Arte - THE LIVING CULTURE MAGAZINE TU ESPACIO DE CULTURA Y DE OCIO Fri, 18 Nov 2022 18:27:34 +0000 en-GB hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.1.1 https://kevinjesus20.com/wp-content/uploads/2016/04/cropped-Cabecera-posible-2-32x32.jpg Arte - THE LIVING CULTURE MAGAZINE 32 32 Zóbel, en el Museo del Prado https://kevinjesus20.com/2022/11/zobel-en-el-museo-del-prado/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=zobel-en-el-museo-del-prado https://kevinjesus20.com/2022/11/zobel-en-el-museo-del-prado/#respond Fri, 18 Nov 2022 18:27:34 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70609 El artista nacido en Manila, uno de los máximos exponentes de la pintura abstracta, es objeto de una amplia retrospectiva en el madrileño Museo del Prado. Una muestra, titulada "El futuro del pasado", en la que se exhiben los trabajos elaborados por el creador en Asia, Europa y Norteamérica.

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Zóbel
Zóbel siempre persiguió el componente experiencial y sensitivo de la pintura/ Foto: museodelprado.es

Zóbel siempre estuvo a caballo entre las vanguardias y las tradiciones artísticas. El pintor filipino evolucionó al compás de las experiencias que recibió de los diferentes lugares por los que paseó su paleta de formas voluntariamente difuminadas, sin desdeñar los ancestros culturales ni la búsqueda de un expresionismo primigenio y literalmente natural y eterno.

Esta característica, consistente en alternar la modernidad y un cierto clasicismo inmortal, convirtió a Fernando Zóbel de Ayala y Montojo en un hombre extraño y difícil de encajar en el universo de las líneas y las geometrías determinantes. Y la culpa de ello la tuvo el componente ajeno a los espacios y a las cronologías milimétricas que constantemente se halla presente en sus óleos, acuarelas, dibujos, bocetos, caricaturas y fotografías. Un ingrediente que genera la sensación de presenciar la escapatoria infructuosa del creador, a través de las épocas y de las corrientes reductoras del intelecto.

A dos años de la celebración del centenario de su nacimiento, el Museo del Prado de Madrid rinde un sincero homenaje a este ciudadano cosmopolita, al que le unía una especial reverencia hacia los cuadros de los grandes maestros, como Velázquez, Goya y Zurbarán. El resultado de tal reconocimiento se ha traducido en la extensa exposición titulada El futuro del pasado, que la pinacoteca ubicada en la Villa y Corte tiene previsto mantener abierta al público hasta el próximo 5 de abril de 2023.

Zóbel
El Museo del Prado ha elaborado un extenso catálogo razonado, sobre la exposición de Zóbel

Desde sus primeras incursiones en el expresionismo abstracto de influencia estadounidense, con Mark Rothko a la cabeza, hasta sus imágenes de conexión sensitiva con los paisajes difuminados de Paul Cézanne y Pierre Bonnard, la cita expositiva despliega la obra de Zóbel en torno a cinco apartados bien definidos. Un conjunto de cubículos y salas, en los que transpiran las sugerentes escenas tomadas directamente de la realidad, metamorfoseadas por los pigmentos historiados del pintor de Manila.

ZÓBEL MANTUVO UN COMPROMISO PERMANENTE CON EL ARTE ANCESTRAL

Cuarenta y dos pinturas, cincuenta y un libros y ochenta y cinco dibujos y trabajos gráficos conforman el imaginativo laberinto ideado por el Museo del Prado, el cual permite a las obras de Zóbel dialogar en igualdad de condiciones con Las Meninas, de Velázquez, o Saturno devorando a sus hijos, de Goya. Conversaciones de paredes neutras y fondos abismales, en las que queda de manifiesto el espíritu geográfico y espiritual que presidió cada pieza firmada por el artista filipino.

El recorrido pensado por los comisarios de la muestra refleja la intensidad de las inspiraciones que marcaron el proceso pictórico del que fuera fundador del Museo de Arte Abstracto de Cuenca. Una montaña rusa de aprendizajes precisos, cuyos raíles están esmaltados por el profundo apego del creador de Manila hacia una modernidad espoleada por el poso de los tiempos, e imantada por las corrientes pretéritas.

Zóbel
Zóbel nunca circunscribió su arte con un punto geográfico determinado/ Foro: museodelprado.es

Dentro de ese espacio vaporoso e impreciso, la relación de Fernando Zóbel con la caligrafía milenaria japonesa, que dio origen a las series negras de los cincuenta, marca un punto de inflexión en la muestra. Una senda que abrió nuevas perspectivas en la paleta del pintor isleño, y que le animó a emprender satisfactoriamente un viaje hacia la descomposición de la naturaleza perceptible, mediante su impresión fragmentaria en el lienzo y la cuartilla. Odisea carente de destino prefijado, que acabó con reflejar sus obsesiones espectrales en una suerte de paisajismo abstracto heredado del impresionismo y el fauvismo decimonónicos, y que imperó en su producción de los años sesenta.

Europa, Asia y Norteamérica se funden en un singular aquelarre de formas sensoriales, en una exhibición que viene a recordar que la abstracción y la figuración son simples artificios incapaces de construir fronteras plásticas; ya que al final solo quedan las paletas, como interlocutores válidos.

Nota: Zóbel: El futuro del pasado estará en el Museo del Prado de Madrid hasta el próximo 5 de abril de 2023.

Más información, entradas y horarios en

https://www.muesodelprado.es

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Milton Avery, el color de USA https://kevinjesus20.com/2022/08/milton-avery-el-color-de-usa/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=milton-avery-el-color-de-usa https://kevinjesus20.com/2022/08/milton-avery-el-color-de-usa/#respond Fri, 26 Aug 2022 17:59:33 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70488 El pintor neoyorquino, fallecido en 1965, es objeto de la primera retrospectiva de su trabajo en Europa, dentro de la Royal Academy of Arts de Londres. La muestra se compone de cerca de setenta de las obras más conocidas de este maestro del color y el equilibrio entre forma y contenido, el cual ha sido comparado por algunos especialistas con Henry Matisse.

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Milton Avery
“Sails in Sunset”, de Milton Avery, 1960/ Foto: 2022 Milton Avery Trust/ Artists Rights Society (ARS), New York and DACS, London, 2022

Milton Avery era un artista ajeno a las generaciones y a las corrientes plásticas contemporáneas con sus momentos de mayor esplendor creativo. Esto no quiere decir que el pintor neoyorquino no se nutriera de las influencias del Expresionismo abstracto, con su amigo Mark Rothko  a la cabeza, ni de otros movimientos afines de manera tangencial a sus intereses plásticos; sino que la afirmación inicial se refiere más bien al empeño de MA para desarrollar un estilo propio y definido, con el que vistió la blancura de sus lienzos. Una técnica que mantenía latente un sutil compromiso con los impresionistas decimonónicos franceses y estadounidenses, con el salvajismo aglutinador de los fauvistas y con la neurosis cromática de los expresionistas germanos, suizos y austriacos del período de entreguerras.

Junto a su esposa Sally Michel Avery, el protagonista de la exhibición titulada American Colourist -que alberga el céntrico edificio de la Royal Academy of Arts, en la urbe del Támesis– fue el principal valedor de un conjunto de cuadros armónicos, cuyas líneas vaporosas concentran las ambiciones escénicas de un figurado Canaletto, hipnotizado por los haces luminosos y oscuros de lugares de paso y por caras sin rasgos identitarios; a la vez de despertar en el pincel las sombrías máscaras de genios de la psique experiencial como Amadeo Modigliani.

Las diferentes influencias y alusiones subliminales convierten las pinturas de Milton Avery en elocuentes mosaicos de vanguardias atemporales, en los que la vida diaria de los estadounidenses se confunde con los serenos paisajes de Maine y Cape Cod.

Milton Avery
“Seated Girl with Dog”, de Milton Avery, 1944/ Foto: 2022 Milton Avery Trust/ Artists Rights Society (ARS), New York and DACS, London, 2022

Pese a la hondura poética de este rapsoda del caballete nacido en Altmar, las creaciones de MA nunca habían sido expuestas en Europa; error que ha subsanado la Royal Academy of Arts, al albergar un inspirado y brillante recorrido por los trabajos más aclamados del norteamericano, realizados entre la década de los treinta y de los sesenta del pasado siglo XX. Un laberinto de pacíficos aconteceres, en el que subyace el compromiso eterno del pintor con los colores en ebullición y el equilibrio perpetuo entre el contorno, la forma, los detalles y el fondo.

MILTON AVERY ABRE LA VENTANA DE SU PALETA CEGADORA Y EMOTIVA

La llegada a la pintura de Milton Avery se produjo casi por azar, ya que sus primeras ocupaciones tuvieron un simple sentido crematístico y de subsistencia, ajeno a cualquier planteamiento artístico. No obstante, la necesidad de trasladar al lienzo en blanco el universo cromático que albergaba en su cabeza le animó a introducirse en el terreno de la plástica. Eran los años veinte del siglo XX, en unos Estados Unidos sorprendidos por las vanguardias del Viejo Continente, cuando MA comenzó a alimentar su peculiar técnica: colaborativa, permeable, poliédrica y camaleónica.

Desde Ernst Ludwig Kirchner a Mark Rothko y Henri Matisse; las heterogéneas inspiraciones del creador neoyorquino tuvieron en la manera de manejar el pincel el nexo de unión conceptual requerido. Una fórmula porosa y hambrienta de bellezas pasajeras, en la que el misterio canibaliza la ansiedad hasta alcanzar la consiguiente seducción, oculto tras zonas de penumbra y de claridad.

Milton Avery
“Boathouse by the Sea”, de Milton Avery, 1959./Foto: 2022 Milton Avery Trust/ Artists Rights Society (ARS), New York and DACS, London, 2022. Courtesy Victoria Miró y Waqas Wajahat

La Royal Academy of Arts descubre a los europeos por primera vez la imaginativa trayectoria de este impresionista/expresionista/fauvista de largo recorrido, al que no le importaba fundir en una misma imagen las visiones abstractas, con las fórmulas de figuración clásica construidas a base de aglutinantes. Una senda en la que queda constancia de la sensibilidad y el sentido de un enamorado del paisajismo (tanto el que presentan los silentes rostros humanos de sus familiares y modelos, como el de las puestas de sol y las dormidas constelaciones acuosas que desencadenaron sus obsesiones cromáticas).

Semejante empeño por transcribir instantes fugaces de vitalidad crepuscular, más que exactitudes hiperrealistas, ubicó a Milton Avery en la esfera de las simbologías voluntarias, surgidas de las experiencias constatadas por secuencias existenciales plenas de emotividad y de fantasía.

Nota: Milton Avery: American Colourist estará en la Royal Academy of Arts de Londres hasta el próximo 16 de octubre de 2022.

Más información, entradas y horarios en

https://www.royalacademy.org.uk

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Paolo Gasparini y la pobreza https://kevinjesus20.com/2022/07/paolo-gasparini-y-la-pobreza/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=paolo-gasparini-y-la-pobreza https://kevinjesus20.com/2022/07/paolo-gasparini-y-la-pobreza/#respond Wed, 06 Jul 2022 17:42:43 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70321 La fundación Mapfre alberga, en la madrileña Sala Recoletos, "Campo de imágenes": una intensa retrospectiva del trabajo de Paolo Gasparini. Un laberinto de secuencias, que narra un sinfín de historias con los más desfavorecidos por el capital como protagonistas destacados, a los que el artista italiano suele enfrentar con los mensajes alienantes de la sociedad de consumo.

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Paolo Gasparini
Paolo Gasparini ha ilustrado el universo de los desfavorecidos por el capital en diferentes partes del mundo

Paolo Gasparini conserva en el objetivo de su cámara parte del espíritu de las paletas de Diego Velázquez y Caravaggio.

Este denominador común, latente y subliminal, lo marca el interés que los tres creadores han sentido -en distintos siglos y épocas- por los modelos alejados del cosmos de las bellezas inmanentes, del triunfo rampante, y de la vanidad vacua y hedonista del derroche y del lujo. Mientras Velázquez y Caravaggio expusieron su sintonía con los desesperados a base de cuadros protagonizados por seres bufonescos y marginales, Paolo Gasparini lo hace mediante su conexión sincera con las personas que padecen la escasez, el hambre, la desesperanza y la amargura de sentir el naufragio existencial, asfixiados por la mordaza colectiva de una sociedad que tiende a ignorar su sufrimiento.

A lo largo de más de seis décadas, el octogenario fotógrafo nacido en Italia ha convertido a los mendigos y a los expulsados del capitalismo reinante en los héroes anónimos de sus obras. Una labor de constancia e inspiración humana y humanística, que la Fundación Mapfre acoge hasta el 28 de agosto en la madrileña Sala Recoletos, bajo el título de Campo de imágenes (resulta irónico que la urbe en la que algunos miembros de su gobierno comunitario han negado la existencia de pobres en sus calles acoja una muestra en la que la pobreza presenta los rasgos reconocibles y universales esculpidos por la cámara de Paolo Gasparini).

El artista nacido en Gorizia sitúa la mayor parte de sus fotografías en el continente latinoamericano, pero su discurso es más global que local, y su certera crítica contra la desigualdad en el reparto de la riqueza y la insolidaridad de la sociedad de consumo es susceptible de verse reflejada en el espejo pavimentado de las aparentemente impolutas arterias de Londres, Nueva York, Los Ángeles, Barcelona o Madrid.

Paolo Gasparini
Paolo Gasparini es autor de impactantes libros sobre la pobreza en el mundo

Las contradicciones en el mensaje visual alimentan el trasfondo de las secuencias que Gasparini presenta en la Villa y Corte, y que representan el impactante testimonio de su currículo profesional. Unas paradojas que reflejan realidades en las que se enfrentan mendigos callejeros, a los que la gente ignora sin apenas prestarles atención, con carteles publicitarios de marcas multimillonarias; o a revolucionarios míticos compartiendo espacio con refrescos azucarados provenientes de Estados Unidos.

Tales desórdenes ilógicos están captados en sitios tan diferentes como Bogotá, Caracas, La Habana, Brasilia o Sao Paulo: lugares que el creador escenifica a través de prolongados arcos temporales, como una dupla que ejemplifica el signo inmutable de la desesperanza y la pérdida de ilusión.

PAOLO GASPARINI ESCAPA DE LA INSENRIDAD O EL MAQUILLAJE POLÍTICAMENTE CORRECTO

La sociedad de consumo, con su afán por valorar al individuo en función de cuánto puede gastar a la hora de adquirir productos en las superficies comerciales, es el centro de la diana fotográfica de Paolo Gasparini.

Con ese leitmotiv, el creador transalpino ha forjado una hoja de ruta en la que se percibe la sana intención de promover documentos de autenticidad. Historias breves y concisas sobre vidas que se han malogrado por la desigualdad en el bienestar, la desigualdad en el trabajo, la desigualdad en la escala social, y la desigualdad en la pantomima conceptual que etiqueta la valía de las personas por lo abultada que tienen la cuenta corriente, o por las conexiones con las esferas del poder que pueden presentar.

Paolo Gasparini certifica con sus imágenes el derecho de los pobres a estar en primer plano, y reclamar desde el profundo blanco y negro de sus obras un poco de atención hacia ellos, para no quemar sus anhelos de mejora y empatía en el silencio y la ceguera habituales.

Paolo Gasparini
Paolo Gasparini alcanzó fama y prestigio con el libro “Para verte mejor, América Latina”

La publicidad, las campañas electorales, los escaparates de los centros comerciales, las avenidas seducidas por el poder, las portadas de revistas… Los escenarios de Campo de imágenes se convierten en los catalizadores de cientos de tragedias cotidianas, que desarrollan las figuras que se mueven en su interior; ya sea un faquir, un mendigo, un manifestante, o alguien con la sonrisa extraviada y sedienta de comprensión.

Una de las últimas piezas de Gasparini, titulada El ángel de la historia, incide precisamente en cómo la sociedad de consumo ha contribuido a invisibilizar a quienes viven en la calle; a los que el fotógrafo italiano intenta captar con toda su dignidad, sin elementos que perturben el mensaje que estos quieren transmitir.

Nota: Campo de imágenes estará en la capitalina Sala Recoletos, de la Fundación Mapfre, hasta el 28 de agosto.

Más información, entradas y horarios en

https://www.fundacionmapfre.org

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Néstor Sanmiguel Diest presenta su obra https://kevinjesus20.com/2022/06/nestor-sanmiguel-diest-presenta-su-obra/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=nestor-sanmiguel-diest-presenta-su-obra https://kevinjesus20.com/2022/06/nestor-sanmiguel-diest-presenta-su-obra/#respond Mon, 06 Jun 2022 17:36:43 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70213 El pintor zaragozano simultanea dos exposiciones sobre su amplia trayectoria artística: una ubicada en el madrileño Palacio de Velázquez, y la otra en el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, en Vitoria Gasteiz. Este recorrido dual responde al título de "La peripecia del autómata", y sirve para observar la riqueza de matices evolutivos que presentan las creaciones de este peculiar amante de las abstracciones ajenas al tiempo y al espacio.

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Néstor Sanmiguel Diest
Néstor Sanmiguel Diest afronta con “La peripecia del autómata” su más ambicioso circuito expositivo

Néstor Sanmiguel Diest es un artista con la identidad moldeada a base de aglutinantes y colores, sin intervenir en el proceso los academicismos dogmáticos y alienantes, ni la asimilación de posicionamientos plásticos ajenos a su ADN creativo.

Bajo esta fórmula del todo o nada, es posible hallar entre los recovecos de algunos de sus cuadros memorias subliminales en la línea de conceptualistas como Sol LeWitt, o añoranzas de los mecanismos impulsivos inspirados en Jackson Pollock y Robert Delaunay; sin por ello renunciar a los juegos laberínticos entre las palabras y las imágenes, que también obsesionaron a maestros del estilo de Antoni Tàpies y Robert Rauschenberg.

Las asociaciones al acercarse al trabajo de Néstor Sanmiguel Diest son múltiples y enriquecedoras, alimentadas con las ideas profundas de un hombre únicamente interesado en culminar el lienzo, con independencia de las abstracciones que hermanan sus pinceladas existencialistas, en las que no hay artificiosidad ni falta de compromiso; y en las que se percibe una intensa pasión por el puntillismo decimonónico.

Tales planteamientos quedan englobados de manera elocuente en la muestra que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica al creador aragonés, en el campestre Palacio de Velázquez, bajo el título de La peripecia del autómata. Un espacio abierto a la naturaleza ornamental del Parque del Retiro, en el que los cuadros de Sanmiguel Diest reproducen estructuras complejas y simples, con las que enfrentarse a la consternación ilusoria que proponen las realidades voluntariamente deformadas.

Néstor Sanmiguel Diest
Néstor Sanmiguel Diest posee un lenguaje propio

Desde sus obras de principios de los ochenta a la actualidad, en las diferentes piezas del recorrido propuesto por la experta Beatriz Herráez es posible descubrir los rastros de un lenguaje simbólico, completo y polisémico; en el que se cruzan los registros pictóricos, los sistemas de reglas mediados por geometrías inventadas y los signos gráficos. Todo ello desplegado, en la mayoría de las ocasiones, como si se tratara de un singular estudio de una prenda textil, o de un test psicotécnico de figuras cambiantes en cada cuadro y viñeta.

NÉSTOR SANMIGUEL DIEST SORPRENDE POR LA VARIEDAD DE SU OBRA

Los textos y las imágenes dialogan con esforzado interés en la superficie de los cuadros, mientras los espectadores entran con interés en el universo de ideas imaginado por Néstor Sanmiguel Diest. A través de esa fórmula, dominada por los colores sublimados y las líneas transformadas en píldoras de conocimiento preciso, el artista zaragozano desarrolla una deslumbrante aventura creativa, en la que existe el empeño de esquivar las modas y las corrientes, para conseguir una autenticidad exclusiva y verosímil.

Esa identidad necesaria y buscada desde la blancura de la tela o la cuartilla queda ampliamente representada con los cientos de pinturas y dibujos que nutren La peripecia del autómata. Y el resultado aportado por ese conjunto escenas es el de un sinuoso jardín de delicias y deseos, estimulado por signos aguerridos; y emulsionado por sueños auspiciados por una paleta de discurso vitalista, empeñada en distinguir un lenguaje propio y reconocible.

Néstor Sanmiguel Diest
Las series de Néstor Sanmiguel Diest exhiben su deslumbrante sentido de la abstracción

Los años que Sanmiguel Diest pasó como empleado en una empresa textil parecen verter su simiente experiencial, en muchas de las obras del creador aragonés. Un poso de actuación sujeto a las reglas precisas y clarificadoras de la tiza y el compás, que confluye en una gramática plástica contundente y subliminal.

Semejante individualismo, preocupado por distanciarse de las narrativas facilonas y las corrientes dominantes en su época, condenó a NSD al silencio mediático durante bastante tiempo. Un mal que el zaragozano tuvo que admitir como el precio a pagar por no rendirse a la popularidad de las escuelas y los grupos artísticos; y que al final dio sus frutos en forma de un estilo propio, y de un idioma pictórico capaz de metamorfosear convenientemente sus visiones plásticas.

Nota: La peripecia del autómata estará en el Palacio de Velázquez de Madrid hasta el 19 de septiembre de 2022. Por su lado, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco de Vitoria Gasteiz tiene programada la segunda parte de La peripecia del autómata del 24 de junio al 1 de noviembre de 2022.

Más información, entradas y horarios en

https://www.museoreinasofia.es

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Cecilia Vicuña alumbra NY https://kevinjesus20.com/2022/05/cecilia-vicuna-alumbra-ny/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=cecilia-vicuna-alumbra-ny https://kevinjesus20.com/2022/05/cecilia-vicuna-alumbra-ny/#respond Thu, 26 May 2022 17:53:28 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70173 La artista chilena ocupará desde el próximo 27 de mayo el interior del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, con una amplia muestra de sus trabajos desafiantes, cromáticos, revolucionarios, ecologistas y multidisciplinares. Un recorrido en el la creadora de Santiago de Chile exhibe su lenguaje particular y reivindicativo de las tradiciones indígenas.

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Cecilia Vicuña
Cecilia Vicuña, Autobiografía, 1971. Colección del museo de arte contemporáneo de San Diego, Elizabeth W. Russell Foundation Fund, 2019/ Foto: Matthew Herrmann, cortesía de la artista y de Lehmann Maupin, Nueva York, Hong Kong, Seúl, y Londres. © Cecilia Vicuña

Cecilia Vicuña reside en Nueva York desde principios de los ochenta, tras escapar de su Chile natal, nada más producirse el golpe de estado de los militares que propició la dictadura de Augusto Pinochet, en 1973. Sin embargo, el exilio voluntario de esta mujer de paleta elocuente y diferenciadora no pudo apagar la relación anímica que la creadora nacida en Santiago siempre mantuvo con las tradiciones de su tierra, y con la defensa del indigenismo ancestral que había atesorado desde su infancia. De esta manera, las obras de Vicuña -con independencia de las mixturas de formatos en que estas se presentan- han portado en todo momento una huella identificativa visible y determinante, desplegada en torno a un lenguaje plástico cercano a la descomposición eterna, y matizada con mensajes subliminales contrarios a la colonización de la cultura y a la lucha por escapar de las deformaciones globalizadoras.

El próximo 27 de mayo, el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York inaugurará la primera exposición en solitario en USA de esta inspirada artista, ganadora en 2019 del Premio Velázquez de Artes Plásticas: una de las que mejor ha sabido trasmitir el arraigo eco-feminista a nivel pictórico, con el que intenta denunciar la destrucción progresiva del planeta y de los espacios naturales.

La muestra, que lleva por título Cecilia Vicuña: Spin Spin Triangulene, exhibe un conjunto de obras que tienen como nexo temático y argumental el compromiso social e individual que mueve a su autora; un universo de riqueza sensitiva, mediado por el papel, la tela, los fotogramas o los óleos. En definitiva, un océano de experiencias significativas, que revelan el intenso arraigo de CV con la cultura inca, a través de elementos como el quipu/khipu (objetos a los que se añaden cuerdas con diversos motivos decorativos e hilos de colores).

Cecilia Vicuña
Cecilia Vicuña, Ángel de la menstruación, 1973.  Colección de Catherine Petitgas, Londres/ Foto: Cortesía de la artista y Lehmann Maupin, Nueva York, Hong Kong, Seúl, y Londres. © Cecilia Vicuña

Desde los años sesenta, época en que Vicuña estaba interesada en la pintura figurativa en defensa del indigenismo y contra el sustrato colonialista, la exhibición organizada por Pablo León de Barra (experto en arte latino del Solomon R. Guggenheim Museum and Foundation) permite a los visitantes adentrarse en el volcánico ideario visual de la creadora de Santiago de Chile. Un espacio de pigmentos cegadores procedentes de la tradición popular, e imantados con la atmósfera de las naturalezas amenazadas por la acción del ser humano.

CECILIA VICUÑA DESPLIEGA EN NY SU UNIVERSO DE COLORES AGUERRIDOS

El juego de formas y de palabras con que Cecilia Vicuña ha diseñado esta importante cita neoyorquina empieza a ejercer su influencia entre los visitantes desde el título de la exposición, cuyos vocablos de Spin Spin hacen una traviesa referencia a la estructura en espiral del interior del Solomon R. Guggenheim Museum. Licencia lúdica que se extiende a gran parte de las piezas que esperan en el laberinto de óleos, acuarelas, papeles, telas, esculturas y películas con que la pinacoteca de la urbe del Empire State pretende ilustrar la amplia trayectoria de esta mujer de primitivismo consecuente y voluntario, hermanado con la tecnología propia del siglo XXI y con las preocupaciones revolucionarias en defensa a ultranza de la libertad y la justicia social.

Precisamente, esas asociaciones de imágenes y letras dan significancia a muchas de las obras de CV, con rastros tan singulares como los destinados a la serie denominada palabrarmas, en la que la artista denuncia la constante amenaza a la seguridad y el bienestar general y planetario que supone el uso indiscriminado de las armas y el comercio de las mismas, auspiciado por discursos políticos interesados y profundamente dominados por el beneficio de la cultura de la violencia (usada tanto contra los seres humanos, como contra el medioambiente).

Cecilia Vicuña
Cecilia Vicuña, La mulata costeña de Colombia, ca. 1977. Cortesía de la artista y Lehmann Maupin, Nueva York, Hong Kong, Seúl, y Londres/ Foto: Matthew Herrmann, cortesía de la artista y Lehmann Maupin, Nueva York, Hong Kong, Seúl y Londres. © Cecilia Vicuña

Cecilia Vicuña acompaña tales sensaciones cargadas de simbolismo con una potente atmósfera de notable inspiración en la cultura inca y en los pueblos andinos. Un viaje emocional centrado en la identificación con un arte casi ritual, en el que existen lazos comunicantes con la tecnología digital y el cosmos cibernético.

La unión entre ciencia e indigenismo que propone la creadora nacida en Santiago resume a la perfección el currículo de esta mujer comprometida con la narrativa compleja de los saltos en el tiempo. Una representación de la vida que invitará a los visitantes de la muestra a participar puntualmente en su desarrollo, mediante una interesante performance; en la que los espectadores podrán aportar su punto de vista sobre algunos de los asuntos sociales y ancestrales que CV plantea con su virtuosismo multidisciplinar.

Nota: Cecilia Vicuña: Spin Spin Triangulene abrirá sus puertas al público el próximo 27 de mayo, en el interior del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York.

Más información, horarios y entradas en

https://www.guggenheim.org  

 

 

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Carlos Bunga dialoga con el Retiro https://kevinjesus20.com/2022/04/carlos-bunga-dialoga-con-el-retiro/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=carlos-bunga-dialoga-con-el-retiro https://kevinjesus20.com/2022/04/carlos-bunga-dialoga-con-el-retiro/#respond Thu, 28 Apr 2022 17:45:46 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=70059 El artista portugués se adueña del interior del Palacio de Cristal de Madrid, para montar una estructura espacial integradora y deconstructiva. Una maqueta surgida de materiales degradados y voluntariamente precarios, que lleva por título "Contra la extravagancia del deseo".

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Carlos Bunga
Carlos Bunga ha modificado el esqueleto ornamental del Palacio de Cristal/ Foto: Museo Reina Sofía

Carlos Bunga ha desarrollado, a lo largo de su carrera creativa, una concepción de la arquitectura que nada tiene que ver con las tesis de permanencia granítica, que se suelen enseñar en las facultades universitarias de semejante materia.

El artista nacido en Oporto es más bien un amante de los espacios efímeros, los cuales se diluyen con el tiempo expositivo, como si la constancia de su existencia estuviera destinada a la autodestrucción programada e imparable (algo parecido a lo que sucedía con los mensajes que aparecían en la serie y las películas de Misión imposible).

Esa sensación de consumación apremiante dota de gran fuerza escénica a cada una de las instalaciones ideadas por Bunga, percibidas -desde la génesis de las mismas- para interferir brevemente en la fisonomía de los edificios que acogen sus vaporosas actuaciones, sostenidas a base de muros desgastados; yesos deformados por paletas empobrecidas; y columnas agujereadas por la acción corrosiva de ingredientes demasiado volátiles.

Tales tesis sitúan el arte de este inventor de formas y atmósferas en un estilo semejante al que practicaron Christo y Jeanne-Claude; aunque Carlos Bunga se siente más motivado por las estructuras que juegan irónicamente con las sensaciones de tridimensionalidad que evoca la arquitectura, más que con las transformaciones exteriores de Ch&JC. De esas travesuras conceptuales, surgen sus mensajes relacionados con el cuestionamiento del poder desafiante, el orden inmanente, la solidez aparente o la ilusoria eternidad que preconizan los inmuebles y sus determinantes fachadas.

Carlos Bunga
Carlos Bunga ha integrado sus estructuras sin modificar la idiosincrasia del Palacio de Cristal/ Foto: Museo Reina Sofía

Con esas armas escenográficas, el madrileño Palacio de Cristal transforma su superficie de viento y sol, para hospedar en sus entrañas las paredes a medio terminar ejecutadas por el creador portugués. Un conglomerado de planchas de cartón pintadas con desgana y arregladas con cinta adhesiva, que dialogan sin eufemismos con la naturaleza del parque del Retiro, desde la perspectiva de la caducidad cercana.

CARLOS BUNGA SACA PARTIDO A LA PRECARIEDAD DE SUS ESTRUCTURAS

Cuando el visitante se introduce en el interior de Contra la extravagancia del deseo se encuentra enfrentado a un mecano voluntariamente impreciso e imperfecto, destinado a interrelacionar los cuerpos y los espacios. Un recorrido que se percibe motivado por la necesidad de Carlos Bunga de poner en tela de juicio el significado de la arquitectura, como lenguaje del poder.

El artista de Oporto se empeña en desbaratar, a través de sus instalaciones rotas y deprimidas, las tesis de trascendencia humana que han presidido el sentido arquitectónico desde hace milenios (por no mencionar el aparatoso divismo que propagan algunos de los arquitectos más famosos en la actualidad). Así lo ha llevado a cabo el creador luso con sus maquetas a tamaño real, desplegadas para conversar en animado discurso con las célebres construcciones que se han prestado a albergar sus trabajos fuera de escala. Una labor de simetría confiada, que Bunga ha paseado por el Palacio de Congresos del Kursaal de San Sebastián y La Capella del Museu d’Art Contemporani de Barcelona, entre algunas de las exposiciones más valoradas del portugués.

Carlos Bunga
El Palacio de Cristal parece distinto, con la intervención de Carlos Bunga/ Foto: Museo Reina Sofía

Las tonalidades ocres y los blancos estucados plantan de manera subliminal el cartel de “edificio en obras”, dentro del Palacio de Cristal: una reforma fantasiosa, que el inmueble capitalino acepta sin perder su identidad de metal, luz y cristal. De esta manera, la instalación se funde con el esqueleto arquitectónico asentado en el corazón de la Villa y Corte; y ambos elaboran un conjunto compacto, que dialoga en sintonía con la naturaleza que circunda el ajardinado escenario.

Sin estridencias ni revoluciones explosivas, Carlos Bunga sitúa en medio del Retiro el mensaje de la temporalidad asumida por la obra de arte, como si el desmontaje de sus muros de cartón estuviera implícito en el figurado manual de instrucciones.

Nota: Contra la extravagancia del deseo estará en el Palacio de Cristal de Madrid hasta el próximo 4 de septiembre de 2022.

Más información, entradas y horarios en

https://www.museoreinasofia.es

 

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Annibale Carracci, inédito https://kevinjesus20.com/2022/03/annibale-carracci-inedito/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=annibale-carracci-inedito https://kevinjesus20.com/2022/03/annibale-carracci-inedito/#respond Thu, 31 Mar 2022 17:13:58 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69981 El Museo Nacional del Prado inaugura en Madrid "Los frescos de la capilla Herrera": una exposición sensitiva e inmersiva, donde la pinacoteca recrea el interior de la Iglesia Santiago de los Españoles, en Roma (el lugar que albergó originalmente las pinturas del boloñés Annibale Carracci).

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Annibale Carracci
El Museo Nacional del Prado expone por primera vez y de forma conjunta las pinturas murales de Annibale Carracci/ Foto: Museo Nacional del Prado

Annibale Carracci fue uno de los maestros transalpinos más solicitados en tareas decorativas de templos y palacios, en la desmembrada Italia de finales del siglo XVI y principios del XVII.

Con una perspectiva de la plástica inspirada en los genios florentinos y en la captación mistérica de los venecianos, Carracci lideró la escuela boloñesa, e impuso al Barroco estremecedor e impactante de Caravaggio una visión más luminosa, teñida de una pacífica prestancia, y con imágenes atemperadas por gestualidades menos espectrales que las imantadas por el artista milanés.

Las obras de Annibale Carracci conforman un imaginativo curso de asunciones técnicas y anatómicas variadas y sensitivas, que le acercan a las soluciones planteadas por Michelangelo Buonarroti y Raffaello Sanzio. Un torbellino de pinceladas atmosféricas, en el que igualmente se puede percibir la presencia subliminal y humana de Andrea del Sarto, con sus figuras de rasgos simétricos y dramatizaciones orquestadas por la armonía expositiva.

Tales elementos, esbozados por la paleta atrevida y versada del que fuera decorador exitoso de la galería del Palacio Farnese, quedan reflejados en los fragmentos y los dibujos que nutren la exposición Los frescos de la capilla Herrera, la cual se puede visitar en el madrileño Museo Nacional del Prado, hasta el próximo 12 de junio de 2022.

Annibale Carracci
Annibale Carracci dedicó sus pinturas murales a la vida del monje franciscano san Diego de Alcalá/ Foto: Museo Nacional del Prado

La idea central de la muestra estriba en reunir los siete frescos que se conservan en el museo capitalino, y que fueron sometidos a un reciente proceso de restauración. A ellos se suman las nueve pinturas murales que se encuentran en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) y el óleo sobre tabla que viaja procedente de la iglesia Santa María de Montserrat, en Roma. Una intensa labor de reagrupación, que supone una oportunidad excepcional para levantar un marco virtual de singular efecto, y en el que pervive el historiado interior de la capilla Herrera, perteneciente a la prestigiosa iglesia Santiago de los Españoles de Roma: edificio que cayó en decadencia en el siglo XVIII, con la consiguiente fragmentación de los murales de Carracci.

ANNIBALE CARRACCI Y SU SINGULAR ESTILO

La historia de los frescos de la capilla de la familia del banquero palentino Juan Enríquez de Herrera comenzó con un ofrecimiento: el del prestigioso hombre de negocios al santo Diego de Alcalá, para solicitar la curación de su hijo enfermo. Por aquel entonces, entre 1539 y 1610, la iglesia romana de Santiago de los Españoles era uno de los templos con mayor predicamento entre las autoridades del país con forma de piel de toro. Dato imprescindible, para comprender el interés de Herrera por aportar un grano de eternidad a su inmenso patrimonio crematístico.

A tal efecto, el banquero palentino contrató los servicios del boloñés Annibale Carracci, quien acudió acompañado de su ayudante Francesco Albani, el cual fue el autor de muchos de los fragmentos y obras que se pueden contemplar estos meses en el Museo Nacional del Prado, y que se hizo cargo del proyecto a la muerte de AC, en 1609.

Con la vida y milagros de San Diego de Alcalá como argumento narrativo, el artista norteño desplegó un espectacular escenario de azules dialogantes, y coreografías tocadas por la dignidad sacra de los personajes que las protagonizan. Secuencias que ilustran al santo franciscano recibiendo limosna, salvando a un joven de morir abrasado en un horno de leña, o recibiendo el hábito de la orden en la que profesó sus actos de fe.

Annibale Carracci
El Museo Nacional del Prado ha dispuesto los murales y las obras según se encontraban en su emplazamiento original/ Foto: Museo Nacional del Prado

El Museo Nacional del Prado y el comisario de la muestra, Andrés Úbeda (Director adjunto de conservación del Museo Nacional del Prado), han procurado desplegar las diferentes piezas y objetos de la manera en que estos debieron estar ubicados en la iglesia romana de Santiago de los Españoles. Semejante fórmula escénica favorece a que los espectadores experimenten una sensación de viaje emocional a través del tiempo, hacia el lejano crespúsculo del siglo XVI y el albor esperanzador y desconcertante del XVII. Unos años en los que el boloñés Annibale Carracci aplicó su destreza con el dibujo y el paisajismo, para lustrar una capilla dotada de diferentes alturas, y ansiosa por ser vestida con la paleta cromática de este hacedor de universos pigmentados e hipnóticos.

Nota: Junto a los fragmentos del mural de la capilla Herrera, también están expuestos dibujos relacionados con los frescos; estampas que reproducen partes perdidas de la decoración realizada por Carracci y Albani; y libros de exequias de los reyes de España.

Más información, entradas y horarios en

https://www.museodelprado.es

 

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Maria Prymachenko, contra la guerra https://kevinjesus20.com/2022/03/maria-prymachenko-contra-la-guerra/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=maria-prymachenko-contra-la-guerra https://kevinjesus20.com/2022/03/maria-prymachenko-contra-la-guerra/#respond Mon, 21 Mar 2022 18:23:37 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69942 La pintora, nacida en el pueblo de Bolotnya, se ha convertido en uno de los símbolos de la destrucción que las fuerzas rusas están llevando a cabo en Ucrania. La irreparable pérdida de 25 pinturas de la artista naif, tras el bombardeo del Museo de Historia Local de la ciudad de Ivankiv, muestran el peligro de desaparición que sufre el patrimonio cultural del país con capital en Kiev, por culpa de la invasión orquestada por Vladimir Putin.

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Maria Prymachenko
Maria Prymachenko fue una de las artistas ucranianas más relevantes en el pasado siglo XX

Maria Prymachenko hizo de Ucrania -con sus tradiciones y costumbres- el motor principal de su estilo colorista y marcadamente naif. Una manera de enfrentarse a la lámina en blanco con una actitud divertida, y de mágicos influjos fabuladores.

Esta pintora autodidacta, nacida en un pueblo campesino a treinta kilómetros de Chernobyl y fallecida en 1997, se ha convertido desde hace unas semanas en uno de los máximos referentes para mostrar el salvajismo y la bestialidad de la invasión de Ucrania promovida por Rusia, y que está provocando un auténtico genocidio entre la población autóctona; con escenas dantescas de ataques mortíferos sobre edificios de viviendas, barrios residenciales, teatros, escuelas, hospitales y lugares en los que la cotidianeidad de antaño ha dado paso a pesadillas infernales y devastadoras.

Ni las tramas futuristas del novelista Stanislaw Lem (nacido en la cosmopolita ciudad de Leópolis) podrían haber atisbado una realidad semejante, sobre todo en un siglo -como el XXI– en el que se suponía que la tecnología y las soluciones dialogadas estaban más al alcance de la mano de los gobernantes, que las agresiones bélicas de índole aniquilador.

En medio de este escenario apocalíptico, la destrucción del Museo de Historia Local de la ciudad de Ivankiv se enmarca en un panorama en que la cultura es incapaz de parar la marcha de la dama de la guadaña, subida a los lomos metálicos de los tanques, y acomodada sobre las cargas inmisericordes de los misiles y las bombas.

Dentro del citado centro expositivo, las obras de Maria Prymachenko colgaban pacíficamente de las paredes, en eterna conversación con las naturalezas teñidas de rojos retadores y azules subliminales. Unas piezas que asistieron al voraz incendio provocado por los ataques de las fuerzas rusas, y que apenas pudieron ser rescatadas de las llamas por los vecinos de la zona.

Maria Prymachenko
La UNESCO declaró 2009 como el año de Maria Prymachenko

Veinticinco escenas ideadas por Prymachenko, diseñadas con el sentido popular y calórico propio de la creadora, no fueron capaces de escapar de la tragedia. Un número de imágenes que se perdieron para siempre, y que merman el interesante y elocuente legado de esta mujer que aprendió a pintar ella misma, sin academicismos colindantes, y con el primitivismo de la autenticidad como única paleta válida.

MARIA PRYMACHENKO NO ES EL ÚNICO REFERENTE CULTURAL AMENAZADO

Ucrania acredita siete sitios patrimonio de la Humanidad, según la clasificación de la UNESCO. Unos monumentos y emplazamientos de excepcional valor artístico, entre los que se encuentra la impactante catedral de Santa Sofía de Kiev o el conjunto del centro histórico de Leópolis; y cuya destrucción o daño serían irreparables en todos los sentidos.

Las cerámicas hogareñas, los gouaches oníricos y las acuarelas paisajísticas de Maria Prymachenko son partes esenciales para mantener viva la plástica de un país que ha alumbrado genios tan determinantes en el arte como Kazimir Malévich y Alexis Gritchenko. Unos trabajos emulsionados por la actividad impulsiva de una mujer ante la que Picasso confesó sentirse admirado, debido a la facilidad con que la creadora ucraniana accedía al esqueleto expresivo de los pigmentos que componían sus cuadros.

Maria Prymachenko
Maria Prymachenko evolucionó en sus últimos años de vida hacia un concepto vibrante de la pintura

De los seres de cuentos a la desbordante belleza de los campos sublimados con flores de distintos tamaños y familias, las imágenes firmadas por MP poseen el poder de perforar la indiferencia de los espíritus poco curiosos, mediante un lenguaje universal y de trazos hipnóticos. Monólogos que implican a los espectadores a través de pequeñas sentencias y proverbios, que clarifican el significado de sus metáforas visuales y sensitivas.

La invasión rusa ha mermado el número de obras de Prymachenko, con la sinrazón de los infiernos desatados por el ansia de exterminio imperialista, manifestado por un gobernante que parece no admitir disensiones; y el cual no da marcha atrás en sus ansias delirantes de recuperar el pulso de la guerra fría y de la política de bloques. Empeño que causa cada día miles de muertos y desplazados.

 

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Wynnie Mynerva debate en ARCO https://kevinjesus20.com/2022/02/wynnie-mynerva-debate-en-arco/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=wynnie-mynerva-debate-en-arco https://kevinjesus20.com/2022/02/wynnie-mynerva-debate-en-arco/#respond Fri, 25 Feb 2022 18:26:25 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69856 La artista peruana reivindica su libertad como persona binaria, en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid (ARCO). "Cerrar para abrir" es el título del vídeo ideado por Mynerva, en el que muestra el momento en que un cirujano le cose la vagina, como producto de una operación de reasignación de sexo.

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Wynnie Mynerva
Wynnie Mynerva intenta concienciar al público sobre la libertad de las personas para escoger su opción sexual

Wynnie Mynerva no desea marginar su existencia a una simple elección entre poseer pene o vagina. La artista limeña está decidida a ir más allá de las imposiciones de género otorgadas por el dualismo social, y por ello resta importancia a esclavizar la sexualidad a una actividad provocada por los órganos específicos del cuerpo humano. Semejante idea planea con rotundidad en cada uno de los trabajos de esta creadora con aspiraciones de concienciación reflexiva, en un universo en el que es necesario despertar una atmósfera de polémica o incomodidad, para obtener las reacciones adecuadas.

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid (ARCO) ha invitado a la galería limeña Ginsberg, para incorporarse a su batería de expositores ansiosos por atraer a los coleccionistas y tratantes. Y este centro peruano ha optado por colgar en su espacio las obras de la normalmente impactante de Wynnie Mynerva: la joven autora, cuyo trabajo ha chocado frontalmente con el comportamiento dogmático y misógino de parte de la intelectualidad su país natal, y que ha logrado expandir fuera de su tierra el sentido poliédrico de sus imágenes cargadas de intensidad dramática.

Dentro de su propuesta para unirse a la celebración de los cuarenta años de ARCO, WM ha grabado un vídeo en el que aparece tumbada en una camilla, mientras un cirujano le cose parte de la vagina. Una pieza breve pero de gran impacto visual, que lleva por título Cerrar para abrir. Un emblema que marca la trayectoria de esta artista multimedia, atraída por las instalaciones, la pintura, las técnicas de happening, la escultura y el videoarte.

Wynnie Mynerva
Wynnie Mynerva es conocida por sus obras de gran significación sexual

Inmersa en una cruzada por airear las tesis libertarias de alguien que se ha sentido perseguida en muchas ocasiones por el engranaje institucional de Perú, Wynnie Mynerva despliega, a partir de Cerrar para abrir, un escenario de colores llamativos y actitudes de placer ajenas a normas autoimpuestas y marginadoras. Un lugar donde no existe el sentido de las prohibiciones políticamente correctas, y en el que carecen de importancia los conceptos de masculinidad y femineidad.

WYNNIE MYNERVA SE APOYA EN LA CAPACIDAD DEL ARTE PARA ELIMINAR EL DOGMATISMO

Al contemplar las imágenes de Cerrar para abrir, la memoria de los aficionados al arte se retrotrae al momento en que el pintor Gustave Courbet presentó su polémico lienzo El origen del mundo, en 1866. En esa época, el simple hecho de mostrar el sexo femenino en primer plano, sin difuminaciones ni puntos de fuga de por medio, marcó la leyenda de este cuadro de belleza perturbadora y mensaje inequívoco.

Wynnie Mynerva apuesta por redoblar el riesgo afrontado por Courbet, y concita su talento plástico para generar un paraíso de elecciones consecuentes; en el que no existen juicios de moral, ni cotos donde se silencian los pensamientos de los que se definen como diferentes, y no aceptan las dicotomías de tipo sexual.

Wynnie Mynerva
Wynnie Mynerva protagoniza numerosos programas en redes sociales y plataformas

Wynnie Mynerva no se siente ni mujer ni hombre, aunque haya manifestado su necesidad de desprenderse de su femineidad mediante distintos formatos de expresión artística. A través de sus obras, la creadora limeña intenta encontrar su propia identidad personal, y embarcar su visión plástica en una batalla sin cuartel por ver reconocidos sus derechos como ser humano.

Dentro de su arco temático es posible encontrar tesis elocuentes y aguerridas sobre el aborto, la prostitución, el placer, o la práctica del sexo liberada de condicionantes subliminales. Un escaparate de singular apreciación ajena a prejuicios, con el que se ha convertido en una de las sensaciones en esta esperada edición de ARCO.

Más información, entradas y horarios en

https://www.ifema.es

 

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Mata Mua, la imagen de un sueño https://kevinjesus20.com/2022/02/mata-mua-la-imagen-de-un-sueno/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=mata-mua-la-imagen-de-un-sueno https://kevinjesus20.com/2022/02/mata-mua-la-imagen-de-un-sueno/#respond Tue, 15 Feb 2022 18:13:47 +0000 https://kevinjesus20.com/?p=69816 Esta pintura de Paul Gauguin se ha convertido en el lienzo más mediático de la colección de Carmen Cervera, y del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Trasladada hace poco a la Villa y Corte por motivos expositivos y con un nuevo acuerdo con el Estado español y Patrimonio Nacional, la obra postimpresionista desvela su ruta secreta en el sitio habitual que ocupaba hasta 2020. Un viaje figurado que, dentro del cuadro, acaba en el interior de la mente de su genial creador.

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Mata Mua
Mata Mua ha estado en el escaparate artístico de la actualidad de manera periódica

Mata Mua seduce desde sus imaginativos trazos de pigmentos imantados. Una virtud sensitiva que va más allá de las pinceladas, para situar el diálogo en los contextos profundos de la conexión humana.

Paul Gauguin compuso la tela en 1892, y en ella desplegó sus ansias de eternidad, de pacíficos ensueños, de primitivismo ajeno a las deformaciones colonialistas, y de naturalezas sujetas a las sorprendentes metamorfosis de aglutinaciones oleosas. Todo un paraíso extendido por una tierra inexistente embutida en las dimensiones finitas de un lienzo, que sirvió al maestro postimpresionista para liberar su arte de las cadenas de lo verosímil, y de los realismos de grillete y argolla.

Mata Mua conversa con los espectadores a través de lenguajes universales y figurados; expresiones compartidas mediante fantasías sensibles y paisajísticas, donde los colores se sitúan en un plano de ficciones hipnóticas, y donde las modelos se comportan como personajes mitológicos pertenecientes a heráldicas milenarias y huidizas.

Desde su atalaya de azules cotidianos, rojos sanguinolentos, blancos puros e inmaculados y naranjas retadores, la pintura contempla sin perturbarse la fascinación que ejerce en propios y extraños; los cuales no pueden evitar rendir tributo a sus líneas idealizadas, y a su misteriosa belleza conceptual. Unas características que cautivaron a Hans Heinrich von Thyssen-Bornemisza, quien adquirió el cuadro en 1984, junto a Jaime Ortiz-Patiño, para comprarlo en su totalidad en 1989.

Mata Mua
Paul Gauguin consideraba “Mata Mua” como una de sus creaciones favoritas

Paul Gauguin ideó Mata Mua como una pintura destinada a ser disfrutada por multitud de personas, con las que compartir los mensajes que emiten las acciones de todos los elementos humanos y vegetales que aparecen en el lienzo. Algo que incide en la necesidad de que el Museo Thyssen exhiba uno de sus tesoros plásticos más reconocidos y demandados, después del exilio al que se sometió a la obra durante más de dos años (el acuerdo de préstamo/alquiler con el Estado español y Patrimonio Nacional se prolongará 15 años más, por una cantidad aproximada de seis millones y medio de euros. Una operación que incluye a Mata Mua y a 328 obras más de la colección privada de Carmen Cervera).

MATA MUA Y LA HISTORIA DE UN VIAJE A LO DESCONOCIDO

Parte de la magia de Mata Mua estriba en la intención de descubrimiento que humedece su cromatismo deslumbrante. Titulada por error idiomático como Principio (Gauguin tenía el propósito de nominarla Érase una vez), la pintura surgió de la frustración de Paul Gauguin, cuando este descubrió que Tahití no era el vergel de indigenismo puro que había anhelado plasmar, y que buscó denodadamente con su peregrinación desde la Francia del Impresionismo y la modernidad vanguardista de finales del siglo XIX.

Entre los deseos de los postimpresionistas estaba alcanzar la esencia pictórica, más allá de las contaminaciones posibles que ocasionaban las técnicas subliminales y dogmáticas. Una obsesión que les llevó a admirar el arte procedente de los pueblos de África, y de lugares tan lejanos como la Polinesia francesa. Este fue uno de los motivos por el que Paul Gauguin abandonó su país natal de siegas épicas y acuosos atardeceres, como un peregrino en busca de una musa embrionaria y grupal; capaz de insuflar pasión creadora a su paleta supuestamente adocenada, sin caer en los trucos de las civilizaciones dominadoras del pensamiento y del gusto aburguesado de la época.

Mata Mua
Mata Mua materializa parte de las obsesiones de pureza plástica que demandó Paul Gauguin

La realidad no fue el espejo en el que se refugió el polémico amigo de Vincent van Gogh cuando alcanzó su inspiración en Tahití, sino que necesitó viajar a lugares más internos de su propia psique, para materializar la serena secuencia campestre que retrata el cuadro que ahora se aloja en el interior del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Como si de un aquelarre cotidiano se tratara, Mata Mua muestra la completa armonía existente entre las plantas y las mujeres que las rodean. Una escena de juego amenizado con una música silente, mientras se alimenta el exotismo de cultos tribales y desconocidos, como el dedicado a Hina (la diosa de la Luna). Tal composición se encuadra a la perfección en el conjunto pictórico de las obras tahitianas del creador decimonónico, pese a no incorporar el ingrediente espectral que sí está presente en otras de las piezas gauguianas.

El resultado de semejantes pesquisas confluye en programar un sutil viaje al fondo de la mente del pintor decimonónico, y al baúl de las emociones idealizadas por el caballete del magistral vanguardista. Un traslado que todavía conserva la cautivadora fuerza de los paraísos inexistentes, localizados en un mundo donde aún era posible hallar islas en las que naufragar.

Nota: Mata Mua puede contemplarse en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Más información, entradas y horarios en

https://www.museothyssen.org/en

 

 

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