“Da Vinci’s Demons”, Leonardo contra el ejército de las tinieblas


BBC Worldwide y Starz producen una serie sobre el genio del Renacimiento

BBC Worldwide y Starz producen una serie sobre el genio a caballo entre los siglos XV y XVI

Pintor, arquitecto, inventor, cocinero, soñador, poeta, dibujante, ingeniero… y ahora también héroe de acción. Uno de los líderes del Renacimiento por excelencia, el gran maestro de la Gioconda y el padre de El Hombre de Vitrubio, se calza la capa de superman en el tercer milenio para convertirse en una especie de guerrero, en perpetua lucha contra los diablos de la fe. David S. Goyer (el guionista de El caballero oscuro) es el responsable de esta nueva identidad en el currículo del legendario artista italiano, cuya faz la compone un puzle de ocho capítulos titulado Da Vinci’s Demons.

El inglés Tom Riley es quien interpreta a Leonardo/ Photo Credits: Starz

El inglés Tom Riley es quien interpreta a Leonardo/ Photo Credits: Starz

Producido a medias entre Starz y BBC Worldwide (que vuelven a juntarse después de su triunfal colaboración en Torchwood: Miracle Day), el serial se sitúa en la cuna transalpina de Miguel Ángel y Rafael, justo en el momento en que el genio de La última cena cuenta veinticinco años. En ese lapso vivencial, Leo es un joven extraño y alejado de las preocupaciones que atenazan a la mayoría de los muchachos de su edad y fuste: peregrinos humanos que poblaron esa centuria (la del siglo XV) de luces y sombras. Para empezar, el chico es retratado como un hijo bastardo que nunca conoció a su progenitor; y que ha pasado su aún breve existencia demandado la figura paterna en señores de la raigambre del noble Verrochio y el culto Al-Rahim (conocido como El Turco).

Laura Haddock hace en el serial de la bella Lucrezia Donati/ Photo Credits: Starz

Laura Haddock hace en el serial de la bella Lucrezia Donati/ Photo Credits: Starz

Esta ausencia de figuras tutoriales (el narrador del libreto prescinde de CaterinaPiero, en la categoría de arquitectos de la cadena genética del visionario nacido en 1452) a la que acogerse habían hecho del aparentemente campesino un ser aquejado de una fantasía sin límites, virtud en ascuas que el veinteañero puso en práctica en cuanto tuvo los ensamblajes necesarios con los que apoyar sus tesis futuristas, muchas veces avaladas por la extravagancia de las más enloquecidas propuestas.

El rodaje se está llevando a cabo en el País de Gales/ Photo Credits: Starz

El rodaje se está llevando a cabo en el País de Gales/ Photo Credits: Starz

Un reparto poco conocido -salvo por algunos nombres del tipo de Hugh Bonneville- dotan de cuerpo escénico a una empresa en la que el actor inglés Tom Riley (Algunos días de septiembre) luce la psique del poliédrico Leonardo; interpretación tocada por un deje truhanesco a lo Caravaggio, que le otorga la convicción de los espíritus fronterizos. Ubicado en los callejones oscuros de la potente Florencia de los Medici y del Papa Sixto IV (James Faulkner), el experto en líneas y contornos se empeña en denunciar las falsedades de la curia eclesiástica de palio y pocas donaciones a los pobres, mientras introduce en sus obras una simbología que (a posteriori) sirvió –por ejemplo-para engrosar las arcas de escritores tan avispados como Dan Brown.

El guion mezcla con eficacia aventuras y romanticismo/ Photo Credits: Starz

El guion mezcla con eficacia aventuras y romanticismo/ Photo Credits: Starz

The Hanged Man (El hombre ahorcado) es como se ha nominado al capítulo inicial de la serie (que comenzará a emitirse el próximo 12 de abril, en la televisión por cable de Gran Bretaña), con el que se dará el pistoletazo de salida a una trama donde el protagonista se muestra como un vividor sin medida, acostumbrado a visitar los lupanares y los sitios de mala fama al lado de su amigo Zoroastro (Gregg Chillin), y que se halla sumido en luchas intestinas por hacer realidad sus ensoñaciones más peculiares.

La trama centra su curso en el momento en que Da Vinci cuenta 25 años/ Photo Credits: Starz

La trama centra su curso en el momento en que Da Vinci cuenta 25 años/ Photo Credits: Starz

Pero no sólo de aventuras y acción se nutre este intenso papel ideado por David S. Goyer, ya que el amor también es una de las facetas superlativas en su carne de pequeña pantalla y ánima digitalizada. Pasiones de alcoba y galanteo que tienen en la bella y misteriosa  Lucrezia Donati (Laura Haddock) una inspiradora piedra de toque y musa.

El creador, David S. Goyer, es el autor del guion de "El caballero oscuro"

El creador, David S. Goyer, es el autor del guion de “El caballero oscuro”

Junto a los nudos argumentales, un cuantioso presupuesto en euros e incontables esfuerzos técnicos y humanos han hecho posible la grabación de un proyecto tan titánico como Da Vinci’s Demons: sufrimientos traducidos en una puesta en marcha que ha necesitado -entre otras gestas- la construcción de un plató entero y monumental (levantado en los estudios de la BBC en Gales). A través del competente trabajo realizado por el ejército de carpinteros y encargados de la escenografía, los directores de los episodios (Michael J. Bassett, David S. Goyer, Paul Wilmshurst y Jamie Payne) han podido dar aliento a la Italia de finales del 1400, pese a moverse únicamente sobre el cartón piedra de interiores artificiales.

El protagonista, Tom Riley, alcanzó una cierta notoriedad en el género de la comedia

El protagonista, Tom Riley, alcanzó una cierta notoriedad en el género de la comedia

No obstante, la magia de la industria audiovisual reside en hacer creer a los espectadores que todo lo narrado tiene trazas de veracidad. Si el truco se nota, no vale. Sólo bajo estas premisas se podrá ver a Leonardo da Vinci, el inmortal hipnotizador de la sonrisa de La Gioconda, como a un tipo elocuente y tarambana, un eléctrico cruce entre Indiana Jones y Nostradamus (todo en uno). No en vano, la producción goza de la factura y de la inventiva de muchos de los causantes de éxitos en la programación isleña, como El doctor Who e Invasión jurásica. Seguro que, una vez visionado el serial, la sala de pintura italiana del Louvre adquirirá dimensiones de misterios ancestrales (más que nada para los que hayan olvidado ya los acertijos criminales de El código da Vinci).

Da Vinci sigue dando para muchos argumentos fantásticos sobre su vida

Da Vinci sigue dando para muchos argumentos fantásticos sobre su vida

Más información en http://www.starz.com/originals/davincisdemons/

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El Museo Picasso de Málaga aloja en sus salas a los grotescos más geniales


La institución andaluza reúne cerca de trescientos trabajos firmados por grandes maestros

La institución andaluza reúne cerca de trescientos trabajos firmados por grandes maestros

¿Existen reglas inmutables respecto al gusto? ¿Quién decide lo que es ridículo y extravagante o simplemente grosero? Con suma normalidad, estos conceptos suelen asociarse con una idea relativa al exceso. Pero, ¿es posible generar una obra medianamente maestra emparentada con tales amigos de fatigas; emborrachando la paleta, la pluma, el plinto y los pilares constructivos con juergas del despilfarro? Probablemente, en la vida diaria y en terrenos más populares, la respuesta se antoje relativamente diáfana en su negatividad (sólo hay que echar un vistazo a los programas de las televisiones generalistas en la llamada Piel de Toro, para darse cuenta de ello). Sin embargo, en el Arte la cosa no está tan clara.

En lo calificado como "grotesco" es fácil encontrar la humanidad

En lo calificado como “grotesco” es fácil encontrar la humanidad

Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua, grotesco -desde una perspectiva plástica- viene de gruttesco (adorno). Y la etimología está determinada por el descubrimiento de unas grutas artificiales bautizadas por Nerón (ese poeta aficionado a las sangrías al que el propio Petronio calificó de insoportable rapsoda) como Domus Áurea; en cuyos salientes y cráteres pétreos, el polémico emperador romano hizo de las suyas a base de tinturas divorciadas de la sencillez, del mínimo decoro, de la justa coherencia abastecida por los cánones de los genios. Así nació un adjetivo al que el Museo Picasso de Málaga dedica una amplia exposición desde el pasado 22 de octubre, baile de polichinelas pigmentados que estará abierto al público hasta el próximo 10 de febrero de 2013.

La muestra comienza con las pinturas del Domus Áurea

La muestra comienza con las pinturas del Domus Áurea

Inspirada por la mencionada e histórica palabra, El factor grotesco surge ante los ojos del espectador como un río de amplios caudales inspiradores; siempre controlados por una tricefalia compositiva, que conforman los paneles dedicados a la ornamentación, el abismo y la burla. Arropadas con estas vestimentas de supuesta versatilidad, las más de 270 piezas seleccionadas por el comisario José Lebrero Stals (Director artístico del MPM) dialogan con los visitantes escondidas tras los disfraces de frases de carnaval y sentencias de mofa continua, sin importarles lo más mínimo la trascendencia de sus dictámenes, la coherencia de sus sueños multiformes.

En la exhibición hay una acumulación de estilos y corrientes

En la exhibición hay una acumulación de estilos y corrientes

Las imágenes de la exhibición pasan sin pausa de la risa al llanto, de la crítica social a la humanización que conlleva el ridículo, de la holgura del escarnio al simbolismo de la ternura que trae consigo el error humano… La colectividad de los seres vivos se deja plasmar así con singular aplomo y hondura por los trabajos de celebridades del pelaje de Francis Bacon, Louise Bourgeois, Otto Dix, Max Ernst, Victor Hugo, Paul Klee, René Magritte, Man Ray, Pablo Picasso, Antonio Saura o Leonardo da Vinci; fronterizos y globalizadores de estilos y soportes, entre los que comparten espacio y tiempo los pinceles, los carboncillos, las cámaras fotográficas y las geometrías de arquitecturas levantadas sobre plantas de alegato matemático.

Las extravagancias de los artistas suelen crear realidades artificiales llenas de emoción

Las extravagancias de los artistas suelen crear realidades artificiales llenas de emoción

Pero la muestra no se queda únicamente en las recreaciones congeladas, sino que también acoge retazos de celuloides en movimiento, reunidos con el germen de lo burlesco. En esta sala de proyecciones, colapsadas por el humor y lo onírico, se pelean con sus deslumbrantes y miméticos tics Buster Keaton y Fatty Arbuckle (El botones, 1918); a la vez que Georges Méliès deja su huella imborrable por el sendero de los sueños transformados en fotogramas.

La vulnerabilidad de los modelos retrotrae su inspiración a una perspectiva determinada de lo grotesco

La vulnerabilidad de los modelos retrotrae su inspiración a una perspectiva determinada de lo grotesco

Una vez finalizado el sendero por lo grotesco, el espectador puede comprobar que la fealdad es susceptible de tornarse en belleza de cuento de hadas, con un simple beso retiniano por parte del que asiste a esta fiesta de la irregularidad. En semejante alarde por disgustar, no hay corrientes ni movimientos. Bien por la vena satírica de William Hogarth y Bruegel, o por el dadaísmo de Magritte; bien por la variante de la dolorosa insoportable levedad del ser de Otto Dix, o por el cubismo desintegrador de Pablo Picasso; bien por las visiones de la enajenación de Cindy Sherman, o a través de las nocturnidades de Antonio Saura: la mofa se vuelve sonrisa hiriente, esgrimida con la mueca de una realidad sainetesca y abocada al abismo del caos.

El cine también goza de cierto protagonismo en la exposición de Málaga

El cine también goza de cierto protagonismo en la exposición de Málaga

Más información, entradas y horarios en http://www.museopicassomalaga.org

Zaha Hadid, los objetos cotidianos traen a Madrid a la diseñadora del olímpico London Aquatics Centre


"Liquid Glacial", de Zaha Hadid/ Photo Credits: Jacopo Spilimbergo

“Liquid Glacial”, de Zaha Hadid/ Photo Credits: Jacopo Spilimbergo

Los paisajes urbanos ya no rinden pleitesía a las líneas, a las orquestaciones de escuadra y cartabón, a los ángulos perfectos y a las estructuras racionales. El juego, que siempre ha estado unido a las propuestas inmobiliarias desde filosofías artesanales como la del modernismo o incluso con discursos de desnudez aparentemente matemática como los del minimalismo, tiene en los diseños de la primera mujer en ganar el Premio Pritzker (lo consiguió en 2004) una de sus más arriesgadas seguidoras. A partir de una concepción de cierto apego al deconstructivismo ochentero, la arquitecta de origen iraquí ha hecho realidad sueños de metal y hormigón con formato de leyenda, como el del Pabellón Acuático de los recientes Juegos Olímpicos de Londres o el bautizado con el apodo de The MAXXI (también conocido como The National Museum Of 21st Centruty Arts de Roma).

"Vision For Madrid"/ Photo Credits: ZHA

“Vision For Madrid”/ Photo Credits: ZHA

Pero no solamente de grandes gestas monumentales se nutre el trabajo de esta excepcional artista. Precisamente, a esas labores menos conocidas de su profesión es a las que prestará atención la galería Ivorypress de Madrid (Calle Comandante Zorita, 48), en el curso temporal del próximo 4 de septiembre al 3 de noviembre del presente año.

"Vision for Madrid"/ Photo Credits: ZHA

“Vision for Madrid”/ Photo Credits: ZHA

Zaha Hadid. Beyond Boundaries, Art and Design (Más allá de las fronteras, arte y diseño) es el título de la exhibición organizada por el experto Kenny Schacter para ser acogida en la city del Oso y el Madroño; una cita en la que el esforzado comisario hace hincapié en la variante emocional, sensitiva y plástica, características inmutables en una constructora con espíritu de humanismo latente, que vierte en cada objeto producido en su factoría de ideas. Un compromiso con la naturaleza que transmite la placidez de una señora cuyas musas mezclan culturas de atmósferas exóticas y tradiciones míticas, confabuladas en extraño y atrayente misticismo; a medio camino entre el universo milenario de su origen asiático y sus experiencias en la cosmopolita metrópoli regada por el Támesis.

"Aqua at Dover Street Market"/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

“Aqua at Dover Street Market”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

A modo de implicación creativa, colindante con las teorías de expansionismo visual propias de Leonardo da Vinci y Frederick Kiesler, el recorrido expositivo se compone de dibujos, pinturas, esculturas e instalaciones, que toman peso de obra maestra a través del toque mágico e imaginativo de esta valorada dama, alumbrada en Bagdad hace sesenta y dos primaveras. Cualquier forma adquiere en las palmas de Hadid aroma de exclusividad, de cuento a lo Sherezade adormecido con las entonaciones formales del caos controlado, de desfiguración alentada por la imperfección de las bellezas cambiantes.

"Dune Formations", Venice Biennale, 2007/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

“Dune Formations”, Venice Biennale, 2007/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Asentada en su estudio del 10 de Bowling Green Lane, la arquitecta iraquí toma el pulso de la cotidianeidad en una línea semejante a la del insuperable Mies van der Rohe, sin reparar en la sencillez o la aristocrática prestancia del elemento que se propone manipular. Para ella es tan importante una terminal de aeropuerto como una pequeña cuchara. Ambas poseen una concepción creativa que ZH no deja escapar, y que sus musas envuelven con el celofán de la genialidad, sin etiquetas relativas al tamaño para revelar su espectacularidad.

"Elastika"/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

“Elastika”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Ese sometimiento a la fantasía constante se puede observar, por ejemplo, en las fachadas e interiores del Pabellón Puente de la Exposición Universal de Zaragoza (2008), el Centro Contemporáneo Rosenthal de Cincinnati (Ohio, USA) o The Hoenheim Nord Terminus de Estrasburgo. Pero, igualmente, la misma sensibilidad orientativa es la auténtica protagonista en menor perspectiva de la famosa Z-Chair, de sus muebles al estilo de un art decó contemporáneo o de sus múltiples joyas con engarces misteriosos y seductores.

"Form in Motion"/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

“Form in Motion”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Cuando un espectador se adentra en los trabajos de la inglesa de adopción, lo que resalta es la obsesión por las líneas corporales que inspiran sus proyectos. De esta manera, sus edificios traspiran sudor y ensimismamiento de caderas contorsionadas, calidez de torsos doblados en actitud circense, atrevimiento de nalgas rubensianas desafiando al sol y piernas que rezuman musculatura de trasiego y comodidad.

"Ideal House"/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

“Ideal House”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Mientras Ivorypress habilita estos días el espacio 1 de su galería, para alojar a tan particular e inmensa creadora, seguro que Hadid ya está volando hacia nuevos paraísos imaginados, manipulados, fragmentados, alimentados con sinuosidades y toboganes playeros. O, tal vez, su viaje tenga por destino islas artificiales en enclaves como Bilbao (reestructuración de Zorrozaume). Aunque la Villa y Corte la retendrá, aunque sólo sea en esencia curricular, hasta noviembre. Y lo hará por medio de su faceta más cercana: la de la plástica de lo rutinario.

"Crater"/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

“Crater”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Más información en http://www.ivorypress.com y http://www.zaha-hadid.com

Rafael acercará a Madrid el enigma de la belleza impoluta


El Prado acogerá entre el 12 de junio y el 16 de septiembre una de las exposiciones más importantes con el maestro de Urbino de protagonista

El Prado acogerá, entre el 12 de junio y el 16 de septiembre, una de las exposiciones más importantes con el maestro de Urbino de protagonista

Treinta y siete primaveras de vida, y aún así logró firmar una de las páginas más brillantes de la historia del Arte. Los pinceles del joven nacido en Urbino estaban tocados –desde su precocidad infantil- con una especie de amalgama mágica, que arrancaba profundidad de llanto amargo, sabiduría humana y perfección hiriente, en cuanto su herramienta profesional descargaba su sinfonía compositiva sobre los fondos neutros de las telas y los muros estucados. Misterioso y sublime, inalcanzable y excelso; así se puede catalogar al autor de La escuela de Atenas y a sus fantasías de pelo y espátula, escenas de oro e incienso que -pese al tiempo transcurrido- siempre preservan a flor de pigmento la novedad de lo inmanente. Una ópera de arias cromáticas y sfumatos seminales que sin duda entonará su coro de admiración, en la exposición que el Museo del Prado tiene previsto dedicar al maestro renacentista; cita imprescindible que se prolongará desde el próximo 12 de junio hasta el 16 de septiembre en la pinacoteca capitalina.

La muestra se centra en los últimos siete años de vida del pintor

La muestra se centra en los últimos siete años de vida del pintor

El último Rafael, nombre con el que ha sido bautizada la muestra, presentará por primera vez –y en colaboración con el Museo del Louvre- uno de los conjuntos más importantes en la producción de Rafael Sanzio (Urbino, 1483- Roma, 1520) y del taller que él mismo comandaba; y cuyos discípulos más influyentes fueron Giulio Romano y Giovanni Francesco Penni.

Pese a su juventud Rafael logró posicionarse a la altura de Miguel Ángel y Leonardo

Pese a su juventud, Rafael logró posicionarse a la altura de Miguel Ángel y Leonardo

Amparada por el excelente edificio de Villanueva (en sus salas A y B) y el remodelado claustro de Los Jerónimos (sala 49), las más de setenta creaciones del genial pintor y arquitecto dialogarán, en plena canícula veraniega, con los visitantes que se acerquen a su teatrillo, de trazos enérgicos y devoción por la elegancia en el gesto y el semblante.

La perfección formal era la seña de identidad del creador renacentista

La perfección formal era la seña de identidad del creador renacentista

Durante la denominada etapa romana (posterior a épocas en Umbría y Florencia), el maestro transalpino dedicó sus días y noches a inmortalizar su talento a través de sus charlas directas con la divinidad; abriendo las puertas celestiales a través de las Estancias Vaticanas que Julio II y León X le encargaron engalanar. Allí, el joven virtuoso de las formas y el dibujo pudo compartir escenario con otro de los popes de la plasticidad de todos los tiempos: Miguel Ángel Buonarotti. Dicen las crónicas que la rivalidad entre ambos era más que evidente, pero entre los dos se estableció una delicada influencia de contorsiones y versatilidad anatómica, que hizo emerger -de las profundidades de unas manos prodigiosas- parte de los testimonios más sinceros e inquebrantables en la vulnerable belleza de la historia de la pintura.

A los 25 aniversarios fue contratado por Julio II para decorar algunas estancias del Vaticano

A los 25 aniversarios fue contratado por Julio II para decorar algunas estancias del Vaticano

Vástago de un artista de gama media (Giovanni Santi), Sanzio comenzó a interesarse por el oficio de su padre a muy temprana edad, emborrachado desde casi su primer llanto por la sensualidad espolvoreada mediante caballetes esperanzadores. Admirador de Leonardo da Vinci (del que le separaban unos seis lustros generacionalmente), el pequeño autor de la inconmensurable beatitud de Santa Cecilia tomó su aprendizaje de sabios y sorprendentes modelos tutoriales, como Paolo Uccello y Pietro Perugino (respecto a este último hay algunas divergencias sobre la posibilidad de que Rafael se formara en su escuela, siempre siguiendo los comentarios de Giorgio Vassari). De las secuencias sorprendentes desarmadas en los cuadros de maestros semejantes, el de Urbino procuró esculpir su propio estilo. Labor en la que no tuvo excesivas dificultades, ya que pronto se impusieron entre los entendidos sus virtudes de niño prodigio, reproducidas a través de sus excelentes autorretratos y dibujos. Unos bocetos de papel y carboncillo en los que la exquisitez de sus trazos, las líneas constantemente retadoras, los rasgos hermanados con la senda paradisiaca de tridimensionales sensaciones y la apariencia ajena a la frialdad de los materiales usados conformaban una riqueza artísticamente sobrenatural, sobre todo para un chico que aún no se había asomado a su faz como hombre adulto.

Llegó a rivalizar generacionalmente con Miguel Ángel por ser el artista más representativo de su época

Llegó a rivalizar generacionalmente con Miguel Ángel por ser el artista más representativo de su época

El hecho de que el escenógrafo de El Parnaso y La disputa del sacramento fuera escogido para dejar su huella en las paredes del Vaticano, cuando solamente contaba veinticinco aniversarios, habla con bastante elocuencia de las dotes del chaval de Urbino: uno de los más grandes representantes del arte occidental, concitador de una senda curricular equiparable en logros a la de Miguel Ángel, Leonardo, Tiziano, Botticelli, Caravaggio

La exhibición de la pinacoteca madrileña tiene previsto reunir setenta obras del pintor italiano y de su taller

La exhibición de la pinacoteca madrileña tiene previsto reunir setenta obras del pintor italiano y de su taller

Las cuarenta pinturas y los treinta dibujos que confeccionan El último Rafael llenarán el museo de la Villa y Corte de leyendas sobre amores pasionales (no hay que olvidar que si La Fornarina no se hubiera cruzado en el camino del creador, probablemente este hubiera vivido algo más), regalos de oleosas esencias entregados directamente al Supremo Hacedor y relatos de sueños posibles, únicamente transformables con el pulso de alguien bendecido con las visiones de un espíritu en constante estado de euforia pigmentada. Alguien como Rafael Sanzio de Urbino.

Después de la Villa y Corte, "El último Rafael" viajará al Museo del Louvre, en París

Después de la Villa y Corte, “El último Rafael” viajará al Museo del Louvre, en París

Más información, horarios y entradas en http://www.museodelprado.es

Un adolescente llamado Leonardo da Vinci


Tom Mason y Dan Darko imaginan los años mozos del pintor de "La Gioconda"/ Copyright de foto de la CBBC

Tom Mason y Dan Darko imaginan la mocedad del pintor de "La Gioconda"/ Copyright de la foto de la CBBC

Hubo un tiempo, de lienzos a medio hacer y esculturas que soñar, en el que el creador de La última cena no peinaba canas; y en el que su barba aún estaba pendiente de enhebrar los hilos blanquecinos de la sabiduría.  Durante esos años, el genial maestro de las proporciones tendentes a la perfección impregnaba sus días con la paleta de las aventuras palaciegas; a la vez de con los brochazos sutiles de secretos de alcoba y traiciones a flor de acné. El canal infantil de la televisión estatal británica (CBBC) imagina en formato televisivo la mencionada fogosidad veinteañera del autor de La dama del armiño; un esfuerzo de traslación histórica que la potente cadena de la tierra de Shakespeare ha embutido en la serie Leonardo.

La serie recrea los escenarios florentinos en Sudáfrica/ Copyright de la foto de la CBBC

La producción recrea los escenarios florentinos en Sudáfrica/ Copyright de la foto de la CBBC

Trece episodios, de media hora cada uno, componen el cuerpo argumental de esta apuesta de Kindle Entertainment; en la que se dan cita –sin mucha relación literal con la vida del polifacético renacentista de la urbe de Vinci- un Leonardino (Florencia, Italia, 1452- Amboise, Francia, 1519) casi de pantalón corto, con el pelo pincho y aspecto de discotequero nocturno del siglo XXI. Filmada en escenarios manipulados de Sudáfrica, uno de los mayores méritos de esta serie se centra precisamente en hacer pasar los amplios paisajes del país de Nelson Mandela por la Florencia del XV. A tal efecto, la más que competente labor del equipo técnico se hace notar, en una obra que versiona de manera ficticia los hechos acontecidos en la existencia del vástago de Piero Fruosino di Antonio; conocido embajador de la República florentina en la era de máximo esplendor de la familia Medici.

En los trece capítulos, Leonardo tiene que hacer frente a numerosas intrigas palaciegas/ Copyright de la foto de la CBBC

En los trece capítulos, Leonardo tiene que hacer frente a numerosas intrigas palaciegas/ Copyright de la foto de la CBBC

Tom Mason (Malcom, Ace Ventura) y Dan Darko (Lazy Town) son los responsables de que Leonardo viera la luz. En una línea similar a Merlin (serial de corte fantástico sobre el rey Arturo y el mago de Camelot, que ya va por su cuarta temporada triunfando en la BBC), la historia de esta pareja de guionistas tiene la ambiciosa tarea de poner de moda a un personaje tan mediático como Da Vinci (algo parecido a lo que consiguió a principios de la década el escritor Dan Brown, pero sin el mundillo editorial como hilo conductor). Para ello, el camino elegido por la pareja de narradores audiovisuales ha sido el de prestar escasa atención a los datos contrastados, para abandonar la obra a un discurso más cercano al cosmos teenager que al intelectual de la Italia renacentista.

La acción transcurre en la Florencia del siglo XV/ Copyright de la foto de la CBBC

La acción transcurre en la Florencia del siglo XV/ Copyright de la foto de la CBBC

Las hazañas del joven Leonardo comienzan cuando el imberbe protagonista y su amigo Tomaso (que en el fondo es una chica disfrazada de muchacho, que responde al nombre de Lisa) llegan al palacio de la familia Medici, en la región de Florencia. Allí, el chaval iba a actuar de protegido por este clan, famoso por ser soporte del talento de todos los que estaban destinados a ser inmortales a través de su arte. En ese ambiente cortesano, Leonardo y sus colegas (entre los que se encuentran Machiavelli y Lorenzo) tienen que hacer frente a los ardides del retorcido y envidioso Piero de Medici, que –junto a otras acciones reprobables- roba el cuaderno de notas del pintor, escultor, filósofo, inventor e ingeniero. Asuntos como una competición en la que aparece un robot que lanza fuego, o la historieta en torno a una reina de los bandidos, dibujan una faz bastante alejada de la que mostró en su periplo vivencial el antiguo asalariado del milanés Ludovico Sforza; además de pupilo reconocido de Andrea de Verrochio.

Alistair McGowan encarna al retorcido Piero de Medici/ Copyright de la foto de la CBBC

Alistair McGowan encarna al retorcido Piero de Medici/ Copyright de la foto de la CBBC

El marcado carácter infantil de la apuesta de la CBBC lastra lamentablemente el ejercicio de ambientación, llevando las riendas del producto hacia el sendero de la diversión pura y dura, simplemente esbozando algunas de las variantes más conocidas en la vida de Da Vinci. Por ejemplo, la compañera vestida de hombre a la que se refieren como Tomaso/ Linda posee una clara identificación con la que se piensa fue la modelo de La Gioconda: la esposa de un mercader bautizada como Linda Gherardini (Florencia, 1479- Florencia, 1542). También Piero de Medici (Florencia, 1472- Gaeta, 1503) tiene un representante histórico en el individuo al que todos apodaban El Infortunado. Este aristócrata -hijo de Lorenzo el Magnífico y Clarice Orsini, y hermano del Papa León X- siempre ha sido definido por su carácter arrogante, envidioso y débil. Algo que no le impidió ser el señor de Florencia de 1492 a 1494.

En el episodio final, Leonardo construye una especie de robot/ Copyright de la foto de la CBBC

En el episodio final, Leonardo construye una especie de robot/ Copyright de la foto de la CBBC

En cuanto al reparto, Leonardo presenta un elenco de jóvenes intérpretes más que completo, muchos de ellos –la mayoría- desconocidos fuera de las fronteras del Reino Unido.  Jonathan Bailey (Oxforshire, 1988) encarna al polifacético Leo; lo que supone una gran oportunidad para un actor fogueado en colaboraciones como secundario en títulos del tipo de Lewis, Elizabeth: la edad de oro y Policía de barrio. Unidos a él en el apartado artístico, Flora Spencer-Longhurst hace de Tomaso/ Linda; Colin Ryan se caracteriza como Lorenzo; Alistair McGowan se mete en la psique de Piero de Medici; y Akemnji Ndifernyan, en la de Machiavelli. Todos ellos comandados por el director Luke Watson y el productor Bernard Krichefski.

Flora Spencer-Longhurst es la encargada de poner rostro a la futura modelo de "La Mona Lisa"/ Copyright de la foto de la CBBC

Flora Spencer-Longhurst es la encargada de poner rostro a la futura modelo de "La Mona Lisa"/ Copyright de la foto de la CBBC

La conversión de Leonardo da Vinci en un veinteañero con ánimo de lucha es sin duda una acción arriesgada; pero, si sirve para que los menores de dieciocho años se muestren interesados por su figura, bienvenida sea. Sin embargo, no estaría de más recomendar a los espectadores de cualquier edad que no olvidaran otros productos en formato televisivo con mayor intención en ajustarse a lo que ocurrió durante el arco existencial del maestro renacentista, como la magnífica serie La vida de Leonardo da Vinci, que realizó en 1971 Renato Castellani; y que contó con el francés Philippe Leroy como protagonista (por cierto, esta obra ganó en 1973 un Globo de Oro).

Renato Castellani dirigió en 1971 el serial "La vida de Leonardo da Vinci", una de las mejores adaptaciones de la vida del creador para la pequeña pantalla

Renato Castellani dirigió en 1971 el serial "La vida de Leonardo da Vinci", una de las mejores adaptaciones sobre el creador para la pequeña pantalla

“La dama del armiño” embruja Madrid


La tabla de Leonardo Da Vinci se puede ver por primera vez en España hasta el próximo 4 de septiembre

La tabla de Leonardo Da Vinci se puede ver por primera vez en España hasta el próximo 4 de septiembre

Los ojos de una adolescente renacentista siguen con suavidad los movimientos de los visitantes de la Sala Génova, en el Palacio Real de la Villa y Corte. Sin sentirse atemorizada por los regios mármoles y los alabastros borbónicos, esta mujer joven -de dorados cabellos y recato nobiliario- atesora en torno a su apariencia virginal varias centurias de expolios y guerras intestinas, de escondites secretos y ventas meramente mercantilistas. Aunque este siglo XXI parece haber otorgado a esta dama inmortalizada por Leonardo DaVinci una cierta calma expositiva -la que le ha brindado la familia Czartoryski, propietaria de la tabla desde que la comprara en el siglo XVIII el príncipe Jerzy Czartoryski-, no siempre fue así. Quizás sus momentos más duros los experimentó durante La Segunda Guerra Mundial, cuando el gobierno nazi arrebató la pintura a sus legítimos propietarios, para nacionalizarla en el Museo del Káiser Friedirch, de Berlín. Sin embargo, el clan Czartoryski no se dio por vencido ni con la etapa comunista, y finalmente recuperó la obra -con la ayuda de la justicia- en 1991.

"Polonia. Tesoros y colecciones artíticas" es el título de la muestra en la que "La dama del armiño" comparte espacio con otras 194 piezas

"Polonia. Tesoros y colecciones artíticas" es el título de la muestra en la que "La dama del armiño" comparte espacio con otras 194 piezas

Cecilia Gallerani, más conocida como La dama del armiño, es sin duda la gran estrella de la exhibición titulada Polonia. Tesoros y colecciones artísticas, que tendrá abiertas sus puertas al público en la urbe capitalina hasta el próximo 4 de septiembre. Este óleo sobre tabla es uno de los pocos retratos femeninos que de la mano de DaVinci se conservan en el mundo, y que tienen en La Gioconda del Louvre su gran referente pictórico. De rostro impávido y ligeramente vuelta para mirar de frente al espectador, la que fuera amante del Ludovico Sforza (también llamado El Moro) posa con sus eternos 17 años acariciando un armiño de color blanco, animalillo juguetón que se somete con absoluto consentimiento a las caricias y mimos de la fémina.

La exposición es un fiel reflejo de la riqueza museística de las instituciones polacas

La exposición es un fiel reflejo de la riqueza museística de las instituciones polacas

Pero el desembarco de esta muestra elaborada con esmero por Patrimonio Nacional, el Museo Nacional de Cracovia y el Ministerio de Cultura de Polonia -y que cuenta con el inestimable patrocinio de la Fundación Banco de Santander- no presenta solamente el sobresaliente trabajo del autor de La última cena; ya que el mapa expositivo se compone de nada menos que de unas 195 piezas, que dejan constancia de la riqueza que atesoran las instituciones culturales del país de la Europa del Este.

El eclecticismo selectivo incluye objetos en distintos formatos y materializaciones, todo ello para dar una idea en el extranjero de la importancia de lo que se conoce como la edad de oro de la nación de Chopin: la que se corresponde con el lapso que corre entre los siglos XV y XVIII. Tapices elaborados con las técnicas depuradas de Bruselas, medallas cinceladas con el sudor de históricos personajes,  armaduras bruñidas por las manos de orfebres artesanos de singular perspectiva autoral, libros de exquisito gusto con ilustraciones que de por sí reclaman un espacio propio donde desplegar su grandeza iconográfica, monedas de curso legal en un tiempo en el que el precio del dinero se comprobaba por la validez del oro o la plata con el que estaba confeccionado, adornos varios de coquetería ajena al despilfarro y mucha escultura y pintura son las apuestas de Tesoros y colecciones artísticas.

Entre el intenso recorrido de ocres y rojos, de fondos oscuros y escenificaciones religiosas y paganas, de sublime barroquismo flamenco y Renacimiento presto a deslumbrar con la luz del ingenio creativo; todo esto y mucho más cabe en esta interesante cita artística que, después de Madrid, tiene previsto viajar a otras capitales del Viejo Continente.

Maestros como Lucas Cranach o el siempre sorprendente Rembrandt (da lo mismo que se encuentre representado por alguno de sus inolvidables lienzos, o por cualquiera de sus geniales incursiones en el terreno del grabado) se dan la mano en las salas del Palacio Real (Plaza de Oriente) con el polifacético don Leonardo; respirando el aroma dieciochesco de los espectaculares jardines diseñados por Sabatini.

Cuentan las crónicas que tan impresionada quedó Cecilia Gallerani por su retrato, que lo mantuvo muy cerca de sí hasta su fallecimiento. No era un literal cuadro a lo Dorian Gray; pero en el reducido espacio por el que se movió la paleta de Da Vinci quedó recluida la belleza altanera y vibrante en estado puro, un influjo seductor que embrujó a Rodolfo II de Praga, cuando adquirió la tabla en 1612. Un poder de conjuros misteriosos que hoy en día se encuentra tan fresco como en el lejano 1490 (siempre con aproximación) en que fue alumbrado, mientras luchaba por la existencia futura a lomos de un modesto caballete.

Más información, horarios, tickets en http://www.patrimonionacional.es

Nota.- Las imágenes utilizadas tienen el coyright de Patrimonio Nacional, el Museo Nacional de Cracovia y el Ministerio de Cultura de Polonia.

El Louvre descubre al Nazareno de Rembrandt


La pinacota parisina dedica una exposición a la imagen de Jesús vista por el artista holandés

La pinacota parisina dedica una exposición a la imagen de Jesús, vista por el artista holandés

Cristo redentor, el de la mirada compasiva, el de la amargura en las pupilas, el orante de las bienaventuranzas y de la confesión de los pecados de la humanidad, el de los ojos reveladores de entendimiento hacia la imperfección de los seres vivos, el del cuerpo frágil y macerado por la condenación de los que pretendía salvar… El Hijo de Dios se hace grande con el sudario sanguinolento de su profunda vulnerabilidad, a través de la paleta casi transparente del holandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leiden, 15 de julio de 1606- Ámsterdam, 4 de octubre de 1669).

Las imágenes del Nazareno no fueron un tema especialmente prolífico en la vasta producción pictórica del autor de Lección de anatomía; sin embargo, cuando hizo suyos los hechos bíblicos referentes a la existencia de Jesucristo los supo traducir a su estilo desmitificador, a sus pinceladas surgidas del amor inmenso hacia la realidad, y denunciadoras de la pompa y el boato clásicos de otros de los maestros que abordaron la vida del vástago del Supremo Hacedor. Ese individuo de pelo largo y oscuro que aparece en los óleos y dibujos del flamenco, con el rostro casi huidizo aunque intensamente sensible, es el que llena -bajo el título de La cara de Jesús- con su presencia celestial y terrena -hasta el próximo 18 de julio- el hall Napoleón del museo parisino del Louvre.

La pinacoteca francesa recorre, con la colaboración de The Philadelphia Museum Of Art y The Detroit Institute Of Arts, las revelaciones hechas imágenes en la mente del genio de las formas del siglo XVII, escenas que iluminaron la pasión visionaria de un pasado que Rembrandt siempre tamizó, mediante su adscripción decidida y voluntaria a las tesis entonces emergentes de la reforma luterana y del consiguiente Protestantismo.

Dividida en grupos diferenciadores y coincidentes a la vez, Blaise Ducos (miembro destacado del departamento de pinturas del Museo del Louvre) presenta -bajo su supervisión- una selección de obras que dan una idea clara al visitante de la obsesión del artista de Leiden por mostrar a un Cristo natural y creíble, lejos de la magnificencia de la tradición heredada. Un modelo con rasgos más comunes que excepcionales es el pie del que se sirvió el creador nacido en 1606 para imaginar la faz del que con su muerte en la Cruz –y su posterior resurrección- propició la unión entre lo profano y lo divino.

Primero entre sombras poco aclaradoras –como lo hace en la pieza Peregrinos en Emaús-, y luego con la cara impresa a fuego en la tela –acompañada constantemente de veladuras que se atreven a esconder el espíritu imposible de ser inmortalizado en un simple lienzo-, el Nazareno de Rembrandt pasea su amargura con la entereza de un salvador comprensible, de alguien cercano a sus congéneres, y con el que se puede conversar: un amigo y guía en el que se puede confiar, sin miedo a las penitencias condenatorias del oscurantismo eclesiástico de la época.

El Jesús de Nazareth del pintor de Flandes es un ser que no causa miedo justiciero, sino empatía en su penar. Esta realidad es un manifiesto de intenciones que El Louvre pone sobre el tapete de la muestra desde el apartado inicial: bautizado como Prólogo. En él, escenas como  Jesús y sus discípulos o el grabado Cristo presentado al pueblo redundan en la tesis de la interrelación del Hijo de Dios con los hombres y mujeres corrientes, sin elitismos de ninguna clase ni representaciones regias de por medio.

Esta especie de diálogo constante entre la figura de Cristo con cada uno de los que contemplan su aparente normalidad sigue siendo la protagonista en los demás apartados de la exhibición (Contrapunto: Precursores y modelos de Rembradnt, Los grandes maestos holandeses, Los últimos trabajos, Las cabezas de Cristo y Epílogo). Todos ellos dejan claro que la religiosidad de Van Rijn era una esencia de conocimento, en la que buscaba lo que de verdad nos hace como somos: lo que el alma conserva de humanidad.

Muchos grandes nombres (Leornado Da Vinci, Andrea Mantegna, Alberto Durero, Jan Lievens, Jacob Adriaensz Backen…) completan el viaje por las pinturas arrancadas al tenebrismo -con los rayos hiriendo la percepción- de Rembrandt en esta más que recomendable exposición parisina. Pero, por encima de cualquier otra apuesta más aparatosa, se erige el Hombre al que llamaron el Nazareno, que sangró los males de sus hermanos clavado en un vetusto poste hace algo más de dos mil años; ese ser excepcional al que el responsable de La ronda de noche intentó imaginar con piel, cabellos, pupilas, pestañas, labios, nariz…

Más información, horarios, tickets en http://www.louvre.fr

Augusta Taurinorum celebra su pasado capitalino


El enclave fue celebra los 150 años de su capitalía

El enclave recuerda los 150 años como centro neurálgico de la Italia del Risorgimento

En la parte noroeste de la Bota, justo en el Piamonte, Turín exhibe su señorío. Sus vetustos edificios y su geografía amplia, limpia, casi de libertario espíritu, fueron paisajes de celtas, romanos, bizantinos, longobardos y francos; mientras sus calles empedradas ilustraban las pisadas de históricos visitantes.

De 1861 a 1865, fue la sede de la monarquía de Víctor Manuel II

De 1861 a 1865, fue la sede de la monarquía de Víctor Manuel II

El Risorgimento decimonónico, originado con el concepto romántico de búsqueda de la identidad italiana, eligió a esta tierra de suculentos manjares como primer centro neurálgico de la nación surgida por los efectos revolucionarios de la Reunficación. Fue de 1861 a 1865 cuando la antigua Augusta Taurinorum se transformó en capital del país. Centuria y media después de tal reconocimiento administrativo, la urbe coronada recuerda su pretérita época como consorte palaciega del reinado del orondo monarca Víctor Manuel II; a la vez de convertirse en el icono de los soldados descamisados que reclamaban el espíritu transalpino frente la dominación de imperios extranjeros.

Las obras de Leonardo son parte de su atractivo turístico

Las obras de Leonardo son parte de su atractivo turístico

Estos días, junto a la bandera tricolor, parece ondear con inusitada fuerza en el enclave piamontés los tejidos colorados de Garibaldi; al tiempo que se insinúa entre los cielos aborregados el gesto contrito del poco atlético conde de Cavour. Sentimientos extraños y de traslación temporal que la oficina de turismo del país de Miguel Ángel intenta completar con un programa expositivo -nominado como Esperienza Italia- realmente interesante y globalizador.

Una de las exposiciones se vertebra en torno a los dibujos del pintor de "La Santa Cena"

Una de las exposiciones se vertebra en torno a los dibujos del pintor de "La Santa Cena"

El Arte en todas sus variantes plásticas, la moda, la gastronomía, la ciencia y el espíritu ciudadano se dan cita en los diferentes monumentos y museos de la urbe donde se hizo fuerte la dinastía de los Saboya, y en la que se guarda con mimo y cuidado el Santo Sudario, la sábana que cubrió el cuerpo yaciente de Cristo.

Por las calles turinesas se percibe el aroma libertador de Garibaldi

Por las calles turinesas se percibe el aroma libertador de Garibaldi

Para concretar un poco el mapa festivalero, de cara a los turistas necesitados de sendas más o menos clarificadoras, aquí va un resumen de lo que se puede ver, escuchar, sentir y degustar en la catedral donde juegan Juventus y Torino.

Empezar por el asunto de la reivindicación de la tierra puede ser un comienzo aleccionador, y capaz de poner en situación a los extraños sobre la verdadera razón y significado de estas celebraciones. Hacer los italianos: 150 años de historia nacional es el título de una muestra que pretende dar el protagonismo a los habitantes del país que acoge en su seno El Vaticano. Organizada en la Officine Grandi Riparazioni, hasta el 20 de noviembre, la exhibición propone un recorrido más o menos completo sobre los la identidad nacional.

Los Saboya regalaron a la cuna de celtas y bizantinos mucho de su patrimonio actual

Los Saboya regalaron a la cuna de celtas y bizantinos mucho de su patrimonio actual

En el mencionado centro en el que se reparaban los vehículos de transportes durante los siglos XIX y XX, también se pueden contemplar las apuestas turinesas para vaticinar lo que está por venir, a través de los avances tecnológicos encuadrados en la nación transalpina. Stazione Futuro. Aquí se vuelve a hacer Italia y El futuro en las manos. Artesanos del mañana son los epígrafes que engloban los aspectos más institucionales de los festejos. Es bueno darse una vuelta por estas dos muestras, cuya clausura está prevista el 20 de noviembre, para cumplir con el protocolo; pero no dejan de transpirar un perfume propagandístico que es agradable digerir perdiéndose en otros ámbitos más liberadores.

Las variantes plásticas concitan la mayor atención del visitante de cara a los festejos

Las variantes plásticas concitan la mayor atención del visitante de cara a los festejos

Uno de estos espacios del disfrute más abierto lo supone sin duda alguna el Arte. La bella Italia. Arte e identidad de las ciudades capitales es una de esas magnas exposiciones ante la que es imposible resistirse. Las retinas sucumben sin reservas frente a las más de 350 obras que componen los laberintos emocionales alojados –hasta el 20 de noviembre- en el Palacio Real de Venaria. En sus salas, se dan la mano artística maestros como Giotto, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, Caravaggio, Rubens, Tiépolo, Canova y Velázquez. Sus pinturas y esculturas son los mejores testigos de lo que quiere decir el espíritu italiano, un sueño ajeno al racionalismo que tiene mucho más que ver con la inmortalidad del Renacimiento y el Barroco que con las insignias e himnos. Un espíritu inclasificable donde los oradores son los pinceles y los plintos, los lienzos y los cinceles.

Después de La bella Italia, adentrarse en los dibujos del siempre genial Da Vinci es una oportunidad más que deseable, que Turín permite merced a sus inigualables fondos. El autorretrato del creador, que se conserva en la Biblioteca Real turinesa, sirve de nave matriz para convocar la exhibición Leonardo. El genio, el mito, que tendrá lugar desde el 20 de octubre hasta el 8 de enero de 2012, en los Establos Juvarriane della Regia de Venaria.

Víctor Manuel II estableció en Turín su reinado, después vinieron Florencia y Roma

Víctor Manuel II estableció en Turín su reinado, después vinieron Florencia y Roma

El cerebro visual de los amantes del Arte en estado puro puede echar chispas tras tal desmesurada información de estilos y formas desplegadas en las dos magnas exhibiciones descritas anteriormente; por lo que, tal vez, agradezca darse un paseíllo por la alta costura. Moda in Italia. 150 años de elegancia presenta los logros en este campo alcanzados por los diseñadores italianos, y lo hace de una manera coherente y sumamente aleccionadora. El Palacio Real de Venaria se presta para este ejercicio de pasarela metafórica hasta el 20 de noviembre.

Tanto deambular por lo mejor de la creatividad de los descendientes de los romanos puede generar hambre. En este aspecto, el aniverario invita a no llenar el buche ni en fondas ni en tratorías; sino en los aristocráticos salones del Palacio Real de Venaria, y al razonable precio de 60 euros por persona.

Las luces y las sombras caben en "Esperienza Italia"

Las luces y las sombras caben en "Esperienza Italia"

Con estas propuestas, Turín se viste de gala. Un disfraz hecho de sedas compuestas por el talento y la belleza deudores de fogueados independentistas. Hace casi dos siglos, estos militares abrieron sus heridas -a base de fuego armado y arrojo guerrero- para que en este siglo XXI aún se pueda hablar de un país llamado Italia. El enclave piamontés reverdece en la era tecnológica recuerdos de pompa y boato sin perder la compostura, porque las capitales –aunque lo fueran durante solo un lustro- siempre deben mantener las distancias protocolarias.

Más información en http://www.italia150.it

El Renacimiento llama a las puertas de la National Gallery


Leonardo da Vinci, en su etapa como pintor al servicio de Ludovico Sforza, será una de las citas más relevantes de la pinacoteca en 2011

Leonardo da Vinci, en su etapa como pintor al servicio de Ludovico Sforza, será una de las citas más relevantes de la pinacoteca en 2011

Las proporciones clásicas y el perfeccionismo formal conquistarán Trafalgar Square en 2011, y harán que el almirante Nelson se cuadre marcialmente ante las imponentes obras que albergará próximamente la pinacoteca londinense. La perla del calendario expositivo del museo, en el que se retoca desde hace más de un siglo una velazqueña señora frente a un espejo, la componen dos viejos maestros, de los de pinceles añejos y sabiduría inigualable en la paleta. Se trata del italiano Leonardo da Vinci y del flamenco -precursor del Barroco en su tierra- Jan Gossaert, alias Mabuse.

La muestra coincide con el final de la restauración de "La Virgen de las rocas"

La muestra coincide con el final de la restauración de "La Virgen de las rocas"

Leonardo da Vinci: Pintor en la Corte de Milán será el título, según los responsables de la Gallery, de la gran muestra que la capital del imperio anglosajón planea inaugurar el 9 de noviembre de este año, y cuya duración se extenderá hasta el 5 de febrero de 2012. La idea de esta magna reunión de lienzos, dibujos y tablas del genio de La Gioconda tuvo su origen después de finalizar la ampulosa restauración de La Virgen de las rocas, obra atribuida al artista nacido en Vinci en 1452 que la institución conserva entre algodones. La escena de la Virgen María, acompañada de San Juan Bautista y Jesucristo en estado infantil y de un ángel, respondía originalmente a la representación de un hecho apócrifo que narraba el supuesto encuentro del por entonces huérfano Bautista con la Sagrada Familia, mientras éste huía en dirección a Egipto. Conservada en su formato tradicional de óleo sobre tabla, la composición posee una pariente anterior de idénticos título y motivo que alberga el parisino museo de El Louvre; y, aunque algunos expertos han dudado sobre la autoría de la conservada en la National, la pintura sigue estando entre los tesoros más valorados de los fondos del centro desde su adquisición en torno a 1880.

Entre las obras programadas, hay una copia de "La última cena" perteneciente a la Royal Academy of Art

Entre las obras programadas, hay una copia de "La última cena" perteneciente a la Royal Academy of Art

Pero la exposición no fluye a partir de la mencionada La Virgen de las rocas: el objetivo es más bien el de reivindicar la importancia de Leonardo como pintor, y de su don privilegiado para el dibujo y las plasmaciones plásticas tanto profanas como religiosas. Los cuadros que el autor de El hombre de Vitruvio realizó bajo el mecenazgo de Ludovico Sforza forman el núcleo central de la cita londinense; un encuentro apasionado en el que la retina del visitante podrá contemplar, entre otras delicias visuales, una copia de La última cena perteneciente a la Royal Academy of Art; la piadosa y humana estampa de San Jerónimo y la perturbadora presencia de La Belle Ferronière.

La National trabaja para mostrar la mayor exposición realizada hasta la fecha sobre Jan Gossaert

La National trabaja para mostrar la mayor exposición realizada hasta la fecha sobre Jan Gossaert

La otra importante muestra que la prestigiosa institución ha anunciado para este 2011, también tiene mucho que ver con la influencia de Da Vinci en el concierto artístico de sus herederos; ya que Jan Gossaert fue un reconocido seguidor de las enseñanzas del excelso creador italiano. Nacido en Maubeuge (Amberes), en 1478, este pintor de diversos nombres y apodos dedicó sus años frente al caballete a desarrollar una conmovedora producción, en la que no faltó su admiración hacia el clasicismo que destilaban los maestros de los estados transalpinos. Gossaert puso en práctica -con suma habilidad y hondura- las lecciones aprendidas tras un exhaustivo viaje a Roma; llegando incluso a lograr que algunos de sus contemporáneos equipararan varias de sus piezas en un plano de importancia similar al de las magníficas escenas surgidas de los pinceles de Van der Weyden, Quentin Massys o Durero (éste último, precisamente, expresó su admiración por El Descendimiento de la Cruz surgido de la mano de Mabuse). La National Gallery pretende, según su departamento de comunicación, exhibir en sus salas uno de los mayores conjuntos pictóricos de este genial individuo de los Países Bajos, meeting oleoso y pigmentado en el que no faltarán La Virgen y el Niño (préstamo que correrá a cargo de El Museo del Prado), Hércules y Deianera y Retrato de Comerciante.

La producción pictórica de Gossaert es un ejemplo de la perfección técnica heredada del clasicismo renacentista

La producción pictórica de Gossaert es un ejemplo de la perfección técnica heredada del clasicismo renacentista

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