19mar / 2013

Toyo Ito, el arquitecto de la ciudad tecnológica consigue el Pritzker Prize 2013

White U (house), 1975-76, Nakano-ku, Tokyo, Japan/ Photo Credits: Koji Taki

Existen lugares en la mente de los constructores que se quedan simplemente en la concepción virtual; pero, para este soñador de estructuras -nacido hace setenta y un años en una extensión que ahora pertenece a Corea del Sur-, los márgenes de lo cibernético no tienen que mantenerse tras la pantalla de un ordenador, sino asaltar la realidad cotidiana y someterse al juicio de los ciudadanos. Así, sus casas, bibliotecas, parques, museos, tiendas, oficinas… tienen en común esa característica de postal de código binario, en cuya gestación reside una filosofía de encantador de imágenes (visiones del subconsciente con las que ha enriquecido durante más de cuatro décadas la fisonomía volcánica de Japón).

White U (house), 1975-76, Nakano-ku, tokyo, Japan/ Photo Credits: Koji Taki

En la noche del 17 de marzo, cuando el vocal del Premio Pritzker de Arquitectura (Thomas J. Pritzker) comunicó a los periodistas el nombre de Toyo Ito (Keijo, Chosen, 1941) como el sucesor del chino Wang Shu (dentro de la lista de damnificados con el prestigioso galardón), muchos de los expertos aplaudieron la decisión de otorgar al artista de la modernidad la máxima distinción, para una profesión que convive en vértices y costuras con cada uno de los hombres, mujeres y niños que se mueven en las urbes, en los campos y en cualquier espacio medianamente habitable del planeta Tierra.

Matsumoto Performing Arts Centre, 2000-2004, Matsumoto-shi, Nagano, Japan/ Photo Credits: Hiroshi Ueda

Puede parecer un tanto extraño que un señor que ya peina canas sepa entender tan claramente los vaivenes de una sociedad digitalizada hasta en los actos menos tecnológicos, siempre esclava de ventanas en los formatos electrónicos más diversos, como rebaños hipnotizados por el neón y el mercadeo a base de bytes y microchips. Sin embargo, el responsable de la Torre Porta Fina de Barcelona y del Parque de la Relajación en Torrevieja captó -pese a primeras impresiones- a partir de su licenciatura en la Universidad de Tokio (en 1965) la esencia de unos congéneres que estaban cambiando a un ritmo muy acelerado, generación lejana a los sometimientos doctrinales e imperialistas dictados a corte de katana por el tradicionalismo feudal anterior a la Segunda Guerra Mundial.

Sendai Mediatheque, 1995-2000, Sendai-shi, Miyagi, Japan/ Photo Credits: Nacasa & Partners Inc.

El nuevo Prometo necesitaba definir su singular transformación a través de las paredes y las fachadas, de interiores más cercanos a la exaltación de la naturaleza y de lugares en comunidad, donde poder sentirse a gusto compartiendo las experiencias grupales, sin que por ello el entorno impidiera la identificación con el paisaje artificial circundante.

Dome in Odate, multipurpose dome, 1993-1997, Odate-shi, Akita, Japan/ Photo Credits: Mikio Kamaya

Preocupado por satisfacer las exigencias de sus coetáneos, la verdadera obsesión de Toyo siempre fue la de crear cubículos y edificios, en los que los seres al borde del siglo XXI se mostraran en plenitud, carentes de complejos afectivos y en absoluta paz. Bien como líder destacado del Urban Robot (Urbot) o desde la plataforma del Toyo Ito & Associates, Architects, este colega de Kenzo Tange y Tadao Ando nunca ha escondido sus obligaciones en pos de acercarse a los individuos de a pie, a partir de sus elucubraciones de alcoba y papel, de escuadra y cartabón, de compás y rotulador de punta fina. “La arquitectura que me interesa es la que desarrollo antes en mi pensamiento. Es posible realizar espacios más confortables si conseguimos liberarnos de las restricciones que asumimos como tales”, afirma el escultor de formas nipón, en la página web de la fundación del Pritzker Prize.

Yatsushiro Municipal Museum, 1988-1991, Yatsushiro-shi, Kumamoto, Japan/ Photo Credits: Tomio Ohashi

Trabajador incansable (“Nunca estoy satisfecho con mis trabajos una vez terminados”), Toyo Ito recibirá el PP el próximo 29 de mayo, en una ceremonia que tendrá lugar en la biblioteca presidencial John Fitzgerald Kennedy, emplazada en el Museo de Boston (Massachusetts, USA). En esa noche de campanillas y medallas de bronce (aparte del cheque correspondiente de 100.000 dólares), el cerebro de la mediateca de Sendai (en Miyagi, Japón) rememorará sus tesis de alquimista de los circuitos, axiomas que ya concitó tras horas de estudio en manuales de uso y costumbres tales como El jardín de los microchips y La imagen de la arquitectura en la era microelectrónica. Habrá quien esté convencido de que sus ilustraciones de metal galvanizado y sus bosques de luces dinamizadoras no tendrían sentido lejos de la tierra del Sol Naciente. Pero, incluso en calidad de peregrino samurai de la innovación informática, los inmuebles de este profundo dibujante de contornos transmiten una química universal, asociada a la emoción del azote del viento, la sinuosidad de las fuentes en ebullición y la poética de los sonidos de la humanidad (palpitantes y caprichosos, embelesados y confusos).

Tower of Winds, 1986, Yokohama-shi, Kanagawa, Japan/ Photo Credits: Tomio Ohashi

Más información en http://www.pritzkerprize.com y http://www.toyo-ito.co.jp

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19nov / 2012

Tokio desborda Nueva York con las vanguardias de la pacificación

Yokoo Tadanori es uno de los invitados del museo estadounidense con “Diary of a Shinjuku”

Cuando finalizó la Segunda Guerra Mundial, la destrucción del planeta había traído consigo un período de confusión y desapego contra el tradicionalismo pretérito. Los gobiernos totalitarios generaron una desconexión afectiva en los supervivientes, sobre todo hacia lo que se identificaba abiertamente con nacionalismos extremos (obviamente, salvo en casos contados, como los de la U.R.S.S. y China). En ese intoxicado ecosistema -mientras Europa occidental y Norteamérica amortiguaron su savia con realismos simulados, símbolos de trazos envolventes sobre fondos imperecederos y abstracciones compuestas de sangre y sudor-, Japón recubrió sus entrañas en carne dolorosa con capas de hedonismo, y subyugante creatividad multimedia. Un período desmitificador y de anticipación tecnológica (e incluso manga) en la capital del imperio del Sol Naciente que resucita estos meses, de los abismos del olvido, en las arterias cercanas a Wall Street. Hazaña que consigue evidenciar su presencia merced a la labor del MoMa neoyorquino, cuya sexta planta aloja la sorprendente exhibición titulada enfáticamente Tokyo 1955-1970: A New Avant-Garde: reunión sentimental abierta desde el pasado 18 de noviembre, y hasta el próximo 25 de febrero de 2013.

“Tokyo 1955-1970″ va estar abierta al público hasta el próximo 25 de febrero de 2013

Frente a la pérdida de referentes, que siempre se suele esgrimir con respecto a los herederos de los samuráis, los responsables de la muestra (Hirasawa Go, Roland Domenig y Joshua Siegel) coordinan una ruta en la que el protagonismo corre a cargo de una serie de artistas en los que bulle la imaginación y la fantasía de las soluciones novedosas, enlazadas normalmente con un posicionamiento plástico que nada o poco tenía que ver con el arquetipo publicitado en USA.

Kobo Jikken fue uno de los máximos representantes del mestizaje artístico de los 50-60

A partir de mediados de los cincuenta, los creadores tokiotas desnudaron sus prejuicios de épocas anteriores, y lideraron una revolución iconográfica en todos los órdenes, de la que nacieron propuestas que han contribuido a marcar la evolución de la pintura, la escultura, las artes gráficas, el dibujo, la fotografía, la arquitectura y el cine.

El grupo Hi Red Center activó la creatividad en la capital japonesa en el período de posguerra

En este sentido, es bueno revisar el camino por las etapas ante las que se hallará el visitante del museo estadounidense, si se adentra por la sexta planta del mismo. Para empezar el maratón, el público tomará constancia de la versatilidad pictórica que desplegaron los nombres más destacados en el campo de los pinceles y las paletas de las islas orientales. A medias con las técnicas de los fotogramas en movimiento, Kobo Jikken fue uno de los jefes más respetados de las vanguardias niponas, cuyos trabajos sobre la transformación de la experiencia visual forman parte de lo mejor de la exposición neoyorquina. Pero no fue el único en reclamar el trono de las transformaciones de caballete y cámara activa pergeñadas en la urbe de Mazinger Z. Junto a él, el irreverente y sorpresivo Grupo Hi Red Center (compuesto por los talentos sumados de Jiro Takamatsu, Genpei Akasegawa y Natsuyuki Nakanishi), la agresividad metafórica de Taro Okamoto, la variante psicodélica de Ay-O o el cosmopolitismo desestructurado de Yoko Ono son también referentes necesarios en la elaboración de un cosmos que deslumbraba en otras latitudes, por la variedad de los temas y de las obras diseñadas con ideas de metal e hilo.

Taro Okamoto exhibió el exotismo filosófico como materia prima

En parecida espiral por individualizar las miradas, los fotógrafos se unieron a los pintores y escultores en pos de cambiar la faz del otrora belicoso y dogmático pasado; antídoto cocinado con presente y futuro, y cuyas especias simplemente las congregaban las conciencias diferenciadoras. De esta manera, la corriente de humanización extraña y cruenta que ejemplificaron con sus instantáneas Daido Moriyama, Eikoh Hosoe y Shomei Tomatsu armaron un fresco de cuarta pared teñido de ubicación infernal. En esos fogonazos, las prostitutas malheridas por el blanco y negro, sumidas en la degradación de paisajes obscenos, eléctricos y borrosos abrieron la retina a decorados inéditos para el espectador japonés, por lo menos hasta las décadas de los cincuenta y sesenta.

La visión colorista de Hiroshi Nakamura habla de una generación no apegada al tradicionalismo

Los hijos de los padres que fueron desintegrados por la tragedia de la SGM recurrieron a sus masajes profesionales para sanar las heridas, a base de virtud casi renacentista; y, en esa tesitura, la arquitectura se erigió en la vacuna más eficaz contra la sumisión a las convenciones localistas. Así se dio cabida en las escuelas y universidades a los proyectos titánicos, marcados por la espectacularidad aparente y la desnudez en líneas y andamiajes; trayectoria de renovación donde Kenzo Tange, Arata Isozaki y Kisho Kurokawa se convirtieron en embajadores excepcionales del arte nipón.

¿Quién puede ver en el cromatismo de Ay-O un anticipo del Pop Art?

Tras los itinerarios resaltados, en Tokyo 1955-1970 no podía faltar el séptimo arte. A tal efecto, Joshua Siegel (comisario del MoMa encargado del departamento fílmico) ha contado con la inestimable ayuda de la productora The Art Theatre Guild, que ha aportado a la cita museística un total de cuarenta películas, entre las que hay destacados largometrajes de maestros tan admirados como Shohei Imamura, Nagisa Oshima, Koji Wakamatsu y Kaneto Shindo.

El eclecticismo de Yoko Ono también tiene su sitio en la muestra del MoMa

Silencio ante la desgracia irracional, cierto hedonismo, emociones de placer y sufrimiento, incienso de templos absorbentes y mestizaje en técnicas y géneros: con estos precisos ejes de coordenadas, Tokio lavó su ánima de lugar asolado por las bombas. Un remedio de urgencia evolutiva que le permitió huir de la depresión colectiva, aupada con la huella de los artistas que arañaron el ataúd de la mortandad. A veces, el carboncillo, el plinto, el rotulador, un guion, un flashazo…pueden hacer olvidar la detonación de la balas, y marcar el horizonte de una prosperidad pacífica.

Los objetos de Mieko Shiomi son verdaderos aquelarres de ingenio

Más información, entradas y horarios en http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1242

20ago / 2012

Zaha Hadid, los objetos cotidianos traen a Madrid a la diseñadora del olímpico London Aquatics Centre

“Liquid Glacial”, de Zaha Hadid/ Photo Credits: Jacopo Spilimbergo

Los paisajes urbanos ya no rinden pleitesía a las líneas, a las orquestaciones de escuadra y cartabón, a los ángulos perfectos y a las estructuras racionales. El juego, que siempre ha estado unido a las propuestas inmobiliarias desde filosofías artesanales como la del modernismo o incluso con discursos de desnudez aparentemente matemática como los del minimalismo, tiene en los diseños de la primera mujer en ganar el Premio Pritzker (lo consiguió en 2004) una de sus más arriesgadas seguidoras. A partir de una concepción de cierto apego al deconstructivismo ochentero, la arquitecta de origen iraquí ha hecho realidad sueños de metal y hormigón con formato de leyenda, como el del Pabellón Acuático de los recientes Juegos Olímpicos de Londres o el bautizado con el apodo de The MAXXI (también conocido como The National Museum Of 21st Centruty Arts de Roma).

“Vision For Madrid”/ Photo Credits: ZHA

Pero no solamente de grandes gestas monumentales se nutre el trabajo de esta excepcional artista. Precisamente, a esas labores menos conocidas de su profesión es a las que prestará atención la galería Ivorypress de Madrid (Calle Comandante Zorita, 48), en el curso temporal del próximo 4 de septiembre al 3 de noviembre del presente año.

“Vision for Madrid”/ Photo Credits: ZHA

Zaha Hadid. Beyond Boundaries, Art and Design (Más allá de las fronteras, arte y diseño) es el título de la exhibición organizada por el experto Kenny Schacter para ser acogida en la city del Oso y el Madroño; una cita en la que el esforzado comisario hace hincapié en la variante emocional, sensitiva y plástica, características inmutables en una constructora con espíritu de humanismo latente, que vierte en cada objeto producido en su factoría de ideas. Un compromiso con la naturaleza que transmite la placidez de una señora cuyas musas mezclan culturas de atmósferas exóticas y tradiciones míticas, confabuladas en extraño y atrayente misticismo; a medio camino entre el universo milenario de su origen asiático y sus experiencias en la cosmopolita metrópoli regada por el Támesis.

“Aqua at Dover Street Market”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

A modo de implicación creativa, colindante con las teorías de expansionismo visual propias de Leonardo da Vinci y Frederick Kiesler, el recorrido expositivo se compone de dibujos, pinturas, esculturas e instalaciones, que toman peso de obra maestra a través del toque mágico e imaginativo de esta valorada dama, alumbrada en Bagdad hace sesenta y dos primaveras. Cualquier forma adquiere en las palmas de Hadid aroma de exclusividad, de cuento a lo Sherezade adormecido con las entonaciones formales del caos controlado, de desfiguración alentada por la imperfección de las bellezas cambiantes.

“Dune Formations”, Venice Biennale, 2007/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Asentada en su estudio del 10 de Bowling Green Lane, la arquitecta iraquí toma el pulso de la cotidianeidad en una línea semejante a la del insuperable Mies van der Rohe, sin reparar en la sencillez o la aristocrática prestancia del elemento que se propone manipular. Para ella es tan importante una terminal de aeropuerto como una pequeña cuchara. Ambas poseen una concepción creativa que ZH no deja escapar, y que sus musas envuelven con el celofán de la genialidad, sin etiquetas relativas al tamaño para revelar su espectacularidad.

“Elastika”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Ese sometimiento a la fantasía constante se puede observar, por ejemplo, en las fachadas e interiores del Pabellón Puente de la Exposición Universal de Zaragoza (2008), el Centro Contemporáneo Rosenthal de Cincinnati (Ohio, USA) o The Hoenheim Nord Terminus de Estrasburgo. Pero, igualmente, la misma sensibilidad orientativa es la auténtica protagonista en menor perspectiva de la famosa Z-Chair, de sus muebles al estilo de un art decó contemporáneo o de sus múltiples joyas con engarces misteriosos y seductores.

“Form in Motion”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Cuando un espectador se adentra en los trabajos de la inglesa de adopción, lo que resalta es la obsesión por las líneas corporales que inspiran sus proyectos. De esta manera, sus edificios traspiran sudor y ensimismamiento de caderas contorsionadas, calidez de torsos doblados en actitud circense, atrevimiento de nalgas rubensianas desafiando al sol y piernas que rezuman musculatura de trasiego y comodidad.

“Ideal House”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Mientras Ivorypress habilita estos días el espacio 1 de su galería, para alojar a tan particular e inmensa creadora, seguro que Hadid ya está volando hacia nuevos paraísos imaginados, manipulados, fragmentados, alimentados con sinuosidades y toboganes playeros. O, tal vez, su viaje tenga por destino islas artificiales en enclaves como Bilbao (reestructuración de Zorrozaume). Aunque la Villa y Corte la retendrá, aunque sólo sea en esencia curricular, hasta noviembre. Y lo hará por medio de su faceta más cercana: la de la plástica de lo rutinario.

“Crater”/ Photo Credits: Estudio de Zaha Hadid

Más información en http://www.ivorypress.com y http://www.zaha-hadid.com

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09may / 2012

Moneo inventa un hueco en su casa para el Premio Príncipe de Asturias de las Artes

El arquitecto navarro es el ganador del prestigioso galardón en 2012

Arenas de plata contemplan San Sebastián a través de los cristales del Kursaal. Desde sus paredes de arquitectura entre onírica y funcional, el paisaje metabolizado por el creador del edificio se sumerge en extensiones acuosas; rompiendo ladrillo y hormigón al ritmo de las mareas. Al mismo tiempo, y en otras latitudes de aventureros colombinos, los cánticos espirituales surcan los muros de la catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles (en California, USA); sones de melodías celestiales que entretejen su memorística de himnario con las telas de los maestros del Museo del Prado. Todos estos lugares tienen en común el nombre del mismo hacedor de proyectos: un maestro de la escuadra y el cartabón que acaba de ser distinguido con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, en la edición de 2012.

El jurado ha destacado su compromiso con la sociedad y el entorno

El estudio de José Rafael Moneo Vallés (Tudela, Navarra, 1937) no debe albergar ya en el crepitar de sus arcones sitio alguno donde colocar el sinfín de menciones que acredita este señor de rostro simpático –como de ciudadano de educada cortesía- y currículo envidiable. Cuando en 1996 recibió el Nobel de la Arquitectura (o lo que es lo mismo, el Pritzker) parecía que ningún galardón posterior podría arrebatar el fulgor de tal reconocimiento. Sin embargo, en 2001 le llegó el Mies van der Rohe de la especialidad; y ahora le cae el prize por excelencia de las tierras españolas, la honorable puntilla a la sabiduría constructora de este inventor de habitabilidad; a la vez que de formas indelebles de la capacidad de los hombres y mujeres para transformar el entorno sin estridencias.

Las obras del artista de la escuadra y el cartabón tienen un marcado racionalismo contextual

Precisamente, ahí reside una de las virtudes de la obra de Moneo, en el intento voluntario por evadirse de la extravagancia con la que adornan sus productos muchos de sus colegas. Así lo concibió desde sus experiencias primerizas a las órdenes del irrepetible Francisco Javier Sáenz de Oiza; un trabajo por captar el pulso urbanístico que el entonces joven arquitecto aprendió de mentores tan ilustres como Jorn Utzon (el navarro estuvo colaborando en el despacho del responsable del edificio de la Ópera de Sidney entre 1961 y 1962).

El Kursaal, en San Sebastián, es uno de sus edificios más admirados

Tras visitar cada una de las piezas que componen el variado fresco de materiales nobles de Moneo, se puede sacar como nexo de unión el profundo compromiso que sus proyectos tienen con la generación de emociones por parte de los espectadores; quienes se sienten integrados con el escenario mediante una perspectiva sutilmente utilitarista de los interiores (algo que el compatriota de Calatrava extrajo de su asociación con las corrientes holandesas).

Uno de sus encargos más polémicos fue el de la ampliación del Museo del Prado

De esta forma, el artista norteño de las proporciones ha sabido ambientar selvas virginales en medio de capitales asfixiadas por la contaminación (Estación de ferrocarril de Atocha, en Madrid); andenes con destino a direcciones de ensueño metafórico (Nueva terminal del aeropuerto San Pablo, en Sevilla); salas donde los pigmentos se rebelan contra blancos impolutos (Museo de Arte Moderno y Arquitectura, en Estocolmo); o cubículos inmensos alimentados con palabras impresas (Nueva biblioteca de la Universidad de Deusto, en Bilbao).

Expuso su vertiente más espiritual con la catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles, en USA

Tales vestigios de dignidad profesional gestionan una carrera en la que no han faltado los encargos mediáticos y, por ello, colindantes con las polémicas de la preservación histórica de los monumentos intervenidos. Semejante efecto de réplicas airadas lo sufrió Moneo en primera persona cuando le fue encomendada –previo concurso- la ampliación del Museo del Prado. Muchas voces se alzaron en su momento contra un plan que supuestamente iba a poner en peligro el claustro de Los Jerónimos; sin embargo, como en la casi totalidad de sus obras, al final se impuso la cordura de un racionalista convencido, en el que el impacto visual se esgrime con el respeto reverencial hacia las canas de las ciudades que acogen sus ideas.

Moneo no para de crear a pesar de los reconocimientos y su extenso legado

Incansable, a sus setenta y cinco años, el responsable del engrandecimiento de la sede madrileña del Banco de España y de la transformación del Palacio de Villahermosa, en lo que es el Thyssen-Bornemisza, recibe el Príncipe de Asturias de las Artes en plena efervescencia constructora; faceta que el natural de Tudela ejerce en esta década, entre otros hitos próximos, por medio de la proyección de la Iglesia de Iesu, en San Sebastián, y del Museo de Arte Contemporáneo, en Navarra.

Sus visiones planificadas a escala forman parte del paisaje de urbes diseminadas por todo el mundo

19dic / 2011

Smith y Kelly erigen un bebé gigante para que contemple el último Premio Turner

La instalación expuesta en el Baltic Centre inglés está comisariada por Emi Fontana/ Photo Credits: Jason Mandella

La ingenuidad del hombre que preconizaban los maestros de la Ilustración tiene cuerpo de metal, además de un comportamiento dadaísta y neurótico, para los creadores de A Voyage Of Growth And Discovery. La pareja de artistas americanos (matrimonio profesional compuesto por el espíritu multimedia y la escultura arquitectónica con ingredientes inusuales) da forma visual a un individuo eternamente infantil, al que le persigue la aureola de la liberación; sin importarle romper las normas establecidas en lo que ellos llaman proyecto anti-psicodélico. Un relato cromático y tridimensional alimentado por imágenes de ático, instantáneas de arcón con amplios ventanales hacia el polvo de lo que un día fue el Far West.

La cita también permite observar las obras seleccionadas en la útima edición del Premio Turner/ Photo Credits: Baltic Centre Of Contemporary Art

Después de haber presentado el mencionado trabajo en Nueva York, con notable éxito por cierto, el obseso de las cámaras y la música envolvente nominado como Michael Smith y el diseñador angelino Mike Kelly desembarcan con toda su parafernalia modernista de cultura a lo The Doors y The Mamas and The Papas, en las salas de la prestigiosa galería británica Baltic; donde convivirán hasta el próximo 15 de enero de 2012 con la obra del último ganador del prestigioso premio Turner: el escocés Martin Boyce.

El vencedor del cuantioso galardón resultó el escultor escocés Martin Boyce/ Photo Credits: The Baltic Centre Of Contemporary Art

El vencedor del galardón concendido el pasado 5 de diciembre resultó ser el escultor escocés Martin Boyce/ Photo Credits: The Baltic Centre Of Contemporary Art

El elemento viajero es una constante que se repite en las seis pantallas gigantes que recrean la acción de la recién estrenada asociación entre Smith y Kelly. Aupado por un mundo de formas tubulares, Ikki -el crío que ideó hace unas tres décadas el primero de ellos- toma el auténtico protagonismo, disfrazado con el eclecticismo sensorial que suelen desplegar todas las exhibiciones que han forjado las respectivas carreras de la casual pareja. Una regresión a los sesenta, pero sin sintonizar excesivamente con los dogmas comuneros del hipismo y movimientos semejantes, es lo que plantea el dueto; un tique de vuelta a los campings que le sirve a Baby Ikki para hacer de la suyas. Seguido por un equipo fílmico, este tipo de ficción, un adulto vestido como un infante de los de chupete en los labios y pañales gigantes, se pasea por las instalaciones de Burning Man (en el desierto de Black Rock, en Nevada, USA) con el objetivo de mostrar a los veraneantes en qué consiste su vena primitiva.

"A Voyage Of Growth And Discovery" reúne por primera vez a Mike Kelly y Michael Smith/ Photo Credits: Kelly y Smith

En el delirio escénico en el que se ve envuelto el héroe con el síndrome de Peter Pan, el chavalín de las gafas de sol causa incendios, se mete en peleas sociales por los contenidos televisivos y pasea su carga de denuncia del mundo contemporáneo, tanto por el día como por la noche, sin tregua y aliado con el agua, el viento, el fuego y la tierra. Todo esto genera un material escénico que se repite con el fulgor de una hipérbole temporal anudada cadencialmente, que Smith arropa con la imaginación de su compañero de experiencias y aventuras: el metalero del plinto Mike Kelly.

La trama de la instalación se basa en un viaje de Baby Ikki por el desierto de Nevada/ Photo Credits: Kelly y Smith

Amante de la utilización de los componentes extraños y poco demandados por sus colegas de profesión en las artes plásticas, Kelly diseña la corporeidad de Ikki con un cúmulo de piezas desgastadas y de escaso valor, torres de madera, campanas geodésicas y sustancias animales esparcidas por el suelo. El conjunto y la monumentalidad del trabajo hace que A Voyage Of Growth And Discovery sea un verdadero acontecimiento de atracción pergeñado por el comisario Emi Fontana; y eso a pesar de estar albergado por el centro levantado en la ciudad de Gateshead (al noroeste de Inglaterra) donde se ha trasladado también la exhibición que presenta las piezas del cuarteto de finalistas para el Premio Turner de 2011.

Smith lleva con el personaje cerca de tres décadas/ Photo Credits: Smith y Kelly

Hasta el 8 de enero, los prestigiosos nombres seleccionados como los mejores artistas británicos del año –menores todos ellos de cincuenta primaveras- tendrán que compartir la orilla del río Tyne con los irreverentes estadounidenses; lo que lleva implícito todo un universo de influencias y de enriquecimiento visual mutuo, tan interesante como globalizador y cosmpopolita.

La colaboración del escultor Mike Kelly ha resultado esencial para la muestra/ Photo Credits: Smith y Kelly

De esta forma, el espectador que se acerque al sorprendente Baltic Centre Of Contemporary Art (construido hace más de cuatro décadas en South Shore Road) podrá contemplar -junto con las travesuras de Baby Ikki- la obra vencedora del certamen mejor dotado del panorama plástico en Reino Unido –que en esta edición ha ido a parar a las manos de Martin Boyce, por su naturalista recreación de una arboleda metamorfoseada en hojas blancas de metal- unida al resto de los que compitieron con él (la escultora de los olores y las sensaciones perceptibles Karla Black, la experta en imágenes multimedia y sonido revitalizador Hilary Lloyd y el pintor de los desmanes denunciables de un Coventry de pesadilla y fantasía llamado George Shaw). Así, si el cerebro pide a la retina del cliente mayor vértigo emocional que el de la simple contemplación de los Turner, este tiene la posibilidad de congraciarse con el humor light y de voluntario parvulario programado por Michael Smith y Mike Kelly: unos revolucionarios de la tierra de las barras y estrellas sin banderas ni consignas, sin estigmas generacionales ni discursos categóricos.

La exposición multimedia montada en Gateshead Quays estará hasta el próximo 15 de enero de 2012/ Photo Credits: Kelly y Smith

Más información, horarios y entradas en http://www.balticmill.com

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27abr / 2011

Sin noticias de Weiwei

El autor de las pipas de porcelana de la Tate Modern de Londres continúa detenido en China

Las horas parecen caer con un ruido ensordecedor de impaciencia entre los familiares del artista y arquitecto chino Ai Weiwei (1957). El silencio perpetuo en el que el gobierno de su país mantiene a los parientes del creador, desde que este fuera detenido en el aeropuerto de Pekín hace ahora tres semanas, es como un muro impenetrable; una pared inconmovible ante las ansias de libertad del propio constructor y de otros muchos de los ciudadanos que no piensan como los dirigentes de la nación. Lo ocurrido con el colaborador de Herzog & de Meuron recuerda mucho a la situación que padece el Nobel de la Paz de 2010, Liu Xaobo; y rememora actitudes de cerrojazo más cercanas a la Edad Media que a la globalidad supuesta del siglo XXI y de las redes sociales.

Asuntos de índole económica es la escueta explicación -según fuentes cercanas al fundador del Fake Design- que la policía ha hecho llegar sobre la encarcelación de Ai; una excusa demasiado débil cuando ni siquiera se ha tenido en cuenta el derecho de todo detenido a un periodo de habeas corpus. Anteriormente a este arresto, el diseñador del estadio olímpico pequinés estuvo hace un tiempo relacionado con el derrumbe de unas escuelas elaboradas por su empresa, tragedia acaecida por la acción de un devastador terremoto en Sichuan. En ese caso, el responsable de las pipas de porcelana de la Tate Modern de Londres fue absuelto, al no hallar la justicia responsabilidades directas en las imputaciones. Sin embargo, en esta nueva incursión policial, el tema es mucho más susceptible de polémica; ya que sugiere a simple vista una especie de revancha del régimen contra un espíritu en continua lucha a favor de una progresiva democratización en la tierra de La Gran Muralla.

Hace unos días, el primer ministro Wen Jiabao proclamaba a los cuatro vientos y con los mass media como testigos el ánimo del gigante comunista para comenzar a dotar a sus compatriotas de un cierto margen de libertad de pensamiento y de expresión. Este anuncio venía después de que el ejecutivo de la nación de Mao intentara acallar las protestas de sus gobernados, tras comprobar los efectos que las revueltas populares estaban teniendo en algunos de los países africanos (Egipto, Túnez y actualmente Libia). Las masas de insurgentes derrocando feudos de inspiración dictatorial metieron el miedo en el cuerpo al gobierno chino, que no dudó en promocionar un ligero aperturismo, a la vez de supuestamente ”controlar” a los que tenían más posibilidades de convertirse en líderes intelectuales del cambio.

Como batallador de las ideas, Ai Weiwei nunca ha sido un hombre sujeto a los dogmatismos ni a la domesticación de la política dominante. Su actitud de enfant terrible le viene desde sus tiernos tiempos de infancia, donde observó casi desde la cuna lo que salirse de la norma traía conllevado en un territorio como China. Hijo del poeta Ai Qing, quien fue denunciado por el régimen en 1958, el joven Ai tuvo que trabajar en un campo de reeducación, hasta hacerse adulto.

De espíritu creativo y ajeno a los encorsetamientos, el artista de cincuenta y tres años sintió desde muy pronto en su existencia la llamada de la actividad plástica, para convertirla en su profesión y leitmotiv vital. Casado desde muy temprana edad con la también creadora Lu Qing, Weiwei se matriculó en la Academia de Cine, donde se hizo amigo de gente tan influyente en la visión de la cultura asiática como los realizadores Chen Kaige y Zhang Yimou.

Tales señas de identidad fueron la base para conformar el espíritu salvaje y difícil de adoctrinar del polifacético creador. Experiencias poco cómodas para el gobierno con sede en Pekín, como la de la fundación del grupo Stars y su labor como director artístico del China Arts Archives and Warhouse, hicieron que el currículum del excéntrico autor fuera levantando ampollas en la piel roja del titán comunista.

Polémico y concitador de masas, la importancia de las obras del vástago del escritor fue otorgando a Ai una notoriedad en el panorama internacional que no agradaba del todo a los mandamases de la tierra de la Revolución Cultural Popular; un reconocimiento de naturaleza sobre todo occidental que acabó de apuntalar la formación en 1999 del estudio de arquitectura del ahora detenido: el Fake Design.

Parecía que el encargo de la construcción del estadio olímpico de Pekín, en 2008, había limado las diferencias entre el artista y el poder; pero el futuro relevo de la directiva del partido gobernante -pensada para 2012- ha vuelto a generar en teoría el caldo de cultivo necesario para intentar acallar cualquier voz discordante. Tras tres semanas sin capacidad para comunicarse con el exterior, los amigos y seguidores de Ai Weiwei reclaman su salida de las dependencias policiales: un acto con el que el gobierno de Wen Jiabao podría ganar algo de credibilidad, si lo que pretende es presentar su candidatura como un ejecutivo comprensivo con los discursos de la distinción, los mismos que erigen a sus locutores como leones, en vez de simples corderos sin opinión propia.

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28mar / 2011

El Arte en medio del horror nuclear y humano

El Fukushima Prefectural Muesum Of Art se sitúa al lado del monte Shinobu

Desde hace unas semanas, Fukushima es una ciudad condenada; por la que circulan con impunidad los fantasmas de la radiación. La central nuclear que alberga este territorio de tradición milenaria, asentado en torno al histórico Monte Shinobu y a tiro de billete de tren del tecnológico paisaje tokiota, amenaza -tras el devastador movimiento sísmico del que fue víctima el país- con desintegrar la naturaleza circundante. Por eso, las mascarillas casi de ciencia ficción colorean la monocroma tonalidad temerosa y asfixiante de unos habitantes que tiemblan ante lo que podría ser una muerte segura, en caso de un escape generalizado provocado por los dañados reactores de la vecina planta energética.

La colección permanente tiene más de 2.000 obras

Escondido entre las sombras que planean sobre esta prefectura se halla el Museo de Arte, un edificio moderno y de amplias salas al que le pilló el desastre nacional mientras exhibía los trabajos del popular y seguido Estudio Ghibli. Las animaciones diseñadas en la factoría ideada por Hayao Miyazaki en 1985 –y que tomó el nombre de los aviones que lucharon en el Sáhara durante la Segunda Guerra Mundial- dotaron, hasta el aterrador movimiento terráqueo del pasado 11 de marzo, de cromatismo y genialidad artística el espacio que la institución dedica habitualmente a las exposiciones temporales. Pero el desastre acaecido tras el terremoto y el posterior tsunami cortó de lleno la aparente normalidad. Ahora, la confusión hace que las actividades del inmueble cultural estén más o menos paralizadas; mientras los fondos del centro aguardan un futuro incierto, con el espectro de Chernobyl pululando en cada brizna de aire; andidando entre los huecos invisibles de pinceladas sueltas y siluetas marmóreas.

Cuando se produjo el terremoto y el tsunami estaba programada una exposición sobre los Estudios Ghibli

El Fukushima Prefectural Museum Of Art, alzado en el número 1 de la calle Nishiyohan (Moriai), fue inaugurado con todos los honores en 1984, con la misión de convertirse en un referente de las expresiones creativas de la contemporaneidad en esas latitudes. Más de 2.000 obras componen la colección permanente de este particular y efectivo lugar; unión heterogénea destinada a concitar la belleza y el genio de maestros como los impresionistas franceses, con el claro academicismo de los pintores y escultores nipones surgidos en la tierra de Yukio Mishima a paritr del final de la época decimonónica.

La institución fue inaugurada en 1984

Es muy lógico asociar el destino del museo de Nishiyozan con la inmensa institución de similar espíritu que se erige en la ciudad de Hiroshima. Siempre con el recuerdo del bestial e imborrable 6 de agosto de 1945, el Hiroshima Kenritsu Bijutsukan intentó desde su apertura demostrar que después de la destrucción era posible crear Arte; a la vez de ofrecer cama y reposo a las piezas de grandes referentes universales de la Pintura y la Escultura. Ocho habitaciones, denominadas galerías, componen el mapa neurálgico de este centro expositivo. En sus paredes y laberintos hay sitio de sobra para que luzcan con sus mejores pigmentos los sueños de óleo y lienzo pertenecientes al Romanticismo, Impresionismo, Fauvismo, la Escuela de París o la generación de artistas orientales más identificados con las ideas de Picasso, Modigliani, Chäim Soutine o Marc Chagal. Así, las escenas de Shotaro Koyama, Chu Asai, Seiki Kuroda, Takeji Fujishima y Saburosuke Okada se dan la mano con los más representativos cerebros visuales de Europa y América de las postrimerías del siglo XIX y principios del XX.

El futuro es incierto

Las noticias que llegan a Occidente sobre el estado de Fukushima no son halagüeñas, más bien todo lo contrario. La Tierra no está dando muchas esperanzas ni treguas de recuperación al antiguo imperio de los samuráis y el shogunato. No obstante, queda el resquicio siempre alentador de que la solidaridad de la humanidad al completo doblegue a la realidad, para conseguir la ansiada dosis de calma y recuperación que necesitan en estos momentos -de sufrimiento constante- los hermanos del conglomerado de islas que componen Japón.

Para colaborar con los afectados por la catástrofe nipona, los interesados pueden hacerlo mediante donativos directos en las páginas de Save the Children y la Cruz Roja. O bien, mediante SMS, de la siguiente manera:

Los abonados a Telefónica/ Movistar deben mandar “Japón”, al 28077

Los abonados a Vodafone deben mandar “CRE”, al 28052

Todo pasa por acabar con los problemas en los reactores de la cercana central nuclear

Más información http://www.art-museum.fks.ed.jp

Nota.- Algunas de las imágenes tienen el copyright del Fukushima Prefectural Muesum Of Art.

25mar / 2011

El Greco vuelve a Toledo

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, dio por finalizada la reforma del hogar del pintor

La luz opaca se vela con blancura de ultratumba a través de las celosías. Mientras, los fantasmas demacrados con pigmentos reveladores juegan al escondite con el visitante, en el vetusto y regio inmueble que se levanta en el barrio toledano de la judería. Allí, tras ventanales ocultos por la penumbra y mantos de nocturnidad obligada se asoma el rostro de Doménikos Theotokópoulos (Grecia, 1541- España, 1614), con timidez de pinceles y lienzos rebosantes de anochecer, para dar la bienvenida a los huéspedes de su museo, de su albergue de fantasía y calma.

La insitución es una de las atracciones turísticas de la urbe castellana

La casa de El Greco abre hoy sus puertas después de cinco años de reformas y martilleos constantes, con el objetivo no escondido de demostrar la pasión que la ciudad siente hacia uno de sus maestros más reconocidos, un hijo adoptivo que se convirtió en un castellano tan ilustre como el venerado Don Quijote, desde que en 1577 decidiera establecer su residencia en el enclave de tradición multicultural.

El artista estableció su residencia en Toledo en 1577

El magno edificio, situado en la histórica calle de Samuel Leví, conoció el momento de su inauguración en el lejano 1910, cuando el Marqués de Vega-Inclán se hizo cargo de engalanar el espacio para concitar el arte de uno de los grandes genios de la pintura española en el siglo XVI. El noble fue uno de los pocos que confiaron en un artista maldito por la incomprensión de la que fue fruto su obra, incluso transcurridas varias centurias desde su fallecimiento.

El centro tiene previstos incluso talleres familiares

En el tiempo del heleno, Theotokópoulos tuvo que sufrir el escarnio público de mecenas tan lisonjeros como los pertenecientes a la monarquía, que se disputaban con sangre y fuego los favores de venerables flamencos como Rubens o inmortales italianos como Tiziano; antes de quedarse con el universo de expiación espiritual que conformaba la producción de El Greco.

Numerosas actividades completarán el conocimiento sobre el genio del siglo XVI

El compatriota de Fidias se sintió maltratado ante el muro de las preferencias palaciegas, pero no por eso renunció a sus visiones futuristas de transformación de la materia pictórica. En sus telas se conjugaron la fe en estado puramente celestial con la admiración declarada hacia Miguel Ángel y el mencionado Tiziano. Usar la paleta sin que siquiera se notara, dar contornos vaporosos y acercarse al aura de unas figuras constantemente entre la realidad y el sueño fueron en los cuadros de este toledano de pro ejes de concepción visual que, pese a que no entusiasmaron a muchos de sus coetáneos, sorprendieron a generaciones de artistas en épocas posteriores.

El Greco fue un pintor incomprendido durante mucho tiempo

Disfrutar con todo lujo de explicaciones de El Apostolado, San Bernardino o El Redentor; sin olvidar El entierro del conde de Orgaz (exhibido hasta el momento en la aledaña iglesia de Santo Tomé) y El caballero de la mano en el pecho es posible en un sentido más globalizador tras este trabajo de adecuación de la antigua casa donde habitaron Samuel Leví (tesorero del Rey Pedro I de Castilla) y el Marqués de Villena.

El pintor de las sombras vuelve a hacerse carne con la inauguración de su otrora hogar, en el que aún -y si la imaginación del turista está por la labor- se puede oler su perfume turbador a tintura de Más Allá y a sufrimiento de patetismo escénico.

La religión se convierte en forma humana en la producción del autor de "El entierro del Conde de Orgaz"

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24feb / 2011

Clasicismo antes de la gran batalla

"Circo", obra de Antonio Dinghi fechada en 1927. Gerolamo y Roberta Etro, Milán

Para crear normalmente es necesario sufrir, desangrarse frente a la pieza de arte, explosionar la visión sensible hasta límites de auténtica locura y ahogarse en la rebeldía. La Primera Guerra Mundial trajo precisamente eso. Mientras los llantos de los humanos rompían a gritos el cristal de sus gargantas acalladas por las trincheras del odio, los creadores desnudaron sus trabajos de la imposición de las formas; yendo más allá de la concepción meramente mercantilista, para acercarse a un espíritu de efervescencia de vanguardia de singular hondura y recorrido. Sin embargo, el final de las hostilidades -tras la derrota de Alemania y de sus aliados- cortó de raíz la actividad deudora de la novedad; y el pasado se hizo presente en la producción de pintores, escultores, diseñadores, arquitectos y cineastas.

"Mujer sosteniendo un jarrón", de Fernand Léger, 1927. Solomon R. Guggenheim, Museum 58.1508. 2010 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/ ADAGP, París

Ese periplo existencial, marcado por el arco temporal iniciado en 1918 y asesinado por la Guerra Civil española en 1936 y rematado por Segunda Guerra Mundial en 1939, es el protagonista de la exposición Caos y clasicismo: arte en Francia, Italia, Alemania y España, que recala en el Museo Guggenheim de Bilbao hasta el 15 de mayo de la mano del catedrático y experto estadounidense Kenneth E. Silver.

Adolf Ziegler, "Los cuatro elementos". Bayerische Staatsgemäldesammlurgen, Sammlung Moderner Kunst in der Pinakothek der Moderne, Munich

Por los pasillos del centro de falso aluminio edificado por Frank O. Ghery en la urbe vasca, el visitante no se encontrará cara a cara con el fantasma de la muerte marcado con el cromatismo desmembrado del Expresionismo, y tampoco lo hará con las insondables estructuras imaginadas por el movimiento cubista; lo que hallará será corrección casi matemática, regreso al gusto ordenado de un novecentismo decadente y añorado, al tiempo de continuas regresiones temporales a los adocenamientos greco-romanos.

Aristide Maillol, "Île-de-France, 1925. Philadelphia Museum of Art, Filadelfia, donación de R. Sturgis y Marion B. F. Ingersoll, 1957. 2010 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/ ADAGP, París

En este período de paz aceptada, los artistas se negaron a seguir dando rienda suelta a su habitual neurosis colectiva; y se convirtieron en versátiles moralistas capaces de confesar uno por uno a los que habían perdido la esperanza en la humanidad, a todos los que deambulaban sin rumbo por una Europa que era consciente de que, tarde o temprano, acabaría saltando nuevamente por los aires.

Carlo Carrà, "La amante del ingeniero", 1921. Gianni Mattioli Collection, en préstamo a largo plazo a la Peggy Guggenheim Collection, Venecia. 2010 Artists Society (ARS), Nueva York/ SIAE, Roma

Líneas sin fantasías de tridimensionalidad, figuración carente de exhibiciones metafóricas, gusto por los cánones y orden hasta en la composición escénica fueron los vértices por los que pivotaron las obras de conocidos líderes de las otrora vanguardias de la transgresión de plintos y pinceles. Pablo Ruiz Picasso ya no permitía que las damas de rostros cambiantes le sedujeran, en consonancia con un Henri Matisse que no aceptaba que lo vaporoso de su mente perjudicara a la visión de sus figuras y paisajes; incluso Fernand Léger se prodigó –siempre a groso modo- por el terreno menos impuro de su arte geométrico.

Mariano Andreu, "Los comediantes", 1926. Mae. Institut del Teatre, Barcelona

Quizás, el cine, ese invento que aún guardaba cierta mocedad en su carné de identidad, fue la más experimental y atrevidas de las artes en ese intervalo de felicidad impostada. Los directores comenzaban a dominar el campo de las imágenes en movimiento, y se dedicaron a abandonar sin tapujos la falta de riesgo que imperaba en las variantes plásticas con más solera.

Las películas de maestros como Jean Cocteau, con sus escenas de surrealismo latente inmortalizando los grandes miedos de los hombres y mujeres, el costumbrismo hiriente de Jean Renoir o la psicopatía emocional de Murnau rompieron las costuras controladoras de sus hermanas intelectuales más respetadas en el concierto cultural.

Fotograma del filme "Nosferatu", grabado por Friedrich Wilhelm Murnau en 1922

No obstante, el purismo pactado se impuso en el universo occidental; y, con él, llegaron las claves del academicismo activo de los emergentes totalitarismos. El fascismo de Mussolini y, posteriormente, el nazismo de Hitler hicieron del neoclasicismo previo su seña de identidad; y lo tradujeron en construcciones monumentales con un claro sentido del funcionalismo y un Arte que nunca debía exceder la contemplación antilberal de las consignas estatales.

Feliu Elias, "La galerí", 1928. MNAC.- Museu Nacional d'Art de Catalunya, Barcelona, adquisición en la Exposición Internacional de Barcelona, 1929. Ingreso en 1931

Al final, los cuatro jinetes del Apocalipsis volvieron a cabalgar por las tierras yermas del Viejo Continente. Y los pintores, escultores, arquitectos, diseñadores y cineastas continuaron con su suicidio pasional a través de cada lienzo, cincelado, tiralíneas, patrón y filmación. Con esto, el pensamiento nuevamente enarboló -amparado en el caos- la bandera de la libertad.

Julius Bissier, "Escultor con autorretrato", 1928. Museum für Neue Kunst, StädtischeMuseen Freiburg, Alemania. 2010 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/ VG Bild-Kunst-Bonn

Más información en la pagina http://www.guggenheim-bilbao.es

Nota.- Las fotografías utilizadas para este reportaje pertenecen al Museo Guggenheim de Bilbao.

05feb / 2011

Anthony Caro instala su “trono” en Madrid

"Anatolia/ Hudson Series/ 1990-91"

Nota: Todas las imágenes reproducidas pertenecen a la Galería Álvaro Alcázar (Madrid/ Castelló, 41).

Hace algo más de una década, un escultor británico de mirada suave y sonriente se atrevió a construir las puertas del Juicio Final, en la recordada edición de 1999 de la Bienal de Venecia. Los ángeles, embelesados con la terracota de su diseño hicieron oídos sordos ante la proclamación del artista por reivindicar los pecados de la humanidad. Pero los visitantes asistieron mudos ante la exposición rotunda de su Sodoma y Gomorra particular, mural singular de los vicios de una sociedad hedonista y convenientemente perdida en la confusión, ajena a salvación alguna.

Las obras de Caro tienen un componente arquitectónico, como "Arena Piece/ 1995-96"

Anthony Caro (Surrey, Inglaterra, 1924), rozó por unos instantes la inmortalidad de tradición renacentista y barroca; y poco volvió a ser lo mismo para este renovador de conceptos, en la representación del espacio escénico y en la utilización diversa y versátil de los materiales aparentemente más cotidianos. Por eso no es de extrañar que la galería madrileña Álvaro Alcázar (Castelló, 41) le haya prestado al genial creador su piso capitalino por unos meses, para que este mago de los sueños tridimensionales despliegue su pasión por las formas, por la rotundidad clavada a base de cincel, plinto y –por qué no- de juegos con mecanos infantiles.

"Trono 2001/05" es una de las esculturas expuestas que más llama la atención

Las obras que se exhiben en el centro de la Villa y Corte hasta el próximo 12 de marzo tienden los lazos a la faz más arquitectónica del trabajo de un hombre que bebió toda su vida de las influencias asimétricas de su amigo y maestro Henry Moore, de las concepciones reglamentadas en la cultura greco-romana y de los ancestros más escondidos en el alma visual de hombres y mujeres, con una actitud casi marcadamente rupestre e incluso prehistórica.

El salvajismo que existe en las estrías y virutas de la madera, la piedra y el acero hacen de la producción de Caro una experiencia sustanciosa para todos los que se adentran -sin mapa ni gps- en sus laberintos emocionales; otorgando un valor totémico a cada una de sus figuras intemporales y estilizadas a pesar de su brutalidad inherente.

"Table Piece Y. 32/ 1984-85"

Algo ha ido cambiando en la visión de este genial imaginero, desde que estimulaba su percepción sensitiva -en los cincuenta y sesenta- a base de transgresiones de incitaciones primigenias. Las piezas exhibidas en la galería Álvaro Alcázar son mucho más minimalistas y geométricamente perfectas de lo que es habitual en el inglés. A partir de un gigantesco trono de acero inoxidable, madera de jarrah y hormigón; el espectador se encuentra con metáforas de delineante, en las que las líneas precisas y sugerentes le ganan en prestancia a las otrora arcillas maquilladas con el sudor de unas palmas hirientes y sufridas.

Aún hoy en día, pese a contar con cerca de ochenta y siete años, el caudal analítico de Sir Anthony Caro es de los que dejan la huella de lo que es imposible de olvidar, como si de una fragua hecha objeto se tratara; reflejando en un espejo el rostro siempre metamorfoseado y kafakiano -a la vez de inmutable y milenario- de los herederos de Adán y Eva que pueblan este planeta de fantasmas andantes. Espectros que se sujetan a la arena con la única ayuda del peso del Arte.

Para más información, contactar con: http://www.galeriaalvaroalcazar.com

"Arena Piece/ Anthem/ 1995-96"

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