Series míticas: La fuga de Logan


La producción comenzó su emisión el 16 de septiembre de 1977/ Photo Credits: CBS

La producción comenzó su emisión el 16 de septiembre de 1977/ Photo Credits: CBS

En el siglo XXIII, las empresas de cremas antiarrugas serán un negocio en vías de extinción. Dentro de una sociedad en la que sus individuos no pasan de las treinta primaveras, lo de la aloevera y el pepino tiene menos futuro que un intelectual en un reality televisivo. Por el momento, esta predicción únicamente posee el cuerpo de las distopías de papel y tinta; pero cuando el río suena… Y ese caudal es precisamente el que alumbró la novela más famosa de la pareja profesional formada por William F. Nolan y Saul David: aguas turbulentas en forma de libro bautizado con el nombre de La fuga de Logan.

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Según el texto original, la trama tiene lugar en la centuria vigésimo tercera, después de una devastadora guerra nuclear. Tras millones de muertos por las radiaciones, los supervivientes se han refugiado en un paraíso donde el hedonismo y la felicidad son constantes de alienación colectiva. Un marco de placer que tiene la pega de que, cuando el ciudadano apaga las treinta velas en su tarta de aniversario, es sentenciado a muerte en el Carrusel.

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Ubicado en ese lugar tan extraño como peligroso, Logan 5 posee la garantía de ser uno de los guardianes de la mortífera norma (policías con placa a los que se les conoce como los Sandmen); cuerpo al que igualmente pertenece su colega Francis. Ambos son uña y carne; sin embargo, la aparición en la vida de Logan de la bella y enigmática Jessica 6 hará que el héroe comience a cuestionarse su existencia en un universo tan injusto, como el que preside su día a día.

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Este argumento levantó un best seller literario de la ciencia ficción. Título de referencia obligada para los aficionados a los cosmos visionarios que fue traducido a imágenes en movimiento en un homónimo filme, dirigido en 1976 el también actor Michael Anderson (los curiosos le pueden dibujar rasgos fijándose en el nieto del filántropo millonario de Los hijos del capitán Grant). En la citada producción, que ganó un Oscar al Mejor Montaje en 1977, el británico Michael York fue el intérprete que puso físico al angustiado Logan; mientras era secundado en su labor por los inolvidables Richard Jordan, Peter Ustinov, y las espectaculares Jenny Agutter y Farrah Fawcett.

Randy Powell (izquierda), Heather Menzies (centro) y Gregory Harrison (derecha)/ Photo Credits: CBS

Desde la izquierda, Randy Powell, Heather Menzies, Donald Moffat y Gregory Harrison/ Photo Credits: CBS

Los buenos comentarios cosechados por la película y el éxito de su historia animaron a los ejecutivos de la CBS (liderados por el productor Leonard Katzman) a probar suerte con una serie para la pequeña pantalla. Aunque el asunto de su traslación a saga televisiva no resultó tan sencilla como pudiera parecer, y eso pese a las mencionadas credenciales aportadas por la literatura y el Séptimo Arte.

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Casi al compás de la gala de los Oscar de 1977, los efectivos Ivan Goff y Ben Roberts (creadores entre otras gestas de Los ángeles de Charlie) mostraron a los responsables de la referida cadena estadounidense el proyecto de La fuga de Logan, cuya trama quedaría narrada en catorce entregas. Con el objetivo de alcanzar el visto bueno, los expertos hacedores de fotogramas de ficción adornaron la idea inicial con un plan de efectos visuales de primera línea en esa época (donde triunfaban empresas de similar género, como Galáctica, Espacio 1999 y Buck Rogers). En concreto, lo que ambos tenían en su cerebro bicéfalo se resumía en grabar secuencias de gran espectacularidad pirotécnica, a base de la utilización del vídeo (algo completamente novedoso en la industria audiovisual hogareña made in USA de finales de los sesenta, y que la BBC ya había explotado brillantemente en Yo, Claudio y Los siete de Blake).

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Tal magnitud en la gestación de los efectos especiales, siempre arropados por el guion envolvente sobre un mundo autodestructivo, hizo que los financieros pusieran su dinero en una serie que empezó su andadura en 1977, y en la que se invirtió un esfuerzo más que notable a nivel artístico y técnico. Dentro del apartado dramático, los encargados del casting buscaron rostros no excesivamente famosos, destinados a dotar de credibilidad a los personajes principales. En este sentido, para el rol de Logan 5, la CBS contrató a Gregory Harrison (Avalon, Santa Catalina Island, Estados Unidos, 1950), por aquel entonces un secundario con posibilidades, que posteriormente protagonizó el más que atractivo filme Razorback.

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Al lado del moreno norteamericano, la canadiense Heather Menzies (la esposa de Robert Urich, que había dado vida a una de las niñas de los Trapp en Sonrisas y lágrimas, y que posteriormente lució sus curvas en Piraña), el británico Donald Moffat (La cosa) y el nacido en Ohio Randy Powell (su colaboración más celebrada fue en el soup serial Dallas) dieron la réplica al de Avalon en una de esas obras que ha ido ganando aplomo con el paso del tiempo, a pesar de que en el momento de su estreno no alcanzara excesivos parabienes.

La cadena abandonó las emisiones nacionales del serial antes del final/ Photo Credits: CBS

La cadena abandonó las emisiones nacionales del serial antes del final/ Photo Credits: CBS

La incorporación de un androide entre los roles más importantes (Rem/ Donald Moffat) o la aparición de unos alienígenas en clave salvadora no fueron ingredientes sustanciales para hacer olvidar la película, en la que se basaba este remake pensado para la pequeña pantalla; y la CBS decidió retirarlo de su programación nacional antes de llegar al episodio 14. Ni siquiera la suma de invitados de lujo como Kim Catrall (Sexo en Nueva York), Horst Buchholz (Los siete magníficos), algunos de los guionistas de Star Trek, el novelista William F. Nolan, Angela Cartwright (Perdidos en el espacio), Jarred Harris (Viaje fantástico) y Nicholas Hammond (The Amazing Spider-Man) sirvieron para hacer levantar el vuelo a esta inteligente serie. Finalmente, 1978 marcó el año del cierre definitivo del invento; aunque sus aventuras en santuarios de veteranía manifiesta aún se mantienen en la memoria de los fans (sobre todo merced al DVD), de los devoradores de relatos en los que la imaginación se tiñe de valentía: unos escenarios que conocen muy bien Mad Max y Blade Runner. Sitios en los que el telón nunca cae por aburrimiento.

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Más información en http://www.snowcrest.net/fox/logantv/index.htm

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Stephen King pone en marcha su cúpula asesina a través de las ondas de la CBS


El próximo 24 de junio, la televisión estadounidense estrenará "Under The Dome"/ Photo Credits: Natalie Martinez

El próximo 24 de junio, la televisión estadounidense estrenará “Under The Dome”/ Photo Credits: Natalie Martinez

Hoy no es un día cualquiera en la localidad de Chester’s Mill (ubicada en las hechiceras y puritanas entrañas de Maine, en USA). Desde el amanecer, una superficie invisible y esférica impide a sus habitantes salir al exterior, y a los de fuera penetrar en el lugar. Nadie sabe cómo se ha producido exactamente este fenómeno, pero lo cierto es que supone una realidad terrorífica e inmutable… Y no existen visos de que la situación vaya a cambiar en breve.

El tema gira en torno a una población aislada por una gigantesca cúpula/ Photo Credits: Natalie Martinez

El tema gira en torno a una población aislada por una gigantesca cúpula/ Photo Credits: Natalie Martinez

De esta manera arranca el argumento de la novela La cúpula, de Stephen King; un texto a medias entre la ciencia ficción y el estudio psicológico de la especie humana, que se asoma a la pequeña pantalla en formato de puzle con trece piezas, bajo el título en el idioma de William Shakespeare de Under The Dome.

El serial se compone de trece episodios/ Photo Credits: Natalie Martinez

El serial se compone de trece episodios/ Photo Credits: Natalie Martinez

La cadena CBS, asociada a la división televisiva de DreamWorks y Amblin, es la valedora de una producción que nace con espíritu de blockbuster, y que corre a cargo del visionario Brian K. Vaughan (al que los lectores pueden identificar por muchas de las rocambolescas tramas de Perdidos). Lejos de los contornos de la Nueva Inglaterra original, los responsables de este proyecto audiovisual de envergadura mediática han instalado sus cámaras durante meses por las arterias –convenientemente desnudas de personas y vida costumbrista- de Southport y Wilmington (en Carolina del Norte). Todo para concitar la fisonomía de una historia que juega con las bazas del misterio sobrenatural y la existencia alienígena, más allá de la galaxia donde queda el planeta Tierra.

Natalie Martinez y Jeff Fahey encarnan a una pareja de polìcías/ Photo Credits: Natalie Martinez

Natalie Martinez y Jeff Fahey encarnan a una pareja de polìcías/ Photo Credits: Natalie Martinez

Estreno de campanillas

El próximo 24 de junio de 2013, a las 22: 00 horas, tendrá lugar la presentación en sociedad de Under The Dome, con un episodio piloto que despejará algunas de las incógnitas relativas a la pegada del guion, trabajo de traducción a imágenes en movimiento supervisado por el mismo Stephen King (quien también ejerce de producto ejecutivo). En esta entrega inicial, los espectadores asistirán desde el salón de sus hogares, la cocina, la habitación o el baño a la sugerente escenificación de la gigantesca cúpula de material no catalogado, que aprisiona a los vecinos de Chester’s Mill. La aparición sin más de este extraño objeto, que asesina a los que osan retar su supuesta invulnerabilidad, es la auténtica protagonista temática del citado prólogo. Un interludio esencial dirigido por el nórdico Niels Arden Oplev (Los hombres que no amaban a las mujeres), en el que también se da a conocer a los personajes principales del serial.

La producción ha sido rodada en Carolina del Norte

La producción ha sido rodada en Carolina del Norte

De esta manera, los televidentes tendrán la oportunidad de toparse con Dale “Barbie” Barbara (militar que tiene asignada una misión cuyo objetivo está entre sombras), Julia (una reportera de informativos que sigue la pista del atlético Barbie), Joe (el díscolo adolescente, cuyos padres se quedan fuera del dome), Angie McAlister (la enfermera aquejada de un comportamiento no muy comprensible), Phill (un popular dj, portador de un oscuro secreto) o Howard “Duke” Perkins (el jefe de policía, quien ha accedido al puesto por la defunción del titular).

King concibió un relato entre la ciencia ficción y el terror psicológico/ Photo Credits: CBS

King concibió un relato entre la ciencia ficción y el terror psicológico/ Photo Credits: CBS

Una fauna realmente variada que responde a rostros no excesivamente estelares en el panorama de las ondas. Aunque, tal vez, los más reconocibles sean los de Mike Vogel (el actor que pone físico a Barbie ha lucido su pelo pincho por películas como Monstruoso y Criadas y señoras), Natalie Martinez (a la que se puede localizar de paisana, como agente de la ley/inspectora en C.S.I. de Nueva York), Jeff Fahey (El cortador de césped) y Dean Norris (un secundario con muchas millas en su currículo, que ha colaborado en cintas del tipo de Desafío total y Terminator II).

El germen de "Under The Dome" está en dos textos del narrador pensados en 1970

El germen de “Under The Dome” está en dos textos del narrador pensados en 1970

A lo largo de trece semanas, King intentará asombrar a las retinas de los seguidores de la CBS con su artefacto futurista de naturaleza indescifrable (por lo menos, no hasta el the end). Aunque, los fans del escritor de It están de enhorabuena; ya que, aparte de las numerosas adaptaciones cinematográficas que se encuentran en el frigorífico de los estudios de Hollywood y en las salas de montaje, la caja de las otrora seiscientas veinticinco líneas está preparando la versión de una de las novelas más célebres del narrador estadounidense: la imaginativa obra bautizada bajo el emblema de El talismán.

El reparto no contiene estrellas excesivamente famosas/ Photo Credits: CBS

El reparto no contiene estrellas excesivamente famosas/ Photo Credits: CBS

Más información y avance en

http://www.underthedome.com y http://www.cbs.com/shows/under-the-dome/

Calixto Bieito bucea por los abismos religiosos y morales de “Pepita Jiménez”


La ópera de Isaac Albéniez estará el los madrileños Teatros del Canal del 19 al 25 de mayo

La ópera de Isaac Albéniz estará el los madrileños Teatros del Canal del 19 al 25 de mayo

Sembrada de mudeces, aterida por alas rotas y sentimientos escondidos detrás del biombo de lo políticamente correcto. Así es la España que fotografió con su pluma el diplomático y escritor Juan Valera (Cabra, Córdoba, 1824- Madrid, 1905), en su novela más famosa: reflejo de un paisaje en tinieblas, donde los impulsos del corazón estaban prohibidos por las conveniencias y los credos mortuorios de la decencia. Un texto de mordazas sociales y misales de apaño sobre una joven a la que se le impedía expresar los deseos de su pasión. Confesión descarnada contra un tiempo de felicidades truncadas, que adquirió senda de sinfonía operística de la mano del magistral Isaac Albéniz.

La soprano Nicola Beller Carbone encarna a la heroína de la novela de Juan Valera

La soprano Nicola Beller Carbone encarna a la heroína de la novela de Juan Valera/ Photo Credits: Teatros del Canal

Más de una centuria después de la publicación del libro original (ocurrida en 1874) y del estreno de la mencionada pieza de bel canto (la primera versión está certificada en 1895), los madrileños Teatros del Canal acogen en su Sala Roja una peculiar adaptación del libreto ideado por Albéniz y su colaborador inglés el Barón Francis Money-Coutts. Representaciones de sólido empaque artístico que dirige el singular Calixto Bieito, y que tendrán lugar los próximos 19, 21, 23 y 25 de mayo.

La pieza de bel canto fue catalogada por su autor como comedia

La pieza de bel canto fue catalogada por su autor como comedia

Como es habitual en cada uno de los trabajos del escenógrafo burgalés, esta visita a la historia concebida por el literato andaluz goza de ciertas modificaciones, que sin duda generan una diferente perspectiva en la forma de entender los acontecimientos que se describen en ella. Para empezar, Bieito parece dejar en la maleta de los objetos olvidados la denominación de obra cómica, con que la tildó el mismo don Isaac, para engalanarla con un barroquismo de capilla. Todo ello remozado a través de una salsa de negras tonalidades, que quiebra sus lamentos en medio de una Piel de Toro inspirada en la época franquista.

Bieito propone una escenografía a base de armarios/ Photo Credits: Teatros del Canal

Bieito propone una escenografía a base de armarios/ Photo Credits: Teatros del Canal

En ese ecosistema, los personajes sufren con la desmesura de los timbres al borde de la neurosis, siempre sujetos a la parálisis emocional que experimentan a lo largo de los dos actos que dura la trama argumental. Tempo de guadañas costumbristas que emprende el vuelo del águila conforme se producen los encuentros furtivos entre los amantes condenados, personificados por Pepita y Luis. Ante semejante ejercicio de precisión espectral, la experta Rebecca Ringst levanta un plató de dimensiones gigantescas, en el que destacan los numerosos compartimientos desplegados cual armarios, ubicados literalmente en la tarima frente a los espectadores, para simbolizar los pesados condicionantes de los seres que pueblan la pieza.

La trama del montaje del director burgalés se remite a la de la España franquista/ Photo Credits: Teatros del Canal

La trama del montaje del director burgalés se remite a la de la España franquista/ Photo Credits: Teatros del Canal

Enterrada en esas zanjas de depresión ética, la soprano Nicola Beller Carbone toma el pulso decidido de Pepita Jiménez, la joven viuda de un octogenario a la que pretenden todos los caballeros casaderos de la comarca; aunque a ella sólo le interese el candor de Luis de Vargas (interpretado por el tenor canario Gustavo Peña): el hijo seminarista del poderoso don Pedro (Federico Gallar), quien también ansía echar mano a la fortuna de la bella veinteañera.

El estreno de la ópera aconteció en 1895

El estreno de la ópera aconteció en 1895

Al igual que en el libro impreso en papel, la composición musical toma el camino de los encuentros furtivos entre la pareja (a la cual une un deseo no expresable en las fronteras castradoras de la Andalucía caciquil). Sin embargo, la creación de Albéniz adquiere un cariz mucho menos melodramático conforme evolucionan los acontecimientos, para plasmar su canto de cisne con un desenlace más o menos complaciente, que no se atisba en la tragedia novelesca.

A lo largo de su existencia, "Pepita Jiménez" ha sido interpretada por algunos de los mejores tenores y sopranos

A lo largo de su existencia, “Pepita Jiménez” ha sido interpretada por algunos de los mejores tenores y sopranos

Bieito pretende que su Pepita Jiménez sirva por lo menos para hacer reflexionar al público, sobre la naturaleza de esos dolorosos silencios colectivos que han amortiguado las laceraciones perpetradas en la tierra de Cervantes y Lope de Vega, contra los hombres y mujeres que han callado las vejaciones y las injusticias, como si hubiera un pacto tácito con el que se intentara constantemente pasar página frente a los episodios tenebrosos o mínimamente censurables. Por lo menos, en la catedral gótica del escenógrafo burgalés, los testimonios son a voz alzada; aunque éstos se hallen abrazados por el visón aterciopelado de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, y por la batuta rectora de José Ramón Encinar.

La obra desborda sentimiento por su denuncia de la hipocresía social

La obra desborda sentimiento por su denuncia de la hipocresía social

Más información, entradas y horarios en http://www.teatrosdelcanal.com/espectaculos/pepitajimenez

Blur se acercan al Mediterráneo para animar el Primavera Sound de Barcelona


La banda inglesa ha lanzado al mercado una recopilación de toda su carrera musical

La formación inglesa ha lanzado al mercado una recopilación de toda su carrera musical

Las veintiuna velas (casi 22) en la tarta de cumpleaños del álbum Leisure parece que están sirviendo para activar el motor de la mítica banda de Colchester; el cuarteto que insufló líquido amniótico al Brit Pop de los noventa, con sus propuestas enérgicas y los flequillos vintage según la moda de The Beatles. Lejos, adormecidos en los arcones de las telarañas embaladas con estéticas deudoras de La naranja mecánica, quedan himnos de rebeldía teen tan emblemáticos como Country House y Song2; pero Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree no son de los artistas que pasan fácilmente al olvido. Realidad más que comprobable en cada uno de los pasos que los miembros del mediático team han tomado, desde la grabación de su último disco de estudio.

Albarn, Coxon, James y Rowntree son cabezas de cartel del Primavera Sound de Barcelona

Albarn, Coxon, James y Rowntree son cabezas de cartel del Primavera Sound de Barcelona

Cuando en 2012, Blur visitó en unión una sala de grabación, los tabloides y las revistas especializadas vieron un resquicio de luz, referente a la reaparición de una de esas formaciones que con su música marcó a la generación de los caminos en penumbra, a los militantes genéticos de la enigmática X que fueron alumbrados en la época del bay boom. Y no se equivocaron los del mundillo de las ondas.

El concierto de Blur está programado para el próximo 24 de mayo, a la 1: 30 en la sala Heineken

El concierto de Blur está programado para el próximo 24 de mayo, a la 1: 30 en la sala Heineken

Después de limar las tensiones que marcaron la otrora separación del grupo, los cuatro ingleses sacaron de los entresijos de su talento dos sencillos: Under The Westway y The Puritan, un par de canciones con las que demostraron que la savia del pasado aún está muy presente en su paisaje de pentagramas; aunque la evolución haya alejado los puntos de fuga del Pop inicial hacia otros géneros de variada profundidad sensitiva y cultural.

En 1990 apareció el disco de debut del cuarteto: Leisure

El 4 de julio de 1991 apareció el disco de debut del cuarteto: “Leisure”

Inmersos en esa intención de devolver el antiguo prestigio a los compositores de Modern Life Is Rubbish, Albarn y sus muchachos han comenzado por acercarse a sus fans mediante el vivo y el directo, y de paso airear la lujosa recopilación de sus éxitos que han englobado -avalados por EMI- en Blur 21: The Box (una obra verdaderamente imprescindible, para todos los que se consideran admiradores de los sonidos eclécticos de estos isleños siempre atentos a sus propios impulsos creativos).

Los de Colchester marcaron una época en el Brit Pop de los noventa

Los de Colchester marcaron una época en el Brit Pop de los noventa

Tal determinación en pasearse por los principales eventos sinfónicos del planeta traerá a España a los eléctricos trovadores de Parklife durante este mes de altibajos atmosféricos; en concreto, la visita se efectuará en el marco del Primavera Sound de la Ciudad Condal, que se celebra entre el 22 y el 26 de mayo. La participación de los responsables del magistral 13 está marcada en el programa de la mencionada congregación rítmica como una de las fechas a tener en cuenta, y eso que el cartel anunciado no escatima otras estrellas de relumbrón, como los estimulantes Nick Cave & The Black Seeds, el emergente James Blake, el más que envolvente baladista de la nueva ola Christopher Owens o el legendario guía de Kurt Cobain Daniel Johston.

En 2012, la banda se unió para grabar "Under The Westway" y "The Puritan"

En 2012, la banda se unió para grabar “Under The Westway” y “The Puritan”

El próximo viernes 24 a la 01: 30 de la mañana (en la sala Heineken del mediterráneo Parc Fòrum), Damon, Coxon, James y Rowntree agitarán a los asistentes con las guitarras imantadas, los punteos de clave crujidora, las baquetas ensordecedoras, los coros de reconocible vestuario y mucha nostalgia hacia un mundo que ya ha dejado de existir. Un universo de telediario y de jornadas subidas a las ruinas del Muro de la Vergüenza berlinés, de noches insomnes en busca de soluciones pacificadoras y madrugadas en las que asaltar los pilares de una tierra dividida en bloques de antagonismo, cuyas atalayas se han ido desmoronando (quizá para ser sustituidas por otras igualmente marginadoras).

El productor William Orbit ha mostrado esperanzas respecto a un nuevo trabajo inédito de Blur/ Photo Credits: Blur

El productor William Orbit ha mostrado esperanzas respecto a un nuevo trabajo inédito de Blur/ Photo Credits: Blur

Incluso la pasada rivalidad comercial entre Oasis y Blur ya ha pasado a la historia. Por lo menos, los segundos parece que siguen con la esperanza de confluir sus virtudes y experiencias en conjunto. No obstante, habrá que esperar para comprobar si la aventura de los conciertos primaverales y veraniegos (también son nombre de referencia en el excelente Sziget Festival de Hungría) da como resultado ese ansiado álbum, que todos los amantes de las buenas formaciones les demandan desde hace ya unos cuantos years.

La gira les va a servir para atemperar los diferentes egos

La gira les va a servir para atemperar los diferentes egos

Más información en http://www.blur.co.uk y http://www.primaverasound.com

La Cinemateca francesa lustra el arcoíris memorístico de Jacques Demy


La institución del país de La Marsellesa dedica una muestra al autor de "Los paraguas de Cherburgo"

La institución del país de La Marsellesa dedica una muestra al autor de “Los paraguas de Cherburgo”

No hay muchos cineastas a los que el color les desborde por los poros de la piel. Incluso en la duermevela del blanco y negro, esa capacidad innata para rendirse a la extravagancia cromática les hace saltar por encima de las limitaciones técnicas, y de las épocas pretéritas. Uno de esos hombres tintado de rojos, amarillos, azules y verdes fulgurantes fue el realizador de Los paraguas de Cherburgo y Lady Oscar: un individuo con mirada de pintor que supo como pocos trascender las reglas de la Nouvelle Vague, para experimentar con la imagen por medio de un simple leitmotiv argumental, tiranizado por la necesidad de diversión y entretenimiento.

La exhibición se centra en los diferentes formatos creativos en los que trabajó el famoso integrante de la Nouvelle Vague/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

La exhibición se centra en los diferentes formatos creativos con los que trabajó el famoso integrante de la Nouvelle Vague/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

Veintitrés años después de su fallecimiento (ocurrido en la urbe del Sena por causa del Sida), la Cinemateca francesa (ubicada en la capital del Louvre y la Torre Eiffel) dedica a este maestro del desenfreno visual una justa exposición, titulada Le Mond Enchante de Jacques Demy; en la que se rinde tributo a un creador que armó a toda una generación de artistas con las banderolas de la imaginación, con los atavíos de una fantasía a lo Lewis Carroll, que otorgó a sí mismo y a sus discípulos la distinción de los espíritus singulares y sobresalientes.

Entre los objetos hay algunos clichés que permanecían ocultos/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

Entre los objetos hay algunos clichés que permanecían ocultos/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

La prestigiosa institución dedicada a los universos en celuloide, vertebrados en torno a bobinas nostálgicas con carne de sala oscura, ha reunido una gran cantidad de material inédito, relativo a los logros y virtudes del responsable de Las señoritas de Rochefort. Laberinto de tendencias entre pop y surrealistas que nutre sus vísceras con la calorías de extractos de películas, dibujos a modo de rudimentarios storyboards, fotografías de rodajes, guiones, cartas manuscritas, composiciones musicales (normalmente firmadas por el heroico Michel Legrand) y clichés nunca antes vistos (y que ha prestado para la ocasión la viuda del director, Agnès Varda). Eso sin dejar en el tintero de los silencios los vestidos diseñados por Leonor Fini para Piel de asno (1970), o las gouaches lumínicas del decorador y escenógrafo Bernard Evein.

Los responsables han reunido para la ocasión los vestidos de Leonor Fini, diseñados para el filme "Piel de asno"/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

Los responsables han reunido para la ocasión los vestidos de Leonor Fini, diseñados para el filme “Piel de asno”/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

Una vez dentro del cosmos de Demy, el visitante tiene la sensación de estar en el corazón de un gran relato de Perrault o de los Grimm; donde a cada rescoldo de actividad museística es posible encontrarse con una hechicera de aviesas intenciones, o con un duende con el propósito de transformar al portador de la entrada en una rana digna de ser besada en los labios. Entre esos entresijos de posicionamiento estético y estimulante, los más enterados en la materia podrán acercarse igualmente a los latidos profesionales que electrizaron la retina y el pulso del natural de Pontchâteau, y que protagonizaron gente tan diversa como el fauvista Raoul Dufy, el popero y excelso David Hockney, el simbólico y genial Jean Cocteau o la lúdica y folclórica escultora Niki de Saint-Phalle.

Demy desplegó con sus obras un universo lleno de color y extravagancia visual/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

Demy desplegó con sus obras un universo lleno de color y extravagancia visual/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

Todas las sensaciones de su ideario de divinidades de rotulador y acuarela las conjuntó monsieur Jacques en una carrera de dieciocho películas “enlazadas las unas con las otras”, como le gustaba decir. En ellas, el sentido crítico de muchos de sus colegas de la Nouvelle Vague se veía amordazado por un interés más preocupado en la orquestación sensitiva: savia identificable en cada uno de los fotogramas que salían del objetivo de su cámara, y que construyeron obras en las que la racionalidad argumental se veía normalmente superada por la animación de su enriquecido subconsciente.

Películas como "Los paraguas de Cherburgo" se han convertido en títulos de referencia del séptimo arte en la tierra de Victor Hugo/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

Películas como “Los paraguas de Cherburgo” se han convertido en títulos de referencia del séptimo arte en la tierra de Victor Hugo/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

El currículo de Demy habla, a ritmo de melodía sinfónica, de una especie de funambulista sobre el foso de lo inclasificable, siempre elevado por encima de las corrientes de su tiempo, merced a su particularidad y a una mente que ya  desde niño le destacó como un pensador de paisajes ensoñadores. Así lo muestra la exhibición cronológica que alberga La Cinémathèque Française, y que comienza con los pinitos infantiles de un JD obsesionado con pintar los fotogramas, y con la tergiversación de las reglas del séptimo arte. Un sentimiento de inventor sin conciencia de serlo que alcanzó sus máximas cotas de expresión inspirado por el trabajo de personalidades del mundillo, como Vicente Minnelli, Max Ophüls y Marcel Carné.

El cosmos del cineasta tomó muchos elementos de la corriente del pop art/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

El cosmos del cineasta tomó muchos elementos de la corriente del pop art/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

El resto del espacio habilitado para reencontrarse con el filmador de Lola ya entra dentro de la leyenda de este renacentista apasionado de las salas de proyección, de los discursos pictóricos a base de imágenes en movimiento y de las canciones a asta alzada, con actrices de belleza imperecedera y de rasgos venusianos (las hermanas Catherine Deneuve, Françoise Dorléac son ejemplo de ello). Un estilo desenfadado que sigue muy presente hoy en día, a través de herederos del pilotaje de claqueta (declarados o no) que el público puede bautizar con nombres tan afamados como los de François Ozon y Michel Gondry.

En el recuerdo imperecedero quedan las caracterizaciones de algunas de sus musas, como Catherine Deneuve/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

En el recuerdo imperecedero quedan las caracterizaciones de algunas de sus musas, como Catherine Deneuve/ Photo Credits: Cinémathèque Française y Stéphane Dabrowski

Más información, horarios y entradas en http://www.cinematheque.fr

Bill Condon esboza el retrato humano del creador de WikiLeaks en “The Fifth Estate”


Benedict Cumberbatch (izquierda) y Daniel Brühl (derecha) encarnan a Julian Assange y a Daniel Domscheit-Berg en el filme

Benedict Cumberbatch (izquierda) y Daniel Brühl (derecha) encarnan en el filme a Julian Assange y a Daniel Domscheit-Berg, respectivamente

No hace mucho tiempo, Julian Assange se paseaba por los círculos más selectos del mundo exhibiendo su avispado talento para airear los secretos de cualquier gobierno. Con la melena blanquecina al viento, este ciudadano australiano había alcanzado la cúspide de la popularidad en menos de un lustro, gracias a una habilidad nunca puesta en entredicho para mezclar negocios e informática. Sin embargo, los imperios cibernéticos centrados en desvelar documentos reservados suelen poseer el frágil andamiaje de un castillo de naipes, y se desmoronan en cuanto una de las piezas no encajan. Y esta carta fue, en el caso del empresario oceánico, la de los escándalos sexuales. Acusado de violación y de relaciones no consentidas por ambas partes, el creador de la página web más controvertida de la historia de Internet tuvo que refugiarse en la embajada de la República de Ecuador en Londres, mientras las autoridades suecas reclamaban su presencia para juzgarle en el país nórdico (donde el millonario había cometido supuestamente los mencionados delitos). Aunque, según el cerebro de WikiLeaks, su verdadero temor nunca residió en la extradición a la tierra vikinga, sino en una posible reclamación por parte de Estados Unidos para encausarlo como traidor y terrorista informático respecto a la seguridad nacional (delitos que se pueden castigar con la pena de muerte).

Cumberbatch estrenará este verano "Star Trek: En la oscuridad", en la piel del malvado Khan

Cumberbatch estrenará este verano “Star Trek: En la oscuridad”, en la piel del malvado Khan

Ausente o no, lo cierto es que Mister Julian ha logrado convertirse en uno de esos personajes cuyo nombre es conocido hasta por los niños de guardería; efecto de consecuencias planetarias que no ha pasado desapercibido para el séptimo arte. Motivo por el que la industria ya ha ensamblado una película sobre las hazañas y errores de este individuo de código binario, filme que lleva por título The Fifht Estate (El quinto estado).

La película de Condon se basa en el libro "Inside WikiLeaks", de Daniel Domscheit-Berg

La película de Condon se basa en el libro “Inside WikiLeaks”, de Daniel Domscheit-Berg

Dos libros (My Time With Julian Assange, de Daniel Domscheit-Berg, y WikiLeaks: Inside Julian Assange’s War On Secrecy, de David Leigh y Luke Harding) componen el poso argumental de un largometraje que, en espera de asistir al anunciado estreno el próximo 15 de noviembre de 2013, parece adentrarse en el proceso de elaboración del polémico negocio del nacido en Townsville; así como en sus relaciones más trascendentales a lo largo de su rocambolesca existencia.

El guion también toma datos aparecidos en "Inside Julian Assange's War On Secrecy", de los periodistas David Leigh y Luke Harding

El guion también toma datos aparecidos en “Inside Julian Assange’s War On Secrecy”, de los periodistas David Leigh y Luke Harding

El neoyorquino Bill Condon (Dioses y monstruos) es el director responsable de esta obra, que sigue la más o menos fiel adaptación del material literario a dos bandas citado en el párrafo anterior, y que firma el televisivo Josh Singer (autor de muchas de las tramas de las series Fringe y El ala oeste de la Casa Blanca): un argumento convenientemente efectista, cuyo paisaje ha tenido en Alemania y en Bélgica los centros neurálgicos de su fisonomía.

La trama de "The Fifth Estate" mezcla el thriller con el retrato psicológico

La trama de “The Fifth Estate” mezcla el thriller con el retrato psicológico

A modo de una falsa buddy movie, The Fifth Element (anteriormente respondía al título de The Man Who Sold The World) comienza su discurso con una de esas amistades de hierro, en la que el trabajo conjunto genera una chispa difícil de detener. Esto es lo que sienten los jóvenes Julian Assange y Daniel Domscheit-Berg, cuando en 2006 dan vida a un monstruo virtual llamado WikiLeaks. Desde ese momento, la evolución de los acontecimientos va separando a los antiguos colegas, hasta el punto de transformarlos en antagonistas, enfrentados por sus diferentes posturas respecto al activismo tecnológico.

Daniel Brühl se mete en la piel del que fuera uno de los mejores colaboradores de Assange

Daniel Brühl se mete en la piel del que fuera uno de los mejores colaboradores de Assange

Reparto heterogéneo

La dificultad para llevar a buen término una producción con un protagonista que se aleja bastante de la idea tradicional de héroe, y sobre el que existen más sombras que luces, parecieron marcar al proyecto con un extraño sello de malditismo, que desanimó a algunas de las estrellas, a las que se pretendió seducir en un principio para completar el elenco artístico.

La bella Carice van Houten interviene en el largometraje como la activista Birgitta Jónsdóttir

La bella Carice van Houten interviene en el largometraje como la activista Birgitta Jónsdóttir

Los ejecutivos de Dreamworks (con la mirada siempre puesta en la taquilla) deseaban un cuadro de profesionales con gancho a escala universal. Para ello, Condon y su equipo se pusieron en contacto con Jeremy Renner y James McAvoy para que encarnaran a Assange y a Domscheit-Berg, respectivamente. Pero problemas de última hora hicieron imposible que estos actores se incorporaran a la grabación. De esta manera, sin los rostros principales, el realizador de Dreamgirls empezó a ver bastante negra su intención de confeccionar la obra.

Condon tiene en su haber títulos como "Dreamgirls" y "Dioses y monstruos"

Condon tiene en su haber títulos como “Dreamgirls” y “Dioses y monstruos”

Y así fue, hasta que aparecieron en el horizonte del director de casting el londinense Benedict Cumberbatch (Sherlock) y el hispano-alemán Daniel Brühl (Rush). Ellos se convirtieron en los perfectos Julian y Daniel; y los motores comenzaron a funcionar nuevamente con la meta en la consumación de la aventura. Aparte, la contratación de la pareja que desencadenaba la historia consiguió convencer al resto de los integrantes del apartado interpretativo, en el que destaca la presencia de temple camaleónico de Stanley Tucci (James Boswell), Carice van Houten (Birgitta Jónsdóttin), Laura Linney (Sarah Shaw), Dan Stevens (Ian Katz) y Anthony Mackie (Sam Coulson).

WikiLeaks fue un bombazo por su tendencia a desvelar los secretos de países como USA

WikiLeaks fue un bombazo por su tendencia a desvelar los secretos de países como USA

Desde su paradero defensivo, el otrora señor de los secretos revelados –ayudado por gente como Oliver Stone- ha expresado su descontento ante cualquier trabajo cinematográfico perpetrado en torno a su persona, y que no haya contado previamente con su aceptación. Tal vez, el experto en dar luz a los laberintos de las penumbras oficiales sea también un mago de la privacidad, y guarde más conejos en su sombrero de copa de los piensan los investigadores y los pasados compañeros de realidades computerizadas del australiano. Por lo pronto, en espera de futuras grabaciones, los espectadores tendrán la exposición de Condon como botón de muestra. Pieza de toque que sigue una línea semejante a la que efectuó en 2012 Robert Connolly, con la adaptación del libro Underground: The Julian Assange Story, según el texto original del propio Assange y de la periodista Suelette Dreyfus.

En 2012, Robert Connolly trató la adolescencia de Assange como hacker en el telefilme "Underground"

En 2012, Robert Connolly trató la juventud de Assange como hacker en el telefilme “Underground”

Más información en http://www.imdb.com

La Fundación Lázaro Galdiano estudia cómo dar vida a las colecciones de Arte


"El coleccionista de obsesiones", de Bernardi Roig/ Photo Credits: Museo Lázaro Galdiano

“El coleccionista de obsesiones”, de Bernardi Roig/ Photo Credits: Museo Lázaro Galdiano

En el siglo XIX, los maestros de los plintos y las telas no querían ser moho de sala expositiva, sino hacerse entes de pigmentos y mármoles entre la multitud. Sacar de los poros de la piel de los espectadores sudores con los que explicar la vitalidad en las pinceladas, sustraer a la retina de los seres anónimos la información necesaria para recrear la respiración y la asfixia del asombro… Así es como los artistas siempre han deseado, desde que conciben la obra en su mente, acercarse al público; trascendiendo centurias, generaciones, sexos y pareceres.

Bajo tales conceptos, la idea de las colecciones muertas (normalmente apaciguadas entre las luces espectrales y neutras de un centro de intelectualidad de oropeles de parca sin guadaña) tiene que ser animada por ejercicios o juegos, en los que penetre la existencia, la luz de la vulnerabilidad, la magia del cambio, la fantasía de la novedad. Precisamente, esas cuestiones de lienzos de incienso humeante son las que pretenden airear las III Jornadas de Coleccionismo, que tendrán lugar en Madrid, en la Fundación Lázaro Galdiano (Serrano, 122), durante los días 13 y 14 de mayo de 2013.

"Un cuerpo extraño", de Rui Macedo/ Photo Credits: Rui Macedo y Museo Nacional de Artes Decorativas

“Un cuerpo extraño”, de Rui Macedo/ Photo Credits: Rui Macedo y Museo Nacional de Artes Decorativas

Dos mesas redondas concitan los diferentes aspectos sobre cómo intervenir los fondos de las instituciones museísticas: fórmulas destinadas a generar un diálogo intenso, dedicado a mejorar la visión de los visitantes en torno a unos lugares en los que el aprendizaje debería estar al alcance de cualquier espíritu ansioso del mismo, sin tener que poseer muchos conocimientos de la materia; sólo arropado con la sensibilidad adecuada para apreciar los diferentes estados de ánimo.

Para abrir boca, el 13 de mayo se desplegarán dos charlas emocionantes y acribilladas de propuestas e ideas constructivas; las que protagonizarán los creadores Bernardi Roig y Rui Macedo, junto al galerista Alberto de Juan y los comisarios José Jiménez y José María Parreño.

"Un cuerpo extraño", de Rui Macedo/ Photo Credits: Rui Macedo y Museo Nacional de Artes Decorativas

“Un cuerpo extraño”, de Rui Macedo/ Photo Credits: Rui Macedo y Museo Nacional de Artes Decorativas

Una vez centrada la materia, el 14 de mayo tendrá lugar una mesa redonda, en la discutirán sobre cómo coleccionar la intervención Valentín de Madariaga (Fundación Valentín de Madariaga), Han Nefkens (Fundación Han Nefkens), Javier Quilis (Colección Inelcom) y Carlos Rosón (Fundación RAC). La jornada estará moderada por el experto Rafael Doctor.

Los interesados en asistir a este estimulante encuentro -que cuenta con el patrocinio del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, la Fundación Lázaro Galdiano y ARCOmadrid- pueden buscar la información necesaria en la página:

http://www.flg.es

John Fante escancia la América de los claroscuros en “El vino de la juventud”


Anagrama reúne en un mismo libro los trece relatos de "Dago Red", más siete aparecidos más tarde

Anagrama reúne en un mismo libro las trece historias de “Dago Red”, más siete aparecidas más tarde

Las navidades nunca fueron realmente blancas en sus relatos. Como atenazados por la amargura de la depresión hasta en los huecos de las muelas caídas, los personajes de este inconmensurable narrador de las orfandades sociales vivían las venidas de Papá Noel sin pavos en los hornos, ni manzanas de caramelo en las barrigas, ni regalos bajo las chimeneas invisibles del desamparo. Esa fauna de seres, carcomidos por la metralla de la hambruna y de los sueños de esparto y papel de lija, pobló con holgura de camposanto la literatura del autor de referencia de Charles Bukowski y John Martin: un individuo de mirada perdida, capaz de aniquilar las telarañas de la apañada propaganda imperialista con frases de aire y lluvia, con continuos touch down lingüísticos lanzados a los nervios de una tierra moribunda y errática.

La obra del escritor resurgió tras la acción salvadora de Charles Bukowski y John Martin

La obra del escritor resurgió tras la acción salvadora de Charles Bukowski y John Martin

Pese a que John Thomas Fante (Denver, Colorado, 1909- California, 1983) cruzó La Laguna Estigia con cerca de ochenta años, las obras que se conservan firmadas por su pulso sufriente son muy escasas en número. Por eso, la reedición de cualquiera de sus enriquecedores textos sobre la naturaleza humana (casi coincidentes en aristas emocionales con los mejores hijos de John Steinbeck) se convierte en un gran acontecimiento para todos los espíritus ansiosos de rozar la perfección novelística; esos espectros de biblioteca y estantería que anhelan escapar de vez en cuando de las tesis interminables a base de filosofías ininteligibles. En este sentido, el del mencionado reencuentro buscado y añorado, la editorial Anagrama acaba de lanzar al mercado español una recopilación de un puñado de narraciones breves del escritor estadounidense, titulado El vino de la juventud (cuya traducción corre a cargo de Antonio-Prometeo Moya).

La literatura de Fante suele moverse por los terrenos alejados al triunfalismo

La literatura de Fante suele moverse por los terrenos alejados del triunfalismo

El paisaje que el vástago de inmigrantes pinta en este fresco, colorido y descarnado a tono con la atmósfera reinante, es el de un clan italoamericano, que acude con prestancia a su madurez sensitiva a través de los ojos del protagonista: un muchacho adolescente que va creciendo con la angustia del fracaso en el aliento, mientras se desprende progresivamente de la pátina de respeto que debe a un padre al que culpa de sus frustraciones de aldea. Con estas evocaciones, el figurado chaval monta un ejército de renglones, marcados con las imágenes de álbum de Pascua y festividad aparente, por el que desfilan asuntos de trascendencia fundamental en la producción del creador de la saga de Arturo Bandini; temas de sangrado obligado que se corresponden con la familia, el catolicismo, el abandono de la inocencia y la sensación de que el mundo empequeñece, conforme el hombre y la mujer se van dando cuenta de su sumisión a las restricciones medioambientales.

El creador de la saga Bandini pasa por ser uno de los precursores del "realismo sucio"

El creador de la saga Bandini pasa por ser uno de los precursores del “realismo sucio”

El vino de la juventud refresca de esta manera totalmente enérgica los trece cuentos de honra al malditismo voluntario que compusieron originalmente el libro Dago Red, más otros siete lienzos de palabras y sentencias aparecidos un poco más tarde. Todos ellos construyen uno de esos pilares en los que es difícil encontrar el acomodo del simplismo, o de la diversión hedonista de los que únicamente aspiran a ver su nombre en las listas de los best sellers.

Pese a que casi rozó los ochenta años de existencia, los títulos que se conservan de él son escasos

Pese a que casi rozó los ochenta años de existencia, los títulos que se conservan de él son escasos

Las letras de John Fante están cargadas de realismo sucio, de poesía extraída a los andamiajes del esqueleto de la conciencia de sus congéneres, a los que trata en ocasiones como traslaciones de su propia existencia, y a los que llena el cuerpo con estrellas que no dejan triunfalismos propiciados por varitas mágicas, ni arropan la tristeza con la esperanza de redenciones al final del camino.

Entre sus temas favoritos estaban la familia y la religión

Entre sus temas favoritos estaban la familia y la religión

Semejantes cuadernos de bitácora, o guías por el desfiladero de las creencias, sirvieron de brújula imantada a gran parte de los integrantes de la Generación Beat (con Kerouac a la cabeza), que hallaron en las descripciones del natural de Colorado la maestría de un rapsoda de las pesadillas, provocadas por la alienación de las virtudes incomprendidas, del talento quemado por el asfalto de los que se muestran incapaces para localizar la calidad en la catarsis de la perdición.

"Pregúntale al viento" es el texto más conocido de John Fante

“Pregúntale al viento” es el texto más conocido de John Fante

Si no hubiera sido por Bukowski y Martin y por la legendaria editorial Black Sparrow, la mayoría de los logros de JF habrían acabado en el olvido injusto de los cerebros silenciados por su tiempo. Menos mal que el azar favoreció a que sus historias levantaran el vuelo en la California de las ilusiones de hormigón y tecleo de máquinas infernales, la de las palmeras ondeantes que claman en cuanto canta el gallo del crepúsculo de los dioses, el mismo que reside en las colinas de la eternidad hilvanada fotograma a fotograma.

El literato nacido en Colorado fue un auténtico maestro para la Generación Beat

El literato nacido en Colorado fue un auténtico maestro para la Generación Beat

Más información en http://www.anagrama-ed.es

El Metropolitan Museum de Nueva York maquea su aspecto con tachuelas y crestas


El Met acoge, hasta el próximo 14 de agosto, la exposición Punk: Chaos To Couture

El Met acoge, hasta el próximo 14 de agosto, la exposición Punk: Chaos To Couture

John Lydon, 1976/ Photo Credits: Richard Young/ Rex USA

John Lydon, 1976/ Photo Credits: Richard Young/ Rex USA

La noche pinta con el azabache de los cueros curtidos. La fecha: la de un fin de semana cualquiera de los años setenta. Y el lugar de la cita discurre al ritmo frenético de la rabia de los outsiders, desbordada tras las paredes del CBGB’s OMFUG (Conuntry, Bluegrass and Blues Other Music For Uplifting Gormandizer). En el 315 de Bowery, entre la 1ª y la 2ª calle en el Lower East Side de Manhattan, el local regentado por Hilly Kristal vierte su cataclismo social al son de las frenéticas voces de Deborah Harry (Blondie) y Patti Smith, orquestadas por las guitarras imperecederas de The Ramones. Mientras, al otro lado del Atlántico, la Seditionaries Boutique de Malcolm McLaren y Vivienne Westwood venden a la clientela prendas de rebelión programada, siempre alentadas desde la singular sede del cambio, ubicada en la londinense arteria del 430 de King’s Road. Entre esos vértices enfervorecidos, dividido entre continentes y sentimientos hermanados por una misma filosofía activa, surgió el movimiento punk, alimentado con las vitaminas proteicas del desenfreno y la asfixia colectiva.

Paul Cook retratado a finales de los setenta/ Photo Credits: Dennis Morris

Paul Cook retratado a finales de los setenta/ Photo Credits: Dennis Morris

El tiempo transcurrido ha ido modificando el sentido neurálgico de esa corriente irrefrenable, que se hizo célebre con píldoras de agit-prop combinadas por formaciones como Sex Pistols y The Clash. Una realidad que con el paso de las décadas ha traicionado su propio ideario, cuaderno de bitácora que en su día bombeaba renglones de descontento ilimitado, pensado por los que se consideraban fuera del mainstream y del triunfalismo de los poderosos. La provocación constante fue el arma habitual de gente como Sid Vicious, Johnny Rotten o Joe Strummer; pero ese comportamiento existencial creció más allá de la música, para transformarse en un monstruo de naturaleza warholiana, y desmoronar su horneado artístico en la cocina de la alta costura.

Junya Watanabe/ Photo Credits: Catwalking

Junya Watanabe/ Photo Credits: Catwalking

Ese sendero de influencia en la manera de vestir es en el que se vuelca el Metropolitan Museum de Nueva York, con la exposición Punk: Chaos To Couture; viaje a la deconstrucción de lo políticamente correcto que ocupa el segundo piso de la institución, hasta el próximo 14 de agosto.

John Lydon, 1976/ Photo Credits: Ray Stevenson/ Rex USA

John Lydon, 1976/ Photo Credits: Ray Stevenson/ Rex USA

El punk fue una variante híbrida desde sus inicios, y se alimentó de otros estilos como el Dadaísmo y el Postmodernismo”, afirma Thomas P. Campbell (director y CEO del Met). Una reflexión definitoria que elabora su discurso en las más de cien piezas que componen el recorrido de la muestra, cuyo desarrollo visual y sonoro se vertebra a través de diseños de conocidos modistos (Dolce & Gabana, Dior, Lagerfeld), documentos gráficos flasheados en primera línea de fuego, pintadas reveladoras, accesorios de singular posicionamiento, pines con lemas de laboratorio mediático y vídeos destinados a aportar algo de claridad a un fenómeno que, aún en la actualidad, sigue muy en boga. “Esta corriente ha tenido una influencia incendiaria en la moda. La democracia que promulgaba luchó contra la autocracia de los diseñadores, y eclosionó con toda su rebeldía y fuerza”, asegura Andrew Bolton (comisario de Chaos To Couture).

Riccarrdo Tisci for House of Givenchy, 2008/ Photo Credits: Vogue, Italia

Riccarrdo Tisci for House of Givenchy, 2008/ Photo Credits: Vogue, Italia

Al contemplar la exhibición, el espectador saca una idea bastante enriquecedora respecto al contagio entre artes que propició esta filosofía vital, la cual supo canalizar a la perfección algunas de las enseñanzas del mayo parisino del 68. Una tesis en favor del reciclaje efectivo que cohabitó intensamente con la paradoja constante sobre sus acciones y protocolos, y que supo mantener su presencia independientemente de los calendarios a través de estilos como la new wave, el garage punk, el rock alternativo o el idolatrado grunge de los noventa.

Gary Wilson, 1977/ Photo  Credits: Roberta Bayley

Gary Wilson, 1977/ Photo Credits: Roberta Bayley

Punk: Chaos To Couture enseña los tirabuzones ocultos de un tiempo en el que gente como Patti Smith o The Clash alardeaban del protagonismo de lo underground  y de la caída del concepto de lucro industrial, sin importar excesivamente la mercadotecnia. Una era de psicodelia de la extravagancia en la que las chinchetas y las crestas denotaban la disconformidad con el mundo del capital, el mismo que daba la espalda a los que iban a contracorriente, a los que tomaban el elixir del malditismo como un maná que los elevaba por encima de la mediocridad reinante. Peregrinaje hacia la malversación de los espíritus irritados que, no obstante, ya había tenido precedentes de altura estratosférica en algunos grupos de intelectuales alumbrados en épocas anteriores,  como fue el caso del de los Young Angry Men de Gran Bretaña y el de los acordes de depresión anímica que entonaron los literatos de la Generación Beat.

Patti Smith a finales de los setenta/ Photo Credits: Caroline Coon, Camera Press

Patti Smith a finales de los setenta/ Photo Credits: Caroline Coon, Camera Press

Sin embargo, pese a los ingredientes prestados, el punk generó una nueva forma de visionar el planeta Tierra, postura con la que moldeó unas gafas capaces de convertir a sus portadores en adalides del disentimiento, en héroes maquillados para batallar sin cuartel contra el manual de uso de la burguesía sin sueños de ruptura, contra el orden cuadriculado de los imperios carentes de imaginación y fantasía.

Joe Strummer, 1977/ Photo Credits: Ray Stevenson/ Rex USA

Joe Strummer, 1977/ Photo Credits: Ray Stevenson/ Rex USA

Más información, horarios y entradas en http://www.metmuseum.org

OMD juran lealtad al imperio de los teclados con “English Electric”


El ahora cuarteto saca al mercado el décimosegundo álbum de su carrera

El ahora cuarteto saca al mercado el álbum número 12 de su carrera

Cuando Andy McCluskey y Paul Humphreys dieron alas profesionales a Maniobras Orquestales en la Oscuridad (antes bajo la denominación de Id), las calles de Liverpool ya prendían velas con la sintonía del cancionero horneado por The Beatles. En concreto, era la época de principios de los ochenta: unos años en los que las sinfonías corrían parejas a las dictaduras de los sintetizadores, rindiendo sus notas ante los ataques frontales de la electrónica de los impulsos. Dentro de ese panorama de discursos ensamblados a base de percusión y teclados, gente como Joy Division y Kraftwerk se llevaron la mayoría de los halagos por parte de la industria. Grupos de mención obligatoria que sirvieron para inspirar la aventura sonora del mencionado dueto de compositores isleños.

La formación regresa al sonido que les dio la fama a principios de los ochenta

La formación regresa al sonido que le dio la fama a principios de los ochenta

Más de tres décadas después, y tras numerosas disensiones entre sus miembros, OMD regresan a la actualidad con un disco que no se complace simplemente con quitar el polvo al pasado, sino que muestra el momento de euforia popera que vive la formación. Tal estado de ánimo juvenil coincide con la pérdida de complejos, respecto al tipo de trovas que mejor se les da a los chicos de Enola Gay y Souvenir. Y con ellas adecentan una colección de estribillos que pueden parecer carentes de experimentación, pero que transportan a sus seguidores a la senda que comenzó la banda con el celebrado Organisation (vinilo editado en 1981).

El nuevo disco se compone de doce temas

El nuevo disco se compone de doce temas

English Electric parece un producto sacado directamente de un túnel del tiempo, cuyos surcos acogen el ritmo imperecedero de unos tipos que han sabido resistir en un universo caracterizado por la brevedad warholiana (esa que cifra en 15 minutos de fama la existencia ideal de cualquier individuo). Cobijados por el paraguas habitual de un puñado de letras pegadizas, McCluskey y Humphreys visten un trabajo a doce cortes, a través de los que recuperan el espíritu de antaño, divertido y lúdico, siempre alumbrado por una cierta sensación de cuidado estilismo underground.

"Metroland" fue el primer single en ver la luz/ Photo Credits: OMD

“Metroland” fue el primer single en ver la luz/ Photo Credits: OMD

Desde la palestra del primer sencillo, el realmente envolvente Metroland, esta decimosegunda obra en el currículo del grupo se erige como una bandera ondeante a favor de la lógica satírica (Please Remain Seated), las reuniones en penumbra (Night Café), las tesis apocalípticas de marcado nihilismo (The Future Will Be Silent) o las memorias del historicismo homérico (Helen Of Troy). Aunque, si hubiera que escoger una composición especialmente calificadora de lo que significa OMD en este 2013 de banalidades crematísticas, semejante lírica sería la contenida en el velado homenaje a Isaac Asimov y a sus correligionarios, tributo rítmico titulado Kissing The Machine. Este track, que es un remake del aparecido originalmente en el CD Esperanto de 1993, cuenta con la colaboración gestora de Karl Bartos (antiguo miembro de Kraftwerk) y el seductor timbre de Claudia Brücken (la ex de Propaganda se mete en la piel de la máquina).

La temática del CD gira en torno a los escenarios sintéticos

La temática del CD gira en torno a los escenarios sintéticos

Los tornillos de un futurismo de armónicos blade runners, sin replicantes a los que cazar, se ajustan a la perfección en las armaduras de bodegones multicolores (casi hiperrealistas a lo Hopper) insertados en las tripas de English Electric, como dibujando los contornos de un lienzo nostálgico y deudor de las huellas de la factory de Manchester.

McCluskey y Humphreys han sacrificado parte de su vena experimental para reencontrarse con su pretérito/ Photo Credits: OMD

McCluskey y Humphreys han sacrificado parte de su vena experimental para reencontrarse con su pretérito/ Photo Credits: OMD

Los lustros que la orquesta de claroscuros temáticos lleva en el candelero han hecho del team un sinónimo de conexión emocional, con total ausencia de la identificación generacional que suele encajonar a muchas de las legendarias formaciones que circulan por la galaxia de las ondas. Esta virtud ha favorecido a la supervivencia de OMD, a los que no les importa lo más mínimo ejercer de teloneros de estrellas mediáticas del calado de Depeche Mode. Un efecto camaleónico que no quita para que, cuando McCluskey y Humphreys se ponen a entonar los acordes de hits como Enola Gay, Souvernir y Maid Of Orleans, la audiencia se quede en completo éxtasis memorístico. Entonces, las computadoras melódicas rezuman a new age de cuño artesanal, y los triunfalismos de portada de revista quedan enmudecidos por las historias que merecen ser contadas.

La banda estará de gira por Reino Unido gran parte del verano

La banda estará de gira por Reino Unido gran parte del verano

Más información en http://www.omd.uk.com

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