosa por ofrecer una versión de sí misma ajena a las tristezas insondables de tiempos pretéritos, como presenta en cortes tan sugerentes como Virgo’s Groove.

Bajo una inteligente fórmula liberada de la pertenencia a un género concreto, los catorce temas del séptimo álbum de la diva texana participan de la figurada fiesta montada por la cantante estadounidense, en la que alterna con innegable soltura el r&b de signo adictivo, el pop de talante discotequero, el dance de raíces noctámbulas, el funk de neones agitadores y el tecno y el acid house de fuerte contextualización colectiva.

Beyoncé
Beyoncé se olvida momentáneamente de las letras comprometidas y de los mensajes sociales

Elegante de principio a fin, y controlado con un equipo de producción de enorme experiencia en la industria de las ondas (apartado en el que destaca la labor de The Dream, Nova Wax, Tems, BEAM, Grace Jones…), Renaissance refleja la necesidad de Beyoncé por virar ligeramente su trayectoria, y darse un respiro en figuradas y alienantes pistas de baile.

Sin embargo, y pese a que esta obra es menos concienciadora que otras de la estrella de Singles Ladies, las letras de los catorce cortes exhiben las confesiones de una dama fuertemente implicada con la defensa de la dignidad femenina, frente a los engaños sentimentales de hombres infieles y a los ataques de un mundo todavía muy masculinizado, que suele cosificar a las mujeres en cuanto tiene ocasión de ello (I’m That Girl, Thique, America Has A Problem…).

Nota: Especial atención al tema Summer Renaissance, en el que Beyoncé rinde un cálido homenaje al hit I Feel Love, de la inolvidable Donna Summer.

Más información en

http://www.columbiarecords.com

 

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Alan Parsons y el nuevo mundo https://kevinjesus20.com/2022/07/alan-parsons-y-el-nuevo-mundo/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=alan-parsons-y-el-nuevo-mundo https://kevinjesus20.com/2022/07/alan-parsons-y-el-nuevo-mundo/#respond Sun, 24 Jul 2022 12:41:11 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70390 El legendario músico, productor y técnico británico, uno de los máximos exponentes del rock progresivo, lanza al mercado "From the New Wold" (Frontiers Rercords): un disco repleto de melodías épicas e instrumentaciones profundas, en el que Parsons recupera parte de las esencias desplegadas en "I, Robot" y "Eye in the Sky".

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Alan Parsons
Alan Parsons finalizó “From the New World” tras el confinamiento por el coronavirus

Alan Parsons tiene desde hace tiempo un compromiso eterno con la música, desde que en 1967 (cuando contaba solo 18 años) participó en la producción de Abbey Road (el inolvidable e histórico disco de The Beatles).

Debido a sus numerosas aficiones y habilidades, el multiinstrumentista, compositor y técnico británico siempre ha estado interesado en explorar cada uno de los territorios de la creación melódica; y esa pasión es la que le mantiene en la carretera de las líricas imperecederas, subido a lomos de su inabarcable talento para pergeñar trabajos coherentes y de perfeccionismo milimétrico, aunque no exentos de riesgos asumibles.

From the New World (Frontiers Records) es el título de la última aventura discográfica del cofundador -con el tristemente desaparecido Eric Woolfson– de The Alan Parsons Project. Una obra que exhibe la nunca oculta admiración del autor de Pyramid por los relatos de Edgar Allan Poe y por las ambientaciones góticas; a la vez de desencadenar una serie de singulares mezclas de ritmos y géneros, en la que se perciben accesos del rock progresivo setentero, el pop de raigambre ochentera, y el blues de notas atronadoras y estirpe de asfalto.

El sexto álbum en solitario de Alan Parsons es un digno exponente de lo que supone el currículo de este maestro de hits multitudinarios e intergeneracionales, como Eye in the Sky, Don’t Answer Me, Let’s Talk About Me, Days Are Numbers y Old and Wise. Aunque, en su curso dramático se eche de menos la voz sinuosa del insustituible Eric Woolfson, a pesar de que cuenta con colaboradores tan capaces como Tommy Shaw y James Durbin.

Alan Parsons
Alan Parsons tiene previstas algunas actuaciones en España

En las entrañas de la inspiración de From the New World está la misteriosa relación del artista con la muerte, y con las sinfonías deprimidas y aguerridas. Unos elementos que se perciben desde el primer corte del álbum, titulado Fare Thee Well: una sugerente composición de naturaleza poética, en la que Parsons vierte parte de las esencias de sus añejos proyectos musicales, en los que siempre existía un interés discursivo hacia las reflexiones determinantes y los pensamientos existenciales.

ALAN PARSONS ALIMENTA SU GUSTO POR LAS INSTRUMENTACIONES ÉPICAS

Los discos de The Alan Parsons Project eran un compendio de diferentes sensaciones e intereses. Un laberinto de emociones, muchas veces contradictorias, en el que se percibía el aroma del suspense vital. Precisamente, esos ingredientes son los que dan forma a From the New World. Y el resultado es un puzle de once canciones, en el que el ahora caballero de la orden del imperio británico planea como un autor de nostalgias voluntarias, nunca acomplejado por la pervivencia del rock progresivo en sus pentagramas, con el que alimentó desde sus inicios el universo musical que ha explotado durante décadas.

Tales esfuerzos por alcanzar un denominador común lírico quedan exhibidos de manera notable en temas como el eufórico The Secret, el pegadizo Uroborus (con la complicidad del eléctrico Tommy Shaw), la balada apacible Don’t Fade Now, la estimulante y blusera trova  Give’Em My Love y la apasionada song Obstacles.

Alan Parsons
“From the New World” ha sido editado en varios formatos

Pese a que The Alan Parsons Project finalizó su existencia como tal en 1990, Alan Parsons ha mantenido la marca del dúo en las seis obras que ha diseñado en solitario, y que configuran su trayectoria sin Eric Woolfson. Un ADN que está muy presente en los cortes de From the New World, en los que predominan los momentos evocadores, acompañados únicamente con un timbre vocal y un ligero aporte instrumental.

Al final, esta especie de homenaje a la Sinfonía del Nuevo Mundo de Antonín Leopold Dvořák (la relación la deja clara con la inclusión del track Goin’ Home, escrito por Dvořák ) se erige como un poético y sentido aporte de Alan Parsons a su ya legendario repertorio. Unas composiciones que marcan los diferentes momentos argumentales con brillantez, a la vez de remitir la mente hacia un pasado de melodías épicas y reflexivas. Un viaje al pretérito, que culmina con la inclusión de Be My Baby, interpretado por The Ronettes.

Nota: Alan Parsons tiene previsto actuar este verano en Madrid, Barcelona, Marbella, Cádiz y Sevilla.

El lanzamiento de From the World ha coincidido con la gira de conmemoración del 40 aniversario de Eye in the Sky.

Más información en

http://www.frontiers.it

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F.R. David: “Words es una canción inusual” https://kevinjesus20.com/2022/06/f-r-david-words-es-una-cancion-inusual/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=f-r-david-words-es-una-cancion-inusual https://kevinjesus20.com/2022/06/f-r-david-words-es-una-cancion-inusual/#respond Sun, 26 Jun 2022 19:01:00 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70288 El cantante franco-tunecino celebra el cuarenta aniversario de "Words": la balada más famosa de su amplia trayectoria artística. Una ocasión especial, que F.R. David ha querido festejar con el lanzamiento del tema "Time Is Not Mine", cuyo ritmo y sonido recuerda vagamente al del famoso hit synth-pop popularizado en 1982.

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F.R. David
F.R. David ha lanzado recientemente su última canción, titulada “Time Is Not Mine”/ Foto: https://www,frdavid.net

F.R. David se convirtió en una auténtica estrella de la música en 1982, cuando su canción Words copó los primeros puestos en las listas de éxitos de medio mundo, con su melodía acompasada y sensible. Armado con una potente base de sintetizadores, y una singular voz entre el timbre trovadoresco de Jon Anderson y el efecto épico de Russell Hitchcock, el músico franco-tunecino dio con la tecla caprichosa y mágica del éxito más absoluto.

Cuarenta años después de su brillante gesta, Words sigue sonando en películas (Call Me By Your Name, de Luca Guadagnino) y anuncios de televisión, mientras F.R. David continúa con su pasión inagotable de probar estilos rítmicos, inventar melodías y explorar cualquier chispazo de inspiración, con el que desplegar su desatada obsesión por idear orquestaciones empáticas y contagiosas.  “Siempre estoy pensando en nuevos proyectos”, asegura el cantante, desde su residencia valenciana; mientras comenta animadamente sus ocupaciones e ilusiones actuales y pasadas.

The Living Culture Magazine: Time Is Not Mine (El tiempo no es mío) es el título de tu última canción. ¿La letra esconde alguna especie de confesión autobiográfica?

F.R. David: Te aseguro que es pura ficción. Me he inspirado en las historias que escucho de las personas que tengo alrededor. La fama y el dinero hacen que te sientas diferente… Pregunta a los políticos, si no me crees… Pienso que es difícil quedarse en la misma situación de manera permanente, aunque parezca que es posible.

TLMC: ¿Piensas que tu música ha cambiado durante el tiempo transcurrido entre Words y Time Is Not Mine?

F.R. David: Después de Words probé diferentes esferas (con Bob Sinclair, y con singles como Your Love Shines y Paris Is Her Home). Sin embargo, elijo Time Is Not Mine entre todas mis nuevas composiciones, porque despliega el mismo sentimiento que Words, en 1982. Lo hice a propósito, para agasajar a mis fans, y porque estamos en el aniversario de Words.

F.R. David
F.R. David alcanzó la fama mundial con el tema “Words”, en 1982

TLCM: En Time Is Not Mine coincides en algunas frases con la canción Time, de Freddie Mercury. En concreto, las letras de ambos temas recalcan que “el tiempo no espera a nadie”. ¿Realmente esto es así, incluso para los músicos? ¿Cómo trasladarías estas palabras a tu experiencia vital?

F.R. David: Honestamente, no conocía la canción de Freddie Mercury. Siempre escribo musicalmente lo que siento que debo decir. Suelo escoger las palabras que mejor se ajustan a la melodía. Lo de que “el tiempo no espera a nadie” es una evidencia que puedes comprobar todos los días en tu vida. Personalmente, no me gusta mirar hacia atrás, y las lamentaciones no tienen lugar en mi manera de pensar. Te puedo confesar que el tiempo no cuenta cuando estoy en mi elemento, que es la música; incluso se me olvida mirar el reloj. Eso no quiere decir que no sea puntual…

TLCM: Tu nombre real es Elli Robert Fitoussi, pero tu nombre artístico es F.R. David. Supongo que la F y la R responden a las iniciales de Robert y Fitoussi; pero, ¿de dónde viene la parte de David? ¿Es un guiño a tu grupo David Explotion?

F.R. David: Sí, F.R. son mis iniciales, como dices. Y David viene por el sonido y el símbolo de la adversidad. Por cierto, el verdadero nombre de mi banda, que mencionas, era Cockprit; pero alguna compañía de discos belga lo cambió sin permiso, por el de David Explosion. Es algo increíble…

TLCM: Empezaste en la música tocando el bajo en una banda de rock. ¿Por qué decidiste convertirte en cantante?

F.R. David: En los sesenta, tuve un grupo en la escuela, y solíamos tocar en clubes parisinos todos los domingos, por un dólar por cada actuación. Un día, nuestro cantante se puso enfermo, y el dueño del local dijo: “uno de vosotros deberá cantar“. Recuerdo que me obligaron a hacerlo. Desde entonces, las proposiciones para que actuara como cantante fueron bastante numerosas…

TLCM: Tus primeros pasos te llevaron por la variante del rock progresivo. ¿Qué echas de menos de esos tiempos? ¿Por qué viraste posteriormente hacia el synth-pop?

F.R. David: Siempre me ha apasionado experimentar todos los estilos musicales, del sonido sinfónico al r&b y el hard rock… Mi curiosidad no tiene límites. Cuando escucho una canción, ni me pregunto a qué estilo o género pertenece, simplemente la amo o la odio.

F.R. David
F.R. David ha editado varios discos como cantante, desde “Words”

TLCM: Cuando todavía eras muy joven, creaste con Michael Haubrich el sello Aztec Records. ¿Cómo recuerdas esa aventura?

F.R. David: Éramos dos compositores en la Midem de Cannes (Marché International du Disque et de l’Edition Musicale) para conocer compañías internacionales y enseñar nuestras canciones. Un tipo nos ofreció crear un sello dentro de una gran y nueva compañía de discos. Aceptamos, porque lo consideramos un reto. Nuestra primera producción fue Superman Superman, de Doc & Prohibition. El tema se convirtió súbitamente en un éxito. Para mí eso significó una nueva experiencia. Nos divertimos y fue fácil mientras duró.

TLCM: A lo largo de tu extenso currículo, has trabajado como productor, compositor, guitarrista y cantante. ¿Qué faceta es la que prefieres ejercer?

F.R. David: Solo la de cantante, porque con ella puedo compartir una gran cantidad de emociones con el público.

TLCM: ¿Cómo recuerdas el éxito de Words? Pienso que debió ser muy gratificante; pero también se puede antojar un poco aterrador, por las dimensiones alcanzadas…

F.R. David: Claro que fue emocionante, y súbito. Pero ya estaba acostumbrado a los grandes escenarios y a las actuaciones en televisión. Lo que sí me atemorizó fue cuando toqué en el Queen Elisabeth Hall, con Vangelis, en 1972. Salimos al escenario sin programa ni ensayos previos. Todo fue improvisado, pero al final hicimos cinco bises…

TLCM: En la letra original de Words aseguras “this is just a simple song” (“es solo una simple canción“). ¿Dónde consideras que reside la magia de este hit planetario e imperecedero? ¿Por qué se alzó como el corte más admirado de un disco en el que también se encontraban composiciones tan brillantes como Music, Porcelain Eyes y Pick Up The Phone?

F.R. David: Quizá, Words se convirtió en un éxito porque es una canción bastante inusual: una especie de acumulación de todo mi background hasta ese momento. No obstante, Pick Up The Phone era mi favorita en ese álbum. Sin embargo, solo el público decide, y yo lo acepto.

F.R. David
F.R. David ha creado un estilo propio y reconocible

TLCM: Tal vez, una de las principales virtudes de Words resida en que se trata de un tema que nunca pasa de moda, incluso Luca Guadagnino lo usó para la banda sonora de su película Call Me By Your Name

F.R. David: No sabía que esa película iba a ser tan famosa, pero se lo agradezco mucho a Luca, por la promoción que dio a mi canción por todo el mundo…

F.R. DAVID: “PREFIERO SER CANTANTE, PARA COMPARTIR EMOCIONES CON EL PÚBLICO”

TLCM: Words se adelantó por meses a un año en que el pop vivió uno de sus períodos más florecientes, con hits del calado de Moonlight Shadow, de Mike Oldfield; Deborah, de Jon and Vangelis; Juliette, de Robin Gibb; Baby Jane, de Rod Stewart…. ¿No resultaba excitante formar parte de esa ola de creatividad, con una de las canciones más seguidas a nivel planetario?

F:R. David: Oh, sí… Esos meses estuvieron llenos de positividad, color y estilo. En esa ola pop a la que aludes, compartí grandes momentos con Robin Gibb, que fue siempre uno de mis cantantes favoritos.

TLCM: ¿Cómo crees que ha cambiado la música desde el lanzamiento de Words? ¿Por qué es tan difícil editar un álbum en la actualidad?

F.R. David: Las reglas de actuación en la industria de la música han cambiado completamente. Pienso que la gran diferencia a la hora de componer una canción es que antes solíamos crear la melodía, y luego los arreglos. Ahora, se hace en el sentido contrario: primero los arreglos, y luego la melodía.

TLCM: En los sesenta colaboraste con Vangelis. ¿Cómo fue trabajar con el genio visionario de las bandas sonoras de Blade Runner y Carros de fuego?

F.R. David: Después de la ruptura de Aphrodite’s Child (el grupo iniciático de Vangelis), conocí a Vangelis en una sala de ensayos, y conectamos. Fuimos inseparables por dos años, y grabamos numerosas canciones, incluyendo Earth. Nunca lo vimos como trabajo, ya que siempre nos divertimos mucho juntos. Le admiraba por su talento y amabilidad. De todas formas, ambos éramos mediterráneos; y, por lo tanto, compatibles.

F.R. David
F.R. David reconoce el elemento confesional de su disco “Words”

TLCM: En 1974, viajaste a Estados Unidos desde París, para actuar como vocalista del grupo Les Variations. ¿Esa época te ayudó a madurar como músico?

F.R. David: Estuve un año de gira por Estados Unidos, con Les Variations, donde grabamos un disco. Fue un viaje duro, pero me encantó hacerlo… cuando lo miro en retrospectiva… Nuestra manera especial de sentir el rock and roll causó sensación allí, y el tour fue un auténtico éxito. Definitivamente, me ayudó a crecer profesionalmente a todos los niveles.

TLCM: Durante tu estancia en Nueva York, trabajaste con David Krebs como manager. ¿Fue importante tu relación artística con este legendario representante?

F.R. David: Le recuerdo como un buen hombre, porque creía en mí; pero me falló en la labor de manager. Me sentía un poco frustrado, viendo a Aerosmith, Ted Nugent, y otros artistas a los que llevaba la oficina de David Krebs, con sus discos de oro y platino. Recuerdo que un día estaba sentado en un sillón, hablando con otro tipo que tenía la misma sensación de frustración que la mía. Su nombre era Michael Bolotin, conocido posteriormente como Michael Bolton.

F.R. DAVID: “AHORA, PARA CREAR UNA CANCIÓN, PRIMERO SON LOS ARREGLOS Y LUEGO LA MELODÍA”

TLCM: Tras un tiempo en Norteamérica, volviste a París, y nació Words. ¿Cómo surgió este éxito imperecedero?

F.R, David: Creé la canción en Nueva York, en 1980. David Krebs me mandó compositores y escritores para confeccionar un álbum. Después de grabar varias demos (incluyendo Words), el feelling entre mi manager y yo se había debilitado, por lo que regresé a París. Un día nevoso, fui a mi estudio de entonces (Le Clos Fleuri), en un suburbio parisino, pero se me olvidó la guitarra en casa. Y, de pronto, la magia apareció de manera instantánea.

TLCM: Al escuchar el álbum Words en su totalidad, más allá del corte que da título al mismo, el oyente tiene la sensación de estar ante una extensa carta confesional, como si fuera un disco autobiográfico…

F.R. David: Sí, el disco estaba concebido como una entidad, como si se tratara de una canción extendida. Así es como esperaba que fuera percibido por el público.

TLCM: Después de Words, seguiste en la estela del synth-pop con Sahara Nights, que es un tema realmente bueno; aunque no obtuvo el mismo apoyo por parte de los fans. 

F.R. David: Pienso que el tiempo rítmico en esa canción no era bueno, pero el tema sí lo era. Cada vez que toco Sahara Nights en los conciertos, me doy cuenta de ello.

F.R David
F.R. David expresó parte de los sentimientos hacia su profesión en el tema “Music”

TLCM: ¿Qué echas de menos de la época de Words?

F.R. David: El ambiente en el estudio, con músicos intercambiando ideas en el momento, y grabando al instante esa conjunción de energías. Hoy en día, casi siempre trabajo solo en el estudio que tengo en casa, y la relación con los otros músicos es a distancia. Lo que no echo mucho de menos son los programas de televisión, destinados a la promoción; ya que son dolorosos y aburridos.

F.R. DAVID: “SUELO CANSARME FÁCILMENTE DE ALGO QUE YA ESTÁ HECHO”

TLCM: ¿Puede ser Time Is Not Mine el primer single de un álbum en ciernes?

F.R. David: Es posible, aunque lo que me apasiona es anticipar nuevas canciones. Suelo cansarme fácilmente de algo que ya está hecho.

TLCM: ¿Tienes previsto volver a dar conciertos en futuro próximo?

F.R. David: Claro, pero soy muy quisquilloso. Suelo escoger entre las distintas proposiciones para actuar en directo. Algunas las acepto, y otras las rechazo.

TLCM: ¿Podrías contestarme a una curiosidad bastante compartida entre tus seguidores? ¿Por qué siempre llevas gafas de sol en tus actuaciones y en las fotografías de tus discos?

F.R. David: Tuve un accidente cuando era niño. Debido a ello, no puedo exponerme a luces fuertes ni a focos muy potentes.

 

 

 

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The Rolling Stones, en estado puro https://kevinjesus20.com/2022/05/the-rolling-stones-en-estado-puro/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=the-rolling-stones-en-estado-puro https://kevinjesus20.com/2022/05/the-rolling-stones-en-estado-puro/#respond Mon, 23 May 2022 17:40:06 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70159 La longeva banda británica, liderada por Mick Jagger, edita "El Mocambo 1977" (Polydor): esperada remasterización de uno de los dos conciertos que "Sus Satánicas Majestades" ofrecieron en el interior del bar canadiense El Mocambo. Un par de citas con audiencias restringidas, en las que sonaron algunos de los temas más conocidos del repertorio del grupo, con una sensación sincera de improvisación, y de entrega absoluta al discurrir de la música.

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The Rolling Stones
El Mocambo 1977 supuso una necesaria reflexión artística, dentro del devenir icónico de The Rolling Stones

The Rolling Stones siempre han sido una formación de ritmos acumulativos, casi siempre avalados por los cambios generacionales y las preferencias entre los oyentes y fans. Sin embargo, cada concesión que Mick Jagger y sus compañeros de escenario han hecho a géneros tan agradecidos como la música disco, el funk o el pop aderezado con descargas de rock tormentoso y deslumbrante no ha conllevado negación alguna del ADN de la banda configurada en el Londres lejano y colorista de 1962. Todo lo contrario; ya que los pasos dados por los Stones han contribuido a engrandecer su leyenda, más que ha provocar socavones de inseguridad. Un currículo carente de fisuras en la naturaleza creativa, dentro de la larga cadena de hits elaborados por los responsables de Sympathy for the Devil y Satisfaction.

En esa carrera de fondo, en la que se ha convertido la trayectoria de The Rolling Stones, 1977 fue un año especial para el equipo nutrido en sus inicios por el talento revolucionario de Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman y Charlie Watts. Durante esos 365 días, los isleños -en pleno furor exitoso y multitudinario- se vieron obligados a ofrecer dos conciertos intimistas y de escaso calado mediático, en un bar de Toronto (Ontario, Canadá) llamado El Mocambo.

El motivo por el que los autores de Lady Jane aceptaron animar el interior del local norteamericano, en el que posteriormente tocaron Duran Duran y Elvis Costello, se explica por la detención de Keith Richards, debido a la posesión de sustancias estupefacientes. La espera de juicio y la imposibilidad de moverse a otro sitio hizo que los célebres antagonistas de The Beatles acudieran a El Mocambo. Un compromiso que, desde el principio, fue concebido por el grupo como una oportunidad para disfrutar con la interpretación de sus canciones de una manera diferente a la habitual: sin presiones, ni la necesidad de diseñar un repertorio cerrado a cal y canto.

The Rolling Stones
La edición del concierto de El Mocambo muestra a unos Rolling Stones ausentes de divismos

Precisamente, esa libertad para operar sin piloto automático se transformó en un par de noches cargadas con la magia de un rock and roll emulsionado con las huellas del r&b. Una vuelta a las esencias sesenteras del grupo londinense, que se nota especialmente pletórica en los duelos guitarreros que se marcan Keith Richards y Ronnie Wood, mientras Mick Jagger desgrana ecos aguardentosos y calóricos, a través de odas moldeadas con la impostura artística de un crecido Huckleberry Finn.

THE ROLLING STONES EXHIBEN SUS JUEGOS MUSICALES EN EL MOCAMBO

Para entender la importancia de lo sucedido en El Mocambo, en 1977, sería bueno retrotraerse a la época en que se efectuó la grabación convertida ahora en un doble compacto de enorme valor para los amantes de The Rolling Stones. En esa década, después de la disolución de The Beatles, el grupo liderado por Mick Jagger estaba en lo más alto entre las preferencias de los aficionados al rock and roll de fuerte armazón musical. Un posicionamiento que invitaba a los entonces treintañeros a entrar en la categoría de las leyendas vivas del olimpo de la música popular, pese a llevar en circulación escasamente tres lustros en el circuito.

Tal dato explica con mayor claridad lo anodino de la situación descrita para los británicos en Toronto, al tener que reverdecer sus comienzos en los garitos capitalinos de comienzos de los sesenta, por culpa de asuntos que nada tenían que ver con su carrera discográfica. Las 300 localidades disponibles que prometía El Mocambo poco se asemejaban a los escenarios en los que los Stones solían descargar sus atronadores hits. Sin embargo, desde que se subieron a la tarima hundida en la sudorosa atmósfera de alta gradación etílica de El Mocambo, algo encendió la llama creativa del conjunto, y los temas se sucedieron a velocidad vertiginosa, sin treguas dadas a la pérdida de la emoción sensible. Un recorrido certero, que Jagger animaba con soflamas del tipo de “vigilad vuestros traseros“, destinados al desatado público congregado en el interior del recinto.

The Rolling Stones
The Rolling Stones volvieron a sus raíces r&b en El Mocambo

Situado en Spandina Avenue, al sur de Colledge Street, en la urbe de Toronto (todavía existe), El Mocambo era más un bar que una sala de fiestas. Pese a compartir franquicia con el fenecido El Mocambo de West Hollywood, en California (USA), la taberna canadiense daba a sus clientes la posibilidad de pasar una noche agradable, con músicos deseosos simplemente de regalar sus entrañas trovadorescas y líricas, a quienes quisieran comprometerse en tan particular aquelarre.

Cuando los responsables del bar recibieron la propuesta de The Rolling Stones, las puertas de El Mocambo se abrieron rápidamente para acoger a los ingleses durante un par de actuaciones, programadas para el 3 y 4 de marzo de 1977. Unos conciertos que habían permanecido ocultos hasta la actualidad, cuando Bob Clearmountain rescató las grabaciones originales, y las convirtió en el doble CD y los cuatro discos de vinilo en los que se presenta El Mocambo 1977.

Honky Tonk Women, All Down The Line, Route 66, Mannish Boy (realmente sorprendente), Crackin’ Up, Dance Little Sister, Hot Stuff, Worried Life Blues, Brown Sugar, Jumpin’ Jack Flash, Melody… Los veintitrés cortes de El Mocambo 1977 son historia melódica y constitutiva de The Rolling Stones. Un delirio de caderas vaporosas y gritos contundentes, con guion a lo Nouvelle Vague y resultado aguerrido e imborrable.

En medio de la escalada instrumental y vocalista, incluso escapa desapercibida la confusión de Ronnie Wood, cuando le preguntaba por lo bajo a Mick Jagger cuál sería la siguiente canción que iban a interpretar…

Nota: The Rolling Stones tienen previsto actuar en el Wanda Metropolitano de Madrid, el próximo 1 de junio de 2022. 

Más información en

https://www.polydor.co.uk

 

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Vangelis, el adiós de una leyenda https://kevinjesus20.com/2022/05/vangelis-el-adios-de-una-leyenda/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=vangelis-el-adios-de-una-leyenda https://kevinjesus20.com/2022/05/vangelis-el-adios-de-una-leyenda/#respond Fri, 20 May 2022 17:38:39 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70151 El músico y compositor griego, autor de las bandas sonoras de "Blade Runner" y "Carros de fuego", falleció el pasado martes en un hospital de París, supuestamente por complicaciones derivadas del coronavirus. El que fuera líder -en sus inicios- del mítico grupo Aphrodite's Child deja huérfana a la música electrónica de atmósferas envolventes y espíritu clásico; un estilo sinfónico que ejerció con inmensa inspiración y trazas de eternidad, a lo largo de una carrera de más de cinco décadas.

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Vangelis
Vangelis mantuvo en los ochenta una intensa colaboración con Jon Anderson, el cantante del grupo Yes

Vangelis no era un hombre abonado los espectáculos atronadores de luces y sonidos, ni a los shows mediáticos desplegados en torno a escenarios milenarios y titánicos. Pese a que su música tenía la capacidad de abrir horizontes, el creador heleno no se prodigó nunca en conciertos fastuosos, ni en actuaciones multitudinarias; ya que se sentía más cómodo trabajando con fluidez en el estudio de grabación, con sus ordenadores e instrumentos computerizados. Allí, rodeado de pantallas y ecualizadores, podía imaginar partituras sorprendentes, emotivas, sensibles, aterciopeladas e imborrables.

El talento de Evangelos Odysseás Papathanassiou era evolutivo y deslumbrante, siempre asociado a sus melodías de atmósferas certeras y enriquecedoras. Un conjunto de orquestaciones con pianos y sintetizadores protagónicos, en el que Vangelis imprimía su sello sinuoso y calórico, a base de notas extraídas de la experiencia; esculpidas con tinta de humanidades imaginadas, y pasiones aguerridas por no sucumbir a la desazón ni a la mercadotecnia.

Desde sus comienzos en la música, el responsable de la banda sonora de Lunas de hiel se preocupó por otorgar a la electrónica (un género que comenzaba a mostrar sus posibilidades en los setenta y ochenta) un expansionismo de elegancia clásica, que podría emparentarse -en cuanto a fervor exploratorio- con los sueños de trascendencia ajena al academicismo esgrimidos por maestros del piano como Frédéric Chopin y Franz Liszt.

Vangelis
Vangelis colaboró con distintas agencias espaciales, durante sus últimos años como compositor

La música de Vangelis posee el poder de conmover con sus crescendos, y de despertar el universo trágico con sus adagios. Un mosaico de sensaciones que Ridley Scott elevó al estrato de las leyendas convertidas en partituras, al unirlo a las imágenes de películas tan impactantes como Blade Runner.

Precisamente, el séptimo arte se alió con el creador griego de manera infalible, a través de cintas del estilo de Carros de fuego (banda sonora por la que el compositor heleno ganó un Oscar de Hollywood, en 1982), y le granjeó una fama internacional que V se encargó de completar con discos tan reverenciales como L’Apocalypse des Animaux, La Fête Sauvage y Rosetta.

VANGELIS DOTÓ A LA ELECTRÓNICA DE ATMÓSFERAS SENTISITIVAS E INSPIRADORAS

Nacido en la ciudad de Agria, en 1943, Evángelos Odysseás Papathanassiou irrumpió en el panorama musical a finales de los años sesenta y principios de los setenta, con el grupo de rock progresivo Aphrodite’s Child. Una formación en la que también estaban los conocidos Demis Roussos y F.R. David.

Los discos de la citada banda causaron expectación, por la excelente química entre las melodías ideadas por Vangelis y la inigualable voz de Roussos, los cuales conformaban un auténtico tándem de calidad sonora y multicolor, que fortalecía la psicodelia activa que desgranaban las canciones.

Tras unos años al frente de Aphrodite’s Child, Evángelos Odysseás Papathanassiou se lanzó a seguir su senda profesional en solitario, para dar rienda suelta a sus obsesiones líricas y orquestales. Unas ansiedades en las que pudo aplicar sus conocimientos de la electrónica de curso sensitivo, alejada de los experimentos de laboratorio de Kraftwerk y de las esplendorosas puestas en escena de Jean-Michel Jarre. Vangelis solo quería dejar la huella de la sensibilidad muy visible en sus composiciones, y la posible modernidad en el resultado final era un apero al que no le dio nunca mucha importancia.

Vangelis
Vangelis quería que su música dejara una huella sensible

El perfeccionismo sinfónico fue la fórmula que movió artísticamente a Vangelis en cada una de las obras que nutren su amplia discografía. Un gusto por el detalle, en el que todos los elementos constitutivos gozaban de una armonía buscada, y potenciada desde el origen mismo del proyecto. Así lo percibió Jon Anderson (el cantante del grupo Yes), cuando convenció al creador griego para formar un dúo de enorme éxito popular.

Los álbumes de Jon and Vangelis contribuyeron a exhibir la enorme capacidad inspiradora del vecino de Agria, y dejaron claro que el timbre del vocalista de Owner of a Lonely Heart y las atmósferas electrónicas del heleno moldeaban un universo lírico de imperecedera belleza. Discos como The Friends of Mr. Cairo (magistral homenaje al cine negro), Private Collection, Heaven and Hell y Short Stories dan fe de ello.

La muerte de Vangelis cierra el curso creativo de un músico irrepetible, que consiguió despertar la experiencia sensible de varias generaciones de oyentes; los cuales han soñado alguna vez con ovejas eléctricas al son melancólico de Rachel, o han corrido sobre la arena mojada de una playa con los accesos vaporosos de Carros de fuego.

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Belle and Sebastian, un poco de pop https://kevinjesus20.com/2022/05/belle-and-sebastian-un-poco-de-pop/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=belle-and-sebastian-un-poco-de-pop https://kevinjesus20.com/2022/05/belle-and-sebastian-un-poco-de-pop/#respond Wed, 11 May 2022 17:14:24 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70113 La banda de Glasgow (Escocia) edita "A Bit of Previous" (Matador Records): un disco de sonidos agradables y letras simpáticas, con el que los responsables de "The Boy with the Arab Strap" mantienen en alto las señas de identidad de su pop ligero y juguetón.

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Belle and Sebastian
Belle and Sebastian tienen previsto actuar en Barcelona y Madrid, a comienzos de julio

Belle and Sebastian nunca han alardeado de ejecutar líricas rompedoras y revolucionarias, ni siquiera meramente analíticas o universales. El septeto de la tierra de Sir Walter Scott se ha contentado a lo largo de su trayectoria musical con promover el goce de sus seguidores, a través de melodías edulcoradas hasta en sus accesos instrumentales, y estribillos que sirven para desconectar de las realidades asfixiantes y tenebrosas.

Sin embargo, tal apuesta por la evasión sincera y puntual no debe entenderse como una falta de compromiso con la calidad de las composiciones, o como una fórmula para abandonar cualquier atisbo de riesgo profesional o de exploración de sonidos y notas. En este sentido, y pese a mantener una línea coherente a nivel creativo desde el lejano Tigermilk (1996), Sturat Murdoch y sus colegas siempre han procurado sorprender a sus fans con álbumes cargados de versos oníricos, y tonadas que estimulan la sensibilidad emocional de los que se dejan llevar por los universos plenos de armonía y concordia medioambiental.

Con estas coordenadas artísticas, Belle and Sebastian se han mantenido en activo desde hace cerca de tres décadas, sin apenas notar brechas preocupantes, respecto al mayor o menor impacto de sus cuidadas y peculiares obras sonoras. Dentro de ese currículo de buenas intenciones existenciales y creativas, A Bit of Previous (Matador Records) supone el regreso del pop amable y carente de aristas afiladas, que practican los de Glasgow. Un estilo que se pliega a las variaciones gesticulantes de trompetas y sintetizadores, mientras las reconocibles voces de Stuart Murdoch y Sarah Martin viajan por las distintas melodías, con mensajes relativos al amor o a la necesidad de restar gravedad a las realidades ilusorias y deprimentes.

Belle and Sebastian
A Bit of Previous es una obra concebida como un vehículo de evasión sonora

Un poco de lo anterior, como reza el título del álbum, es lo que ofrecen los doce cortes de los que consta el CD; los cuales acompañan a los oyentes a los escenarios multicolores que sugieren las canciones, con una constante atmósfera de déjà vu musical.

A través de un sobresaliente trabajo de mezcla de instrumentos y timbres vocales, Belle and Sebastian demuestran que el perfeccionismo no está reñido con el humor, o con la invisible figura de fabulación trovadoresca que inspiran las letras del álbum.

BELLE AND SEBASTIAN SIGUEN SIN INCORDIAR

El latiguillo de “nothing matters“, que Stuart Murdoch entona al final de Young and Stupid (el primer track de A Bit of Previous), invita a pensar que Belle and Sebastian han tirado la toalla en cuanto a modificar el mundo en que viven, por muy aterrador que este sea. Tal posicionamiento, que es asumible por los otros nueve trabajos de la banda, entronca directamente con el leitmotiv lírico del disco: una mixtura enriquecedora y sugerente de cuerdas, percusiones y teclados; en la que prevalece el interés por escapar de las distorsiones sinfónicas, y de la agresividad narrativa.

Stuart Murdoch ensambla A Bit of Previous con el acero enérgico de la irreverencia medida en pequeñas porciones, y esmaltada por su peculiar manera de entretener a las audiencias, con sus estrofas humorísticas y atrayentes propias del ADN de B&S.

Belle and Sebastian
Belle and Sebastian han cuidado mucho la estética del álbum

Desde la eufórica oda Young and Stupid (toda declaración cantada de lo que significa el culto ciego a la juventud y a la falta de aperos existenciales), hasta las frases estrambóticas y estereotipadas de Working Boy in New York (el último tema del disco), A Bit of Previous desarrolla una docena de situaciones y planteamientos sorpresivos, ejecutados con una libertad admirable de estilos y ritmos.

Semejante recurso creativo queda ampliamente inmortalizado en la balada Do It for Your Country, en la que Murdoch asevera con sobriedad aterciopelada que “el mundo es justo como un juego, algo hecho de tiza“. Unas palabras que exponen con claridad las entrañas de las composiciones del décimo álbum de B&S, siempre sujetas a las extensiones figuradas de un calórico patio de recreo.

Nota: Belle and Sebastian tienen previsto actuar en el Vida Festival de Barcelona, el 1 de julio de 2022; y en Las noches del Botánico de Madrid, el 2 de julio de 2022.

Más información en

https://www.matadorrecords.com

 

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Aerosmith recuerdan su juventud https://kevinjesus20.com/2022/04/aerosmith-recuerdan-su-juventud/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=aerosmith-recuerdan-su-juventud https://kevinjesus20.com/2022/04/aerosmith-recuerdan-su-juventud/#respond Fri, 22 Apr 2022 18:00:24 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70045 La banda estadounidense, liderada por el carismático Steven Tyler, lanza al mercado "1971. The Road Starts Hear" (Queen of Denail, Icn/ Universal Music): un trabajo que el grupo afincado en Las Vegas grabó cuando todavía no había iniciado su carrera discográfica, y que muestra la frescura e impetuosidad de los autores de "Livin' on the Edge", antes de cumplir treinta años.

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Aerosmith
Aerosmith consideraron “The Road Starts Hear” como una especie de maqueta experimental

Aerosmith han quemado media centuria en los escenarios, como si se tratara de un suspiro en la efervescente voz de Steven Tyler. Desde sus primeros pasos en la ciudad de Boston, el quinteto tuvo claro que su espíritu creativo tenía que estar asociado al vértigo de las inspiraciones puntuales, siempre sujeto a la norma de no desentonar en el contexto social en el que se movían sus entregados fans.

A pesar de las críticas de haberse plegado a la mercadotecnia en numerosas ocasiones, Aerosmith poseen la virtud de acertar en todo momento con la tecla adecuada para cautivar a públicos de diferentes gustos y edades, unidos en torno a sus composiciones cargadas de pasiones turbulentas y sonidos desconcertantes. Esta naturaleza camaleónica es lo que ha permitido a Tyler y a sus colegas permanecer en activo hasta el presente, sin apenas notar el paso de los años en su repertorio imperecedero.

Hits de ritmos románticos como Crazy se hermanan en perfecta sintonía artística con temas de fortalecida pegada metalera, como Janie’s Got a Gun; y conforman -en tenue coherencia- el legado de una banda que puede presumir de tener su propia atracción temática en el parque Disney de Florida. Semejantes reconocimientos definen la aceptación transversal de estos singulares herederos de Kiss, coincidentes con los neoyorquinos en la tarea de aclimatar los resortes del hard rock a terrenos insospechados.

Después de las múltiples pieles superpuestas a su ADN, es preciso preguntar dónde reside la auténtica esencia de Aerosmith desde el punto de vista musical. Una cuestión que bien puede resolver la reedición de 1971. The Road Starts Hear (Queen of Denial, Inc./ Universal Pictures).

Aerosmith
Aerosmith aprovecharon parte de las canciones de “The Road Starts Hear” para nutrir algunos de sus álbumes posteriores

Resulta extraño escuchar los accesos de bluesman que se marca Steven Tyler, a los que añade algunas virguerías a lo Stevie Wonder, mientras interpreta -al borde del delirio- temas de absorbente belleza melódica, como Reefer Head Woman, Someday y Walkin’ the Dog. Una opción de cierta similitud a lo que hacía Mick Jagger en The Rolling Stones, y que recibe el elocuente acompañamiento de las guitarras de Brad Whitford y Joe Perry; el bajo de Tom Hamilton; y la batería de Joey Kramer.

AEROSMITH DERROCHAN AUTENTICIDAD

La edición en Cd de The Road Starts Hear traslada a los oyentes al tiempo en que la banda formada en Boston todavía luchaba por sacar adelante su propuesta artística. Una época en que los entonces veinteañeros se movían en la furgoneta que dio nombre al grupo (Aerosmith), y se reunían para ofrecer conciertos improvisados a sus amigos y a algún que otro conocido.

A medias entre el juego y el deseo de mostrar un producto de calidad a las poderosas empresas discográficas, Joe Perry puso en funcionamiento su Wollensak (sistema de grabación de casetes), para grabar una cinta con ocho canciones. Este trabajo llevó por título The Road Starts Hear, y las composiciones se convirtieron en la carta de presentación de Tyler y sus compañeros. Un conjunto de songs que le valió a Aerosmith para cerrar -un año después- el merecido contrato con Columbia Records, donde se gestó el álbum de debut del grupo, titulado simplemente con el epónimo de Aerosmith (1973).

Aerosmith
Aerosmith es una de las bandas de hard rock más premiadas en la historia de la música

La versión restaurada de este material de indudable riqueza creativa expone la energía del quinteto destinado a reinar en los escenarios, en base a una apuesta calórica y desenfrenada. Un modo de canibalizar las melodías, que parece surgir de las entrañas de unos tipos a los que les movía una inquietante necesidad de imantar y activar a sus seguidores con cada nota y estribillo.

Hasta el momento, The Road Starts Hear solo había sido comercializado en formato de casete y vinilo de edición limitada, como parte del Record Store Day, de 2021. Dato que revela la importancia de acceder -con las garantías de las mesas de mezclas del siglo XXI– a esta genial y primigenia obra ideada sin artificios, y vestida con la contundencia de unos jóvenes que mezclaban la influencia de The Beatles y el glam, con las atmósferas sudorosas del blues de carretera y el r&b de aires urbanos y acordes eléctricos.

Tales coordenadas condensan las primeras y desnudas versiones de conocidos hits de la banda de Boston, como la balada Dream On, o la acuarela guitarrera desplegada en Reefer Head Woman.

Nota: La reedición de 1971. The Road Starts Hear incluye fotos inéditas del archivo de Aerosmith, imágenes de la caja original de las cintas, y notas y entrevistas exclusivas publicadas por David Fricke (periodista de Rolling Stone).

Más información en

https://www.universalmusiconline.es

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Jon Batiste reina en los Grammy https://kevinjesus20.com/2022/04/jon-batiste-reina-en-los-grammy/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=jon-batiste-reina-en-los-grammy https://kevinjesus20.com/2022/04/jon-batiste-reina-en-los-grammy/#respond Mon, 04 Apr 2022 17:33:33 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69988 El artista de Louisiana se alzó anoche con el Grammy al mejor álbum, por el disco "We Are" (Verve Records): una obra carente de géneros musicales concretos, y estimulada por experiencias sonoras diversas y letras de contenido social. Un trabajo que parece diseñado para viajar a los pasados del jazz profundo y del r&b a lo Motown.

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Jon Batiste
Jon Batiste triunfó en la 64 gala de los Grammy Awrads, con “We Are”

Jon Batiste no podía creer el reconocimiento de la academia de la música estadounidense, cuando anoche subió a la tarima del MGM Grand Garden Arena de Las Vegas. para recoger el galardón correspondiente al mejor álbum del año por su excelente fresco vivencial, que lleva por título We Are (Verve Records).

Pese a las once nominaciones con las que partía de inicio, el creador nacido en Louisiana no se veía claro favorito, sobre todo cuando equilibraba fuerzas con competidores tan populares como Justin Bieber, H.E.R. y Doja Cat. Sin embargo, la propuesta callejera y suburbana de Batiste le propició una jornada inolvidable, con cinco premios y el aplauso generalizado del público y la crítica. Toda una hazaña para este amante del jazz de nueva hornada, inspirado por la estela imperecedera de tipos de eternidades expansivas como Stevie Wonder, o la dama del rythm and blues Mavis Staples (quien colabora en We Are).

De la manera descrita, y casi de tapadillo, Jonathan Michael Batiste se unió a la californiana Olivia Rodrigo, en el palmarés de los vencedores en la entretenida e imaginativa gala de los Grammy; la cual desbancó en interés artístico a la ceremonia de los Oscar, con su apuesta por los números de corte clásico, y los viajes subliminales a los pretéritos del tecnicolor deslumbrante y del satén hasta en las cortinas del baño.

Jon Batiste
We Are es un disco cargado de influencias diversas, y sin estilo definido

En medio de un show semejante, la música de Jon Batiste se ajustó sin estridencias a los citados escenarios, con sus notas alimentadas por la carencia voluntaria de géneros férreos, y sus letras sustraídas de los problemas que el artista contempla en el día día de la nación de las barras y estrellas, sin censuras inspiradoras que silencien sus exploraciones melódicas.

JON BATISTE TRIUNFA CON SU LÍRICA COMPROMETIDA SOCIALMENTE

Las trece canciones que componen el curso narrativo y dramático de We Are sitúan el disco en una órbita poco habitual en los tiempos que corren, dominados normalmente por la mercadotecnia resultona. De los estribillos épicos del corte titulado We Are a los rapeos acelerados de Whatchutalkinbout y Boyhood, la pasión progresiva es lo que determina la evolución melódica del Cd. Un sentimiento que emulsiona las diferentes atmósferas que Batiste se preocupa por imantar a lo largo de cada estrofa.

Entre los temas introducidos por el músico de Nueva Orleans en su octavo trabajo de estudio se pueden localizar alusiones a la pandemia del coronavirus, al #blacklivesmatter y a los bestiales asesinatos de George Floyd y Breonna Taylor, ambos ocurridos a manos de agentes de la policía, en los Estados Unidos gobernados por Donald Trump. Estos asuntos quedan expuestos por líricas que generan un caleidoscopio de ritmos contagiosos, en los que pervive el fervor militante hacia el jazz fantasioso que JB ha fortalecido a lo largo de su brillante discografía.

Jon Batiste
Jon Batiste suele escapar de los géneros artificiales y de las etiquetas reductoras

Ese compromiso social se conjuga en los temas de We Are con un elemento juguetón e impulsivo, que recuerda a las variaciones del Stevie Wonder de los años gloriosos de la Motown, o a las improvisaciones geniales de talentos como Ray Charles y Wilson Pickett. Ingredientes proteicos que quedan enfatizados con contundencia a través de temas tan poderosos como Tell the Truthtrack que parece sacado de la época de los setenta, con sus alteraciones de graves y agudos y su apelación a los estribillos incendiarios y demoledores (siempre necesarios).

Más información en

http://www.ververecords.com/

 

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